SISYPHUS

Francesca Han · Takashi Sugawa · Shun Ishiwaka

Label Hanji / Inouïe Distribution

Sortie le 9 octobre 2026

Conçu pendant sa période japonaise, cet album de Francesca Han est constitué de sept pièces sensibles et saisissantes, toutes de sa plume, évoquant souvenirs et moments forts de son séjour en autant de courts récits musicaux. La page est tournée, à présent la pianiste vit en France, mais elle a voulu capter ses échanges avec une rythmique de l’avant-garde japonaise tout à fait exceptionnelle : il en résulte un album enregistré lors d’une séance de 2017 au studio Dedé, mixé et masterisé en 2025 à Tokyo qui est appelé à faire date dans sa discographie.

Avec la redécouverte de ce programme Sisyphus, le trio s’empare avec une passion communicative d'une écriture très personnelle, intense et raffinée qui prend des libertés avec le patrimoine japonais ou coréen mais qui a néanmoins cette « asiatic touch » indéfinissable. Sans doute dans l’art de croiser des repères, influences traditionnels avec la composition et improvisation contemporaines et l’urgence du jazz ?

Du "beau piano"mais pas tout à fait au sens que l’on entend habituellement, une articulation vive, nette jusqu’au tranchant qui livre la mélodie avec des élans parfois inattendus, sans cliché  romantique ou mièvre. Si chacun sait donner du relief à ses attaques, la rythmique s’y entend pour insuffler de la subtilité dans la dynamique rigoureuse et limpide des compositions.

Le premier thème «Petit soleil», une berceuse pour son fils, magnifie justement le partage, la triple entente où le travail tout en nuance des balais, la résonance délicate sur les cymbales s'accordent avec le jeu d’une exquise douceur du piano. C’est à peine si on sait qui impose son rythme dans ce triangle équilatéral qui passe d’un doux allumage à des envolées plus fiévreuses tout en travaillant sons et textures. La composition suivante « Chrysanthemum », emblématique fleur du Japon, reste dans cette tonalité spirituelle et recueillie. C’est un hommage non déguisé à un grand pianiste japonais qu’admirait Francesca Han, Masabumi Kikuchi.

Une vraie dramaturgie dans la rupture franche du titre suivant « Sisyphus » dont la pochette illustre de façon explicite le mythe éponyme, un travail de l’artiste et de son mari (également producteur) sur ce papier Hanji coréen, fabriqué à la main à partir d'une pâte de mûrier, doux, résistant, lisse et blanc jusqu'à être translucide.

On aime la vigueur croissante, l' énergie dans l’improvisation collective d’un « Circle » qui ne tourne vraiment pas en rond, continuant sa progression par ce « Cowellessi » en hommage à un duo inspirant, le pianiste Stanley Cowell et le trompettiste Ralph Alessi avec lequel, on s’en souvient, Francesca Han a gravé un Exude remarquable. Elle n’a pas peur de reprendre d’ailleurs  "Count Yourself", hommage à l’insurpassable « Count Down » coltranien, en le jouant à sa façon, en motifs brefs qui captent l’attention avant qu’un élan soutenu n’emporte définitivement l’adhésion. Le final vibrant, lumineux concourt à nous emporter loin, un « Détour » que l’on prend volontiers avec ce trio osmotique. 

Un album à la longueur parfaite que l’on découvre et réécoute en boucle tant il a quelque chose d’addictif. Sans doute l’attention singulière portée au façonnage de chaque composition, le soin apporté aux moindres détails de ces structures complexes qui restent pourtant accessibles.

Programmateurs, quand allez- vous donner plus de place à cette pianiste unique?

Sophie Chambon

Justin Hicks Man Of Style 

Jammin'colors/ L'Autre Distribution

Music, Lyrics, Synth : Justin Hicks

Vocals: Kenita Miller-Hicks, Jade Hicks

Guitar : Chris Bruce

Piano : Daniel Mintseris

Rhodes : Jake Sherman

Bass, Synth : Meshell Ndegeocello

Concert 5 octobre New Morning Paris et 10 octobre  La Meson Marseille

On ne le connaissait pas vraiment, ce Justin Hicks qui nous saisit avec ce premier album  intrigant Man of Style .

Une voix singulièrement attachante qui retient immédiatement l’attention, sans que l’on songe à interrompre la suite de chansons souvent mélancoliques qui composent l’auto-portrait de cet artiste expérimental dans de nombreux domaines (sound design, arts plastiques, théâtre). Auteur-compositeur et multi-instrumentiste, c’est sa voix qui convainc, envoûtante, difficile à définir, comme sur « Wendy » où on hésite entre pop et folk pensant à des mélodies de Macca. Sur d’autres, c’est plus nettement Soul jazz, R&B, impossible de le limiter à un style.
Il reconnaît volontiers que le chant est à l’origine de toutes ses expériences en musique.

