Shed Music 2015

Christophe Panzani (ts, clb, fl), Pierre Perchaud (g), Tony Paeleman (p, rhodes, kybds), Karl Kannuska (dms)

Voilà un album qui au départ, part de rien du tout et qui à l’arrivée côtoie des véritables sommets.

Au départ disions-nous, la rencontre de potes musiciens qui s’amènent chacun avec trois fois rien, juste quelques riffs, et qui font tourner l’impro. Et ces copains-là ont le sentiment qu’il se passe quelque chose, qu’ils se sont trouvés immédiatement, fusionnellement au point qu’ils se disent qu’avec juste ce minimum ils pourraient bien entrer en studio. Alors, aussitôt dit aussitôt fait.

Et à l’arrivée disions-nous, un album majeur et qui ne ressemble à rien d’autre. Que l’on voudrait raccrocher à quelques influences et que l’on n’y arriverait pas. Car cet album porte en lui sa propre identité et surtout son extrême richesse musicale.

C’est fou les nuances de cet album ! Qui dans la même foulée peut passer ainsi d’une pop-jazz évanescente à des extrêmes powerful et très rock. Où les ciselures sublimes de Christophe Panzani au ténor trouvent leur pendant très contrasté avec la guitare de Pierre Perchaud, qu’elle soit électrique ou acoustique. Ca groove grave à la Hendrix ou bien ça part dans des délicatesses raffinées. Et toujours il se passe quelque chose de nouveau. Ils lancent trois notes de départ et ça tourne. Mais pas, comme ça, juste pour tourner, mais aussi pour installer des climats, des ambiances, des sonorités comme sur ce titre éponyme qui évolue dans différents espaces comme de mouvantes poussières d’or.

Pierre Perchaud que l’on avait perdu un peu au cours de ses escapades ONJiennes revient ici particulièrement inspiré. Ses sonorités très rock se marient à merveille avec celles très jazz de Panzani que celui-ci soit au ténor ( quel phrasé, y god !) ou à la clarinette basse. Christophe Panzani qui, il faut le rappeler a longtemps tenu le pupitre de sax ténor dans l’orchestre de Carla Bley, excusez du peu.

Derrière, toujours ça assure avec un Karl Jannuska dantesque comme à son habitude. L’un des plus grands batteurs que compte cet hexagone. Et Tony Paelemean qui d’album en album se révèle ici assez bluffant alterne là encore le piano et l’électrique.

Où l’on assiste à la naissance d’un groupe absolument remarquable, où chacun de ses membres semble apporte une attention et un soin extrême à chacune de ses interventions, en empathie totale avec les trois autres.

C’est fort, c’est prenant c’est souvent émouvant, ça voyage et ca vous emporte.

Inspirez / Expirez et laissez vous porter par cet album absolument splendide et qui dit beaucoup de ce jazz de demain que l’on guette et vers lequel il ouvre des portes bien prometteuses.

Jean-Marc Gelin

Bojan Zulfikarpasic (piano, piano électrique), Julien Lourau (saxophones ténor & soprano)

Les Lilas, mai 2014

2birds1stone (2015) / www.2birds1stone-rek.com

Enregistré à l'occasion d'une série de concerts au Triton, ce disque a été produit par un financement participatif via la plateforme Ulule ; et comme beaucoup d'amateurs, j'ai suivi le mouvement. Le répertoire comporte quelques thèmes que le duo jouait déjà en concert depuis pas mal d'années, mais aussi des titres du répertoire spécifique de Bojan Z, ainsi que de nouvelles compositions (Roumgrois de Bojan ; Mr. Waits de Julien). Disponible via Bandcamp depuis le printemps dernier, le son s'est concrétisée en CD fin 2015. Leur duo repose sur une complicité de plus de 25 ans, et cela s'entend ! Dès l'abord, Bojan sollicite le piano électrique et le piano acoustique, en dialogue tendu avec le soprano : pulsation et balancement à quoi l'on résiste difficilement, et le public présent le fait savoir. Puis le ténor introduit d'un long solo l'exposé en duo de Seeds, mélodie mélancolique où le piano va ensuite cheminer sur un mode méditatif, avant réexposition du thème, et coda sous influence répétitive. Ils nous ont pris par la main, on ne peut que les suivre, entre influences orientales, envolées balkaniques et références aux diverses stratifications déposées dans le jazz par son histoire. Un pas de côté ici vers l'abstraction, ailleurs une mise en évidence appuyée de la matérialité du son, plus loin encore une échappée insouciante vers le ragtime qui va débouler droit dans les Carpates, avant que les deux dernières plages nous emportent vers l'ancienne Yougoslavie, si chère au cœur du pianiste. Beau feu d'artifice, de musicalité, de virtuosité et d'expressivité. Très belle empreinte d'un vrai moment de jazz capté sur le vif !

