André Hodeir aurait eu 100 ans le 22 janvier dernier.

Jazz sur le Vif et l'Orchestre National de Jazz ont eu à cœur de célébrer ce grand musicien (également penseur de la musique, romancier, chroniqueur....). Patrice Caratini, qui avait créé sur scène en 1992 la partition d'Anna Livia Plurabelle (partition de 1966 exclusivement destinée à l'origine à un enregistrement de radio, pour l'ORTF), s'entend suggérer par Francis Capeau, membre très actif de l'Académie du Jazz, de créer un événement pour le centenaire du compositeur. Il faut se rappeler qu'André Hodeir fut le premier président de cette Académie à sa création en 1955. Patrice Caratini est l'homme de la situation : il avait collaboré activement avec le compositeur pour la création sur scène, en 1992, de cette partition, et pour un nouvel enregistrement l'année suivante, en 1993. Il avait également travaillé avec le compositeur, l'année de ses 90 ans en 2011, pour préparer un concert autour des pièces des années 50 et du début des années 60. J'avais eu le plaisir d'accueillir ce projet en décembre de cette année-là au studio 105 de Radio France, dans le cadre des concerts Jazz sur le Vif dont j'étais alors responsable. Hélas André Hodeir disparut début novembre et ne put assister à cet événement, mais son grand ami Martial Solal était au premier rang, revivant avec une vive émotion ces moments historiques dont il avait été le pianiste.

Patrice Caratini a donc su fédérer les énergies de l'ONJ, en la personne de son directeur artistique Frédéric Maurin, et de Radio France, incarné par Arnaud Merlin, responsable depuis 2015 des concerts Jazz sur le Vif, pour que cette partition revive à nouveau. Et après de studieuses répétitions, l'orchestre, le chef et les solistes se retrouvaient au studio 104 de la Maison de la Radio (et de la Musique) le 5 mars 2021 pour une répétition générale.

C'est dans ce studio (où Monk, Gillespie, Bill Evans, Stan Getz, Ahmad Jamal, Martial Solal, Hampton Hawes, Keith Jarrett et beaucoup d'autres ont joué) que le concert de 1992 avait eu lieu. Et c'est à quelques dizaines de mètres, dans le studio 106, que la version princeps, pour la radio (en partie francophone) puis pour le disque (intégralement en anglais), fut enregistrée. Le vent de la mémoire souffle dans les parages. Outre Patrice Caratini, artisan en 1992 de la première renaissance de cette partition, l'Orchestre compte en ses rangs Denis Leloup, déjà présent alors, et aussi sur le disque enregistré en 1993. Et la saxophoniste Christine Roch, qui officie également, à différents moments de la partition, à la clarinette, joue sur un instrument qui appartenait à Hubert Rostaing, compagnon de route de Django Reinhardt, mais aussi d'André Hodeir, avec lequel il enregistra au fil des années, de 1949 jusqu'aux années 60. Et Hubert Rostaing jouait sur la version princeps de 1966. : vertige de l'histoire....

Les Mécanos de la Générale

Pendant la balance du vendredi soir, qui précède la répétition générale, les techniciens s'affairent pour régler la sonorisation de façade, le son pour la diffusion radio en direct, et aussi la qualité et le niveau des retours sur scène, pour que les artistes puissent s'écouter avec le maximum de confort. Instrumentistes et chanteuses sont aussi dans la mécanique de haute précision : on travaille les dynamiques, les nuances, l'expressivité ; on jongle avec les vertiges rythmiques de la partition. Tout le monde est au cœur du mystère, qu'il faut rendre limpide. Cette œuvre est une sorte de cantate profane où les voix occupent le centre du propos musical. Voici comment André Hodeir décrivait leur mise en œuvre dans le texte de la première édition française sur disque, en 1971.

Il fait référence aux deux vocalistes de cette première version : Monique Aldebert, ancienne membre des Double Six de Mimi Perrin, et qui allait ensuite faire carrière aux USA avec son mari Louis Aldebert avec un duo intitulé 'The Aldeberts' ; quant à Nicole Croisille, si elle va connaître à cette époque une grande notoriété avec le cha-bada-bada du film de Lelouch, elle livrera aussi peu après une chanson d'une belle intensité soul sous le pseudonyme de Tuesday Jackson....

La répétition générale va commencer devant un public limité par les règles sanitaires : des professionnels, qui sont aussi souvent des amis : Philippe Arrii-Blachette, qui avait suscité la reprise de 1992 avec son ensemble de musique contemporaine Cassiopée, et le renfort d'une tribu de gens du jazz ; Pierre Fargeton, qui a consacré sa thèse à la musique d'André Hodeir, et a publié une somme intitulée André Hodeir,le jazz et son double (éd. Symétrie, 2017) qui fait référence et nourrit la passion des amateurs (dont je suis) ; Martine Palmé, qui accompagna durant de longues années l'activité professionnelle de Patrice Caratini ; et quelques autres ami.e.s.

