Coup sur coup, deux anciens lauréats du tremplin Jazz du festival de Saint Germain, dont la dernière édition vient de s'achever, sortent leur premier album.

Deux histoire de cordes : celle du guitariste israélien Yuval Amihai et celle de la harpiste Laura Perrudin.

Deux superbes réussites sous les auspices de l'Autre Distribution et sous le charme desquelles on tombe avec délice.

YUVAL AMIHAI Trio : « Longing »

Yuval Amihai (g), Damien Varaillon (cb), Gautier Garrigue (dms)

Yuval Amihai est certainement un inconnu pour la plupart d’entre vous. Mais pas pour le microcosme du jazz Parisien où il commence, petit à petit à se faire un nom. Remarqué il y a deux ans lors du tremplin de Saint Germain, ce jeune guitariste israélien vivant à Paris ne se démarque pas d’une ligne artistique qu’il assume jusqu’au bout. On se souvient de cette édition du tremplin où, selectionné pour revenir en final le lendemain, le garçon avait été le seul à avoir consacré sa nuit entière à écrire un tout nouveau morceau pour venir nous le présenter. Chapeau l’artiste !

Yuval sera donc pour beaucoup la découverte d'un guitariste d’une rare élégance. Un de ceux qui, à l’instar d’un Fréderic Loiseau de ce côté-ci de l’hexagone, a la mélodie chantante au bout des doigts et de ses six cordes. Ce n’est pas pour rien qu’il se lance, sans crainte et avec un amour débordant à la rencontre de grands standards comme Skylark, Lover man, without a song ou encore My romance dont il magnifie chaque fois les superbes mélodies.

Yuval Amihai est le guitariste de l’apparente simplicité et surtout de la sensibilité et de l'élégance. Il fait ainsi chanter sa guitare, allant chercher dans ses impros des détours harmoniques assez subtils. Car il est zen Yuval, totalement et magnifiquement zen ! Il a même des accents de bluesman à la Scofield dans Forrest forgive them qui sonne très US. en tous cas une composition absolument magnifique. On pense bien sûr à cette grâce du temps retrouvé que l’on entendait chez Jim hall dont il doit certainement assumer une part de filiation. Ce temps qu’il laisse au temps, sans précipitation aucune.

Le trio qu’il a réuni témoigne d’une très grande écoute où chacun joue dans le plus doux du mezzo. Où le velours des notes de Yuval repose sur un lit de satin d’un drumming souple et d’une contrebasse moelleuse.

Totalement délicieux !

On souhaite à Yuval que son chemin de Tel Aviv à Paris se poursuive comme celui de son déjà illustre aîné, Yaron Herman.

Jean-Marc Gelin

Laura Perrudin : « Impressions »

Chromatic harp, vocals, percussions & electronics / programming by Laura Perrudin

Distribué par l'Autre Distribution

Laura Perrudin est une jeune femme de grand talent qui ne cesse de multiplier les récompenses . Jugez en plutôt : lauréat du tremplin national Jazz à Vannes 2013, prix de composition au Concours national de Jazz de la Défense 2013 à Paris, 2e prix de la Montreux Jazz Voice Competition 2014, prix d'aide à la professionnalisation au tremplin du festival Jazz à St-Germain-des-Prés 2014 à Paris. Excusez du peu.

Il faut dire que cette jeune harpiste a tout pour elle et en premier lieu le sens d’une écriture remarquable à laquelle elle allie la voix évanescente et la sensualité des chanteuses modernes. On pense à Joni Mitchell ou à Gretchen Parlato. Référence d’autant plus pertinente qu’elle avoue son penchant prononcé pour l’écriture de Wayne Shorter dont on sait proche la chanteuse américaine. Parfois même à Jeanne Added aussi. C’est qu'il y a, comme chez ces chanteuses la grâce et de la poésie des arrangements superbes qui lui permet de déambuler entre les harmonies et les dissonances qui frottent, avec l’agilité d’un chat passant de toit en toit. Comme si ce numéro d’équilibriste de l’harmonie lui était aussi naturel que pour nous, de marcher. Seule avec sa harpe chromatique électrique, Laura Perrudin explore les sonorités, semble se délecter à s’y perdre. S’y fait candide. Et c’est là que l’instrumentation se porte au service d'un discours d’une extrême richesse musicale et d’une très grande douceur.

