Bande dessinée + 2CD
Bande originale collection de BD MUSIC
www.bdmusic.fr
octobre 2010
Sortie 22 octobre 2010

Une nouvelle graphique sur une bande originale très jazz

Il y a toujours du neuf dans le noir. Témoin la dernière livraison de l’impeccable collection de Bruno Théol chez Bd music qui une fois encore, selon l’approche choisie opère une sélection parfaite.
Dès l’ouverture de ce nouveau numéro de la collection Bande Originale  (BD Fiction) qui en est à son quatrième opus, ce « Bye Bye Blackbird »  éveille bien des souvenirs :  on est absolument soufflé par la présence de ce « Buhaina Chant »  du 7 mars 1957 où officient quelques uns des meilleurs batteurs et percussionnistes de l’époque dans cet Art Blakey / Orgy in Rhythm  Art Blakey, Jo Jones, « Specs » Wright, Sabu, Potato Valdez, Jose Valiente  Ubaldo Nieto…On rêverait de réunir aujourd’hui pareil « all star » de batteurs percussionnistes !  
C’est Marc Villard l’auteur de romans noirs, de policiers troublants que les lecteurs de Jazzman connaissent bien (Nouvelles noires)  qui illustre ce numéro avec un petit poème en prose sur New York, la ville tentatrice et inspiratrice des  musiciens de jazz. Ce texte fort  ne pouvait s’écrire ailleurs qu’en cette ville, dépeinte avec plus de détails, de perspicacité, de sensibilité qu’un simple décor.  Un New York où les paysages sont comme des artifices montrant une certaine déréliction - la mort qui plane autour de toutes les choses humaines.   
La fascination qu’il éprouve pour cette ville d’acier et de verre se nourrit aussi de mystère. On comprend que le jazz ne peut vivre et se développer que dans cette jungle urbaine, dans cette obscurité troublante et  cette poésie qui ne se réfère qu’à elle même. Un monde où même l’air que l’on respire est à nul autre comparable, épais et poisseux comme les traits des portraits de Joe.G Pinelli qui a concentré la force expressive  dans un graphisme gras et cerné, rehaussé de noirs bitumeux. On pense à Rouault  sans le mysticisme du peintre ou pour certains nus charbonneux à Auguste Chabaud.
 Billie Holiday évidemment, figure en couverture, coiffée de son gardenia,  emblématique de ce blues tragique comme dans « Gloomy Sunday », ou « Strange fruit ».
Cette histoire dans laquelle se retrouvent des figures de légende et d’autres du quotidien, se lit, s’éprouve, se traverse comme au volant d’un « yellow cab » qui sillonne les avenues tirées au cordeau. Le rythme est nerveux, haletant, assorti à la violence sèche et à la « photo » somptueuse de ce décor cinématographique. On est plus proche de  Taxi driver dont la musique est de Bernard Herrmann que du Manhattan de rêve, en noir et blanc de Woody Allen, tourné en 79 avec en arrière fond,  cette musique « rétro » de l’ère du swing et des big bands.
On pense aussi à Kerouac et à son approche allumée, instinctive. La vie glisse dans le glauque et chaque matin est comme un coup de matraque : plongé dans un profond chaos émotionnel, s’abandonnant à l’appel de l’ombre et des puissances de l’irrationnel.
Pour la bande son, il ne s’agit pas précisément d’une énième compilation mais d’un album thématique qui choisit ce tournant extraordinaire du jazz, à l’orée des années soixante : Charles Mingus, Art Blakey, Art Pepper, Gerry Mulligan, Horace Silver, Miles Davis, Yuseef Lateef côtoient encore Coleman Hawkins ou Armstrong et sans renier leurs pères impriment une autre impulsion à cette musique.   Si on suit avec intérêt et même passion l’évolution de cette musique aimée, reconnaissons que cette période qui anticipait le free jazz et ce bouleversement absolu des règles et de l’écoute est formidable. Elle nous semble étonnamment moderne, c’est à dire intemporelle.

