Paul Jarret (guitare, effets électroniques, composition), Maxence Ravelomanantsoa (saxophone ténor), Léo Pellet (trombone), Alexandre Perrot (contrebasse), Ariel Tessier (batterie)

Villetaneuse, 8-10 juin 2015

Gaya Music Production GAYA 025/ Socadisc

Deuxième album pour ce groupe régulier, dont les membres se sont déjà distingués sur quelques belles scènes, mais aussi devant les jurys du département de jazz du Conservatoire National Supérieur et du concours de La Défense. Jeune génération donc, très formée, mais aussi très investie dans une quête artistique qui dépasse largement le (brillant) bilan de compétences. Le disque est très bien produit, riche de subtiles nuances sonores magnifiées par le prise de son et le mixage, mais l'essentiel est ailleurs : dans une énergie mingusienne, une intégrité de chaque instant qui fait nécessité impérieuse de ce qui, chez d'autres, ne serait qu'effets. Des riffs puissamment trempés de rock donnent la réplique à des mélodies parfois mélancoliques, teintées de cette tradition des musiques populaires de la vieille Europe ou d'ailleurs que l'on trouve, par exemple, chez Henri Texier. Les arrangements sont peaufinés, sans « tape à l'oreille », mais touchent cette zone sensible qui chez l'auditeur suscite l'émoi. Ici une guitare qui respire l'air des grands espaces d'un Ouest états-unien nimbé de mythes enracinés. Ailleurs un chorus perdu dans des lointains délibérés, quand la parole est en fait au lancinement des cuivres, et surtout au formidable ciselé du mixage, partie intégrante du projet artistique. Les effets électroniques sont pourvoyeurs d'un imaginaire riche, où les souffleurs évoluent comme par mystère. Les solos ne sont nullement systématiques, mais surviennent (souvent en dialogue entre plusieurs instruments) adossés à un soubassement rythmique puissant. La pulsation est forte, mais toujours soigneusement configurée, comme pour préserver la part de pensée (consciente ou inconsciente) que recèle la musique. Qualité des compositions, cohérence du groupe, pertinence des choix sonores, tout inspire le respect, et même l'admiration : « de la belle ouvrage », qui rappelle que les grands artisans sont aussi des artistes. À découvrir donc (si ce n'est déjà fait), et de toute urgence.

Xavier Prévost

Le groupe sera en concert à Paris, au Café de la Danse, le mercredi 16 mars

Petite vidéo d'aguichage sur Vimeo : https://vimeo.com/144017248

Label Bleu 2016
Johane Myran (dir), Alexis Bourguignon (tp), Franck Guicherd (tp), Matthieu Haage (tp), Xavier Bornens (tp), Bertrand Luzignant (tb), Thomas Henning (tb), Daniel Israel (tb), Stéphane Montigny (tb), Esaïe Cid (sax), Julien Raffon (sax), Jean-Hervé Michel (sax), Julien Duchet (sax), Sylvain Fétis (sax), Matthieu Jérôme (p), Marc-Antoine Perrio (g), Blaise Chevallier (cb), Julien Grégoire (dms), Thomas de Poourquery (vc)

Thomas de Pourquery et Johane Myran se connaissent bien. Ils ont ensemble usé leurs fond de culotte dans les mêmes classes du CNSM et ne se sont jamais vraiment perdus de vue. In imagine qu’il devait y avoir quelque part dans un coin de leur tête, l’idée de faire quelque chose ensemble. Le projet, ce qui les réunit finalement c’est leur amour commun de ce terreau du jazz, celui des grands standards. Jouante dirige un formidable big band et Thomas de Pourquery a raison, se rêve de plis en plus en chanteur. Alors, en grands amoureux de Broadway ils se sont mis d’accord pour que Myran arrange les grands standards du répertoire sur lesquels Thomas de Pourquery poserait sa voix de crooner, quelque part entre Jamie Cullum et Franck Sinatra.

Alors mettez vos costumes à paillettes et montez avec eux sur cette scène de music-hall où le superbe big band de Johane Myran va vous émoustiller les écoutilles. Les thèmes, les chansons sont ultra connus. On les a tous en tête. Et Johane Myra s’amuse autant à les détourner qu’à les restituer.
Alors, ils déstructurent Broadway. Un peu comme s'ils se disaient : comment ces auteurs de music hall écriraient-ils en 2016, dans un environnement où l'urbanité a changé ? Où chaque personnage visité évolue dans un monde autre.
Alors si le big band sonne terriblement jazz avec de superbes arrangements pour cuivre, il tourne autour des standards en les mariant ensemble Night and Day avec My Way et Speak low avec Lush life. Blackbird prend ainsi des allures métalliques inquiétantes.
Mais s’ils jouent avec des émotions différentes, avec des atmosphères qui détournent ces standards ou plutôt les réinventent, nous gardons nos repères rassurants avec la mélodie toujours présente et le chant porté de manière littérale par un magnifique Thomas de Pourquery transformé (mais on le connaissait déjà dans ce registre) en crooner modernisé.
Autour de Broadway ils créent des champs magnétiques et c’est jubilatoire.
Jean-Marc Gelin