Car Laura Perrudin qui a notamment travaillé avec la chanteuse Leila Martial a, comme sa jeune aînée ( mais en explorant d’auyres voix), le don de se créer un véritable univers dans une sorte de lévitation à peine perturbée par de délicates interférences dans le son qu’elle gère comme autant de petites incongruités sonores qu’elle crée et qui apparaissent comme par la magie d’une fée. Celle de brocéliande s’entrevoit dans l’imaginaire de cette jeune bretonne.

Nous sommes véritablement, comme il y a deux ans au Sunside, tombés sous le charme de Laura Perrudin.

Pas la peine de vous souvenir de son nom. Vous n’avez pas fini d’en entendre parler.

Jean-Marc Gelin

Motema 2015

Joey Alaxander (p), Larry Grenadier ( cb), Ulysses Owens Jr., Russell Hall (cb), Sammy Miller (dms), Alphonso Horne (tp)

On voudrait en chroniquant cet album du pianiste balinais Joey Alexander, évacuer une bonne fois pour toute la question de son âge et toutes les notions d’enfant prodige qui vont avec. Car, disons le tout de suite la claque est d’autant plus grande à l’écoute de cet album que l’on apprend que ce jeune garçon n’est qu’un enfant de 12 ans à peine déjà doté au bout de ses doigts touts les ingrédients du génie en herbe. Né à Bali en 2003 le jeune pianiste qui dès l’âge de 6 ans pouvait rejouer des thèmes de Monk juste entendu dans la discothèque de papa, est en effet une vraie révélation.

On voudrait évacuer cette question de l’âge, se dire qu’il n’est pas l’exception, que d’autres à l’instar d’une Jacques Thollot en firent tout autant et que Keith Jarrett avait déjà donné son premier concert 5 ans avant cet âge là. Comme quoi finalement, le génie, c’est d’un banal !

N’empêche, on aimerait faire abstraction de toutes ces contingences pour aller droit à l’essentiel et vous dire que l’on est quand même restés abasourdis devant cet album assez époustouflant. Mais ne vous méprenez pas. On a pas affaire ici à ce genre de virtuoses, comme ces jeunes pianistes japonais(es) qui font sans cesse et à tout bout de champ état d’une brillante et clinquante maestria qui en fout plein la vue à chacune des phrases ( je pense à Hiromi par exemple). Ici, autre chose. Le jeune garçon, à qui l’on pourra reprocher parfois d’en mettre un peu trop, fait surtout montre non seulement d’une maîtrise exceptionnelle mais surtout d’un sens hors norme de l’improvisation où les idées harmoniques semblent jaillir à chaque phrase. Il faut entendre les détours avec lesquels il aborde les standards à l’image de cette introduction de Giant Step, déjà un modèle du genre. Car non content de maîtriser parfaitement son sujet, Joey Alexander le survole littéralement. Tout y est : la gravité lorsqu’il la faut ( Over the rainbow), la légèreté d’un Michel Petrucianni ( It might as well be spring), le sens du groove et du placement ( superbe impro sur Ma Blues au harmonies détonantes), le sens de développements aussi ou encore, justement le ménagement de ces espaces sensibles que l’on croyait pourtant réservé aux plus anciens, à ceux qui ont déjà tout dit. Tout est étonnant chez ce jeune garçon capable de surprendre constamment en émaillant son discours de mille pépites inattendues. Il déroule parfois comme Art Tatum puis l’instant d’après se fait prolixe comme Oscar Peterson mais sans jamais pourtant donner l’idée de plagier ses aînés.

Et c’est là que survient le malaise et que l’on revient à la question de départ : comment est il possible si jeune et donner l’impression d’avoir autant vécu musicalement.

Mais après tout peu importe le flacon et peu importe l’âge du capitaine dont finalement on se fout comme de l’an quarante (que d’ailleurs il n’a pas connu), le temps ne faisant décidemment rien à l’affaire, reste juste le plaisir entier et immense de cet album absolument jouissif de bout en bout et , par ailleurs assez magistral.

Jean-Marc Gelin

ORCHESTRE NATIONAL DE JAZZ OLIVIER BENOIT

Europa BERLIN

ONJAZZ records/ l’autre distribution

Sortie nationale le 27 avril

www.onjazz.org

Voilà l’ONJ reparti pour son tour des capitales européennes : après l’hommage à Paris, l’onzetet découvre Berlin. Le choix était évident tant la ville est unique dans son évolution et activité artistiques. Une évocation très personnelle où l’on sent, dès les photos du livret réalisées par le chef lui-même, une vision empreinte de ce recyclage urbain, où la nature boisée disparaît dans les friches industrielles, le no man’s land de conglomérats, gravats et sables. Un Berlin étranger plus qu’étrange, encore marqué de l’histoire tumultueuse et violente du XXè siècle, attentif à un présent omniprésent. Plus que jamais dédié à l’architecture et à l’accumulation/destruction des différentes strates historiques. Ce n’est vraiment pas un itinéraire touristique auquel nous sommes conviés même si le travail de mémoire est constant. Ou alors un tourisme de mémoire qui ne cesse de jouer à cache-cache avec les vestiges, de surexposer des fragments, obsédé par cette réunification autour d’un mur mythique, aujourd’hui démantelé.

