Seventh 2008

Entre le 10 mai et le 10 juin 2005, le Triton, le club des Lilas dirigé par Jean-Pierre Vivante avait pris cette formidable initiative de demander à Magma de venir tout un mois durant faire une sorte de rétrospective en 4 volets ou plutôt 4 « epok » prétexte chacune à un DVD dont 3 ont déjà paru. Il s’agit donc ici du 4^ème  et dernier volet qui retrace une période venue, comme le dit Vander, « mettre un terme aux grandes fresques des années 70 ».

Comme toujours, inlassablement, infatigablement, Christian Vander y est le gardien du temple, grand gourou perpétuateur de la légende, maître du feu chargé de maintenir ce magma éruptif en fusion dans un volcan qui jamais ne s’éteint. A tel point que le génial chanteur- batteur porte à bout de bras (qu’il a fort musclés au demeurant) cette mécanique bien huilée à vous coller des transes sur des tourneries épuisantes, éreintantes dont on sort ( après près de deux heures) totalement lessivés. A l’époque des trucs hyper formatés, Magma 35 ans après donne les mêmes leçons d’énergie que c’est pas possible que vous restiez les fesses vissés sur le tabouret en écoutant ça. Inventeur d’un langage qui jette des ponts entre le Jazz rock et Coltrane, Magma reste paradoxalement d’une brûlantissime actualité à l’heure où certains pourraient penser à tort que l’engagement  ne  serait plus cette composante nécessaire du jazz et du rock.

Il faut attendre le deuxième set pour pouvoir entendre Vander délaisser le micro  et se poser derrière la batterie, toujours avec la même incandescence généreuse abordant un thème comme Ka I-ka II – ka III  de près de 50 mn sans jamais mollir un seul instant. Magma mythique et toujours légendaire. Magma insurclassable !

Et pour cette rétrospective il faut rendre hommage au travail du Triton et au travail de co-production de Seventh record. Il faut une réelle science du cadrage, de la lumière et des plans nerveux mais jamais chaotiques pour maintenir à l‘écran cette énergie qui ne tombe jamais dans le plan saccadé ou stroboscopique. C’est super intelligemment réalisé, sans plans bidons et toujours au plus près de la musique. On a le sentiment alors de rentrer au plus près de ce temple à l’ésotérisme post Coltranien à l’heure de la grand messe sacrificielle.

Le moins que l’on puisse dire c’est que Magma c’est sûr, était ce soir là au rendez vous de sa propre légende. Inusable !Jean-Marc Gelin

DUKE ELLINGTON

At The Côte d’Azur  with Ella Fitzgerald and Joan Miro

The Last Jam Session

2 DVD Eagle Vision –

DVD 1 : JJJJJ

DVD 2 : JJ

Attention, ce double DVD consacré à Duke Ellington présente deux films fort différents, que ce soit du point de vue du fond (l’intérêt musical) que de la forme (l’intérêt cinématographique). Le premier DVD est un véritable chef d’œuvre qui mérite de figurer en bonne place sur les étagères de tous les passionnés de jazz. L’action se déroule d’abord au festival d’Antibes–Juan Les Pins en juillet 1966, où l’orchestre de Duke Ellington va jouer quatre soirs de suite. On connaissait les enregistrements audio de ces concerts parus chez Verve et c’est avec un grand plaisir que nous découvrons les images, remarquablement filmées en vidéo noir et blanc par de talentueux techniciens de l’ORTF. Des belles et pertinentes prises de vues, d’élégants mouvements de caméras sur grue qui balayent l’orchestre et un montage efficace, qui colle à la musique et qui n’oublie personne pendant l’exécution des chorus. L’orchestre d’Ellington en 1966 est composé de musiciens exceptionnels, rien que la section de saxophones peut rendre fou de jalousie tous les big bands du monde (Johnny Hodges, Paul Gonzalves, Harry Carney, Jimmy Hamilton, Russell Procope). Le répertoire va intégrer des classiques de l’orchestre mais aussi des titres plus rarement joués comme Such sweet Thunder. On assiste aussi à la création d’un nouveau morceau : « The Old Circus Train Turn-Around Blues » où un montage habile nous fait passer des répétitions sous le soleil de l’après-midi à la finalisation du morceau lors du concert du soir. Puis changement de décor, nous sommes à St Paul de Vence à la fondation Maeght et Duke Ellington va jouer en trio au milieu des statues de Giacometti et en présence du peintre et sculpteur Joan Miro. C’est une excellente idée de confronter l’art musical d’Ellington à l’art pictural moderne du XX ème siècle, surtout lorsque la réalisation est à la hauteur de l’évènement par son originalité et son audace. Enfin retour à Antibes avec la grande Ella Fitzgerald qui va interpréter trois titres (dont un très émouvant Something To Live For), intégrant son trio à l’orchestre de Duke. On regrette juste que les caméras n’aient pas captés les remarquables I Don’t Mean A Thing, Mac the Knife et Cotton Tail dont le témoignage discographique nous reste encore en mémoire. Après ce sommet, la vision du deuxième DVD nous paraît bien fade et ennuyeuse. Il s’agit des séances studio de l’enregistrement de Duke Big 4 en 1973, où Duke est en compagnie de Joe Pass, Ray Brown et Louie Bellson. Le problème, c’est qu’il ne s’agit pas d’un véritable film finalisé, mais d’une longue série de rushes, en temps réel (une heure trente), filmés par une caméra de reportage qui cherche ses cadrages et effectue la mise au point pendant qu’elle filme. Ce document « brut de décoffrage » arrive très vite au bout de ses limites et l’absence de montage se fait cruellement sentir. En montant ces images, On aurait pu réaliser un intéressant document de 15 ou 20 minutes sur le travail en studio de ces quatre monstres sacrés. C’est dommage et pas très professionnel de la part d’Eagle Vision de nous présenter ce document tel quel, malgré l’évident et poignant témoignage musical qu’il nous restitue. Lionel Eskenazi

