Sortie le 20 mai 2014  / Concert le 24 juin 2014 au Café de la Danse - Paris

Concert à Jazz sous les Pommiers le 29 mai

Outnote records / Outhere distribution

La Nouvelle Vague en France fut une période d’effervescence culturelle pendant laquelle le cinéma français, a exploré brillamment de nombreux styles musicaux : be bop, swing, jazz, classique, musique symphonique, et chansons. « C’est un peu le reflet d’une époque, celui d‘une industrie qui reformate la musique écrite pour le cinéma en fonction du marché » écrit  le musicologue Stéphane Lerouge dans le catalogue de la formidable exposition de la Cité de la Musique Musique et cinéma, le mariage du siècle ?  A l’époque des yéyés, sortirent en 45 tours sur le label Philips, beaucoup de musiques des films de la Nouvelle Vague.

Cette période fascine nos musiciens de jazz actuels et c’est au tour de Stéphane Kerecki de se pencher sur ces thèmes, après le travail abouti de Stephan Oliva dans Vaguement Godard. Le contrebassiste explique fort bien que la démarche des cinéastes de la Nouvelle Vague rejoint celle des musiciens de jazz dans une recherche éperdue de liberté. Voilà qui permet d’associer dans une ronde ophülsienne,  cinéastes et musiciens aussi originaux que Jean Luc Godard, François Truffaut, Louis Malle, Jacques Demy, Michel Legrand, Georges Delerue, Miles Davis, Antoine Duhamel. Car ces musiques, toutes singulières, témoignent de ce désir de liberté accordé à chaque compositeur. De plus, la fonction de la musique au sein des films prend de l’importance, dans une nouvelle perspective, structurante, et peu illustrative.

 Dans le Nouvelle Vague du quartet de Stéphane Kerecki,  les thèmes ont été peu arrangés, dans une volonté délibérée de les saisir à vif, comme des matériaux bruts que chacun des complices du contrebassiste s’approprie à son gré. Le pianiste John Taylor qui a enregistré en 2011, Patience (chroniqué aux DNJ)  en duo avec Stéphane  Kerecki, est à nouveau de la partie avec un piano impressionniste et doux, le batteur Fabrice Moreau, élégant et précis, le saxophoniste Emile Parisien au soprano, particulièrement sobre sur tout le disque, entourent  le contrebassiste leader. 

 La musique référence du mouvement de la Nouvelle Vague est celle d’Ascenseur pour l’Echafaud de Louis Malle, expérience innovante d’improvisation enregistrée sur les images mêmes du film par le quintet « historique » de Miles, en 1957. Le quartet de  Stéphane Kerecki  joue gros en s’attaquant à « ces » thèmes de film noir mais le résultat est probant, et puis c’est la loi du jazz de se frotter à des relectures, aussi périlleuses soient-elles. On aimerait leur demander quelle a été leur approche. Le jazz comme performance est sans doute la manifestation d’une musique générationnelle, en accord avec cette modernité cinématographique. Pour Godard [1], trois  thèmes sont repris, parmi les plus célèbres, comme des passages obligés : ainsi en est-il de « Ferdinand » (Pierrot le Fou), ce thème d’Antoine Duhamel qui, une fois entré dans la tête n’en finit pas d’y tourner, retourner. On se régale avec la suite de Martial Solal pour  A bout de souffle  (l’émouvante Jean Seberg vendant  sur les Champs Elysées, le New York Herald Tribune).  Martial Solal raconte dans Ma vie sur un tabouret  (Actes Sud) qu’il a utilisé «un ensemble de jazz modulable du sextet au big band et un orchestre avec cordes et bois » pour « deux thèmes très courts, presque identiques dans la forme, mais l’un allant du grave à l’aigu et l’autre inversé ». Enfin, comment oublier le générique, l’ouverture et «Camille»dans Le Mépris de Georges Delerue, thèmes emblématiques, devenus génériques d’émissions?

