Laurent Dehors (composition, saxophones, clarinettes, harmonica), Catherine Delaunay (clarinettes, accordéon diatonique, cor de basset), Denis Chancerel (guitare électrique sept cordes, banjo), Gabriel Gosse (guitare électrique sept cordes, tres), Jean-Marc Quillet (marimba basse, vibraphone, xylophone, timbales, accordéon chromatique), Bastien Stil (piano, piano électrique, tuba, trombone), Gérald Chevillon (saxophones basse & soprano, flûte à bec), Damien Sabatier (saxophones alto, baryton et sopranino), Franck Vaillant (batterie, batterie électronique, percussions), Marc Ducret (guitares), Matthew Bourne (piano)

Saint Étienne du Rouvray, octobre 2015

Abalone AB 023 / L'Autre distribution

Le point de départ, c'est une commande de l'Opéra de Rouen Normandie : une œuvre pour un orchestre symphonique et le big band Tous Dehors, avec pour projet d'illustrer les différentes étapes de la vie, de la conception jusqu'à l'ultime souffle. Passé le stade de la création, il n'a pas été possible de rejouer la partition sur scène ni de faire un enregistrement avec l'effectif originel (une cinquantaine de musiciens). Laurent Dehors s'est donc remis à la tâche pour une version en effectif réduit : neuf musiciens, plus les deux solistes invités (Marc Ducret et Matthew Bourne) qui dialoguent avec l'orchestre. Le résultat est plus que convaincant de vitalité, de vivacité et de pertinence. Les rythmes nous emportent, que l'on soit dans le groove ou dans des segmentations obsédantes, à la façon de Stravinski (Laurent Dehors en connaît un fameux rayon de ce côté-là, car il avait déjà à sa manière arrangé/dérangé L'histoire du soldat ). Et l'on entend parfois le souvenir du Sacre du printemps dans des accords larges où intervalles majeurs et mineurs se superposent). La forme est virtuose, mais sans affectation : la surprise, l'humour et la fantaisie prévalent. Les alliages de timbres sont parfois saisissants, les embardées des solistes inattendues : on jubile souvent. La rythmique est d'une impeccable solidité, sans lourdeur, avec au contraire souplesse et agilité. Chacun semble jouer et se jouer, en toute espièglerie. Le fait qu'il s'agisse d'une musique « à programme », sensée illustrer les étapes de la vie, devient très vite secondaire : ce qui importe ce n'est pas le programme, mais la vie même. La gestation, le cadre enfantin, les émois adolescents, la vie d'adulte, les deuils et le naufrage de la vieillesse : toutes ces étapes se fondent dans une forme qui a sa logique propre et efface l'éventuelle pesanteur de l'argument. C'est assurément une vraie réussite.

Xavier Prévost

Tous Dehors se produira avec ce programme, et les deux invités du disque, le 1er octobre prochain à la Maison de la Radio dans le cadre des concerts « Jazz sur le vif » programmés et produits par Arnaud Merlin.

Sarah Vaughan, Live at Rosy’s
2CD- Resonance/Socadisc. Sarah Vaughan (voc), Carl Schroeder (piano), Walter Booker (basse), Jimmy Cobb (batterie). New Orleans, 31 mai 1978.