C'est maintenant la répétition générale : tous et toutes en concentration maximale, sur scène comme dans la salle. C'est parti ! Les versions sur disque (l'originale comme la reprise) commençaient en anglais : «O tell me all about Anna Livia». Cette fois est donnée la version radiophonique, bilingue, telle que diffusée à la fin de l'hiver 1967-68, en simultané sur France Musique (en stéréo) et sur France Culture (en mono). Le texte de présentation du speaker de l'époque, diction Comédie Française garantie (telle qu'elle s'était figée à la fin des années 40....), est d'ailleurs reproduit sur le programme qui nous est remis, et qui sera aussi distribué demain aux happy few conviés pour le direct (lien en bas de l'article).

Un accord de La majeur (si mon oreille très très relative n'est pas en panne.....) et «O-O, dis moi tout.... d'Anna Livia» : le voyage commence. Je vous le raconterai plus en détail après le concert de demain. Pour l'heure sachez que, n'ayant volontairement pas réécouté ces dernières semaines les versions phonographiques de cette œuvre que j'ai souvent écoutée, j'ai eu l'impression à la générale de découvrir une nouvelle musique, une impression de fraîcheur, de première fois : le Bon-heur ! Puis j'ai couru vers le métro Ranelagh. Le RER qui me ramène habituellement dans ma banlieue pas si lointaine est supprimé ce soir après 22h30. Alors c'est ligne 9 jusqu'à République, Ligne 5 jusqu'à Bobigny, puis bus 303 pour gagner le bercail. Je suis venu en début de soirée en une heure. Il me faudra près de deux heures pour rentrer. Ainsi va la vie.... et l'amour de la musique !

Retour à la Maison de la Radio le lendemain pour le concert à huis clos, dont la seconde partie sera en direct sur France Musique

Orchestre National de Jazz

Direction artistique Frédéric Maurin

Patrice Caratini (direction) «Autour du Jazz groupe de Paris»
Julien Soro & Rémi Sciuto (saxophones altos), Fabien Debellefontaine & Matthieu Donarier (saxophones ténors), Thomas Savy (saxophone baryton), Claude Egea & Sylvain Bardiau (trompettes), Denis Leloup, Bastien Ballaz & Daniel Zimmermann (trombones), Robin Antunes (violon), Stéphan Caracci (vibraphone), Benjamin Garson (guitare), Raphaël Schwab (contrebasse), Julie Saury (batterie)

Paris, Maison de la Radio (et de la Musique), 6 mars 2021, 17h30

Retour au studio 104, vers 15h30, pour la balance de la première partie. En effet, avant le direct de 19h pour Anna Livia Plurabelle, le programme prévoit un florilège du répertoire d'André Hodeir pour son Jazz Groupe de Paris, formation à géométrie variable qui joua sa musique au fil des années 50.

Là encore, on peaufine le son, les détails musicaux, et après une pause le concert commence. Quatre pièces du Jazz Groupe de Paris, plus un thème de Monk (musicien cher à Hodeir) et deux variations sur un standard qu'André Hodeir avait métamorphosé sous le titre On a Standard. Le set commence avec On a Blues (forme chère au compositeur), un arrangement assez West Coast sur la forme blues. On est tout de suite dans le bain, le plaisir de jouer transpire à chaque mesure : non seulement les musiciens aiment la musique qu'ils jouent, mais ce concert est aussi une bouffée d'air frais en temps d'embargo sur la musique vivante. Puis c'est Evanescence, enregistré deux ans plus tard par le Jazz Groupe. C'était pour Hodeir un hommage à Gil Evans. Les couleurs sont là, et les nuances qui les font vivre. Le groupe s'est légèrement modifié. Au fil du programme la nomenclature évolue, et les solistes vont se relayer, d'un titre à l'autre. Voici maintenant, issu du Kenny Clarke's Sextet (millésime 1956), Oblique. L'original était avec piano mais, comme l'explique avec humour Patrice Caratini, Martial Solal n'était pas libre ce soir. Ce sera donc un sextette avec vibraphone. Là encore on n'est pas dans la musique embaumée : l'hommage est plus que vivant, et inventif. Pour compléter ce programme, Patrice Caratini a prévu une sorte d'interlude, un duo qui associe deux musiciens qui constituent la jeune garde émergente du jazz : le violoniste Robin Antunes et le guitariste Benjamin Garson. Le thème choisi est Think of One, de Thelonious Monk, merveille de forme déstructurée (ou déstructurante) : le duo s'en donne à cœur joie, accentuant autant qu'il est possible le goût du discontinu et de l'imprévu. Et pour conclure cette première partie de soirée, ce sera une promenade autour de Night and Day : deux variations que conclura On a Standard d'André Hodeir, bâti précisément sur la structure de Night and Day. Grand envol improvisé de Matthieu Donarier au ténor, suivi d'une déambulation sophistiquée de Denis Leloup entre les différents tropismes du jazz. On se régale. Le guitariste va dans son solo jouer 'dedans-dehors', une partie de cache-cache avec les harmonies avec une très créative cohérence. Nouvel échange entre sax et trombone, et un solo de contrebasse qui commence, me semble-t-il, par l'évocation très furtive (phantasme de jazzophile névrosé ?) du démarquage d'un autre standard, Bird of Paradise, formé sur le canevas de All The Things You Are. Et un solo de batterie nous ramène vers Hodeir et son On A Standard, où l'amateur retrouve sans peine la trace de Night and Day : c'est un peu comme lorsque l'on entre dans un club pendant un chorus. La ligne harmonique porte le souvenir du thème, et l'auditeur se sent chez lui après quelques mesures.... Fin de la première partie : une demi-heure de pause et l'on reviendra pour le re-création d'une œuvre mythique