Xavier Prévost

Le duo jouera en concert le 15 janvier 2016 à Annonay, le 16 à Aubenas, puis au Jazz Club de Dunkerque les 21, 22 & 23, et à Cosne-sur-Loire le 25

Sur Dailymotion : Seeds, un thème du disque joué en direct dans la "Matinale culturelle" de France Musique en décembre 2015

http://dailymotionfile.com/v_x3gti7z

Now And Then

www.critalrecords.com

http://www.cristalrecords.com/cristalrecords/fr/736

Label Cristalrecords/Harmonia mundi

Michele Hendricks : Chant
Tommy Flanagan : Piano
Peter Washington : Contrebasse
Lewis Nash : Batterie
Brian Lynch : Trompette
Robin Eubanks : Trombone
David “Fathead” Newman : Saxophone tenor
Jon Hendricks : Chant sur titre 2.


Quel entrain, quelle joie mélodique sur la version de « Sweet Georgia Brown » qui commence cet album tout à fait réjouissant, intitulé sobrement A little bit of Ella. Variant les styles dans le chaudron jazz, du funk au reggae, refusant la parodie ou une certaine facilité, la chanteuse a revu ces morceaux de choix, convoquant nostalgie tendre ( tous les titres sont connus) au service de sa propre technique vocale. Reprendre des chansons immortalisées par l’une des plus grandes chanteuses jazz est une véritable aventure. Mais avec Michele Hendricks, c’est l’esprit préféré à la lettre, et puis elle en a le droit, la légitimité, descendant d’une lignée vocale certaine (son père, créateur virtuose du « vocalese » est à l’origine d’un fameux trio Lambert, Hendricks & Ross).

Ecouter cet album vous plongera dans une certaine joie de vivre et un pan de l’histoire du jazz vocal : Cole Porter, George Gershwin, Duke Ellington...Les standards s’enchaînent avec élégance, variant astucieusement les « moods » car Michele Hendricks s’est entourée d’un fabuleux pianiste qu’elle a réussi à entraîner avec son trio, Tommy Flanagan : l’ensemble swingue avec bonheur : écoutez donc « How High The Moon » où se joint la voix du père, Jon Hendricks, comme par hasard !

Comme le fait remarquer avec sa pertinence habituelle, Claude Carrière qui présente dans les « liner notes » Michele Hendricks, pourquoi avoir attendu aussi longtemps pour sortir cette pépite ? Le disque fut enregistré en 1998 peu de temps avant la disparition du pianiste ce qui rend cet album d’autant plus précieux, un double hommage en somme. Et puis on le sent bien, Michele Hendricks est parfaitement à l’aise dans ce répertoire plein de chausse-trappes, si souvent repris, rarement à l’égal de leur version « fitzgeraldienne ». Elle réussit à en faire autre chose, à le rafraîchir ou disons à en raviver les couleurs, ne pas les plonger dans celles, sépia de la nostalgie. Aucune affectation, une interprétation vraiment habitée qui vient des origines. Car si Michelle combine talent et expérience, le chant est aussi sa demeure.
Cela a-t-il encore un sens en 2016 ? Dans la forme, les mélodies peuvent encore se développer, elles sont intemporelles. Elle rephrase astucieusement, a une invention rythmique très naturelle quand elle scate, admirablement soutenue par les musiciens dans « Oh ! Lady Be Good » ou « Air Mail Special » de Charlie Christian. On goûtera ce plaisir gourmand de faire tourner les sons et les mots, chavirant de tendresse (le toujours émouvant «Everytime we say goodbye» de Cole Porter), ou de les rouler en bouche comme de vifs cailloux, dans le final porté par des vents enthousiasmants. Indispensable en ce début d’année !

NB : EN CONCERT :

-Les 29 et 30 Janvier 2016 au Sunside à Paris

-Le 29 Avril 2016 au Petit Journal Montparnasse à Paris

Sophie Chambon

Patrick Cabon (piano), Sylvain Gontard (trompette & bugle), Manuel Marchès (contrebasse), David Grébil (batterie).

