Intuition Music

www.intuition-music.com

1 CD+ 1 DVD

Quel plus bel hommage pour les 80 ans du pianiste sud-africain Abullah Ibrahim !

Un choc !

Le label allemand Intuition a profité d’un concert en solo donné en Sicile en juin 2014 pour en graver à la fois sa captation mais aussi pour réaliser une magnifique interview filmée qui fait l’objet d’un DVD.

A l’aube de ses 80 ans Abdullah Ibrahim dégage une sorte de force tranquille et une sérénité que seuls quelques vieux sages dans ce monde agité peuvent transmettre. Lorsqu’il joue c’est comme si cette sagesse millénaire tombait sur vous et vous enveloppait. Chacune des notes du pianiste est en effet empreinte d’une exceptionnelle profondeur, d’une gravité qui va chercher au cœur même de l’essentiel. Qui va puiser au cœur de la vie, des hommes et de Dieu certainement.

Il y a bien sûr, comme souvent dans l’exercice du piano solo, une sorte d’introspection. Mais avec Abdullah Ibrahim elle prend la forme d’une sagesse chamanique. Une façon d’arrêter le temps. La musique d’Abdullah Ibrahim est méditative et si émouvante lorsqu’elle jette ce regard sur lui-même et sur ses propres racines. Le pianiste dit beaucoup, digresse autour d'une immense improvisation. On y entend parfois Ravel et Debussy, parfois Monk ou la religiosité de Coltrane dans ses réflexions et dans son cheminement. C’est que, comme chez le saxophoniste, il y a dans sa musique venue des township et du jazz d’Ellington une part de religiosité, de gospel et de profondeur croyante. Ce sont parfois comme des chants d’église qui s’élèvent vers le ciel.

La musique d’Abdullah Ibrahim se trouve ici au sommet de l’art du pianiste. Cette musique qui ouvre en chacun les portes d’une méditation profonde. La quintessence du piano solo.

Puis suit un documentaire tourné au même moment qu’avait lieu de concert. Documentaire magnifiquement réalisé où le pianiste y raconte l’histoire de ces chansons qu’il a composées. C’est magique comme lorsque, avec générosité il nous fait entrer dans l’intimité de ses compositions, comme lorsqu’il parle d’Aspen et de son imaginaire qui prend forme en musique. Et cette émotion qui surgit lorsqu’il parle de l’amour et de Blue Bolero dédié à la femme de sa vie. Il y raconte aussi avec tendresse ses influences sur la musique de Cap Town, l’apartheid, l’exil et l’incroyable pouvoir politique que sa musique a pu avoir sur tout un peuple en lutte (Mannenberg). Derrière l’apparente simplicité de ses mélodies, il évoque sans fausse modestie la complexité de ses structures musicales et parle de « la profondeur de la simplicité. ». Cette interview que l’on aurait voulu prolonger se poursuit par un extrait de ce concert solo du 26 juin 2014 au Fazioli Concert Hall, magnifiquement filmé au cœur du processus de l’improvisation comme rarement capté par l’écran.

On sort de là, le cœur et l’âme chavirée, persuadé d’avoir rencontré un être sublime, sorte de chamane magnifique dont chacune des phrases et chacun des sourires peuvent apporter un supplément de paix et d’amour.

C’est tout simplement bouleversant.

Jean-Marc Gelin

Raphael  Imbert (saxophones, clarinette basse, harmonium), Marion Rampal (chant et harmonium), Pierre Fenichel ( contrebasse) et Paul Elwood ( banjo, chant)

Label Durance/distribution Orkhêstra

www.label-durance.org

Voilà un album que vous ne regretterez pas d’avoir écouté tant il communique joie de vivre, bonne humeur. Enregistré en 2008, il ne sort que maintenant  avec  l’acharnement de Raphael Imbert et du label Durance qui oeuvrent avec vaillance pour voir leurs projets arriver à terme.