Sur deux Cds, 29 titres du « Black and Blue » d’Armstrong en 1929 au « Jazz Heat, Bongo Beat » de Buddy Colette, en 1959.
C’est une alchimie particulière que de constituer un montage sonore qui fait découvrir le son du jazz , sa quintessence : de l’émouvant « Lonely Woman » d’ Ornette Coleman (The shape of jazz to come), à l’impeccable « Jordu » enlevé par Clifford Brown et Max Roach.
Coltrane est dans la liste sur le « So what » de Kind of Blue du quintet de Miles en mars 1959, et sur « Blue Train » mais, entre 1956 et 1959, il cherchait et se préparait à  la dernière décennie qui allait le faire entrer dans la légende.

Si vous vouliez faire connaître le jazz de façon assez précise, sans viser l’exhaustivité, c’est tout de même la quintessence qui figure sur ces deux albums. Avec  maîtrise et virtuosité- l’un des éléments clés pour comprendre le jazz et son développement- on s’abandonne à la fascination envers ces légendes du jazz, dans un tour de la question des générations et des styles d’une période particulièrement faste.
A découvrir rapidement !

Sophie Chambon

Paolo Parisi

Editions Sarbacane

125pages, 17,50 euros

Paolo Parisi est un dessinateur italien amoureux de musique et de jazz en particulier. La lecture de l‘ouvrage de Lewis Porter, ouvrage de référence s’il en est, consacré à la vie et à l’œuvre de John Coltrane fut, selon ses propres notes de fin d’album, une révélation. Choc au point de vouloir l’exprimer comme il sait le faire, en BD.

125 pages qui retracent donc la vie du saxophoniste, 125 pages découpées en 4 chapitres dont les titres sont tirés de « A love Supreme » : part 1 Ackowledgement / part 2 Resolution / part 3 Pursuance / part 4 Psalm.

Très fidèle à la biographie de Porter, Paolo Parisi parvient avec candeur et parfois avec une réelle émotion à éviter toute lourdeur, à esquisser les grands traits de l’œuvre et de la vie du musicien, en restant au plus près d’une atmosphère qui respire la musique. Tout en gardant une trame chronologique, tout en respectant les dialogues et réflexions tirées fidèlement  du livre de Porter, le dessinateur italien parvient en quelques dessins à saisir l’essence du mythe Coltranien et reste au plus près de la musique qui exhale de chaque planche.

On n’évitera pas, bien sûr , quelques poncifs sur la mystique Coltranienne et quelques réflexions philosophico-musicales ( «  Au début était le son…. »).

Mais avec une certaine forme d’élégance, Paolo Parisi, visiblement lui-même très attaché à son sujet, transmet là son amour du saxophoniste et offre aux néophytes une première approche intéressante.

Seul regret : dans une approche didactique, cet album aurait tout aussi bien pu s’accompagner d’une sélection discographique. Reste au lecteur à agrémenter sa lecture d’une discographie qu’il se constituera finalement lui-même.

Jean-Marc Gelin

Collection Formes

Le MOT et le RESTE/ Harmonia mundi

2010

25 euros.

lien

Régis Canselier est le spécialiste français de Jimi Hendrix, comme Aymeric Leroy est Monsieur «Rock Progressif».(1) Musicien, improvisateur, administrateur du forum français consacré à Hendrix, Canselier livre, dans ce Jimi Hendrix le rêve inachevé, un travail des plus sérieux sur l’oeuvre enregistrée par le génial gaucher. Difficile de résumer un tel ouvrage, si riche en informations et analyses mais, une fois encore, les éditions marseillaises Le Mot et le Reste s’attachent à rendre visibles, avec une grande générosité, le travail d’amateurs fous, ce que les Anglo-saxons nomment «labour of love», «a work in progress» sisyphien.

Jimi Hendrix est mort, il y a aura quarante ans, le 18 septembre 1970. Pourtant, dès mars 2010, on pouvait acheter un «nouvel» album Valleys of Neptune, comprenant des parties instrumentales du bassiste Noel Redding et du batteur Mitch Mitchell, un scandale et une formidable arnaque, d’autant que le mastering est lourd, le son compressé.