Meudon, 12-13 mai 2014

Peach Prod pp002-14/1 / Rue Stendhal

Le jazz est ainsi fait que l'on peut être un jazzman de plein droit, formé entre les conservatoires français et les Maîtres new-yorkais, avoir joué dans les clubs et les festivals, et accompagné nombre de pointures américaines ou hexagonales, et cependant attendre la quarantaine pour signer son premier disque en leader ; et de surcroît avec une réussite incontestable. Pourtant le pari est osé : jouer exclusivement Ellington, toutes périodes confondues, des années 20 aux années 60. En ouverture, Isfahan, thème insipré par une tournée du Duke au Moyen-Orient en 1963, et enregistré en décembre 1966 : Sylvain Gontard se substitue à Johnny Hodges, le tempo est plus vif, mais c'est le vif du sujet. La musique d'Ellington et Strayhorn est servie, magnifiée, enrichie aussi d'une nouvelle interprétation, magie dont le jazz détient le secret. Le pianiste, dans son chorus, se rappelle qu'il a étudié avec les dépositaires de la mémoire du bebop (Barry Harris) et de son prolongement (Mulgrew Miller). Et dans la plage suivante, après une introduction empruntée à Rachmaninov (Prélude en Do dièse mineur, transposé en Do naturel), il évolue avec aisance et délectation dans le style d'Avant-guerre, en jouant East Saint Louis Toodle-Oo (créé en 1926). Ici le trompettiste fait revivre magistralement le son du jungle style des années 20 (ce sera encore le cas plus loin avec The Mooche et Black Beauty). Dans la plage suivante, Warm valley, le pianiste se souvient à nouveau du bebop : quoi de plus naturel, ce thème, comme le suivant (Fleurette africaine, joué en solo) figuraient dans le disque « Money Jungle », qui associait Ellington à Mingus et Max Roach. Et la fête continue, jusqu'au terme de l'album, avec au passage un Come Sunday torride, qui rappel l'esprit gospel qui prévalait dans ce thème de la suite Black,Brown & Beige, immortalisé par Mahalia Jackson. Et le plaisir d'écoute demeure total, avec au passage un revigorant trio sur Drop me off in Harlem. Réussite incontestable disais-je en prélude ; je confirme en guise de coda.

Xavier Prévost

Le quartette jouera le 7 janvier 2016 à Paris au Studio de l'Ermitage

Infos et musique sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=byxXXDxNzWg

Luciano Biondini (accordéon), John Ruocco (clarinette), Michel Massot (tuba, trombone), Michel Bisceglia (piano & arrangements), Nicolas Thys (contrebasse), Lander Gyselinck (batterie), Myriam Alter (composition, piano solo sur le dernière plage)

Bruxelles, 13-14 septembre 2014

Enja ENJ-9626 2 (Harmonia Mundi)

Myriam Alter est à elle seule un cas d'école : formée dès l'enfance au piano classique, elle l'a abandonné à l'adolescence, a étudié la psychologie, travaillé dans une agence de publicité, dirigé une école de danse, avant de revenir au piano, et de choisir le jazz, en composant son propre répertoire. Dans son premier disque « Reminiscence », en 1994 (dont le contrebassiste était Michel Benita), et dans le suivant, « Silent Walk » (1996) elle tenait le piano. Pour les deux suivants, enregistrés à New York, elle céda le clavier à Kenny Werner. « Cross / Ways » est son sixième CD, le pianiste Michel Bisceglia signe les arrangements, et Myriam Alter se met au piano, en solo, pour l'ultime plage, dédiée à Mal Waldron, qui fut un ami proche. Cette dernière plage tranche d'ailleurs sur le reste du répertoire : une basse obstinée, avec une ligne mélodique qui va vers doucement vers des intervalles très tendus. Mais ce thème conclusif respire, comme l'ensemble de l'album, une belle et douce mélancolie. À ce climat l'accordéon de l'Italien Luciano Biondini contribue largement, comme en 2002, pour « If », celui de l'Argentin Dino Saluzzi, grand expert en mélancolie s'il en fut. Sur Youtube, à la page où l'on trouve l'intégralité de « If », un commentaire affirme « c'est du tango, pas du jazz.... ». On pourrait, sur telle ou telle plage de ce nouvel opus, penser au tango, mais c'est bien de jazz qu'il s'agit, avec cette liberté de cheminement, ces bouffées de mélodies judéo-espagnoles, et ces escapades à trois temps, comme au bon vieux temps de Bill Evans. Myriam Alter a le talent de composer dans cette veine nostalgique, ce qui lui vaut de s'adjoindre les partenaires les plus idoines, et aux qualités considérables : naguère, outre Kenny Werner et ceux déjà cités, Marc Jonhson, Joe Baron.... et aujourd'hui la fine fleur de la scène bruxelloise (dont l'Américain John Ruocco, établi de longtemps dans les plats pays belges et néerlandais). Quelle que soit votre langue imaginaire, si les mots Sehnsucht, saudade, melancholy, malinconia, melancolia.... résonnent en vous, précipitez vous sur ce disque : il est pour vous !

Xavier Prévost