A chaque fois, le thème est rappelé, pour mémoire, repris avec des variations sur lesquelles les musiciens se détachent avec fluidité, d’autant que les musiques originales s’y prêtent, mélodiques sans être mièvres, lyriques, troublantes. Le jazz y trouve sa place par l’époque, le style, le rythme et se coule admirablement dans cette matrice : on peut réinterpréter, broder des variations, s’éloigner, créer du neuf à partir d’un petit motif de rien du tout, trituré, désossé, amplifié. Comme des funambules, les musiciens se lancent avec une audace contrôlée, effectuent des figures fragiles mais libres, tournent, virevoltent avant de se « récupérer » sur le thème. On peut être particulièrement sensible à l’effort du quartet de jouer avec la patine, le grain, le tempo de l’époque. Les yeux fermés, les images d’un film imaginé défilent, d’autant que les échanges et la complicité intenses donnent  vie et sens à ce qui constitue la véritable B.O d’un film imaginaire recréé par et pour l’auditeur. Le quartet a réussi l’impossible avec la création d’une suite continue, harmonisée et organique. Il aura fallu  cinquante ans pour  que naisse une musique cohérente qui rassemble, rattache, enveloppe ce mouvement cinématographique fondateur. 

NB : Certaines chansons de Serge Rezvani ou de Michel Legrand sont dans la mémoire collective, la ritournelle  « Le tourbillon » de Jules et Jim, portée par la voix de Jeanne Moreau, ou  les « tubes » éternels du film  Les Demoiselles de Rochefort ? 

Jeanne Added a choisi de reprendre avec un accompagnement délicat « La chanson de Maxence» (rappelez-vous de Jacques Perrin en marin peroxydé, doublé par Jacques Revaux), qui inspira à Bill Evans une version sublime en 1977, « You must believe in spring ». C’est peut-être sur ces thèmes chantés- elle reprend aussi la chanson d’Anna Karina [2] dans Pierrot le fou « Jamais je ne t’ai dit que je t’aimerai toujours »- que nous émettrions quelque réserve, tant la marge de manœuvre de la chanteuse Jeanne Added est mince. 

Sophie Chambon

[1] Nous nous sommes amusés à réécouter en parallèle le piano d’Oliva qui reprend ces 3 mêmes thèmes dans son album Vaguement Godard chez Illusions

[2] Jeanne Moreau a également repris cette chanson ...

Je me doute que plus d'un d'entre vous se demande: "hmmm cafe OTO, qu'est ce donc?"

Qui plus est, où se situe ce café qui accueille Drake et Parker - aka la paire télépathique de la musique improvisée - en son antre !!

Pour lever le doute, ce n'est pas un nouveau lieu parisien ni le dernier club en vogue à Poulben en Morbihan. Le Cafe OTO se situe à Dalston dans le greater London à l'est de Camden (station Dalson Kingland de l'overground londonien). Tenu par un couple de japonais, il ressemble à plus d'un titre aux Instants Chavirés de Montreuil dans le 93 (dites "neuf-trois"). Déjà la programmation est "similaire": musiques libres et improvisées, free, en tout cas décalées (Eugène Chadbourne s'y est présenté il y a 15 jours avant son passage aux Instants fin avril).

Comme aux Instants, l'endroit a la particularité d'accueillir son public avec des tarifs bas (10£). Enfin, il semble profiter de l'aide de bénévoles ou apparentés et afficionados pour fonctionner dans l'interactif et convivial. Ce qui différencie le cafe OTO est que la salle est plus grande que celle des Instants et la bière au bar bien moins variée!

Ceci étant dit, le concert que je suis allé voir ce 7 mai a attiré beaucoup de monde. En France, on ne s'en étonnerait pas. En revanche, à Londres ville de choix pour la musique progressive, Drake et Parker sont assez mal connus - disons, moins bien qu'à Paris - mais suffisemment pour faire salle comble.

La paire Drake/Parker était accompagnée par le jeune saxophoniste américain John DIKEMAN qui réside à Amsterdam. Autant le dire tout de suite, j'ai trouvé ce soufflant au style rudimentaire et brut assez peu convaincant: fort criard, dans la veine du vénéré Ayler mais sans étincelle à mon goût mis à part un tremolo émouvant sur le dernier morceau du deuxième set. Mais il est assez compréhensible que le jeune homme est peiné à trouver les clés pour entrer dans la tête de la paire rythmique tellement Drake et Parker se côtoient msur scène depuis des décennies. Rendons grâce.