Si on a suivi attentivement le parcours de la bassiste Meshell Ndegeocello, Justin Hicks figure depuis 2018 sur ses albums dont les Blue note The Omnichord Realbook, The Gospel of James Baldwin. Elle l’accompagne d’ailleurs à la basse ( Chris Bruce l’autre co-producteur à la guitare) et a suivi de près la réalisation de ce premier album qui sort vraiment de l’ordinaire : puisant dans le roman familial ce que confirment les photos délavées de la pochette délicieusement surannée, couleur vieux rose  où figurent les parents du chanteur de leurs fiançailles jusqu’au mariage. Sur la couverture le couple, il joue du piano à son amie étendue sur un canapé.

Sur quelques titres le rejoignent les voix féminines de Kenita Miller Hicks qui n’est autre que sa femme et de sa soeur Jade Hicks (le final « Use Your Head » conseil judicieux que leur prodiguait leur mère). On vous le disait, une histoire de famille, chacune des onze chansons constituant un arrêt sur image, un instantané de vie dans un enchaînement dramaturgique parfaitement conçu. Une confession évidemment émouvante qui n’a rien de sensationnel, un journal intime dont on dévoilerait quelques pages choisies. Comment ne pas être sensible à ce travail artisanal conçu avec coeur, ferveur même dans une économie de moyens si rare aujourd’hui, qui n’en est que plus précieuse ?

Plus que prometteur ce Man of Style !

Sophie Chambon

ISLAND

Mélodie en sous sol / L’autre Distribution

Christophe Marguet – Batteur, compositeur

Régis HUBY, violon ténor électro-acoustique Manu CODJIA, guitare électrique ?Hélène LABARRIERE, contrebasse ,Christophe MARGUET, batterie et compositions

De quelle île s’agit-il dans le second album du nouveau quartet de Christophe Marguet  Echoes of Time ? Existe-t-elle seulement, ailleurs que dans son imagination ?

L’histoire, édifiante, mérite d’être racontée. Brendon Grimshaw, un Anglais un peu fou, a acheté une île des Seychelles, Moyenne, en 1962  où tout en s’isolant de la société, il a essayé de maintenir un éco-sytème qui fonctionne toujours. A l’instar de la nouvelle de Giono, L’homme qui plantait des arbres, il a reboisé, introduit de nouvelles espèces d’oiseaux, redonné vie autour de lui. Son île devenu parc naturel abrite aujourd’hui les deux tiers de la faune des Seychelles.

Un projet de vie, un acte de résistance qui ne pouvait qu’inspirer Christophe Marguet, tant il s’intègre dans la démarche de “résistance poétique” (et politique) du batteur depuis son premier album en leader en 1996. Ce que l’on conçoit d’autant mieux après le désastre climatique d'un été infernal qui n’a pas encore dit son dernier mot. 

Sensible à la circulation naturelle entre les musiciens, à cette fluidité quasi-instinctive du quartet qui s’abandonne, sous emprise, emporté par les vibrations sonores des instruments, on atteint vite le rivage de ce paradis ultramarin. Une  étrange familiarité  saisit dès l’introduction « Island » qui plante le décor. Avec un tel équipage on s’abandonne en confiance, heureux de retrouver les terres musicales sur lesquelles ils s’aventurent, avec les références fortes sur lesquelles ils ont construit ce nouvel édifice : pulsation irrésistible et libre du jazz, urgence du rock teinté des nuances du progressif. Dans certains titres dont le très vibrant « Liberté » court un motif mélodique, hommage conscient (ou non) à Henri Texier, l'un de nos derniers grands mélodistes, avec lequel le batteur a beaucoup joué.

La musique soutenue par une rythmique toujours élégante peut vite s’emballer comme dans l’ardent « Daily Work ».  Au royaume des cordes pincées, frottées qui se croisent, se prennent et se déprennent,  Hélène Labarrière fait entendre son chant, Régis Huby et Manu Codjia mènent la danse et l’on ne saurait dire des deux « solistes » qui a le rôle dominant. La musique généreuse, expansionniste est d’autant plus remarquable que personne ne songe à prendre le pouvoir. L’hypnotique et frémissant « Nuit Céleste » contraste avec le « Sable blanc » où la guitare de Codjia s’électrise furieusement et stratosphérise d'aise. Le mélodique et mélancolique « Chemin de lune » au violon ténor-choisi à dessein, augmenté d’effets, tout comme « les Dauphins » à la guitare redevenue délicate et subtile, introduisent des plages plus apaisées, moins fiévreuses. Un effet de la sensibilité du compositeur, distribuant les échanges, jetant des ponts entre ses partenaires, toujours en phase avec eux. Mais ce calme n’est qu’apparent avec des musiciens soudés qu’on connaît combattifs et habités jusqu’au final qui ne veut pas finir, «Wild Life ».

