2010 – Laborie  

Diederik Wissels (p, électronique, compositions)

Vus de France, Diederik Wissels et le chanteur belge David Lynx semblent indissociables. Ils ont égrainé nombre de prix et d'excellences tant leur collaboration a été fructueuse. Par le passé, le pianiste, belge lui aussi et né à Rotterdam, a aussi connu d'autres collaborations émérites avec Larry Schneider, Kenny Werner, Philip Catherine et Marc Ducret. Et avant cela avec Chet Baker. Ces dernières années, il mène deux carrières aux colorations artistiques assez différentes: l'une avec Lynx ou Paolo Fresu en France, l'autre en Belgique avec le groupe Streams du saxophoniste Bart Defoort, entre autres.

Kaos est le deuxième album solo de Wissels et la suite logique à son premier solo Together paru en 2007. Sur Kaos, les treize compositions sont du pianiste: les dix premières constituent une suite de saynètes musicales intitulée « Kaos ». On reconnait volontiers des influences classiques et jazz dans les compositions et dans le jeu du pianiste. Les phrasés idiomatiques du jazz se font diserts à travers de nombreuses influences allant de Bill Evans à Keith Jarrett. Pour exemples, les deux premiers chapitres de « Kaos » nous rappellent les introductions du concert de Bregenz de Keith Jarrett en 1982. Au fil des morceaux, le pianiste se désengage de ces sillons pour se donner à une expressivité, pour le coup, tout à fait personnelle. Les « chapitres » de Kaos, comme les intitulent Wissels, se suivent sans assemblage cohésif apparent, mise à part une certaine application à la mélancolie. D'un chapitre à l'autre, le pianiste chavire, sans transition, d'une chopinade à tiroirs à un  jeu calqué sur des sonorités électro-douces, synthétiques et spatiales qui suggèrent une sensation d'urgence dans le mouvement « Kaos ».

Wissels jouit d'un talent évident pour la composition qu'il associe à un jeu minimaliste sans esbroufe, une émotion naturelle et sans tricherie. La netteté de son propos nous touche tout du long: il caresse la beauté et revitalise les émotions fondamentales.

Pour clore cette rencontre intérieure, « Kronos », la dernière pièce, au piano trafiqué aux effets électroniques semblent annoncer la teneur et le son d'un troisième volet en solo. Sans a priori aucun, laissez vous aller à la musique: Wissels vous amène dans un univers où sa simplicité vraie rend sa musique unique.

Jérôme Gransac

Act – 2010

En août 2009, lorsque j’ai interviewé Vijay Iyer pour les DNJ, je lui posais cette question : « Je crois savoir qu’après l’expérience du trio, vous allez effectuer quelques concerts en piano solo. C’est quelque chose de nouveau pour vous, pouvez-vous m’en dire un peu plus sur cette évolution dans votre carrière de pianiste et est-ce qu’il est possible qu’un disque entièrement en piano solo soit publié un jour prochain ? » et il me répondait : « Effectivement c’est un challenge pour moi de me lancer dans un répertoire pour piano acoustique solo. C’est important à ce stade de ma carrière de me lancer des défis et de continuer à évoluer. J’espère que je vais pouvoir exprimer et extérioriser plein de choses qui sont à l’intérieur de moi et pourquoi pas, si le pari est réussi, en faire un disque ! » (1). Neuf mois plus tard, à Belmont en Californie, Vijay Iyer enregistre dans les studios OTR ce premier album en piano solo et nous délivre une magnifique introspection musicale jouée avec une profonde expressivité. Il va au fil des plages rendre à la fois hommage à ses maîtres (Ellington, Monk, Steve Coleman) et continuer à approfondir sa propre musique à travers des compositions où il nous dévoile un monde intérieur foisonnant et complexe avec une grande sensibilité et un fort pouvoir émotionnel. L’admirable prise de son de Cookie Marenco est toujours au service de la musique, en prenant des options différentes suivant les titres et les climats suggérés, elle donne beaucoup d’ampleur au son du piano grâce à un système unique que Marenco a lui-même inventé intitulé e.s.e (extended sound environement). Une profondeur de son, qui additionné au jeu complexe, rythmique et harmonique de Vijay Iyer, amène  une dimension orchestrale fort intéressante à cet exercice pianistique solitaire. L’album démarre par « Human Nature » qui n’est pas seulement un hommage à Michael Jackson, mais aussi une référence à Miles Davis (qui avait repris ce thème en 1985 dans son album « You’re Under Arrest »). Vijay développe ici de très riches ornements harmoniques à partir de cette belle et simple mélodie. Pour sa relecture inspirée et profonde d’« Epistrophy » de Monk, la prise de son est plus feutrée et intérieure, les notes jouées, piquées et pointues, ne résonnent pas de la même façon et sont beaucoup moins réverbérées. Avec « Darn That Dream », on constate un jeu où l’économie de notes est au service d’un touché fin et sensible afin de rendre un bel hommage aux piano stride des années 1920-1930. La compréhension  de l’œuvre Ellingtonnienne est totalement assimilée et assumée d’un point de vue subjectif, que ce soit dans le son jungle admirablement bien restitué de « Black and Tan Fantasy » ou dans la vision sombre et lente de « Fleurettes Africaines » où la mélodie ne chante pas si facilement mais résonne en de lointains échos caverneux. La relecture de « Games » (que Steve Coleman avait composé pour le trio de Dave Holland en 1988) propose une complexité rythmique du jeu de piano complètement stupéfiante. Enfin Vijay Iyer reprend la très belle mélodie de « Desiring » qu’il avait écrit pour l’album « Blood Sutra » en 2003 et signe quatre nouvelles compositions pour cet opus solo dont on retiendra surtout le fantastique « Patterns », un morceau phare qui résume parfaitement bien le travail d’introspection inspiré, tendu et poignant, qu’il effectue sur ce magnifique album hautement recommandé.