En revanche, la paire Drake/Parker a une fois de plus fait vibrer la salle déjà bien achalandée en fans ou amateurs avertis. Dikeman est plus accompagnateur que leader dans le trio. Pris dans son mouvement d'énergie, il passe à côté du dialogue de Drake et Parker. 

Côté amusant dans ce contexte, la paire Drake/Parker a usé de "trucs" pour accrocher et "plaire" à un public anglais qui ne les connait pas forcément: petite discussion rythmique à deux, groove lancé par Parker largement bonnifié par Drake... histoirede faire danser la tête plutôt que les jambes. Deux sets et trois morceaux: le premier dans la veine free improvisé sur le premier set d'une durée de 50 mn. Le deuxième set commence par un duo Drake (frame drum) / Parker (flute exotique) accompagné par Dikeman qui a su ranger son énergie et délicatement accompagné le duo. Pour le coup, ses interventions étaient de bonne augure. Le dernier morceau est, semble-t-il, "Ghosts" d'Ayler: Dikeman a pris son pied, nous aussi.

Le prochain concert au cafe OTO est Louis Moholo Moholo, le batteur sud-africain qui réside en Angleterre. Maybe, we wil catch him there.

See you

JG

Francis Le Bras (piano), Daniel Erdmann (saxophone), Claude Tchamitchian (contrebasse)

Sortie du disque en mars 2014 sur  Vents d’EST, label et collectif artistique

iwww.ventsdest.com

Distribution  Allumés du Jazz www.allumesdujazz.com

Ça commence comme un chant d’amour, d’abandon au désir ou à la plainte, c’est tout comme. Avec ses formidables complices, le contrebassiste Claude Tchamitchian, particulièrement en forme, le saxophoniste imperturbable et néanmoins follement réactif Daniel Erdmann, Francis Le Bras engage une conversation subtile, drôle et mélodique. Voilà tout un art du trio qui se réinvente sous nos yeux, une façon de réarranger, et de faire virevolter la musique autour d’une contrebasse  très active, d’un «allumé» du saxophone et d’un pianiste qui harmonise ses propres déséquilibres, à la recherche  non pas d’un enfermement protecteur mais d’élans lumineux, d’horizons éclatés. On assiste à une mise en jeu du corps  avec ce concert réjouissant qui préfigure la sortie d’un album enregistré cet été à la Buissonne ...

Aucun des trois n’est marseillais mais cette ville a su  devenir incontournable dans  leur parcours personnel et artistique. Ceci dit, malgré le titre, le concert  de ce samedi 8 février n’a pas donné lieu à une série de pièces folkloriques, une galéjade arrosée au  pastis, avec vue dégagée sur la Grande Bleue. C’est autrement plus original et intimiste. Le pianiste Francis Le Bras, à l’origine de ce projet, est parvenu à transposer sa vision de la cité phocéenne avec humour et sensibilité,  jusqu’à nous régaler d’un gospel, réécrit en l’honneur de la Bonne Mère (!) « Holy Mother ». Et  ça colle, peuchère.

Cette musique a une profondeur émerveillée, une qualité de sérieux immédiatement palpable, avec des pièces plus atmosphériques comme cette «Corniche JFK» qui ne sera  peut-être pas le nom définitif  de la composition. De toute façon, le pianiste a su recréer un itinéraire particulier, une géographie décomplexée qui emprunte le chemin des écoliers, jamais les transports en commun (marseillais). Une vision  qui se matérialise dès le premier titre, la déambulation de  «Saturday night au Panier» en évoquant une nouvelle narration, une enquête sur un rythme dense et syncopé, tel un polar d’Izzo, Chourmo ou Total Chéops, et qui va voir également du côté du cinéma : le ciel et l’obscurité sont réconciliés dans ces échappées nocturnes,  ces travelling avant sur l’asphalte luisante... Bande-son d’un film noir imaginaire, un extérieur nuitdont la mise en scène joue du décor urbain aux images contrastées en noir et blanc.