Un album bienvenu en ces temps de rentrée.

Sophie Chambon

Jacques Schwarz-Bart (saxophone ténor, effets, composition), Reggie Washington (contrebasse, guitare basse), Arnaud Dolmen (batterie, voix)

Perthes (Seine-et-Marne), 3 février 2026

Quai Son Records / distribution Intégral

Après son disque en duo avec le pianiste Gregory Privat (‘22’, publié l’an dernier), et une dizaine d’albums en formations plus étoffées, le saxophoniste guadeloupéen de Boston a choisi le trio sax-basse-batterie, incontournable notamment depuis Sonny Rollins. Le titre est éloquent : il invoque l’esprit de résistance, chez lui héréditaire si l’on se souvient qu’il est le fils d’André Schwarz-Bart (1928-2006, résistant torturé par les nazis à l’âge de 16 ans, prix Goncourt en 1959 pour un roman nourri de l’histoire de la barbarie nazie), et de Simone Schwarz-Bart, née en 1938, écrivaine (romans, témoignages, essais, théâtre) et militante. Dans cette configuration du trio sans instrument harmonique, il délivre une musique de liberté, souvent incisive, mais aussi tendre parfois, qui illustre magnifiquement les possibilités d’interactions de cette formule instrumentale, qui circule ici entre le jazz, le gwoka de la Guadeloupe et la biguine de toutes les Antilles. C’est comme un festival de créativité tout-terrain, nourri de passion, d’inventivité et de connivence entre les trois acteurs de cet objet musical d’une incroyable intensité. Variété des approches (utilisation parfois du traitement du son de saxophone, présence de la voix, parlée ou chantée, bascule de la contrebasse à la basse électrique), et cohérence esthétique de l’objet musical font de ce disque une grande réussite artistique, à découvrir sans délai, car l’esprit de résistance qui s’y déploie balaie l’histoire qui bégaie, de la seconde guerre mondiale jusqu’aux États-Unis d’aujourd’hui malmenés par Trump.

Xavier Prévost

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Le trio sera en concert à New York (Jazz Gallery) le 30 septembre, à Basse Terre, L’Artchipel (Guadeloupe) le 3 octobre, et à Paris (Sunset) du 15 au 17 octobre

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des avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=jEXK6ZM7MT8

https://www.youtube.com/watch?v=5WhBb1kGZOE

 Mark Turner (saxophone ténor), Joe Martin (contrebasse), Marcus Gilmore (batterie)

Brooklyn, 23-24 mars 2025

Giant Step Arts GSA 20

https://joemartin3.bandcamp.com/album/the-phoenix-trio-tomorrow-is-today

Enregistré à l’Ornithology Jazz Club , une musique exigeante écrite et jouée par trois orfèvres. Le choix de la formule du trio repose sur le degré d’excellence qu’impose cette instrumentation qui privilégie la densité du propos, l’intensité de l’échange, et ne laisse aucune place aux automatismes des mains ou de la pensée. Ici s’écouter pour agir, avant d’agir, et aussi agir pour stimuler l’écoute des partenaires, voilà qui fonde la réussite de l’entreprise. Et elle est au rendez-vous. C’est tendu, mais fluide, pas dénué de complexité et pourtant offert à l’immédiateté de la sensation et du plaisir. Quatre compositions du bassiste, une du saxophoniste, et une autre du batteur : autant de défis à la faculté de ‘faire musique ensemble’. Leur complicité établie par de nombreuses rencontres leur en offre le loisir, et ils savent capter notre attention, nous laissant sans cesse dans l’attente de la résolution d’un mystère qui se joue pour qui écoute. Avec toujours ce qui se passe, dans cette musique, dans les infinis combinaisons (un jeu incessant) du côté des rythmes et de leurs mystères. Un symbole de ce que le jazz peut encore nous réserver d’inouï, d’imprévu, et de totalement dépaysant, même si nous sommes des jazzophiles aguerris. Du très Grand Art !

Xavier Prévost