Orchestre National de Jazz

Direction artistique Frédéric Maurin

André Hodeir : Anna Livia Plurabelle

Ellinoa (mezzo-soprano)

Chloé Cailleton (contralto)

Patrice Caratini (direction)

Catherine Delaunay (clarinette), Julien Soro (saxophone alto & soprano), Rémi Sciuto (saxophones alto & sopranino, clarinette, flûte), Fabien Debellefontaine saxophones ténor, alto & soprano, clarinette), Matthieu Donarier (saxophones ténor & soprano, clarinette), Thomas Savy (saxophone baryton, clarinette), Clément Caratini (saxophones alto & soprano, clarinette), Christine Roch (saxophone ténor, clarinette), Sophie Alour (saxophones ténor & soprano, clarinette), Claude Egea (trompette, bugle), Fabien Norbert & Sylvain Bardiau (trompettes), Denis Leloup, Bastien Ballaz & Daniel Zimmermann (trombones), Robin Antunes (violon), Stéphan Caracci & Aubérie Dimpre (vibraphones), Benjamin Garson (guitare), Raphaël Schwab (contrebasse), Julie Saury (batterie)

Paris, Maison de la Radio (et de la Musique), 6 mars 2021, 19h

Branle-bas de combat, c'est l'heure du direct. Et la Ministre de la Culture est venue écouter la phalange jazzistique nationale, qui pour la circonstance rassemble des musiciennes et musiciens de diverses générations et divers univers esthétiques. Plaisir de voir que Catherine Delaunay, qui ne connaissait pas Julie Saury est ravie de partager la scène avec elle. On retrouve là cette pertinence du directeur artistique Frédéric Maurin qui, loin de monopoliser l'outil à son profit, a dès le départ accueilli des compositeurs et des chefs pour donner à l'outil son plein sens, variant aussi le recrutement en fonction des programmes. Il confère ainsi à cette institution sa pleine légitimité. L'orchestre est étoffé à la mesure de ce qu'exige la partition : 22 instrumentistes, un chef invité et deux chanteuses bien choisies, autant pour leurs qualités vocales que pour leur sens de l'interprétation et leur connaissance de l'idiome.

Le choix est de revenir à la version originelle, celle diffusée à la radio, qui associait texte francophone et texte original en anglais. La participation prévue à l'époque pour participer au Prix Italia exigeait qu'une partie se fît dans la langue de la radio participante (l'ORTF). Une distraction bureaucratique fit que la France, membre du jury, ne pouvait présenter un projet, et la commande passée au compositeur ne put concourir comme souhaité.... L'enregistrement eut lieu en 1966 (l'orchestre d'abord, et les voix ensuite), et André Hodeir, déçu de voir le projet sans prolongement, sollicita son ami John Lewis, lequel pouvait favoriser une édition phonographique états-unienne, mais en anglais exclusivement. Les chanteuses enregistrèrent donc à nouveau les passages qui étaient en français, cette fois dans leur idiome d'origine. Et les éditions ultérieures, ainsi que la reprise en 1992-93, firent de même.

Cette nouvelle mouture retrouve donc le bilinguisme. Avec le texte de la traduction publiée par Gallimard en 1962, aux côtés d'autres extraits de Finnegan's Wake traduits par André du Bouchet. La traduction utilisée, s'efforçant de transcrire dans notre langue les inventions lexicales de James Joyce, était le fruit de la collaboration de Samuel Beckett, Eugène Jolas, Adrienne Monnier et quelques autres, sous la supervision de Joyce lui-même.