Elle restera pour les fans « la divine ». C’est d’ailleurs le qualificatif employé par Helen Merrill dans le livret qui accompagne ce concert enregistré en club par Sarah Vaughan en 1978 et désormais disponible grâce à ce dénicheur de trésors nommé Zev Feldman (on lui doit des inédits de Sonny Rollins, Horace Silver, Duke Ellington, Art Blakey, Bill Evans).
A 54 ans, Sarah domine son art. La perfection tout simplement : rien ne lui est impossible. Le répertoire est aussi large que son registre vocal : les grands classiques (les Gershwin, Rodgers & Hart, Burke & Van Heusen, Styne & Cahn) et des contemporains de tous horizons (Legrand- Watch What Happens, adaptation par Gimbel de Récit de Cassard dans les Parapluies de Cherbourg- une bossa nova de Gil & Valle-If You Went Away- Preciso Aprender A Ser So en version originale). « La divine » va même jusqu’à donner, à la requête du public et sans s’en offusquer (qui visiblement fait quelque confusion avec une autre diva) « A ticket a tasket », le premier succès d’Ella Fitzgerald à la fin des années 30.
Le Rosy’s de la Nouvelle Orléans a fermé ses portes en 1979, les frais fixes de cet ancien hangar rénové luxueusement par une jeune héritière fan de jazz, Rosalie « Rosy » Wilson, ayant toujours excédé les recettes d’un club qui accueillit Ray Charles, Bob Dylan, Count Basie ou encore Ella Fitzgerald. Sarah s’en est allée douze ans plus tard, victime d’un cancer du poumon.
Quel meilleur souvenir que ce « direct » en club. On ne se lasse pas de ces 90 minutes de bonheur. Sérénité, facilité, grâce, humour, charme. Tout Sassy était ce soir-là au Rosy’s.
Jean-Louis Lemarchand

Sylvain Beuf (saxophones ténor & soprano), Michel Perez (guitare), Diego Imbert (contrebasse)

Vannes, avril 2015

Trebim Music TREBMUS 052 / L'autre distribution

Tout commence dans la décontraction d'une ambiance West Coast, mais avec un soupçon de sérénité crispée, façon Lennie Tristano ; cette impression dans l'exposé du thème s'efface dès que Michel Perez part en chorus : il libère la musique, car il est hors de pair pour, sur des harmonies complexes, faire chanter la phrase, et l'instrument. Le titre de l'album ne doit rien à l'alliance franco-britannico-russe de la première guerre mondiale.... C'est ici le prolongement d'un duo, qui associait pour le CD « Double Entente », publié voici trois ans, le guitariste et le contrebassiste Diego Imbert. L'arrivée de Sylvain Beuf nous place d'emblée dans une configuration qui ravit l'amateur : le souvenir une triplette Tristano-Konitz-Billy Bauer, ou encore Tristano-Konitz-Warne Marsh. C'est plus qu'un hasard si, après un démarquage d'un thème bop, on voit surgir Lennie's Pennies, superbe extrapolation de Tristano sur Pennies From Heaven (et l'amie Lennie, et Lee Konitz aussi, en commirent quelques autres sur la même grille....). Tout y passe, dans le domaine des standards de Broadway, voire du Brésil, de All The Things You Are à Tico -Tico en passant par On Green Dolphin Street, chaque fois détournés avec science, raffinement et entrain. Il y a même un transparent Corps et Âmes (sur Body and Soul....) qui nous rappelle que Siegfried Kessler avait aussi intitulé de la sorte en 1982 un très beau thème, et le 33 tours qui l'accueillait. Les saxophones de Sylvain Beuf épousent avec panache les méandres de ces relectures, et Diego Imbert déploie de très belles lignes de basse en toute sérénité, slalomant entre les écueils harmoniques comme un pilote qui guide le vaisseau à bon port. De ces compositions signées par les trois musiciens, il vous reste encore à découvrir celles dont je n'ai pas dévoilés les sources : sublime plaisir de l'amateur, qui ne pourra que vous ravir, tant l'énigme est de haut vol. Cet art du démarcage -ou démarquage- (que je préfère à démarcation qui dit plus la limite-de sinistre mémoire- à franchir que l'action de contrefaire pour sublimer par le talent musical), reste l'un des bonheurs du jazzfan : c'est ce bonheur que je vous souhaite !