Red Star sera à l'ESPACE 1789 à Saint Ouen dans le cadre du 33ème festival Banlieues Bleues le 18 mars

Grand Ensemble Koa : Alfred Vilayleck (guitare basse, composition, direction), Matthieu Chédeville (saxophone soprano), Armel Courrée (saxophone alto), Jérôme Dufour (saxophone ténor), Pascal Bouvier (trombone), Matia Levrero (guitare), Samuel Mastorakis (vibraphone), Daniel Moreau (piano, piano électrique, synthétiseur), Julien Grégoire (batterie).

Pompignan (Gard), juillet 2014

Arbalète / Muséa

Ce grand ensemble montpelliérain participe au Collectif Koa, qui rassemble 7 groupes, organise un festival au printemps, et constitue un vecteur important de la jazzosphère languedocienne. C'est leur deuxième CD, et il confirme l'indiscutable valeur de cette formation : qualité de l'écriture (la forme des pièces, la construction de l'ensemble du CD, et les alliages de timbres, avec de très subtiles couleurs), énergie et cohésion du groupe, maîtrise et créativité des instrumentistes. On est décidément en présence d'une phalange de haut niveau, avec des solistes d'une belle expressivité. Ici ou là, l'impression que l'un ou l'autre d'entre eux produit des phrases un peu prévisibles. Mais il faut dire que le disque a été enregistré voici presque deux ans, et que le concert auquel j'ai assisté en juillet dernier au Festival de Radio France et Montpellier Languedoc-Roussillon m'a fait oublier cette très relative faiblesse. Des langages divers (musiques répétitives, fusion, jazz ternaire et contemporain, souvenirs rythmiques de Stravinski ou Bartók....) se combinent ou s'entrechoquent avec pertinence et fantaisie. On est capté par la riche diversité de l'ensemble, et l'on se dit qu'une autre écoute apportera d'autres plaisirs, d'autres curiosités ; et c'est le cas. Le titre de l'album, « Ahimsa », fait référence à une notion de la philosophie indienne qui désigne la non-violence : les émotions et les sensations peuvent cependant y être fortes, et le groove sacrément offensif. Belle réussite, vraiment, qui se concrétise par l'invitation faite au groupe de venir faire un petit tour à Paris, au Carreau du Temple, dans le cadre de la « Jazz Fabric » programmée par l'Orchestre National de Jazz.

Xavier Prévost

Concert le jeudi 10 mars à 20h30 à Paris, au Carreau du Temple, dans le cadre de la série « Jazz Fabric » de l'Orchestre National de Jazz

Un avant-ouïr du CD sur Soundcloud

https://soundcloud.com/grandensemblekoa

Ramon Fossati (trombone & coquillages), Olivier Brandily (saxophone alto, flûte & cooquillages), Laurent Bronner (piano), Nicolas Rageau (contrebasse), Luc Insenmann (batterie)