Le titre n’est pas une coquille d’impression, mais un mot valise formé avec les noms des régions d’origine ou  de cœur, de ces musiciens, « Alpes » et Appalaches. Un amour du « folk » des monts et des vallées unit, on le sait à présent, le saxophoniste Raphael Imbert avec les acteurs de sa compagnie Nine Spirit (ici du moins, la chanteuse Marion Rampal et le contrebassiste Pierre Fenichel). On sait qu’il travaille sur les racines spirituelles du jazz  (« Holy Family » d’Ayler), tout en poursuivant son travail de musicologue et de chercheur ethnographique.  Passionné d’échanges et de partages sur les terroirs et les identités, le saxophoniste a rencontré et invité sur ce disque Paul Elwood, compositeur contemporain, chanteur populaire et joueur de banjo inventif. Dans leur fief des Alpes de Haute Provence (d’où la production sur le label Durance) dans l’église haute de Banon, le quartet a enregistré ainsi des airs traditionnels, du gospel, des tubes de Bob Dylan, Joni Mitchell et aussi de très belles compositions originales comme « Petite sauge couleur garance ». Sans la mélancolie inhérente à l’univers de Bill Carrothers et de sa femme Peg, on pénètre dans cette version de l’americana mâtinée de la douceur alpine. Ce n’est pas non plus le « talking blues » de Woody Guthrie que reprit Dylan à ses débuts, dans le traditionnel « Freight train » que l’on entend au début du disque dans une version aussi enjouée  (sans harmonica et  les élucubrations vocales dylanesques).

Et cela est beau. La voix de Marion Rampal atteint sa plénitude dans ce registre plus « traditionnel », nettement moins expérimental, où l’émotion et la puissance sont plus fortement palpables. Sans affèterie, quand elle reprend « Urge for going » de Joni Mitchell, avec même quelques inflexions semble t-il de la Canadienne.

De toute façon  quand Paul Elwood en s’accompagnant au banjo,  chante « It takes a lot to laugh, it takes a train to cry » de Dylan, c’est une musique qui ne triche pas, populaire, accessible sans être nécessairement facile. Si entraînante que l’on a envie aussitôt de partager cet enthousiasme. Jusque dans le beau final à deux voix de « Lorena »

Sophie Chambon

Avec Franck Amsallem, Pierre de Bethmann, Thomas Enhco, Manuel Rocheman, Baptiste Trotignon, (piano), Thomas Bramerie (basse), Lukmil Perez (batterie).
Backstage/L’autre distribution

Encore une chanteuse, me direz-vous…Elle ne nous est pas tout à fait inconnue, Mélanie Dahan. On l’avait remarquée par des choix artistiques hors des sentiers battus pour ses deux premiers albums, l’un dédié à la chanson française, l’autre aux courants latins. Une personnalité qui illustre toujours son troisième disque. Certes le répertoire s’y révèle des plus classiques, les airs consacrés, mille fois entendus de la chanson et du jazz américains. Jugez un peu, Cole Porter, Victor Young, Herbie Hancock, Benny Golson…
Le choix de ces titres a été effectué en harmonie avec les pianistes invités, Franck Amsallem, Pierre de Bethmann, Thomas Enhco, Manuel Rocheman, Baptiste Trotignon. Pourquoi ces cinq-là ? Réponse de Mélanie en forme de portrait express : « Franck ?, « le swing », Pierre « Une frénésie réjouissante », Thomas, « la délicatesse mélodique », Manuel « Coloriste raffiné et subtil », Baptiste « La virtuosité éclairée ».
Résultat : un puzzle réjouissant où Thomas Bramerie (contrebasse) et Lukmil Perez, (batterie) apportent leur pièce avec justesse et vélocité. Un beau voyage au pays des sons et des songes avec des titres éternels Whisper Not, Every Time We Say Goodbye, Star Eyes, Dedicated to You, What’s new. Et surtout une voix qui ne manque pas de sel et de swing.