Yohimbe Brothers

Sylvie Courvoisier trio ABATON

Freedom Now Collection

LA HUIT - 2008

“Listen to the film and watch the music”, voilà le pari que s’est fixé La Huit Edition avec cette série de films musicaux captés à Banlieues Bleues. La série s’intitule « Free Form Now » et chaque réalisateur a l’entière liberté de filmer la musique à sa guise.

La dernière livraison donne de la production actuelle, un échantillon fort intéressant et contrasté dans les approches .Chaque film est confié à des cinéastes pour qui la musique est choisie comme un authentique sujet de travail. La carte blanche qui leur est confiée permet de dépoussiérer les codes plus ou moins figés de la représentation de la musique filmée, problème qui se pose également au théâtre. L’image est souvent privée de sens quand on regarde de la musique enregistrée en concert.

Jacques Goldstein s‘est attaché à suivre le Golden quartet de Wadada Leo Smith en 2005.

Filmé dans un beau noir et blanc, avec une grande précision et au plus près de chacun des musiciens qu’il met ainsi en valeur, le réalisateur ne donne pas souvent une image d’ensemble du quartet mais s’attache plutôt aux différentes phases de jeu.

Par contre, une expérience radicalement opposée a été tentée avec le spectacle des Yohimbe Brothers où des effets graphiques et visuels incessants viennent se superposer à la représentation du concert, masquant le caractère réel de la performance. C‘est un vrai film d’animation qui nous est montré autour de la musique du groupe.

Le VJ’ing de Mathieu Foldes impose par ses coups de palette, des kaleidoscopes chamarrés et psychédéliques. Ce travail audacieux, proprement vertigineux occupe en premier toute notre attention. La musique souligne les effets visuels du guitariste Vernon Reid, formidablement présent, affublé d’un drôle de chapeau péruvien.

Enregistré à Bobigny en 2005, ce concert avec la chanteuse Latasha Diggs, le turntablist DJ Logic nous entraîne dans ce qui est supposé être une vision moderne d’un spectacle musical. Chaque titre se transforme en un tableau vivant : l’effet est frappant mais quelque peu intoxicant. On en arrive à être parasité par ce déluge de couleurs et de formes. Cette réflexion autour des rapports entre l’image et la musique est néanmoins passionnante. Car que privilégie-t-on au juste ? Ne s’efforce-t-on pas de rendre la musique visuelle et de traiter à part égale les différentes disciplines artistiques ? C’est le par(t)i pris ici par Jérôme de Missolz et avouons-le cela correspond bien visuellement à l’engagement des Yohimbe brothers dans leur musique fusion, à la croisée du rap et du funk.