D’ailleurs, les titres des compositions (Effacement des traces, Persistance de l’oubli, Métonymie, Oblitération) sont emblématiques du projet d’Olivier Benoît qui se recommande de Berlin, l’effacement des traces, livre de Sonia Combe, Thierry Dufrene et Régine Robin.

On retrouve les points forts du premier volet sur PARIS, ramassés sur un seul CD cette fois. On est saisi d’un bout à l’autre, du faussement doux « Effacement des traces » au vrillant «Détournement» final, par ces compositions toujours denses, alliant l’acier de crescendos puissants à la légèreté d’une chorégraphie aérienne. Un concentré d’énergie pur jus où de jeunes talents résolument actuels dans leurs recherches musicales sont entourés d’aînés confirmés et experts (divine section rythmique). Fruit d’une sélection rigoureuse qui se voulait impartiale, la formation est à mi-chemin entre le big band cuivré et le combo élargi : les instrumentistes jouent parfaitement leur rôle, tour à tour en pleine lumière mais pleinement collectifs dans des tutti orchestraux de belle facture.

C’est une vision éclatée du jazz d’aujourd’hui, où se côtoient rock alternatif, électro, avant-garde, rythmes d’une « asphalt jungle » en mutation, qui correspond à l’ordre séculaire que l’on a plus ou moins déconstruit dans la ville. Le Cd est fait de plusieurs suites qui se suivent, s’emboîtent en un klaxonnement presqu’ ininterrompu jusqu’à un achèvement, jamais épuisé. Une succession de morceaux autonomes avec des respirations brèves, qui favorisent l’improvisation, ou servent de tremplin à des développements plus larges. Dans une urgence convulsive («Métonymie»), les saxophones s’en donnent à cœur joie sur le tempo échevelé d’Eric Echampard et on se demande quand s’arrêtera cette cavalcade. Un grinçant et martelant « Révolution» ? « Réécriture» où violon et claviers s’ajointent sur des accents sourds de batterie, avant le pilonnement des cuivres et vents ?

Bouillon de culture avec toujours la touche avant-gardiste,qui faisait déjà sa force dans les années trente, Berlin continue à surprendre, à mener la danse avec un ONJ exultant dans le paysage musical contemporain.

Sophie Chambon

LEM 2015

https://fr-fr.facebook.com/GhostRhythms

Il y a peu de chance que vous connaissiez Ghost Rythms. Ce jeune groupe bourré de talent n'est pas forcément ( en tous cas pas encore) dans les radars du jazz hexagonal. Mais de vous à moi, il y a fort à parier qu'il sera bientôt l'un de ses acteurs incontournables. Car en effet ce jeune groupe et ses deux principaux compositeurs ( Xavier Gelard et Camille Petit) cumule les prix de compositions dans tous les tremplins où il passe ( dont notamment La Defense en 2012).

Il faut dire que Ghost Rythm a définitivement beaucoup d'idées et beaucoup de moyens pour les exprimer.

Après un album remarquable marqué par l'influence de Steve Coleman, le groupe parisien revient aujourd'hui avec un double CD axé autour du film d'Alfred Hitchcock, Vertigo ( ou " Sueurs froides"). Xavier Gelard explique qu'il a été un jour marqué par la légende selon laquelle "The dark side of the moon" l'album des Pink Floyd, pouvait s'entendre comme la bande son du film de Victor Fleming, "Le Magicien D'Oz".

Ici l'album se conçoit aussi comme celle de Vertigo.

C'est dire les qualités expressives de ce projet qui nous embarque en parfaite synchronisation avec les moments forts de ce film dont il faut redécouvrir les qualités hypnotiques ( à l'instar du regard incroyablement fascinant de Jame Stewart !).

L'exercice de Ghost Rythms et de ses deux remarquables compositeurs est ici d'autant plus périlleux qu'il leur fallait s'extraire de la musique inoubliable de Bernard Hermann. Pour ce faire, Gosth Rythms est allé puiser dans le creuset de ses influences modernes. On pense beaucoup à Guillaume Perret, on pense à Ping Machine ou encore au grand ensemble de John Hollenbeck.