Le concert commence à l'heure dite pour le direct. Dès les premières mesures, je jubile. Je retrouve le plaisir de la veille, augmenté peut-être par l'urgence de la première et du direct. Les deux chanteuses, dans ce début en une sorte de parlé-chanté, interprètent, et qui plus est incarnent, le dialogue des lavandières. Les jeux de rythmes sont permanents. Tantôt la musique épouse la prosodie du texte, tantôt les rythmes s'opposent, se syncopent avec audace et virtuosité. On est happé. Les musiciens sont pleinement investis. Le chef est au cœur de la musique. Les interventions solistes des instruments, qui sont en dialogue permanent avec le texte, ses accents, son rythme, sont d'une expressivité folle. Les séquences se suivent, parfois dans des liaisons abruptes, principe même de cette œuvre qui n'aspire pas au confort mais à la jubilation. Comme la veille, je goûte les joies de l'inconnu sur ce terrain qui m'est un peu familier, à l'affût d'une pépite ignorée dans le passé par mon oreille distraite, mais aussi révélée par la force de cette interprétation collective. Orchestre impeccable, chanteuses en quasi lévitation. Pendant quelques instants j'ai senti chez la mezzo la fatigue d'une voix éprouvée la veille par une générale très généreuse, mais en un clin d'œil son diapason retrouva ses marques et son timbre sa densité. Très grand moment de musique collective, avec mention spéciale aux deux chanteuses, et aux instrumentistes solistes, notamment Catherine Delaunay qui nous enchanta par son expressivité déjà légendaire. Quant à Patrice Caratini, il fut l'âme de ce projet. Son art consommé de fédérer dans l'intensité et l'excellence, avec une précision toujours amicale et bienveillante, force plus que le respect : l'admiration. Du fond du cœur, merci pour ce grand moment de musique qui devait se conclure dans l'extrême intensité d'une invocation à la nuit.

Xavier Prévost

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La vidéo du concert sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=plqDC-NMG6Y

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La réécoute du concert dans l'émission Jazz Club sur le site de France Musique

https://www.francemusique.fr/emissions/jazz-club/direct-l-onj-joue-andre-hodeir-92567

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Sur Wikipedia, un article vraiment substantiel sur cette œuvre

https://fr.wikipedia.org/wiki/Anna_Livia_Plurabelle

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Le programme détaillé du concert tel qu'édité par Radio France

https://fr.calameo.com/read/006296452c3f5fffa3f95

Plaisir de plonger une fois encore dans la programmation toujours inventive de ce festival niché dans le Théâtre des Bernardines, ancienne chapelle du couvent éponyme. Année compliquée, comme pour tous les festivals, mais celui-ci a réussi à sauver l'essentiel, en donnant une sorte de préfiguration du festival 2021, lequel accueillera la programmation initialement prévue, jusqu'au début de l'été, pour 2020. Distanciation coronavirale oblige, un siège sur deux occupé dans cette salle de jauge modeste. Mais la créativité de l'équipe du festival comme des artistes a su pallier cette économie de crise, en déléguant un duo, ou un solo, issu des groupes initialement prévus, et qui seront là l'an prochain.

Mercredi 16 septembre

La soirée commence avec le duo JEAN-PIERRE JULLIAN / TOM GAREIL. En avant-ouïr du quartette pour la création 'Chiapas II' (qui accueillera Guillaume orti et Gilles Coronado), nous aurons une sorte de voyage entre harmonies, lignes vives et percussions tournoyantes, un tourbillon qui nous laisse ébahis, heureux et pleins d'espoirs pour la version à venir en quartette.

La scène accueille ensuite la flûtiste-et vocaliste- NAÏSSAM JALAL, en duo avec le contrebassiste CLAUDE TCHAMITCHIAN, qui est aussi la directeur artistique du festival (soutenu pour l'organisation par Françoise Bastianelli). Dans la version 2021 ils seront rejoints par le pianiste Leonardo Montana. Le duo est une pure merveille de nuances infinies, de communication télépathique et de densité spirituelle. Si le terme ne s'érodait pas à force d'usages parfois abusifs, j'oserais magique, car ça l'est vraiment.

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Jeudi 17 septembre

Pour 2021, ce sera le quartette 'Majakka' de Jean-Marie Machado, avec Vincent Segal, Keyvan Chemirani, et celui qui, aujourd'hui, assure l'ouverture de la soirée, le saxophoniste JEAN-CHARLES RICHARD. Son solo a fait le tour des continents, et il nous le présente comme une sorte de cérémonie musicale, intense, portée par une fine dramaturgie, et où se croisent tous les langages, duspiritual introductif jusqu'à la fantaisie conclusive, en passant par le jazz de stricte obédience, les mystères de la musique dite contemporaine, et les rythmes des musiques du monde.

Pour conclure cette soirée, deux des protagonistes de la 'Petite histoire de l'Opéra, Opus 2' (sextette qui sera là en 2021), LAURENT DEHORS et MATTHEW BOURNE, vont nous offrir un aperçu du disque en duo qu'ils ont récemment enregistré pour le label émouvance (l'entité disque dont le festival est l'un des appendices). Le disque, intitulé «A place that has no memory of you», paraîtra en novembre, mais il venait de sortir de l'usine, et les spectateurs ont pu se l'offrir. J'ai pu l'écouter : très beau disque, et différent du concert, car l'éthique de ces musiciens (et de cette musique) interdit la copie conforme. Concert infiniment vivant, plein de risques et de surprises. Très belle conclusion de mon séjour. Je manquerai hélas le lendemain Jacky Molard/François Corneloup, et David Chevallier en solo. Et le jour d'après Christophe Monniot/Didier Ithursarry, puis Éric Échampard/Benjamin de la Fuente.

Mais avant de prendre le train j'ai trinqué avec l'Ami Philippe Deschepper, retour de pérégrinations régionales, et qui me racontera ses bonheurs d'écoute des derniers concerts auxquels il assistera.