  Jean-Louis Lemarchand

En concert les 27 et 28 novembre au Sunside (75001) avec Thomas Bramerie et Lukmil Perez et Pierre de Bethmann et Baptiste Trotignon (27), Manuel Rocheman et Franck Amsallem (28).

Invite Glenn Ferris, Boris Blanchet, le Well String quartet

dans   Précious liquids

ICI LABEL

www.nicodritrio.com

Sortie du disque  le 5 novembre au Sunside à Paris  et au Caméléon en ...Picardie le 7 novembre.

Une présentation originale, une annonce qui  promet des «liquides précieux » à goûter, à s’administrer différemment par la voie auriculaire.... On est un peu surpris mais pourquoi ne pas essayer ?[i]  L‘album  est accompagné d’un bel objet sous forme de clé USB, créé artisanalement par le pianiste...

Puis on met le disque dans le lecteur et on écoute cette musique réjouissante,  séduisante à plus d’un titre, assurément un jazz vif qui surgit d’une vraie culture musicienne. Le trio qui a démarré son aventure musicale en 2008 a beaucoup joué en clubs et a ainsi acquis une aisance perceptible dès les premières mesures. Avec le temps et l’expérience du terrain, il  s’est créé un répertoire qu’il n’hésite pas  à dévoiler  avec une conviction irrépressible, en plus grande formation, aidé de Glenn Ferris au trombone, Boris Blanchet au sax ténor et soprano ainsi que le quatuor à cordes Well String Quartet. Un beau casting avec des musiciens qui déclinent ainsi  toutes sortes de combinaisons instrumentales qui étoffent le projet, renouvelant élégamment l’art du trio puisque le NicoDri  Trio (il est temps de le présenter) est composé du pianiste leader (qui pratique aussi le Fender) Nicolas Dri, du contrebassiste Sébastien Maire et du batteur Andreas Neubauer. 

Par contre, le rapport à l’artiste plasticienne Louise Bourgeois n’est pas immédiat et se comprend  par le titre qui renvoie à une installation Precious Liquids, présentée à la Documenta IX de Kassel en 1992.[ii] Peut être est-ce pour expliquer quelques excentricités de ce voyage musical. Mais après tout ...  le « dérangement » est l’une des choses les mieux partagées dans le domaine artistique et volontiers accepté comme ici, quand il propose des couleurs nouvelles avec une urgence tranquille...en se tenant au niveau des apports les plus incisifs du phrasé et de l’attaque des sons dans le jazz.

L’album est bien construit, alternant ballades subtiles « Louise Bourgeois » avec des pièces swingantes  « Born to the chapel of sacred mirrors », des accents funky sur F.I.T, un formidable « Yellem » très coltranien avec le soprano Blanchet. Avec« Clara est rentrée », c’est une histoire qui  nous est contée, peut être une suite au « She ‘s leaving home » des Beatles. Le trio élabore une musique raffinée où font retour par infimes fragments ses références. Il semble qu’un peu de la « poussière (d’étoile)du jazz des décennies antérieures se soit déposée à la surface de ces compositions, suscitant un sentiment étrange de (re)connaissance. Ces réminiscences placent en terrain connu, sans que l’on sache  pourtant - et cela est délicieux- où mène le voyage. Ces compositions  révèlent un classicisme un peu ambigu qui renvoie l’amateur de jazz à ses mythes personnels, en prolongeant la mémoire de musiques obsédantes. On traverse avec plaisir ce passage du temps, appréciant la sobriété fluide d’une esthétique volontiers en retrait, tout en hommage, mais qui ne cède rien sur l’essentiel, c'est-à-dire la manière. Ce sont des musiques de rencontres reflétant d’abord trois, puis plusieurs voix qui savent chanter et construire un parcours éloquent par une expression équilibrée. A l’évidence le Nicodri trio a trouvé ses marques sur un répertoire auquel tous contribuent. Les mélodies (du jeune pianiste sauf la dernière) sont clairement  affirmées, avec le phrasé délié, agile, le grain tendre du piano, sans oublier les ponctuations et les élans décisifs de la contrebasse. Quant au drumming ferme mais énergique, il suit le rythme du corps dans ce qu’il a de pulsionnel comme dans ce  « Droit dans le mur ». La nostalgie demeure avec le final, «La chanson d’Hélène » du film Les Choses de la vie de Claude Sautet. Romy Schneider n’en interprète plus les paroles, mais la seule mélodie du trio est un bel hommage à ce grand compositeur de musiques (de films), Philippe Sarde.