Le saxophoniste Daniel Erdmann a laissé aussi quelques traces de sa réflexion et l’on retiendra ce « Igor on the Autobahn », une pièce au titre décalé, qui lui sied comme un gant. On aime la diversité des couleurs proposées, ces valeurs douces où viennent se couler les sonorités du saxophone. On vous le disait, une création libre à plus d’un titre mais pas free, avec même, le plaisir d’une ballade au cœur de la mélancolie. C’est que Francis Le Bras paraît fasciné par une certaine qualité de sombre qu’il déjoue en vitesse, comme s’il se défendait d’une pente naturelle méditative et recueillie. Le trio se livre avec bonheur au jeu d’un texte ouvert : toutes les pièces prennent un relief particulier qui les rend actuelles sans autre référence que le seul désir qui s’y trouve engagé. Un parcours initiatique qui renouvelle notre vision de la cité phocéenne. Vivement recommandé.

©sophie chambon

NB : Précisons pour les Marseillais que ce concert se déroulait dans un nouveau lieu branché, L’U.percut,  127 rue Sainte, bar à tapas à deux pas de la puissante abbaye fortifiée de St Victor (Vème siècle avant J.C ),  là où l’on bénit les navettes pour la Chandeleur ....

Sophie Chambon

Vingtième édition du  REIMS JAZZ FESTIVAL : du jazz dans les bulles
(14 au 23 novembre)

 Photo Alain Julien

OPEN JAZZ en direct
Cap sur Reims, à seulement quarante-cinq minutes en TGV pour assister au premier week end  du festival Djazz 51. Dans le train, j’ai retrouvé Alex Dutilh qui poursuit sa tournée Open Jazz sur France Musique, après Marseille et Nevers. Sans plus tarder, nous filons au Centre Culturel St Exupéry, plus précisément au  Bar éphémère de Pierre Roy-Camille, au comptoir duquel la radio s’installe. J’assiste à l’émission, comme les auditeurs ravis du direct : une heure de  conversation et d’échanges entrecoupés de longs extraits musicaux et le luxe d’un premier morceau de ...8mn, « Illinx Bassline » du contrebassiste Marc Buronfosse. Francis Le Bras, figure essentielle du festival, pianiste et directeur artistique, l’un des créateurs du label Vent d’Est est là, heureux de partager son amour du jazz, de donner à voir et entendre des musiques actuelles.
 Alex Dutilh, excellent maître de cérémonie, relance l’échange, divertit tout en instruisant, sans oublier les coups d‘œil dans le rétroviseur ( un titre de 1962 du trompettiste d’Howard Mc Ghee « Blue Duende » dans Nobody knows you when you’ re down and out).  Il commente avec ses invités l’évolution du jazz actuel, musique difficile à immobiliser dans une définition » ( Enzo Cormann).