J'allais oublier une composante importante de ce festival. Comme quelques autres dont il partage l'ADN, il a le souci de la transmission, au sens artistique plus encore que technique : le parti des poètes plus que celui des ingénieurs. En descendant du train, mercredi avant midi, j'ai filé au conservatoire Pierre Barbizet pour la master class de Laurent Dehors, autour de l'improvisation, du geste collectif, de l'engagement dans le présent immédiat de la musique. Très passionnant. Puis je suis revenu à 14h pour la master class de Bruno Angelini, qui fait travailler la conscience approfondie, instinctive, des séquences de quatre mesures dont la maîtrise permet de construire une improvisation libre et cohérente sur l'ensemble de la forme : passionnant. Une fois encore, coup de chapeau à ce festival, comme à tous ceux qui sont de véritables fêtes de l'Art en mouvement.

Xavier Prévost

Le festival s'est terminé le samedi 16 novembre. Jean-Marc Gélin vous a parlé de la journée du 15 dans une toute récente chronique (ici). Reprenons le fil là j'avais abandonné mon précédent compte-rendu (lequel se trouve là).

La journée du 12 novembre avait commencé vers midi dans la petite salle de La Maison (….de la cuture) avec 'Cluster table', un duo de percussions qui associe Sylvain Lemêtre et Benjamin Flament, face à deux tables en vis-à-vis couvertes d'une nuée d'instruments et d'objets : impressionnant d'invention, de précision, de liberté et de vie.

Puis ce fut à 18h30, au même endroit, le trio du pianiste Damien Groleau, un jeune musicien de Besançon entouré de Sylvain Dubrez ert Nicolas Grupp : des compositions originales, une reprise de Bill Evans, le terrain de jeu d'un musicien qui a publié son troisème disque et trouve ses marques en se frottant aux grandes scènes. Work in progress, comme on dit en bon franglais.

Au théâtre municipal la soirée accueille 'Le Cri du Caire', du poète-chanteur-slammeur-compositeur Abdullah Miniawy. Très belle présence, des textes de lyrisme et de combat dont la traduction à deux moments nous est donnée en voix off. Forte intensité, soutenue par la trompette d'Éric Truffaz, le saxophone de Peter Corser et le violoncelle de Karsten Hochapfel. Moment fort assurément, qui marquera la mémoire des présents.

Le lendemain 13 novembre, le concert de la mi-journée se donnait au théâtre avec la chanteuse-accordéoniste Erika Stucky. Lieu idéal, car autant que de musique il s'agissait d'un spectacle intitulé 'Ping-Pong', une sorte de théâtre musical plein de vie et de fantaisie. Son partenaire Knut Jensen, à l'interface électronique, avec renfort d'un petit clavier et d'un ukulélé, est plus qu'un faire valoir : le révélateur des fantaisies et autres folies. Le jazz et le yodel des Alpes suisses se mêlent à mille et une fantaisies visuelles, à des récits drolatiques et à une chaleureuse communication avec le public : réjouissant, et très musical.

À 18h30, retour à al petite salle de La Maison (…. de la culture) pour un quintette emmené par le clarinettiste-saxophoniste Clément Gibert. C'est un groupe de l'ARFI de Lyon (Association à la Recherche d'un Folklore Imaginaire) qui se propose de revisiter la musique d'Eric Dolphy sous le titre mystérieux d'InDOLPHYlités. Il s'agit en fait d'un hommage sans dévotion, d'un amour sans servitude. Jouer la musique du disque «Out to Lunch», avec un amour dont la liberté tolère l'infidélité pertinente, le détour complice. Le batteur est un historique de l'ARFI, Christian Rollet. Il est entouré d'une jeune génération, avec la vibraphoniste Mélissa Acchiardi, le trompettiste Guillaume Grenard, et le contrebassiste Christophe Gauvert : très belle réussite que cette création, que l'on espère réentendre et sur scène et sur disque.

Migration le soir vers le Théâtre municipal pour écouter à 21h le trio du pianiste Shai Maestro (avec Jorge Roeder et Ofri Nehemya). Beaucoup d'effets de dynamique, de tourneries obsédantes, et finalement assez peu de véritable engagement sans arrière-pensées fédératrices.... mais il y eut quand même, çà et là, quelques beaux moments de musique.

Le 14 novembre commença pour nous autour de midi dans la petite salle de La Maison (…. de la culture) avec un duo qui conjugue à merveille virtuosité, sophistication musicale et lyrisme palpable, direct, qui touche au but sans flagorner ni racoler. Christophe Monniot, aux saxophones, et Didier Ithursarry, à l'accordéon, sont deux sorciers de l'émoi et de l'intensité musicale. Le disque «Hymnes à l'amour» (ONJ Records / l'autre distribution) en apportait la preuve éclatante. Il est dommage que les scènes des festivals les fassent si peu entendre.