Comment savoir quels sont les albums à se procurer dans cette discographie d’Hendrix chaotique, alignant titres majeurs et autres purement anecdotiques, sans oublier des albums très inégaux sous son nom (évidemment vendeur) où le guitariste n’est que «sideman» ? Son dernier album demeure inachevé, et il reste encore des heures d’enregistrement inédits, exploités par des hommes d’affaires souvent peu scrupuleux. 

 Si Hendrix est au cœur d’enjeux financiers considérables, Régis Canselier tend à rétablir une certaine vérité, à gommer quelque peu le mythe de la rock star, à montrer un musicien autodidacte, à l’imagination époustouflante : «les solos de Hendrix sont souvent complètement imprévisibles, tout en étant parfaitement construits ». Il faisait preuve d’une inventivité rythmique, alliée à une sonorité exceptionnelle. C’était un génial improvisateur même s’il n’était pas un jazzman, encore moins un guitariste de be bop, mais l’aspect révolutionnaire de son jeu de guitare est ici souligné, ce qui ne pouvait qu’intéresser Miles Davis et Gil Evans : leur rencontre programmée l’eût sans doute orienté sur d’autres voies, des plus fécondes.

C’est à un véritable travail d’analyse musicologique que se livre l’auteur, décrivant les enregistements majeurs d’Hendrix et les replaçant dans leur contexte : les différents chapitres s’articulent sur la chronologie (3), traitant par exemple des très grands concerts Monterey (1967), Woodstock (1969), Isle of Wight (1970) et Royal Albert Hall (1969). Sans oublier un passionnant «Une vie après la mort (slight return)» qui développe tout le travail entrepris par Alan Douglas (sorte de « mea culpa » après certaines erreurs passées) sur  Jimi Hendrix : Blues, sorti le 26 avril 1994. Cette thématique s’avère passionnante . Elle complète, sur les sept films que Martin Scorsese consacra au blues, celui honorant Hendrix, une sorte de Blues, volume 2 qui peut séduire les amateurs de l’album de 1994, d’autant que les titres sont différents. 

A qui s’adresse le livre de Régis Cancelier ? Sûrement pas à ceux qui achètent des compils souvent «dégoûtantes», par effet de mode ou attirés par le  sensationnel (Jimi le guitariste qui jouait avec ses dents, ou la guitare dans le dos, qui incendiait sa guitare un beau jour de 67 à Monterey, pour répondre au défi des Who –le groupe le plus assourdissant de l’époque).  Alors, comblera-t-il  les seuls «spécialistes», les fans absolus ? Oui, mais pas seulement ! Il est écrit pour tous ceux qui aiment et aimèrent Hendrix et ont du mal à faire le tri dans les parutions innombrables et les fonds de tiroirs raclés avec acharnement, depuis la mort du guitariste. D’autant qu’à partir de 1997, le père de Jimi Hendrix et sa fille adoptive Janie reprirent le fonds discographique (héritage des plus lucratifs) sorti sous le nom de Experience Hendrix L.L.C  et sous le label Dagger dès 1998 (souvent des pirates officiels). Si ce livre ne se lit pas tout à fait comme un roman- ce n’est pas une fiction romancée sur un des mythes du rock, l’une des trois figures tragiques de cette période avec Jim Morrisson et Janis Joplin - il se feuillette au gré de l’humeur et des chapitres, comme une passionnante histoire musicale. Sans oublier, en fin de livre, la cerise sur le gâteau, les reproductions en couleur des pochettes psychédéliques des principaux albums vinyls.