Un disque  plus que prometteur, à la fois ambitieux et accessible. Un talent qui ne demande qu’à croître et embellir...

Sophie Chambon

Impulse 2014

Ran Blake (p), Ricky Ford (td), Laika Fatien (vc)

C'est un album choc. Certainement l'un des évènements majeur de cet automne ( avec celui d'Antonio Sanchez dont on vous parlera plus tard ).

Avec Cocktail at Dusk, le pianiste signe un hommage à la chanteuse américaine Chris Connor dont il fut l'un de ses amies et disparue en 2009. Chris Connor, malheureusement un peu ignorée du grand public était une immense chanteuse de jazz qui eut son heure de semi-gloire àla fin des années 50 lorsqu'elle signa chez le label Bethlehem ou encore pour le mythique label Atlantic sur lequel Creed Taylor signa aussi  de fameuses chanteuses de jazz ( Julie London !!) avant d'aller créer Impulse. Mais ça c'est une autre histoire qui d'une certaine manière se perpétue ici puisque cet album est signé sur le même label repris récemment par Jean-Philippe Allard.

Ran Blake lui rend donc hommage par cet album tout en délicatesse qui mêle à la fois les parties instrumentales en solo ( les plus nombreuses) ou accompagné du sax tenor de Rick Ford sur deux titres mais aussi quelques parties chantées par la sublime Laika Fatien ou encore quelques discrets passages collés où l'on entend la voix de Chris Connor apparaître et disparaître de manière fantomatique.

Ran Blake, immense pianiste conversant sans cesse avec lui même et son propre piano dans une relecture souvent très monkienne est amoureux des chanteuses et des chansons elles mêmes. Sa carrière a d'ailleurs véritablement débuté avec un chef d'oeuvre iconique, son duo avec Jeanne Lee ( "The newest sond around "- 1962) qui continue à marquer de son empreinte des générations de chanteuses de jazz, au rang desquelles Laika elle même.

Tout au long de cet album c'est une succession de petits chefs d'oeuvre alignés les uns après les autres. Les interventions de Laika sont proprement renversantes. Sa version de All About Ronnie nous bouleverse. Comme si effectivement l'ombre de Jeanne Lee planait sur la session plus que celle de Chris Connor ( écouter la version de Jeanne Lee et ran Blake de 1963)

Chaque morceau, repris du répertoire qu'affectionnait la chanteuse, est une sorte de relecture très personnelle qu'effectue le pianiste maître dans l'art de la digression, de l'appropriation, de l'acculturation. Toute l'essence du jazz est au bout de ses doigts dans cette façon de relire et d'improviser sans jamais dénaturer. Car même si le pianiste on l'a dit, converse avec lui même, Ran Blake ne donne jamais le sentiment d'être un pianiste introspectif. Sa reprise répétée des motifs mélodiques de ces standards que nous connaissons bien nous aide àgarder pied et à nous sentir sous maîtrise. Sa version un peu sombre de Speak Low par exemple, est un modèle du genre.

Tout au long de cet album Ran Blake impose sa marque et semble nous inviter dans une sorte de confidence intimiste, dans une sorte de conversation évocatrice de quelques tendres souvenirs.

Juste sublime !

Jean-Marc Gelin