Le même jour au Théâtre municipal, en fin d'après-midi, Géraldine Laurent présentait son quartette, avec Baptiste Trotignon qui remplaçait Paul Lay, retenu auprès d'Éric Le Lann par un engagement antérieur, et les partenaires habituels : Yoni Zelnik à la contrebasse et Donald Kontomanou à la batterie. Engagement musical, imagination, absolue cohérence dans le discours musical, même à l'instant le plus enflammé : formidable !

Et le soir dans la grande salle de La Maison (…. de la culture), le Trio Orbit : Stéphan Oliva, Sébastien Boisseau & Tom Rainey : délicat et intense, dans un trilogue permanent qui force l'admiration.

Puis en fin de soirée l'Orchestre National de Jazz dans son programme autour d'Ornette Coleman et de sa galaxie (Dolphy, Julius Hemphill, Tim Berne....) : dans des arrangements de Fred Pallem et sous la direction de Frédéric Maurin, un feu d'artifice d'envolées audacieuses et de solistes percutant(e)s.

Pour le lendemain 15 novembre, c'est l'ami Jean-Marc Gélin qui vous conte la journée (en suivant ce lien).

Et enfin le 16 novembre, pour le bouquet final, nous avons écouté le midi à la Maison (…. de la culture) le trio NES de la chanteuse-violoncelliste Nesrine Belmokh : textes fervents, en anglais, arabe et français, dans des univers musicaux pluriels, soutenus par Matthieu Saglio au violoncelle et David Gadea aux percussions. Encore une belle découverte. En fin d'après-midi, dans l'espace café-concert du même lieu, nous avons découvert un jeune quintette de la région, Les Snoopies (4 sax et une batterie) : un groupe plus que prometteur.

Et le soir, dans la grande salle, d'abord André Minvielle & Papanosh (Quentin Ghomari, Raphaël Quenehen, Thibault Cellier & Jérémie Piazza). Ils ont rendu un hommage décoiffant, joyeux et musical à Jacques Prévert.

©Maxim François

Pour conclure ce fut, très attendue, la chanteuse Youn Sun Nah, en trio avec Tomek Miernowski et Rémi Vignolo, deux poly-instrumentistes qui lui ont offert un écrin pour toutes les facettes de son récital : country, pop sophistiquée, rock parfois explosif, chanson française, espagnolades. Un vrai show, presque 'variété internationale de haut niveau', mais avec quand même de vrais moments d'émotion(s).

Xavier Prévost

C'était un concert en petit comité donné à l'Ambassade de Finlande à Paris.

Le pianiste finandais Iiro Rantala venait y présenter son dernier album (" My Finnish Calendar") publié chez Act cette année.
12 compositions autour des 12 mois de l'année qui donnent l'occasion au pianiste d'exprimer en musique ce que lui inspire sa vie finlandaise.
Derrière l'apparente mélancolie que pourrait inspirer le paysage finlandais (les clichés !), Iiro Rantala jette au contraire un regard aussi drôle qu'acerbe et attendri sur son pays et ceux qui l'habitent.
Totalement iconoclaste, inclassable, la musique de Rantala échappe aux longs travellings que l'on pourrait imaginer sur un paysage désolé pour aller chatouiller les oreilles avec autant de tendresse poétique que de gentilles railleries.
Et c'est un pianiste exceptionnel qui se révèle. Véritable kaléidoscope musical, parfois classique avec des airs de Rachmaninov (Octobre, Décembre) ou de Bernstein et émouvant sur des mélodies romantiques (Mars et Avril) ou brillamment primesautières (Juin) et drôles (May). Parfois flirtant avec le ragtime de Scott Joplin ou jouant avec le piano préparé ou frappé qu'im soit délié ou très percussif, Iiro Rantala est un pianiste libre qui ne se laisse enfermer dans aucun schéma musical.

Le pianiste donne chaque fois l'explication de ce que lui évoque chaque mois de l'année en Finlande. Caustique mais finalement si tendre envers les finlandais qu'Iiro Rantala se donnerait presque des airs de Woody Allen finlandais lorsque le réalisateur jette un regard aussi amusé qu'amoureux sur New-York et les New Yorkais.
Chaque morceau était précédé d'une présentation drôlissime du pianiste décrivant ce que lui inspire chaque mois de l'année en Finlande. Son Excellence riait (jaune) sous cape à l'évocation des névroses finlandaises ( l'argent, le sexe, les saunas, la depression et les vacances !)

Sans aucun cynisme mais avec une bonne dose de facétie (February), le pianiste évoque un brin de colère sombre (magnifique Décembre porteur d'un autre espoir que celui de Noël - bouleversant pour conclure l'album ).
Et malgré ce qu'Iiro Rantala peut dire sur son pays et ses habitants dépressifs et avaricieux, anxieux et parfois futiles, ces douze mois de l'année chargés d'émotions contraires nous invitent à ce voyage intime et nous prennent a rêver une année finlandaise
Brillant !
Jean-Marc Gelin

LES EMOUVANTES à Marseille, chapelle des Bernardines.