Xavier Prévost

Le trio se produira le vendredi 20 mai 2016 à Paris au Sunset

Une avant-goût sur Youtube avec une vidéo du trio réalisée en 2012 au festival de Porquerolles par Frank Cassenti

https://www.youtube.com/watch?v=eEakSNVaMms

Jean-Marc Foltz (clarinette, clarinette basse), Stephan Oliva (piano)

Pernes-les-Fontaines, décembre 2015

Vision Fugitive VF 313012 / Harmonia Mundi

On est souvent avec eux du côté d'une musique qui privilégie l'extrême nuance, la mise en suspens, le silence ou le bruissement imperceptible d'un monde en (re)naissance : une sorte de jazz de chambre si l'on veut. Ce qui n'écarte nul éclat, nulle intensité expressive. Le choix est fait ici de s'en remettre pour le répertoire aux frères Gershwin : George bien sûr, mais aussi Ira qui était, seul, signataire d'un texte pour un thème ( I Can't Get Started ) dont la musique est signée Vernon Duke. Mais c'est bien plus qu'une thématique, un concept ou un fil conducteur. C'est une plongée dans l'âme d'une époque, soulignée par un livret iconographique qui fait revivre Gershwin en son temps. Dans l'âme assurément : pas question de mimer les contours de thèmes familier, mais au contraire d'interroger leurs tréfonds et leurs mystères. Car nous sommes bien ici en présence de jazzmen, et le propre du jazz est de transfigurer, de dévoyer, de gauchir ou de sublimer (et parfois tout cela d'un seul geste).

Les musiciens conçoivent aussi quelques courtes séquences de leur cru, pour introduire un thème, installer un climat.... Ainsi fait Stephan Oliva, dès la première plage, en esquissant quelques secondes durant une voie d'accès à l'inoxydable The Man I Love : comme un prélude au renouveau dans l'inconnu. La clarinette étire le thème dans un absolu recueillement, le piano détaille les harmonies en y mettant ce qu'il faut d'altérations pour créer une tension. Ensuite Fascinating Rhythm révèle sa vitalité syncopée, entre clarinette basse et piano, mais les deux musiciens se jouent des accents attendus, et nous emportent vers l'ailleurs : c'est bon signe. It's Wonderful, usuellement donné en version joyeusement dansante, est ici étiré, version plus que lente, comme une introduction idéale au sublime My Man's Gone Now , quintessence de toutes les nostalgies. Une première évocation du thème de la Rhapsody in Blue suit un prélude qui, une fois encore, nous à montré la voie des harmonies célestes.... Et tout se poursuit dans l'intense beauté d'un déroulement cohérent, où pourtant chaque transition garde sa part de mystère. Le ressassé Summertime est donné dans une apparente littéralité par la Jean-Marc Foltz, mais les harmonies distillées par Stephan Oliva le parent de charmes inédits, et la clarinette s'évade à son tour. Et ainsi de suite jusqu'au conclusif I Love(s) You Porgy, qui nous fait aimer ce disque, magnifique, de bout en bout.

Xavier Prévost

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Le CD paraîtra le 27 mai. Cependant le duo jouera pour sa sortie à Paris le mardi 17 mai 2016 à Paris, au Sunside. Et le lendemain, 18 mai, il est à l'affiche de « Jazz in Arles »

Le festival arlésien a commencé dès le 11 mai, à la Médiathèque, avec le duo Schwab-Soro. Il se poursuit à partir du 17 mai avec un nouveau trio qui associe Louis Sclavis, Dominique Pifarély et Vincent Courtois. Le lieu, la Chapelle du Méjan, est toujours l'endroit idéal pour goûter ces musiques intenses choisies avec talent par Jean-Paul Ricard. Le piano y est toujours d'une qualité exceptionnelle : confirmation dès le 18 mai avec Kris Davis, en solo, et en prélude de Jean-Marc Foltz/Stephan Oliva le même soir. Puis ce sera « Instant Sharings », quartette de Bruno Angelini le 19, et le quartette de Géraldine Laurent le 20 : programme de haut vol, comme l'on voit, qui privilégie les artistes les plus engagés dans l'exigence musicale, mais aussi dans le partage. Conclusion le 21 mai en apothéose avec un trio qui rassemble Vincent Peirani, Émile Parisien et Michel Portal. Des comptes rendus de quelques-unes de ces soirées provençales sont à venir dans ces colonnes.