 Open Jazz d'Alex Dutilh: Francis Le Bras, Alban Darche, Marc Buronfosse

Vendredi soir 15 novembre : J.A.S.S

Sébastien Boisseau (contrebasse), John Hollenbeck (batterie), Samuel Blaser (trombone), Alban Darche ( saxophone ténor)
A l’honneur ce soir, un groupe mixte franco-américano-suisse et  collaboratif  J.A.S.S  dans un programme inédit en disque du moins.  J.A.S.S   est l’acronyme des premières lettres des prénoms des musiciens : l’une des hypothèses étymologiques du mot  « jazz » remonte à  « jass »  (la chasse), pas loin de « jackass » si l’on s’intéresse aux noms d’oiseaux et autres expressions sexuellement connotées jusqu’à  « All that jazz » qui inspira le regretté Bob Fosse.
 Voilà une musique qui respire, intelligente, libre, affranchie  sur un répertoire de compositions originales. S’il  faut quelque temps pour s’immerger dans le magma du quartet, leur lave en fusion  ne consume  pas. Intense et enlevée, la musique ne se livre pas facilement,  comme un puzzle en pièces que l’on reconstitue peu à peu. On y entre sans toutefois en  percevoir tous les codes.  Voulant libérer la musique de ses propres carcans, ces expérimentateurs n’hésitent pas à la manière d’oulipiens, à se donner des contraintes pour  faire bouger les lignes comme dans  ce « No D » par exemple ( composition  sans la note ré), à la manière de Georges Perec qui s’était amusé à faire disparaître le « e ».
On prend plaisir à écouter en live ce quartet tant l’expression collective est essentielle. Pour ces arpenteurs de nouveaux territoires, il s’agit de se porter mutuellement, faisant exulter les fulgurances communes.  Cela démarre dans un espace rendu géométrique par l’expansion du souffle et du rythme, dans un rapport au temps des plus exacts. Un duo splendide de soufflants que la rythmique non seulement soutient mais propulse. Sébastien Boisseau, arrimé à sa basse comme au mât du navire, donne le cap à Alban Darche et Samuel Blaser, volubiles et pourtant précis, qui dialoguent sur le front : des lignes de force d’une douce violence tracées sous l’impulsion du batteur, dans une énergie continue. Il est impressionnant John Hollenbeck (Claudia Quintet entre autre), pas vraiment bavard mais sur scène, ce qu’il fait est éloquent. Jamais la tension ne retombe ou ne semble faiblir. Il y a une véritable « jazz envy » (titre d’un morceau), à moins que ce ne soit  « en vie », mais on ne va pas jouer sur les mots.  Suit l’une des compositions qui m’accroche le plus, celle du saxophoniste Alban Darche (c’est lui, le A de J.A.S.S) dont j’essaie de suivre le  déroulé: « L’eau » démarre par des petites « agaceries» ornementales du trombone et du sax en contrepoint, qui enflent ensuite sur accords ternaires et marche quasi-militaire dans un grondement continu. Cela roule en effet comme un cours d’eau qui divague sans perdre de vue son lit, se ressaisit, gagne en puissance et  s’emporte en atteignant les chutes. Samuel Blaser  souffle, feule, hoquète avec son trombone « complet » (une noix supplémentaire). En coulisse, j’apprendrai que les valves s’appellent aussi des « noix ». Rythmicien hors pair, il part du jazz et y revient sans cesse : extrême dans un élan continu, il peut tout obtenir de son instrument, du growl le plus classique aux stridences atonales. Il a un son moelleux alors qu’il se refuse à toute voluptueuse caresse, comme savent si bien en jouer les trombonistes dans les balades. Au pays du champagne, ça pétille, mais n’écoeure jamais.

Découvrez le diaporama du J.A.S.S quartet par Alain Julien

 Le SOUNDS QUARTET du contrebassiste Marc Buronfosse sur le label ABALONE de Régis Huby, distribué par les Allumés du Jazz :   FACE THE MUSIC  avec Benjamin Moussay ( piano, keyboards) Antoine Banville ( drums, percussions).

 
On attend maintenant la suite et... on ne sera pas déçu. Un équilibre de funambule s’instaure vite dans le groupe qui suit le « blast » de JASS. La guitare ailée de Marc-Antoine Perrio (on ne discutera pas de ses préférences électriques  Fender ou Gibson) est la surprise de ce concert : le  contrebassiste Marc Buronfosse  a en effet décidé de ne pas remplacer Jean Charles Richard  qui joue sur l’album, épatant au demeurant, de tenter l’expérience avec un jeune guitariste qu’il a  entendu jouer, autant du classique sur une guitare à cordes en nylon que de la dobro. Intuition qui fonctionne en tous les cas : advient autre chose, une musique vraie et complexe où s’affirme une fois encore que l’on joue comme l’on est, avec de la  pudeur griffée d’une belle audace pour le leader-contrebassiste. Contrôlant la vision particulière de l’ensemble, Marc Buronfosse réussit à faire sonner la forme, en changeant les basses et l’instrumentarium comme dans cet étonnant « AOC » (à Ornette Coleman, précisons). Le quartet  déménage avec ferveur et musicalité, entre épure et passion, sur le versant d’un romantisme (échevelé ) de Benjamin Moussay  dans « Jennifer’s mood » par exemple. Sans oublier tout le travail précis de modulation du son, de recherche de résonance, d’ effets et autres boucles qui résiste à la déferlante d’un batteur solaire, Antoine Banville. Une suite en deux parties au titre énigmatique (« Before and After the second round ») achève de nous convaincre, le jazz a toujours été une musique d’urgence, de liberté, de prise de risque.
 Le festival démarre bien, et  Francis Le Bras confirme qu’en dépit de difficultés rencontrées ces dernières années (baisse drastique des subventions de près de 60%), le public reste fidèle et se montre plutôt heureux de ce qui advient, faisant confiance à la programmation innovante. Le Directeur artistique souligne qu’il fait, à chaque fois, l’effort de programmer deux concerts très différents le même soir pour croiser les publics, et tenter d’élargir la vision du jazz, des jazzs, faire découvrir ces musiques plurielles. C’était bien le cas ce soir avec deux groupes complémentaires qui s’ajustent au foisonnement actuel. Plus de première et deuxième partie, encore moins de vedette américaine. Novembre est le mois de grands festivals dans le réseau A.J.C  (ex  Afijma)  , réunissant des propositions artistiques très diverses, mais toujours en recherche de qualité et qui prouvent que le jazz peut encore toucher corps et âme... 
NB : Mention spéciale au travail d’ALAIN JULIEN sur www.djaz51.com.  Il est aussi l’auteur du DVD dont nous avons déjà évoqué toute la beauté radicale dans le projet PATCHWORK de Francis Le Bras et Daniel Erdmann sur le label VENT D’EST (enregistré en tournée au Mali et Guinée Bissau)