Samedi 21 Septembre.19h. In spirit, Claude TCHAMITCHIAN solo

Deux jours après la sortie sur nos écrans de la délicieuse comédie de Woody Allen, A rainy day in New York , il pleut sans faiblir sur Marseille en ce premier jour d’automne. Si la B.O du dernier Woody célèbre l’un de ses musiciens de prédilection, Errol Garner, nous n’entendrons pas vraiment du jazz classique avec la dernière soirée de ce festival si étonnant que sont les Emouvantes dans le cadre privilégié de la chapelle des Bernardines du lycée Thiers.

Claude Tchamitchian, le créateur du label EMOUVANCE, contrebassiste, compositeur, chef d’orchestre avec son Louzadsak, accompagnateur de nombreuses formations dont celle de l’ami Andy Emler, joue In Spirit, en hommage à Jean François Jenny Clark son troisième album solo après Jeux d’enfant en 1992 et Another childhood en 2010. Ces projets de solo prennent leur temps, correspondent à une maturation réfléchie, et dans ce cas très particulier, à une sorte de “captation” qui lui est venue avant même l’écriture.

Sur une contrebasse et quelle contrebasse, puisqu’il s’agit de celle du grand “JF”, disparu il y a vingt ans, l’autre étant entre les mains de Jean Paul Céléa, accordée différemment pour répondre à la musique entendue, pour éviter certains réflexes de jeu , automatismes de l’instrument, il se lance dans l’aventure, quatre suites, si on accepte comme telle, l’interlude plus court, entre la deuxième et la troisième pièce.

Comme il le disait déjà dans l’excellente interview d’Anne Montaron qui figurait dans les notes de pochette d’Another Childhood, il joue sans tension mais avec une grande intensité, comme “traversé”, en connexion avec l’instant, ce qui donne grande cohérence au solo, joué à flux tendu. “Incarnation” est aussi un mot qui peut revenir sous la plume, car il ne s’agit pas pas vraiment de se portraiturer au hasard des plages et de l’improvisation, pour rester pleinement dans la thématique du festival. Claude Tchamitchian aime sans doute se frotter à tous les genres, styles et techniques, mais cela va plus loin qu’un exercice de style, variant nuances et atmosphères de l’instrument. Ce n’est ni l’exploration de plusieurs modes de jeu qui est ici à l’oeuvre, ni l’art de la contrebasse en quatre leçons, sans, avec un, ou même deux archets (sur la deuxième pièce), mais une épreuve où la position de soliste s’avère difficile à garder, étant souvent ingrate. Je ne ressens pas, contrairement à son solo précédent, une dimension narrative avec une succession de portraits de figures amies, disparues qui hantent son inconscient. Mais plutôt un auto-portrait sur le fil du rasoir, où il lutte contre ses démons peut-être, contre le temps aussi, où la charge émotionnelle domine. Peu de silence, peu de vide mais un combat essentiel avec l’ instrument, une contrebasse puissante, résolue qui a son autonomie propre. Un rapport passionnel fort, dans la lutte plus que dans le ravissement, même s’il parvient à faire chanter la contrebasse qu’il empoigne, saisit, balance, arc bouté sur elle. Il en fait sortir des sons rauques qui enflent parfois en une mélodie plus apaisée, comme dans ce “In Memory” venu de la tradition arménienne, chant du Xème siècle selon Gaguig Mouradian, le joueur de Kamantcha, avec lequel Tchamitchian signa un album mémorable chez Emouvance, en 2002, Le Monde est une fenêtre.

Une performance saisissante où l’on entend le souffle, la respiration, où l’on sent la sueur couler, les doigts se retenir de glisser. Saisi par la teneur dramatique, on admire la maîtrise à ce niveau d’intensité, l’ivresse de certains passages qui deviennent frénésie, transe dans ces suites vibrantes et enlevées qui “ne scient pas de long”. 

21h. MARC DUCRET ENSEMBLE “LADY M”

Marc Ducret ( compositions, guitares)

Sylvain Bardiau (trompette, bugle), Samuel Blaser (trombone), Catherine Delaunay (clarinette, cor de basset), Liudas Mockunas (saxophones, clarinette basse), Régis Huby (violons), Bruno Ducret (violoncelle), Joachim Florent (contrebasse) et Sylvain Darrifourcq (percussions, batterie, électronique). 

Après le saisissement du solo de Claude Tchamitchian, nous poursuivons  avec une traversée shakespearienne épique sur la lande écossaise. Marc Ducret, féru de littérature, a choisi, après sa lecture d’ Ada ou L’ardeur de Nabokov, de s’attaquer à un mythe revisité par de très grands cinéastes, Orson Welles en 1948, Akira Kurosawa en 1957( Le château de l’araignée) et Roman Polanski en 1971, sans oublier le romancier WilliamFaulkner qui a fait sienne la citation à la fin de Macbeth :

“ It’ s a tale told by an idiot, full of sound and fury, signifying nothing”.