Le pianiste Sebastien Paindestre, grand amoureux du groupe d'Abingdon et dont le travail tourne autour de l'exploration des thèmes du groupe anglais s'est prêté à l'exercice de la chronique de leur dernier album " A moon shaped pool".

Voilà ce qu'il nous en dit.

« A Moon Shaped Pool, » Radiohead.

Cela faisait maintenant cinq ans que la communauté des fans attendait le nouvel album de Radiohead.
Pourquoi cet engouement qui ne faillit pas depuis tant d’années ? Pour preuve : ces places du concert du 1er juin aux Nuits de Fourvière parties en quelques minutes à peine ?
Radiohead, depuis « OK Computer », nous a habitués à être surpris, nous emmenant à chaque fois là où on ne les attendait pas : la rupture s'est faite en 2000 avec « Kid A » qui a définitivement posé le son Radiohead, avec Nigel Godrich comme producteur, le 6ème membre de Radiohead à l’instar d’un George Martin (mort en mars dernier) qui fut “le cinquième Beatle".
Le groupe s'amuse ainsi à faire des allers-retours entre des albums pop (« In Rainbows") ou plus expérimentaux (« The King of limbs »). D’où le paradoxe : tout le monde connait Radiohead, son nom et un ou deux titres, mais beaucoup ne connaissent pas vraiment leur œuvre…
Qui pourtant est immense.
Marc Ribot confiait à un des membres de Radiohead que leur musique lui avait permis de retrouver des émotions musicales perdues, je me retrouve pour ma part totalement dans ce témoignage.

« A moon shaped pool », la lune en forme de piscine ?

Est-ce encore une fois de la part de Thom Yorke et sa bande une phrase énigmatique pour nous faire réfléchir sur la marche du monde ? Sans doute, car si chaque morceau de cet album nous amène à y réfléchir comme dans toute la démarche poétique ouverte à l'interprétation de chacun, le neuvième album de Radiohead est sans doute l'un des plus poignants et profonds du groupe.
Les morceaux s'enchaînent avec une fluidité étonnante par ordre alphabétique, c'est presque cabalistique et cela n'aurait pas déplu à un Jean-Sébastien Bach, adepte du "hasard calculé".

B comme Burn the witch. Le décor est planté, la sorcière vit dans la forêt de bois et de cordes, préfigurant sans doute l'accompagnement d'un mini-orchestre de chambre dans les prochaines dates de leur tournée d’été. L'influence de Jonny Greenwood, qui depuis des années compose et travaille notamment avec le BBC Concert Orchestra, est bien présente. Le titre ferait référence à la stigmatisation récentes des réfugiés. Le morceau à la première écoute est très dense, et sa mélodie construite comme un message en morse finit par marquer les esprits après plusieurs passages.

D comme Day dreaming, le morceau selon moi le plus mélancolique de l'album avec cette voix étrange inversée qui voudrait dire "half of my life" (cinq quadragénaires dans le groupe).(voir la vidéo)

D comme Decks dark où l'apport de chœurs confère une ambiance grandiose au début du morceau. De facture plutôt classique “radioheadienne", seule l'entrée de la basse du tôlier Colin Greenwood nous donne l'enthousiasme pour rester connectés à cette douceur noire..."sweet dark" est répété à la fin du titre, comme pour rappeler que l'on doit malgré tout faire la fête et danser sur les cendres du monde.

D comme Desert island disk, chanson à la Mc Cartney dans son introduction très Blackbird qui évolue dans des tensions harmoniques toujours très présentes chez Radiohead sans perdre ce paradoxe de l'ombre à la lumière qui semble être une marque de fabrique.

