CD 1 : Franco D'Andrea (piano), Dave Douglas (trompette), Han Bennink (caisse claire)

CD 2 : Franco D'Andrea Sextet avec F. D'Andrea (piano), Andrea Ayassot (saxophones alto & soprano), Daniele D'Agaro (clarinette), Mauro Ottolini (trombone), Aldo Mella (contrebasse), Zeno De Rossi (batterie)

CD 3 : Franco D'Andrea (piano solo)

Trois CD enregistrés en concert à Rome, Auditorium Parco della Musica : CD 1, 24 mars 2014 ; CD 2, 28janvier 2014 ; CD 3, 23 mai 2014

Parco della Musica Records MPR 071 CD / Egea ( www.egeamusic.com )

Plaisir renouvelé que de découvrir une nouvelle parution de ce musicien italien, pianiste majeur (ce n'est pas un hasard si Martial Solal, qui avait d'ailleurs donné un concert à trois pianos en sa compagnie, l'a convié à trois reprises au jury de son Concours international de piano jazz). Franco D'Andrea n'est peut-être par reconnu dans notre pays à sa juste valeur, mais chaque disque constitue l'occasion de rappeler son importance pianistique et musicale.

Le premier volume est un trio hors norme : piano, trompette et batterie (réduite à une simple caisse claire) . Le répertoire est des plus éclectiques : Lennie Tristano (Turkish Mambo) ; des standards (Goodbye, Undecided, Tiger Rag, Caravan) revus et corrigés -parfois sévèrement ; et des compositions du pianiste, et du batteur, le tout émaillé d'improvisations ouvertes des trois compères. Tout cela respire une absolue liberté, toujours à l'horizon d'une intelligence musicale aiguë, que l'on soit dans la conscience de l'instant, ou dans l'inconscient qui s'exprimerait par des incartades et des emportements.

Le deuxième CD, en sextette, fait la part belle à la musique de Thelonious Monk, dont les thèmes (Coming on the Hudson, Bright Mississippi, Monk's Mood, Epistrophy, Blue Monk) sont reliés par des intermèdes improvisés ou composés qui les magnifient. En écoutant Coming the Hudson, je ne peux m'empêcher de penser à la version conçue par André Hodeir, après plusieurs moutures antérieures, pour Martial Solal (« Solal et son orchestre jouent Hodeir », Carlyne, 1984). André Hodeir et Franco D'Andrea ont en commun l'exigence musicale, laquelle s'exprime chez le premier par un sérieux mâtiné d'un subtil humour ; et chez le second par un esprit libertaire des plus décapants. Et pourtant la musique de Monk est bien là. Tout au long de ce volume en sextette, Franco D'Andrea demeure constamment dans l'esprit du compositeur-pianiste, par l'arrangement comme dans les parties de piano, où il ne cède nullement au syndrome d'imitation, tout en respectant la pulsation claudicante qui fait le prix de cette musique ; et les solistes du sextette ne dérogent pas à cette libre fidélité. Surgissent ici ou là des citations furtives d'autres thèmes (Well You Needn't....), et Monk n'est jamais loin !

Le troisième disque, en solo, persévère un peu dans l'amour de Monk, musicien de chevet de Franco D'Andrea (son précédent disque « Monk and the Time Machine », paru en 2014, lui était déjà consacré, ainsi que quelques plages plus anciennes). Ici, rien qu'un Round Midnight d'anthologie, chaloupé tango, et tuilé avec Turkish Mambo de Tristano. Et toujours ce mélange de standards du jazz moderne (Naïma, Like Sonny) et de standards du passé (Gershwin, Jelly Roll Morton....), enchâssés dans des compositions de Franco D'Andrea. Un (très) grand Musicien, du (très) grand piano : on se précipite !