Le dernier DVD proposé d’Anais Prozaic serait la synthèse parfaite entre la représentation attendue d’un trio « classique » ( violon, violoncelle et piano ) filmé  souvent au moyen de zooms qui nous mettent tout près des musiciens. On ressent ainsi le premier titre de la même façon qu’au concert  quand on est bien assis dans les premiers rangs, visualisant  les gestes  tout en tensions et ruptures, le frémissement de la musique de Sylvie Courvoisier.

Puis, c’est la surprise : intervient une rupture brutale avec un duo de danse contemporaine dans un montage qui fait se correspondre les pieds et jambes des danseurs, les mains des instrumentistes. Juxtaposition rapide saccadée, haletante qui colle à la musique et à la danse. Voilà une tentative d’accompagnement plutôt réussi, symbiose de deux formes artistiques performantes.  On est évidemment un peu fasciné par les mouvements des danseurs et sans oublier la musique, la concentration est ainsi divisée. Risque de dilution ? En tous les cas, l’expérience est intéressante dans le rapprochement de diverses disciplines qui se marient bien.

A suivre.                                                                     Sophie Chambon

JJJJ(J) Non stop travels with Michel Petrucciani - Live in StuTggarT

De Roger Willemsen

C’est bien plus qu’un travail que livre là Roger Willemsen. Plus qu’un hommage bien sûr et plus encore qu’un témoignage, une sorte de déclaration d’amour fraternelle entre lui et son sujet Michel Petrucciani. Et il ne peut pas en être autrement pour parvenir à tant de complicité, tant de liberté dans l’échange et tant de sincérité aussi. Alors entre eux tout est dit, rien n’est éludé et naturellement tous les thèmes sont abordés tout au long de ce chemin que nous parcourons en 1995 avec Petrucciani de San Francisco, à Paris et enfin à New York. Et il faut rendre hommage à la simplicité, à l’humour et à l’immense force du pianiste avec qui il était possible de parler de tout, de la vie, de la maladie, de la souffrance, de la mort, de l’amour et de ses souvenirs d’enfance sans la moindre gêne.

Ce DVD n’est pas un inédit et il avait été diffusé il y a quelques années par la chaîne Arte. Beaucoup le connaissent donc déjà. Il est complété par un concert donné par le pianiste à Stuggart en février 1998 moins d’un an avant sa disparition en janvier 1999.

Michel Petrucciani dont jamais autant que dans ce DVD nous n’avions pu percevoir la force titanesque qui l’habitait. Et nous ne parlons même pas de son courage même si toujours il s’impose d’évidence. Nous parlons de ce regard pétillant et malicieux toujours porté sur le futur de lui-même. Cette gourmandise de la vie autant que cette volonté farouche de la mordre à pleine dent

Les rires succèdent aux moments d’émotion pure. On rit lorsque Petrucciani parle de la mort et de son agnotisme ( je veux bien croire qu’il y a quelque chose après la mort mais si je me suis trompé je demanderai à ce que l’on me renvoie sur terre !) et l’on pleure lorsque Charles Llyod, 20 ans après leur première et magnifique rencontre, reprend la même prose qu’une photo de l’époque et lui dit combien il est aujourd’hui un homme fier de lui. Petrucciani parle de tout très simplement. Il évoque son père, musicien pour qui il avait une admiration sans borne ( terrible souvenir de cette séance de répétition tant attendue et tournant au désastre),  il évoque le jazz et un peu son regard sur les autres pianistes. On rit encore lorsqu’il raconte ce thème qu’il avait composé pour Charles Llyod « She did it again » que d’aucuns croient dédiés à une femme et qui en fait raconte l’histoire de Josy, la chienne de Charles Llyod qu’il emmenait en voiture et qui ne cessait d’émettre des pets insupportables ! On frémit lorsque Roger Willemsen ave une infinie délicatesse pose à Petrucciani la question de la souffrance. Moment terrible.