Ajoutons enfin tout l’appareil éditorial : une chronologie fine et précise des sessions  (avec seulement des prises officielles), une discographie qui souligne l’ère de deux producteurs incontournables mais souvent discutables, l’ancien manager Michael Jeffery (1971-1973) et Alan Douglas (1974-1995), ancien producteur de jazz dans les années soixante.(2)

Encore plus précieux, les «setlists» des différents concerts reconstituent le concert original sans les coupes sombres et oublis plus ou moins pardonnables, effectués sur les nombreux Cds et DVDs sortis depuis la mort d’Hendrix. La bibliographie, copieuse, inclut aussi des ouvrages et études des plus sérieux (d’universitaires jazzmen comme Laurent Cugny) et enfin l’index des chansons permet, en un temps record, de retrouver dans le livre tout le «matériel» à disposition.

Sophie Chambon

Tous deux sont nés dans les années soixante dix, après la mort d’Hendrix et sont bien trop jeunes pour avoir connu ces musiques qui les passionnent. 

On doit à Douglas les scandaleux Crash Landing et Midnight Lightning , recomposés en studio avec des musiciens professionnels qui n’avaient jamais rencontré Hendrix !

Les trois single londoniens, Are you experienced? , Axis : Bold As Love, Electric Ladyland, Winterland, Royal Albert Hall, la fin de l’Experience, Woodstock, Band of Gypsys,  The Cry of Love Tour,  Isle of Wight          

Le mot et le reste

2009

Hard ou Heavy rock ? Vous donnez votre langue au chat? Il n’y a pas que AC/DC, Metallica, Iron Maiden, Mega Death, Deep Purple, Led Zep, Scorpions…

Vous saurez tout justement sur ce sujet en lisant le livre de deux passionnés, éminents spécialistes

qui rendent intelligible cette musique pleine « de bruit et de fureur » dans le contexte

d’une époque  fantastiquement énergique qui avait une « soif (inextinguible) de décibels ». (1)

La «décade prodigieuse» (1966 à 1978) est l’objet d’étude de ce premier tome, intitulé « Sonic attack». Pendant ces années culte qui précédèrent l’arrivée du Punk, fleurirent d’innombrables groupes de rock qu’on eut vite fait de diviser en des « ramifications tribalo-claniques », une jungle de genres et de sous-genres où l’amateur, même un peu «éclairé», perd son latin. D’autant que les fans et journalistes de la presse spécialisée n’ont pas toujours contribué à défricher ces sentiers touffus et  très fréquentés. Les éclaircissements de la préface (parfaite), comme souvent les introductions des bouquins des éditions LE MOT ET LE RESTE, remettent les idées en place : on découvre avec stupeur que certains de nos groupes chéris font partie du « heavy metal ». A moins que ce ne soit du « hard rock » ?  Comment s’y retrouver ? (1) Car les fondateurs du hard rock ne se résument pas aux seuls Led Zep et Deep Purple que tout un chacun  connaît à présent, avec les (souvent) dérisoires tentatives de reformation récentes –avec ce qu’il reste des musiciens « originaux ». Aujourd’hui les jeunes générations adoptent  un grand ancien en général, pas plus, loin de la relation fusionnelle de l’époque, où chaque groupe restait proche de son public.

Avec une présentation toujours aussi claire, simple et néanmoins précise, les auteurs ont constitué une anthologie en 101 albums de Hard‘N’Heavy music, justifiant leurs choix par leurs commentaires affûtés. En feuilletant cette bible, on  retrouve des noms familiers (tant mieux), des univers inoubliables avec des albums emblématiques comme le « métallique » Jeff Beck Ola-Beck avec la pochette inspirée de Magritte, l’intense live The Who at Leeds, le grand-guignolesque Killer d’Alice Cooper, l’éruptif Disraeli Gears des Cream. Quel régal,on plonge dans un bain nostalgique en lisant

la chronique de chaque album. Mais même si vous avez quelques bases, car vous avez aimé The Who, Cream, Aerosmith, Jeff Beck, Alice Cooper, Lynyrd Skynyrd, Iron Butterfly (le In-a-gadda-da-vida de toute une génération ), Iggy Pop and the Stooges, Johnny Winter, Ten years after, Hot Tuna, Robin Trower (parti du suave Procol Harum), vous n’avez pas toujours idée de la production pharaonique et de l’inventivité débridée de cette décennie.