Xavier Prévost

ONJAZZ records

www.onjazz.org www.tricollectif.fr

https://www.youtube.com/watch?v=jSW0mjScJ-I

Théo Ceccaldi (ONJ Benoît) a sorti avec un petit orchestre de chambre, un quartet inspiré, ce délicieux album dont les titres répondent tous à un nom de condiment : Petite moutarde sans vous monter au nez, échauffera vos sens et ravira votre esprit. Né d’une résidence à l’Atelier du Plateau, ce projet du violoniste-compositeur bénéficie du soutien ardent du batteur Florian Satche (Tri Collectif, Marcel et Solange), d’Alexandra Grimal aux divers saxophones et à la voix, et d’Ivan Gélugne (quartet d’Emile Parisien) à la contrebasse. Sans aucun doute cette musique apparaît en concert comme l’exacte BO d’un vrai film projeté sur l’écran, mais chez vous, avec le seul Cd, le mérite de cette musique est de vous rendre compositeur d’un film imaginaire à partir des scènes les plus folles, les plus délirantes, toujours oniriques en diable. Et l’on comprend mieux en apprenant que l’inspiration vient d’un film de René Clair sorti en 1924, Entracte, muet et dadaïste, hommage aux arts du cirque, aux films burlesques, dont la partition fut écrite par Eric Satie. Le scénario part d’un rêve d’enfant, incluant des scènes surréalistes comme la folle poursuite d’un corbillard, une danseuse barbue en contreplongée, un œuf soulevé par un jet d’eau, des ballons à tête de personnage, des allumettes animées. Initialement prévu pour être projeté pendant l’entracte d’un ballet de Francis Picabia et Jean Börlin, c’est la première intervention du cinéma dans une représentation de danse et donc une fusion d’un art total. Transposée aujourd’hui, c’est l’imagination au pouvoir servie par la puissance et l’énergie d’un quartet de choc, plus encore que de charme, qui vous bouscule un peu, beaucoup, tout au long de ces 8 petites pièces. Pas si petites quant à la durée mais petites par le titre qui commence toujours par ce qualificatif qui finalement sied à notre pays : « un p’tit ciné, un p’tit restau, un p’tit weekend », sans l’acrimonie du romancier Nicolas Fargues dont le livre Au pays du P’tit (qu’il faut peut être lire entre les lignes) dresse un portrait de nous, les petits Français. Fantaisie des lignes mélodiques, timbres et couleurs indissociablement mêlés, ruptures de rythmes, du rock à la King Crimson, un groove réel, des improvisations échevelées, la musique est servie dans l’écrin de cette formation épatante : ils sont tous formidables de Satche qui bat comme il respire (écoutez « Petit poivre de Sichuan »), roule, claque, cavalcade, de l’impeccable Grimal aux sons doux et filés ou stridents et emportés –c’est comme vous voulez (« Petit raifort », « petit wasabi »), de Ceccaldi qui vous fait vibrer tout le temps au son de son archet extravagant. Sans oublier le clopin-clopant de Gelugne, le rythme qu’il implique aux élucubrations et autres vociférations sur « Petit chipotl »...

Qualité de l’écriture indéniable, intelligence musicale qui combine styles, formes et sens, brûlante interprétation, humour avec un rien de provocation, voilà des épices qui servent à améliorer drôlement notre ragoût quotidien.

A écouter et surtout à voir sur scène... impérativement. Un spectacle vivant et emporté, fébrile et dynamisant, d’autant plus recommandé en ce moment !

Sophie Chambon

Ajmiseries / Les allumés du jazz

https://www.youtube.com/watch?v=-3FFEtrqZX8

www.jazzalajmi.com

www.discogs.com

Adoubé par David Linx, ce qui n’est pas une mince référence, Kevin Norwood est un nouveau venu dans le jazz vocal masculin, moins encombré heureusement que le féminin par des révélations toujours plus sensationnelles qui ne durent pas longtemps... On écoute toujours avec intérêt une nouvelle voix. Dans son texte d’introduction sur le label jazz Ajmiseries, le vocaliste belge décrit «une voix chaudement haut perchée»; on ne saurait mieux dire... et je l’avoue c’est peut-être ce qui « résistait» à mon oreille, au point que j’ai écouté très souvent cet album pour sonder les mystères de cette voix étrange, un peu irréelle, qui rappelle par moment certaines consoeurs, comme Betty Carter, pour le titre éponyme, cette ballade mélancolique, «Reborn». Mais seulement par touches allusives, car le chanteur sait installer dans ses musiques et ses textes originaux -il ne se protège pas derrière le répertoire jazz et se confronte à l’écriture, une atmosphère originale. Influencé peut être par d’autres qui l’ont forcément précédé, comme Joni Mitchell ou Jeff Buckley, il parvient à un syncrétisme de bon goût, nous surprenant agrablement, quand il n’hésite pas à scater avec talent sur «Past dreamers».

Une musique sans aspérité apparente, très cohérente, écrin à cette voix gravement troublante, qui swingue et respire le blues : elle laisse derrière elle un sillage de mélancolie, ravivée par le talent de musiciens aujourd’hui confirmés, sudistes comme Kevin Norwood (originaire d’Avignon malgré un nom très anglo-saxon), Vincent Strazzieri au piano, Cedric Bec à la batterie et Sam Favreau à la contrebasse.