Montoliu de Segarra (Catalogne), 21-23 septembre 2015

Fresh Sound New Talent FSNT 495 / Socadisc

Le tromboniste Ramon Fossati est un catalan de Paris, ou peut-être de l'Essonne, qui communique avec les autres (autres individus, autres nations, autres cultures....) par l'entremise de sa passion pour le jazz. Après Paris-Barcelona Swing Connection, il s'est retrouvé voici plus de 10 ans avec une autre équipe, aujourd'hui l'essentiel des membres de ce quintette, pour Five in Orbit. La communication, ou plutôt la communicabilité, paraît être la matière première de ce groupe : très forte expressivité, assumée, partagée, qui associe l'ensemble des instruments et des instrumentistes dans une expression très collective, selon ce qui pourrait être l'essence originelle du jazz (si tant est que le jazz ait une essence, alors qu'il est plutôt une musique d'existence, mais laissons là le débat philosophique....). Tout commence par de joyeuses dissonances, comme au début des Éléments de Jean-Féry Rebel (1737), tentative de description de la création du monde, laquelle commence bien entendu par le chaos qui précède l'édification du cosmos. Et le monde qui advient ici c'est le jazz, version hyper-expressive, comme au temps du jungle style de Duke Ellington et Bubber Miley, et jusqu'à Charles Mingus, et au-delà. Dès la première minute, la flûte aventurée dans des modes de jeu hétérodoxes et des sonorités extrêmes (souvenir de Roland Kirk, qui fit un séjour furtif chez Mingus : pas de hasard!) donne le ton. C'est du jazz hot, dans toute la vitalité originelle de l'idiome afro-américain, et dans un langage musical d'aujourd'hui ; c'est ce que suggère le titre de ce premier thème, Tribulus Terrestris, plante aux vertus vivifiantes, stimulantes, pour ne pas dire plus. La mélancolie s'installe ensuite, sur les traces d'Ibn Khaldoun et de ses pérégrinations philosophiques, méditerranéennes et européennes. Et le disque se dévoile progressivement, en plages très libres, toujours animées de cette espèce de vocalité des instruments à vent (y compris les coquillages) qui donne à l'expression sa force. Les compositions sont signées par les trois piliers constitutifs du groupe : Ramon Fossati, le tromboniste , Olivier Brandily, le saxophoniste-flûtiste, et Lauren Bronner le pianiste. Mais leurs partenaires ne déméritent pas de vigueur, de finesses dans le jeu collectif et d'inventivité : Nicolas Rageau et Luc Isenmann sont totalement immergés dans le projet collectif, qui porte le disque jusqu'à son terme : Lonsome Lover, une composition de Max Roach et Abbey Lincoln, extraite du disque « It's Time » (Impulse, 1962). Jusqu'au bout la flamme est entretenue, avec force, par ces gardiens fidèles d'un jazz toujours vif, et vivant ; vitalité magnifiée sur la pochette du CD par les illustrations tout aussi expressives du plasticien catalan Marcel.Lí Antúnez Roca.

Xavier Prévost

Le groupe jouera le 5 mars 2016 à Barcelone au festival Jazz de Terrassa, et le 31 mars à Paris au studio de l'Ermitage.

Un extrait sur Youtube en avant-ouïr

https://www.youtube.com/watch?v=_KcOr4ObmBc

Joachim Florent (contrebasse solo & électronique)

Couffoulens (Aude), avril 2014 & Le Mans

Coax Records COAX029JOA1 / www.collectifcoax.com

L'exercice du solo de contrebasse est assurément périlleux, et pourtant Joachim Florent s'en tire à merveille. Ces plages, enregistrées au Théâtre dans les vignes de Couffollens, dans l'Aude, et à la Collégiale St Pierre la Cour du Mans (où le musicien avait joué en mai 2012) recèlent une diversité d'inspirations et de pratiques qui forcent le respect, et même l'admiration. Entre solo absolu, très acoustique, et solo démultiplié par les machines en un large spectre de sonorités mêlées, c'est une déclinaison des horizons possibles de l'instrument. En une trentaine de minutes, le contrebassiste parcourt des univers sonores et esthétiques parfois insoupçonnables (et en tout cas largement insoupçonnés). Une psalmodie suggérée par le souvenir du chant d'un muezzin va conduire, par développements successifs, à une large spectre de résonances presque polyphoniques. Une mise en boucle de pizzicati va créer un espace répétitif riche en variations, hypnotique et vivant tout à la fois. Ensuite un son très acoustique, largement réverbéré (l'électronique ? L'abbatiale du Mans ? L'une et l'autre à la fois?) va produire une brève marche majestueuse, où la mélodie porte en elle l'exacte perception de l'harmonie. Puis l'électronique reprend ses droits, à coup d'échos et de traitements, effet wah-wah, riches harmoniques, jusqu'à ce que le son acoustique établisse sur cet empire technologique et furtif toute sa majesté. Vient ensuite une partita virtuose que l'on jurerait de violoncelle, puis un jeu de percussions qui faite parler les cordes et le bois de l'instrument. Peu après, ce serait presque une viole de gambe élisabéthaine, avant de glisser de nouveau vers l'univers contemporain. Plus loin encore, l'électronique transforme l'instrument en une sorte d'orgue futuriste pour concert sous-marin, et conclusif. Cette laborieuse tentative de description de l'objet, ou d'épuisement d'un réel insaisissable, a pour seul but de donner l'envie d'en savoir plus en écoutant la musique (voir le lien en bas de page). Ce que suggère le titre, c'est peut-être que, lorsque la science musicale et le savoir instrumental sont conquis, maîtrisés, puis sublimés, un au-delà est atteint, qui ressemblerait à l'enfance de l'Art.

Xavier Prévost

Lien vers la musique du CD :

http://collectifcoax.bandcamp.com/album/after-science-joachim-florent

Joachim Florent jouera en solo à Rennes, le 25 février 2016, à la Maison de la Grève