Lionel Eskenazi

(1) On peut lire l’intégralité de cette interview sur le lien suivant : link

WARED 

Edouard Bineau Wared Quartet

1 Cd Derry Dol / Soca Disc

Avril 2010

Conquis par des mélodies tendres et ardentes à l’image de « Wandering», des thèmes chantants que l’oreille s’approprie comme ce troublant, hypnotique « My unhappy friend » tricoté magistralement par le contrebassiste Gildas Boclé, nous nous sommes laissés charmer dès l’initial « Rootless ». C’est en effet la première impression qui l’emporte, à l’écoute du quartet du pianiste Edouard Bineau, Wared (anagramme d’ Edward). Non que ces titres soient faciles mais chaque ligne instrumentale est d’une parfaite lisibilité dans un style plus vif,  rock.

Le trio aguerri, depuis 2004, composé de Gildas Boclé et Arnaud Lechantre (on se souvient du joli titre et de la musique forte de L’obsessionniste, dédié au singulier Facteur Cheval) accueille en son sein un formidable partenaire qui renouvelle son énergie et change quelque peu la donne mélodique, le saxophoniste allemand Daniel Erdmann. Sur tous les fronts en ce moment, dans des formations très différentes, il joue avec une vigueur extrême et un appétit qui paraît insatiable.

C’est comme un récital du saxophoniste qui s’entend ici, de prime abord : Daniel Erdmann peut tout exprimer avec son saxophone, développer des volutes sinueuses, longues et gracieuses, et l’instant d’après, lâcher prise, sauvage et rauque, changer brutalement le tempo, redevenir sensuel sur le bien trouvé « Charmeur de pierre », se livrer à des improvisations courtes mais frémissantes, énervées dans « Un tabouret pour deux » avec Edouard Bineau ou délivrer un choc à trois sur« Un fauteuil pour trois »avec l’altiste Sébastien Texier, l’autre saxophoniste (guest sur 3 titres). 

Quant au pianiste, il dose parfaitement ses interventions égrenant de façon sensible notes perlées et cristallines, alternant douce violence et lyrisme discret. Formidablement attentif, il pose les bases du discours dans ce groupe à la paire rythmique forte (on retiendra le solo du contrebassiste sur «Wared »). Chacun se donne le temps de construire dans l’échange, le façonnage musical est accompli.

Au fil de ses compositions, Edouard Bineau force l’attention, ce qui est la marque des grands, comme dans son solo époustouflant et inattendu de « Big foot » ou le touchant « Maman Rose » . 

Pour cette formation terriblement cohérente et enthousiasmante sur scène, à n’en point douter, Edouard Bineau a en effet composé une succession de titres, aux climats changeants jusqu’au « Red blues » final, qui, s’il n’est pas vraiment incandescent, n’en est pas moins admirablement construit. Même la reprise de Brassens « Je me suis fait tout petit », assez surprenante dans ce répertoire, est détournée de belle façon, tout à fait assumée et …réussie.

Ce nouvel ensemble est une formation qui devrait s’imposer rapidement. Le disque est déjà un régal mais je conseillerai absolument d’aller voir ce quartet en live :alliant mélancolie douce, groove persistant, frémissement passionné, cette musique, à la couleur particulière de lune, touche immédiatement …l’âme.