Sophie Chambon

Label LagunArte/L’autre distribution

www.lagunearte.org

www.didierithursarry.com

Encore chaud dans les bacs, après le concert du 28 octobre à l’Ermitage parisien, Kantuz, le nouveau CD du quartet de Didier Ithursarry, nous fait voyager dans des territoires aimés. Difficile de renier ses origines, Kantuz, traditionnel basque, exprime dans cette langue difficile et mystérieuse, « l’instant présent où l’on chante». Du chant, il y en a encore avec «Habanera pour François Béranger», hommage au chanteur militant des années soixante dix, trop tôt disparu, titre qui prolonge délicatement l’une de ses chansons «Grand-mère», en écho. De la danse encore, car si « Kantuz » invite à la danse avec son rythme éblouissant, il y a encore plus virtuose avec «L’antichambre», positivement à couper le souffle. Tourbillon d’une valse qui n’est pas ravélienne, qui rappelle aussi qu’elle n’est pas synonyme des seuls plaisirs bourgeois. Eh oui, cet accordéoniste vient aussi du bal et de cette tradition populaire, qui n’est pas un folklore imaginaire. Encore que, partant de ce socle qui le constitue et de ses racines, l’accordéoniste nous emmène fort loin avec le concours de ses camarades de jeu, parfaitement en osmose. Une rythmique de rêve, Joe Quitzke et Matyas Szandai et un soufflant toujours émouvant Jean Charles Richard, tant il sait nous emporter dans les volutes de son soprano dont il nous fait aimer la sonorité caractéristique, toujours un peu aigre. L’association avec le saxophone, en particulier le soprano est un des éléments les plus convaincants de cette musique, vite incandescente. Une affaire de matières, de textures qui souligne le caractère original de cet instrument, loin des clichés qui lui sont associés. Ithursarry n’a-t-il pas tenté avec succès un autre alliage inusité dans cet Oboréades absolument unique, porté par le hautbois de Jean-Luc Fillon ? Si Didier Ithursarry est un taiseux, ses projets parlent pour lui. Il est l’un des accordéonistes qui comptent aujourd’hui, engagé dans les projets les plus divers, depuis son passage à l’ONJ de Claude Barthélémy, l’Orphicube d’Alban Darche, le Danzas de Jean Marie Machado... Il faut le suivre, les yeux fermés. Comme dans cet album magnifique, construit avec délicatesse et intelligence qui s’ouvre sur tempo vif et se conclut sur un «Sonne» plus introspectif, tout aussi intense. A découvrir vite.

Sophie Chambon

ACM jazz label

https://www.youtube.com/watch?v=12o0fnvhCac

Pour son septième album, suite logique de Circumnavigation, l'ancien officier de la marine marchande, amoureux de Marseille depuis plus de vingt ans, a su, en bon capitaine garder le même équipage, au batteur près, des musiciens aux fortes personnalités qui savent aussi être «leaders», et qui nouent une joyeuse complicité, immédiatement perceptible sur scène.

Aux côtés du contrebassiste qui est l'auteur de toutes les compositions, on retrouve avec plaisir pour cette nouvelle aventure, Perrine Mansuy au piano, elle aussi venue s’arrimer à Marseille de même qu’un autre néo-arrivant, le Normand Christophe Leloil, à la trompette. Le batteur, Australien de Melbourne, Dylan Kent, est nouveau à bord, d’une discrétion tranquille et efficace. Chacun des albums du contrebassiste constitue une nouvelle page, un chapitre non moins essentiel de ce livre ouvert, d’une vie en musique. Très régulièrement, Christian Brazier met au point un nouveau projet dont la musique précisément juste, cohérente, toujours mélodique, laisse à tous un espace de jeu équilibré.

Le résultat s'entend dès le premier thème, « D’août », une musique forte, belle et libre, vibrante et lumineuse. Perrine Mansuy a un univers vite reconnaissable dont Christian Brazier avoue se sentir proche : pianiste singulière, elle sait être lyrique dans sa longue introduction sur ce thème avant qu’elle ne soit rejointe par les zébrures du trompettiste, éclats d’un jazz vif, solaire qui s’accorde à cette lumière si intensément violente en été dans le sud. « Sur le sentier de la guerre » introduit un rythme tonique, intense, d'une douce violence, très déterminée.

Une qualité de chant, indispensable à la création d'une atmosphère poétique et vibrante, anime toute la musique du contrebassiste : la composition, en majeur évidemment - le titre "Le Lac Majeur" nous en fournit d’ailleurs un indice, est une incursion dans un monde plus apaisé.

La trompette post bop de Christophe Leloil, «le plus jazz des quatre», hoquette, stratosphérise, vocalise aussi quand il le faut, avec élégance, jouant de contrepieds mélodiques ou rythmiques, passant de sensuelles arabesques à des dissonances fortes. C’est un duo impertinent, un rien frondeur sur le titre éponyme, qui débute une sorte de petite histoire sans parole, avant que la rythmique ne le rejoigne, fine et assurée, complétant le tableau.

Pourquoi Septième vague, au fait ? Le saviez-vous, c’est la plus belle, la plus forte, celle qui vous entraîne irrémédiablement vers le plaisir, disent les surfers. Et la rythmique que le contrebassiste forme avec Dylan Kent, jamais emportée ni obsessionnelle, sait mener à bon port. Juste dans le bon tempo, comme pour ce "J'sais pas quoi faire", évocation fugitive de Pierrot le Fou.

Avec ce septième album, qui pourrait lui porter chance auprès des programmateurs, Christian Brazier trouve un accomplissement avec prises de risque et ouverture au large : il atteint une sérénité enviable, avec cette joie toujours intacte à faire de la musique. S’il a toujours « la tête dans les étoiles », il sait aussi raison garder, pour ces chansons sur mesure, pour les musiciens de son groupe, s'adaptant aux couleurs, timbres, et personnalités de chacun. « Les pieds sur terre », on vous disait.

Sophie Chambon