Ce voyage réalisé en 1995 avec Petrucciani le mène en studio lorsque fut enregistré l’album Flamingo avec Stéphane Grappelli et Roy Haynes (ainsi que George Mraz). La rencontre de trois générations de jazzmen mythiques. Et l’on suit Petrucciani concentré et ému à l’écoute d’un chorus de Grappelli et s’en aller voir avec une grande humilité ce vieux monsieur pour lui dire combien il avait été touché par ce qu’il avait entendu. Le DVD s’achève sur un rêve, comme un défi lancé un jour à l’heure du thé dans le jardin de Charlotte Rampling : Willemsen lançait l’idée de filmer Petrucciani assis devant un piano posé sur le toit d’un building en plein cœur de Manhattan. Quelque mois plus tard un hélicoptère un peu kitsch tournait dans les airs autour de cet homme de génie posé sur le toit du monde et de nos rêves. L’image s’arrête, nous laissant le regret de ne pas avoir connu l’homme. Nous laissant aussi avec le souvenir d’un extraordinaire musicien dont on perçoit aujourd’hui l’empreinte qu’il laisse sur des générations entière de pianistes et qui, irrémédiablement ne cesse de nous manquer.                                                                            Jean-Marc Gelin

JJJ MARC RIBOT: “The lost string – La Corde perdue”

La Huit DVD Edition 2007

La Huit, producteur de DVD documentaires de qualité a eu la belle idée d’étoffer son catalogue «  musique » d’un DVD consacré à l’un des guitaristes majeurs de la scène actuelle. Car dans le prolongement des amis de John Zorn, Marc Ribot est en effet un guitariste New Yorkais qui compte énormément tant sur le plan d’une certaine conception de la musique que sur celui de la pratique de l’instrument. Un musicien en constante réflexion. Un de ceux qui avec d’autres comme Marc Ducret en France par exemple fait partie de ceux qui réinvente sans cesse l’instrument bien que se situant dans une veine radicalement différente de son compère français. Et Marc Ribot malgré ses régulières apparitions de ce côté-ci de l’Atlantique (à l’occasion de Banlieues Bleues notamment) reste relativement peu connu du grand public en France. Songez que l’ Encyclopédie du Jazz par exemple n’en souffle pas le moindre mot.

Il était temps de lui consacrer un  travail et de tenter d’approcher au plus près de sa démarche. Car celle-ci est complexe et absolument pas linéaire, empruntant des voies inattendues et inclassables. Car Marc Ribot, souvent associé à son compère de toujours Anthony Coleman a été de toutes les aventures musicales undergound de New York en passant par la scène néo-punk des Rootless Cosmopolitans où il avouait son adoration pour le Prime Time de Ornette Coleman, aux scènes alternatives du jazz qui l’emmenaient loin du côté de la Knitting Factory. Mais Marc Ribot est un boulimique de musique, considérée presque comme un champ expérimental pour toutes ses tentatives et multiples recherches. Il s’enorgueillit d’avoir joué  à la fin des années 70 avec l’organiste Jack Mc Duff, Etta Jones ou Jimmy Mc Griff à l’époque où il passait pas mal de temps du côté du Key Club. Ou encore revendique t-il clairement d’avoir joué de la soul music à un moment de sa vie avec Solomon Burke. Sans parler des rythmes afro-cubains d’Arsenio Rodriguez avec qui Marc Ribot a eu longtemps l’occasion de jouer.

Dans ce travail documentaire particulièrement bien réalisé, Anaïs Mosaïc semble en totale admiration pour son sujet, captant au cours de bribes d’interviews réalisées récemment ou provenant d’archives, la cohérence d’un discours complexe. Pour mieux pénétrer au cœur du personnage, la réalisatrice laisse s’exprimer le musicien en concert en groupe ou en solo dans un  travail documentaire qui ne se situe jamais dans une logique chronologique qui aurait été ennuyeuse mais en tentant d’approcher un fil conducteur dans la démarche artistique du guitariste. Pas sûr d’ailleurs qu’elle y parvienne totalement tant le sujet est caméléon. Mais si l’on retient une sorte de ligne directrice de son travail, elle viendra sûrement du blues, une sorte de blues venu de l’âme de New York, une certaine façon de faire gémir la guitare toujours ressentie comme l’expression d’une douleur sauvage. Au fil de ces belles images on entendra Marc Ribot dans des contextes aussi différents que dans une salsa endiablée (prise à banlieues Bleue) ou dans une sorte de sublime flamenco joué en solo en hommage à son maître, Frantz Casseus qui lui apprit la guitare à l’âge de 11 ans. Capable aussi de  transfigurer littéralement un thème aussi connu que St James Infirmary, Marc Ribot apparaît comme il est, un artiste total avec ce que cela suppose de gravité légère.

Un travail assurément exemplaire et particulièrement éclairant sur la dimension autant humaine qu’intellectuelle d’un artiste absolument majeur dans l’histoire du jazz et de la musique actuelle.

Jean-Marc Gelin

www.lahuit.com