Sophie Chambon

Maxiphone Collectif – Geste Distribution

Fred POUGET (cl,compositions), Gwen GOULENE (fl,acc, bombarde,compositions), Ronan LEGOURIEREC (sax baryton,bombarde,compositions), Maurice FARI (dr), Anthony MASSELIN (cornemuse, uillean pipes), Anne COLAS (piccolo, fl), Guillaume SCHMIDT (ss,as,ts), Fidel FOURNEYRON (tuba,tb), Claude BARRAULT (tp,bugle)

Pas moins de quatorze titre, composés majoritairement par Fred Pouget et Gwen Goulène, pour ce nouvel album de l’Occidentale de Fanfare qui relance la machine après trois ans d’absence. A l'origine, quinze musiciens œuvrait pour une musique alliant deux genres de musiques traditionnelles que sont le bagad breton et la ripataoulère gasconne. Aujourd'hui, cet orchestre s'est recentré autour de neuf musiciens avec un projet axé sur les danses. C'est la musique de la renaissance que nous propose L'Occidentale de Fanfare en Version Originale: enthousiasme, ferveur et énergie sont au rendez-vous. A la direction artistique, Fred Pougetdonne dans le côté ethnique à tout prix: musique celtique (folklores irlandais et bretons), marche militaire à l'écossaise, musette, sifflements boy scout. Donnez vous le temps d'imaginer le travail d'écriture que représente l'association des cornemuses et bombardes avec des saxophone baryton, trombone et batterie!

Globalement on distingue deux types de compositions. Le premier est basé sur des mélodies celtiques, jouées par les instrument du crû, sur une rythmique jazz funky et des rythmes binaires groovy. Le deuxième est consacré à des mélodies réussies qui prennent la forme de chansons – sans paroles – ou de valses (flute, clarinette, sax, accordéon) bien composées et qui fonctionnent très bien.

Il y a là un véritable talent d'écriture pour de méticuleuses mélodies (« One for Jules », « A la campagne »), une originalité dans les genres musicaux et des instrumentistes talentueux. Sans aucun doute... En revanche, la direction artistique nous fait tiquer. Un proverbe anglais dit: « A gentleman is a man who can play the bagpipe, but does not ». A l'instar de Rufus Harley, qui se définissait lui-même comme le Coltrane de la cornemuse (gasp!!), Fred Pouget a usé à outrance des bombardes et cornemuse engoncées dans un format jazz qui oblige les instrumentistes à la performance ... pour un résultat souvent crispant. Loin de tomber dans le grotesque² - car ces musiciens ont du talent - il reste une écoute parfois difficile tant on appréhende le virage dangereux dans le déroulement des pièces celtiques à l'accent groovy et dense. Si, en revancje, les ballades se montrent poétiques, frémissantes d'émotion et pour le coup dansante (« Madame qui... »), Version Originale manque d'homogénéité. Visiblement, la recherche de l'originalité maximale se fait parfois au défaut de la musicalité... mais ce projet mérite l'écoute sans doute aucun.

Jérôme Gransac

Myspace du groupe

Plus Loin Music 2010

Rudresh Mahantappa (as), Ronan Guilfoye (cb, g), Chandler Sardjoe (dm)

Cela fait déjà quelque temps que l’on vous parle dans ces colonnes du saxophoniste américano-indien, Rudresh Mahanthappa. Nous avions fait écho à l’album Kinshen paru en avril 2009 ( **** RUDRESH MAHANTHAPPA : « KINSHEN » ) et lors de l’interview qu’il nous avait accordé, le patron du label Plus Loin Music n’était pas peu fier de nous annoncer l’entrée de ce prodige du saxophone alto sur son label dont l’ambition est définitivement de bâtir des ponts entre la France du jazz et la cité de Big Apple.

C’est donc peu dire que nous étions curieux de retrouver le saxophoniste dans ce nouvel environnement. Et de toute évidence ce passage sur le label français s’est fait sans rupture, en parfaite continuité avec le travail que l’on connaissait de Rudresh Mahanthappa.

C’est donc un album très court (49mn) censé marquer le passage au label et poser les bases. On y retrouve, dans ce pianoless, les idiomes qui sont sa marque de fabrique marquée par le swing carnatique du saxophoniste indien. 6 titres assez époustouflants qui se déroulent tel un long serpent envoûtant, dans le flot irrépressible des sinuosités, des lacis et des lacets du filet du son de Rudresh Mahanthappa. Entre Raga et musique Carnatique ( n l’a dit), Rudresh Mahanthappa se montre exactement tel qu’on le connaît, jetant entre ses racines indiennes et ses racines venues du jazz New Yorkais des liens syncrétiques qui en font un musicien aussi rare et essentiel que Steve Coleman pu l’être avant lui. Inventeur en quelque sorte d’un langage. Pour ce faire, Rudresh Mahanthappa s’appuie sur une rythmique fort solide et surtout sur un contrebassiste éclatant avec tout le talent et la présence totalement assumée de l’irlandais Ronan Guilfoye qui alterne le jeu de guitare et de contrebasse avec la même énergie et la même passion de la walking basse mélodique et parvient à émerger réellement dans le jeu torrentiel de Rudresh Manhathappa.

Les thèmes s’enchaînent alors dans un courant continu. L’énergie ne faiblit jamais. Seule l’émotion peine juste à éclore de ce fleuve en mouvement. Cette force de la nature incarnée aussi majestueuses que magistrale.

Jean-Marc Gelin