Si Led Zeppelin est un monument ayant rapidement conquis ses lettres de noblesse, dès le volume II du « brown bomber », en 1969, existaient d’autres formations plus éphémères mais tout aussi excitantes : plus pop, psychédéliques, brassant les influences les plus diverses et des univers allant des « marvels » à la S.F comme  Hawkwind, Pink fairies, Budgies, Thin Lizzy ou Captain Beyond.

Le rock a sa place à présent dans le panthéon des musiques reconnues « sérieuses », il s’est institutionnalisé, a gagné en respectabilité sauf pour les extrêmes, considérés avec dédain par les «ayatollahs» encore trop nombreux dans cette musique. Certes, les avant-gardes actuelles  aident à ouvrir des voies, à se frayer un passage sur un chemin pourtant balisé d’ornières : un Mike Patton avec son Mr Bungle, le très recherché John Zorn -il se produit à Marciac, c’estdire- Sonic Youth se revendiquent de cette mouvance ou du moins y vont puiser des sources d’inspiration.. 

Voilà le livre qui aidera à se constituer une discothèque idéale quand on est un brin collectionneur et que l’on ne se veut pas sectaire. C’est toujours une mission impossible que de sélectionner des albums: il faut en enlever de sa liste, pécher par omission, ce que l’on finira par vous reprocher forcément. Cet ouvrage est plus que nécessaire pour comprendre autrement  ces mouvements musicaux souvent dédaignés, reconstituer certains liens, faire que les marges rejoignent aussi leur centre.

Ajoutons que la bibliographie est soignée, et que la liste d’addenda à écouter, en plus des albums retenus, mérite d’être examinée. Le MOT ET LE RESTE constitue aujourd’hui une référence des plus sérieuses avec un catalogue passionnant pour amateurs de musiques libres et décomplexées.

(1 ) Certains font démarrer le hard rock avec Led Zep et le heavy metal avec Black Sabbath , deux courants prallèles nés du blues rock  

(2 ) Les Who se voulaient le groupe le plus assourdissant de l‘époque, rivalisèrent avec Jimi Hendrix et ses murs d’ampli Marshall à Monterey

Sophie Chambon

Frédéric MARTEL

Flammarion, 460p., 22,50euros

Quel est l’état de la culture et de la diffusion des contenus dans le Monde et quels sont les modèles dominants ?  quel est l’avenir de ces modèles dans un monde global où les flux circulent plus facilement et où internet bouleverse la donne, voilà le constat que Frédéric Martel ambitionne de réaliser au travers de cette magistrale enquête qui a mené le journaliste aux quatre coins du monde à la rencontre de tous les grands décideurs en matière de culture. 30 pays visités et plus de 1200 personnes interviewées dans le monde !

A priori, rien de très nouveau dans cette étude. Le constat de départ est sans appel en tout cas dans sa présentation un peu tronquée des chiffres : les Etats-Unis diffusent 50% du contenu culturel dans le monde avec une balance commerciale très largement excédentaire. Rien de très nouveau sous le soleil pourrait-on dire. La Culture mainstream vient de là-bas c’est toujours une évidence incontournable et se diffuse dans le monde entier grâce au savoir faire des américains, à leur puissance financière mais aussi à la maîtrise impressionnante de tous le processus « créatif » qui ne peut se résumer aux seuls blockbusters et autre produits hypermarkétés. Les studios d’Hollywood continuent d’inonder le monde avec des films à la stratégie marketing de supermarché mais les « agences de talent » où se font désormais les contenus de demain ouvrent la voie à des processus créatifs plus audacieux et laissent libre cours à un grand nombre de producteurs et d’artistes indépendants. Tout l’art du savoir faire américain est ainsi de pouvoir rendre à peu près tout mainstream.

Mais Frédéric Martel, qui nous avait livré une intéressante étude sur la culture en Amérique («  de la culture en Amérique » - Gallimard, dont « Mainstream » reprend une grande partie de l’analyse),  nous montre surtout un monde culturel bien plus complexe qu’il n’y paraît.

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