Les années de jeunesse passées, l’expérience de la vie a porté ses fruits quand Shakespeare écrit, après Jules César et avant Hamlet, ce Macbeth aux oscillations violentes, qui combine, en une seule intrigue, deux récits différents, retraçant en cinq actes assez resserrés, l’usurpation, le règne et la mort de Macbeth, guerrier valeureux, poussé au crime par sa femme Lady Macbeth. Marc Ducret comme Chostakovitch d’ailleurs, a choisi de déplacer son angle de vision et de se concentrer sur le personnage de Lady M. Les deux meurtriers ont en effet des caractères différents : si Macbeth, ambitieux et noble, hésite longuement, il succombe à une tentation infernale alors que sa femme a l’energie et la détermination triomphantes, sans hésitation. Animée par la soif du mal, Lady M est dotée d’une éloquence ardente et n’hésite pas à mettre en avant les arguments les plus spécieux pour changer les crimes en rêves de gloire. Macbeth se protège plus longtemps, confiant en la prophétie trompeuse des sorcières.

La vision de cette oeuvre laisse une grande liberté au metteur en scène qui peut interpréter les scènes d’action à sa guise, jouant sur les variations autour d’un même thème, exactement comme dans le jazz. Choisissant chaque interprète comme il l’imagine. C’est ce que fait Marc Ducret avec ses musiciens, triés sur le volet, un des castings les plus brillants de la scène musicale hexagonale actuelle, en ajoutant le tromboniste suisse Samuel Blaser, parfaitement en place. Chaque rôle est pensé en fonction de ce que peut apporter le musicien. Et l’ensemble est remarquable, répondant à une écriture exigeante, ambitieuse, d’une précision folle. L’idée forte de ce théâtre musical est d’engager deux chanteurs lyriques, une soprano Lea Trommenschlager et un contre ténor Rodrigo Ferreira pour “répéter”, ressasser ces mots obsessionnels. Ils interviennent  l’un après l’autre, puis ensemble. Il s’agit de reprendre certains vers du monologue de Lady Macbeth de l’acte I, scène 5 :

“Come you spirits that tend on mortal thoughts, unsex me here and fill me to the crown to the toe… Puis le passage si célèbre, somnanbulique de l’acte V, scène 1, où Lady Macbeth voit du sang, une tâche qu’elle ne parvient pas à enlever :

“Out damn spot, out I say!...All the perfumes of Arabia could not wipe this little hand”...

Car le couple est maudit dès le premier forfait accompli, tous deux connaîtront un repentir fatal, leur conscience aiguillonnée poussant au suicide Lady M et à un combat mortel pour Macbeth, qui accepte son sort, quand il comprend que la prédiction des sorcières se réalise.

Une mise en scène idéale de Sara Lee Lefèvre rend crédible la représentation : les neuf musiciens entrent en scène solennellement et se placent en un demi cercle parfait, tous vêtus de jupes noires à la Gaultier et chaussés de Doc Maertens. Ils ressemblent à ces chevaliers en armure, violents et sinistres, résistant avec Macbeth à l’avancée inexorable d’un Macduff vengeur. On entend la lande, le bruissement du vent, sur ces wuthering heights avec les effets électroniques saisissants de la batterie ou du violoniste Régis Huby.Tous regardent le chef, debout, impérial avec ses guitares (dont une douze cordes), dont il change régulièrement, s’autorisant à jouer de pleins passages qui tirent vers le rock.  Ducret, s’il ne peut être réduit à la seule figure de guitar hero, même splendide, n’est pas solitaire ; il a la vaillance d’un chevalie dirigeant ses troupes qui obéissent avec ferveur. Il faut voir le regard fièvreux de la clarinettiste Catherine Delaunay dont la partition est particulièrement ardue qui joue sous codeine car elle s’est fêlée une côte. Et son rôle de soliste est très important, taillé sur mesure, lui permettant de déployer la palette de son talent qui est grand. Les instrumentistes jouent souvent à deux, se mettant mutuellement en valeur comme les deux clarinettistes Catherine Delaunay et Liudas Mockunas à la clarinette contrebasse ou la même avec le formidable trompettiste-bugliste Sylvain Bardiau, l’un des trois du Journal Intime qui a souvent accompagné Marc DUCRET.

Car, cette aventure exceptionnelle est menée avec des musiciens fidèles depuis longtemps ( il faudrait les citer tous) qui sont de tous les projets du guitariste, dont Régis Huby, chef de meute lui aussi, qui livre un passage inquiétant, exaltant, tout seul, avec ses violons dont un ténor et quelques effets surdosés. Les "Tutti" de l' orchestre sont impressionnants et assez rares pour qu’ils gardent  leur force et se coulent dans la dramaturgie. Pas de clavier dans cette formation qui claque au vent sous la mise en son experte de Bruno Levée.

Bravo à tous et remercions encore les EMOUVANTES de nous donner une émotion aussi précieuse. Précisons pour les amateurs que cette création à la Dynamo de Pantin en 2017, la Lady M de Marc Ducret est sorti en CD sur ILLUSIONS en 2019. 

SOPHIE CHAMBON