Découvrez le diaporama du SOUNDS Quartet par Alain Julien

( A suivre...)

Sophie CHAMBON    
   
   
   
   
   
 

Salle Pleyel 13 octobre 2013

Transcendance

Magnificence

C’est à cela que l’on s’attend lorsque trois grands saxophonistes rendent ensemble hommage à une icône comme John Coltrane.

C’est bien dans cette fastueuse ferveur qu’a démarré le concert du Saxophone Summit à la salle Pleyel le 13 octobre 2013. Le sextet a entamé sa prestation avec une interprétation déchaînée de « Seraphic Light », composition de John Coltrane et également titre éponyme du dernier album du groupe, sorti en 2008.

Sur le devant de la scène on retrouve Dave Liebman, Joe Lovano, et Ravi Coltrane qui les a rejoint récemment suite au décès de Michael Brecker. Ceux-ci sont accompagnés par Cecil McBee à la contrebasse, Phil Markowitz au piano et Billy Hart à la batterie.

Immédiatement, Dave Liebman s’impose comme le leader du groupe, et peut-être aussi le plus coltranien des trois.

Sa présence quasi paternelle permet l’articulation et la cohabitation sur une même scène de trois musiciens affirmés, de trois styles, de trois énergies, dont chacune risque à tout moment de briser l’espace de l’autre.

Le groupe se lancera dans une version originale de « Minor Blues », puis de « Reverend King », et fera suivre une composition de Michael Brecker qui est aussi le titre du premier album du Summit : « Gathering of Spirits ».

Tricycle de Dave Liebman sera finement introduit par Cecil McBee à la contrebasse, qui s’aventurera, à pas feutrés, sur les chemins les plus tortueux qu’il puisse trouver, avant d’entraîner miraculeusement le reste de l’orchestre avec lui. Un morceau tourmenté, mystérieux, qui place l’auditeur au cœur serré dans un univers où le péril l’attend à chaque détour de croche. C’est ainsi avec apaisement que l’on accueille le retour bien amené à une bonne rythmique ternaire, où une ligne de notes se met à courir lestement comme un insecte affolé sur le manche de la contrebasse de Cecil McBee.

Le final sera assuré par l’un des morceaux primordiaux de John Coltrane : Ole, dont l’étrange introduction nous amène non pas sur les rives ibériques attendues mais au pays du soleil levant : accords joués avec les cordes du piano, mélodie japonisante, flutes et silences méditatifs (cf extrait ci-joint).

La salle comble, vibre son plein.

John Coltrane jouait dans cette salle en 1965. Nul doute que sa musique a reçu hier soir l’un des hommages les plus passionnés qui lui ait jamais été donné.

Yaël Angel

Composition du Saxophone Summit

Dave Liebman (s)

Joe Lovano (s)

Ravi Coltrane (s)

Phil Markowitz (p)

Cecil McBee (b)

Billy Hart (d)

Discographie du Saxophone Summit :

« Seraphic Light » 2008

« Gathering of Spirits » 2004