F comme Ful stop : toute une histoire sur ce « L » manquant à cause d'une setlist retrouvée par un employé d'une salle de concert en concert en 2012 et qui était destiné sans doute au LP8. Un morceau très “ambiant", qui laisse la part belle aux guitares jouées comme des boucles de musique répétitive.

G comme Glass eyes : le génie de Radiohead se trouve dans ce titre de 2 mn 52, la voix si tendre de Thom Yorke, les cordes si sensibles et fragiles comme le fil de la vie, le piano transformé en matière des objets sonores à la Pierre Schaeffer, une mélodie qui rend la musique si évidente et vitale que le besoin de respirer… Un chef-d'œuvre, à écouter jusqu'aux larmes.

I comme Identikit, chanson jouée en Live en 2012 et qui laisse un peu s'exprimer le discret Ed O’brien. Une chanson construite en deux parties ponctuées par un synthétiseur qui rappelle l'aventure Atom for Peace de Thom Yorke et les racines du Rock de Radiohead.

T comme The numbers : les quatre accords qui forment cette chanson sont proches dans l'enchaînement et la tonalité du Mother's nature son de l'album blanc des Beatles, un groove obsédant et pointilliste qui semble devenir la première chanson contestataire assumée du groupe. Thom Yorke le premier a toujours dit que s'il écrivait une chanson sur le réchauffement climatique cela serait "de la merde", il a bien fait de changer d'avis ! La basse de Colin semble elle tout droit sortie de l'album d'Abbey road.
Deuxième chef-d'œuvre de l'album !

P comme Present tense : comme jamais deux sans trois, voici selon moi, le troisième chef-d'œuvre de l'album. Bojan Z ne m'en voudra pas je pense de raconter cette petite anecdote : alors qu'il faisait le son sur la scène du Festiva'son et qu'on échangeait sur Radiohead, il se mit à fredonner et jouer The present tense que Thom Yorke jouait en solo à la guitare avec Atom for peace. Radiohead nous amène là vers une bossa pleine de spleen et le groove de la batterie apporté par Phil Selway me fait saliver d'avance à la future version Live.

T comme Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor Beggars Man thief, titre d’une comptine anglaise, mais aussi d'une nouvelle d'espionnage de John Le Carré, qui apporte progressivement un éclaircissement sur cet album envoûtant et discrètement paranoïaque. Le début du morceau pourrait faire penser à un morceau de « The Eraser », le premier album solo de Thom Yorke, mais Jonny Greenwood le rejoignant, c’est comme un dialogue des deux leaders naturels du groupe qui se termine avec l'omniprésence des cordes éthérées.

T comme True love waits. Titre que connaissent bien les fans de Radiohead, enregistré sur l'album Live du groupe "I might be wrong". Cette version studio est pour moi le quatrième chef-d'œuvre de l'album. Il conclut « A moon shaped pool » tout comme il concluait le Live. La guitare remplace le piano, la voix de Thom Yorke semble encore plus belle et son "don't leave", sorte de "ne me quitte pas” oxfordien, ferait pleurer le plus insensible garde du Palais de Buckingham. Encore une fois le piano traité comme musique pointilliste est une réussite. L'album s'achève sur un long fade out de vingt secondes laissant place au silence, le silence que l'on ne retrouve qu'en pleine nature, cette nature qui à l'évidence rend tellement soucieux Radiohead.

Au final ce neuvième album est à ranger tout en haut de la pile de l'œuvre de Radiohead.
Il représente comme un tour d'horizon des derniers albums avec une pointe de mélancolie encore plus présente.
La fin des années 80 et des années bling bling à la U2 est très loin.

Radiohead est bien le groupe de musique (pourquoi que rock ?) qui marquera ce début de 21ème siècle.

Sébastien Paindestre