L'écriture terriblement efficace et porteuse d'émotions fortes est envisagée comme des traveling ou comme des cadrages de sons et d'image. Il fallait pour réussir ce challenge, une réalisation et une direction de groupe impeccables avec une vraie dimension orchestrale ainsi qu'une place laissée à chacun des musiciens qui le compose (que chacun des solistes porte à merveille).

Et c'est par le biais de l'écriture et de l'engagement total qu'il parviennent alors à nous emmener à l’intérieur de l'écran.

Il y a parfois dans cette musique une dimension kaléidoscopique, comme l'agencement d'un rouage fascinant. La musique y est en mouvement, s'y fait organique, comme la danse de micro- cellules qui s'agencent entre elles.

L'orchestre s'entend alors comme un véritable choeur.

Du début jusqu'à la fin de l'album , on reste captivés par ces moments, ces images suggérées, ces passages de l'effroi à l'émotion dramatique, par la course effrénée rythmée par un groove fort et par ses belles montées paroxystiques.

En fait jamais ce double album ne nous lâche.

Vous ne connaissiez pas Ghost Rythms ?

Vous aviez radicalement tort mais il n'est jamais trop tard. Laissez vous embarquer !

Jean-Marc Gelin

Impulse 2015

NDR : Attention cet album ne ressemble pas à grand chose de ce que vous avez pu entendre jusqu’à présent.

Snarky Puppy ( litt. : « le chiot narquois ») est un collectif créé en 2004 par le bassiste américain Michael League. Véritable OVNI dans le paysage sage du jazz, le groupe de Brooklyn est un ensemble musical indépendant qui se joue des codes et des frontières, des instrumentums autant que des barrières stylistiques. Ce groupe d’artistes indépendants à géométrie variable, ne cesse album après album de fasciner par son art de se jouer des sons du jazz et de la funk avec un sens de l’écriture particulièrement exigeant et pourtant assez jubilatoire. Elu plusieurs fois meilleur groupe de l’année ( en 2008,2009 et 2010) le groupe de Michael League ne cesse de surprendre son monde qui aimerait bien le ranger dans une case, oui mais fichtre, dans laquelle ?

Le nouvel album, enregistré en live avec le célèbre Metropol Orkest ( aujourd’hui dirigé par Jules Buckley) est dédié à la forêt ( d’où son titre , Sylva) , que Michael League décrit comme « un endroit à la fois innocent, effrayant, inspirant, impénétrable, fragile, stoïque, révélateur, un abri, un labyrinthe, un temple, une tombe, un sanctuaire, un parlement, un prison ». De quoi inspirer l’écriture très créatrice du bassiste qui, effectivement donne un certaine dimension protéiforme à son projet soutenu parfois par les cordes de l’orchestre néérlandais. Objet curieux, cet album évolue entre jazz funky, fanfare, popo et classique et instaure parfois des climats très forts à l'image de ce Curtain très émouvant certainement la pièce maîtresse de l'album avec une ouverture à cordes très Malherienne avant que des tambours plus lourds et plus rock n'envahissent l'espace. Les morceaux à tiroirs évoluent alors dans le temps et l’espace musical saisissant au vol de constants revirements de systèmes. 2 claviers ( l’orgue de Cory Henry, assez génial ici et le fender de Justin Stanton) se partagent un groove aussi fort que subtil s’appuyant juste lorsque la dramaturgie l’impose, sur un tapis de corde qui ne vient pas casser le groove mais au contraire le porter autrement.

C’est que la musique de Snarky y est conçue de manière symphonique comme une sorte d’opéra rock ( Gretel) où la masse orchestrale du Métropole prend toute son ampleur. Lorsque l’on entend une composition comme Sintra qui s’appuie sur l’écrin

des arrangements pour cordes on pense à la liberté que pouvait avoir un Charlie Haden lorsqu’il racontait avec Carla Bley et son Liberation Music Orchestra une musique à grande ampleur narrative.

En fait toutes les références des grandes écritures du jazz et de la pop avec un grand zest de classique se mêlent ici et les références se bousculent alors pour un musicien qui démontre ici l’étendue et la richesse d’une culture musicale foisonnantes

Pour ceux qui n’étaient pas au concert de Snarky Puppy le 7 mai Paris o le 8 à Coutances, il est urgent de se procurer cet album comme le témoignage éclatant d’une musique en mouvement.

Fascinant

Jean-Marc Gelin