One dark night I left my silent house

ECM 2010

C’est avant tout la découverte d’une clarinettiste remarquable , David Rothenberg qui signe là, aux côtés de Marylin Crispell, son 7eme album et son premier pour le compte du label ECM. Clarinettiste et saxophoniste qui développe un univers poétique très individualiste et un sens de l’improvisation qui lui permet cette exploration (presque solitaire) tout au long de ces 13 titres, David Rothenberg passe de la clarinette à la clarinette basse avec une richesse de son qui donne tout le relief à un album dans lequel, il fat bien l’avouer il ne se passe pas grand chose. La pianiste Marilyn Crispell en est réduite au rôle de faire-valoir et meuble l’espace avec une infinie discrétion. Très concertant, cet album qui ne manque pas d’un certain charme très littéraire, s’inscrit sans surprise dans une esthétique ECM, très beau mais aussi un tantinet ennuyeux.

Jean-marc Gelin

STREAMING

Karl Jannuska featuring Sienna Dahlen

www.karljannuska.com

www.parisjazzunderground.com

C’est en fanfare, sur un rythme de marche impulsé par la batterie que commence l’album de Karl Jannuska et de sa compatriote canadienne, la chanteuse Sienna Dahlen. Il ne s’agit pas  de jazz vocal ni de voix qui stratosphérise , mais l’énonciation parfaite, sans étirement ou effet sophistiqué masquant la compréhension -fait souvent des non-anglophones- enjolive ces chansons, qui, sans être mièvres, sont un peu lisses parfois.

 D’abord décontenancé par cet album aux sonorités légères et raffinées, on se laisse vite prendre à l’ambiance poétique, aux climats nettement océaniques-on est loin de la lumière crue et insolente d’un sud aride.

On tombe vite sous le charme d’une musique étrangement familière. Sont-ce les accents de pop anglaise dans la voix délicate, fraîche et bien placée de Sienna Dahlen, son chant net et précis ?

Les musiciens paraissent en retrait  même s’ils assument parfaitement un accompagnement efficace au niveau des couleurs et timbres. Ils sont d’ailleurs nombreux et composent deux ensembles sans piano : Nicolas Kummert/ Joe Miller au ténor, Olivier Zanot/ Christine Jensen à l’alto,  Pierre Perchaud ou Ken Bibace à la guitare électrique et Mathias Alamane / Frazer Holins à la contrebasse. Sans que la substitution ne paraisse trop évidente, il y a un esprit commun à tout le disque, même si les trois derniers titres ont été enregistrés à Montréal avec la formation canadienne du batteur.   

Si Karl Jannuska et  Sienna Dahlen ont co-écrit les paroles des dix chansons de l’album, la musique est entièrement composée par le batteur dans ce troisième album en leader de sa jeune carrière, d’où la cohérence de ce Streaming, justement nommé. Cette musique coule, s’écoule sans l’obstacle de la virtuosité et de la performance individuelle. Timide et discret, ce batteur que l’on s’arrache sur les scènes parisiennes ? Il a, en tous les cas, chevillé au corps le sens de collectif, comme l’atteste son implication au sein de cet actif mouvement, l’intéressant PJU (Paris Jazz Underground), dont nous pouvons découvrir les albums en ce printemps 2010.

 C’est un album d’arrière saison, à écouter entre amis, au coin du feu, réconfortant, pas vraiment mélancolique. Ces chansons douces et tendres font rêver à l’harmonie et à la beauté du monde : « Timbuktu » ou « Sundogs » sont des comptines enfantines aux cadences douces et enveloppantes que souligne un chorus de saxophone aérien lui aussi.

Cette légèreté, pas du tout insoutenable, vous transforme en une plume qui vole au vent avec les nuages, les « merveilleux nuages ». Une idée persistante d’une musique de l’instant. Une sorte de petit bijou, miniature délicate, intimiste, éloignée de l’image que l’on pourrait se faire d’un batteur plutôt énergique. Ce n’est pas

un disque de batteur, disent d’ailleurs ses potes du collectif, même si cela groove en permanence.

Avec Streaming, on s’abreuve à la fraîcheur d’une musique désirante, ouverte au monde actuel. Entre réflexion, lucidité et croyance.

SYNAPSE ***

PJU records 2010

Dans la continuité, retrouvons Karl Jannuska qui, en trio, nous offre cette fois avec la saxophoniste londonienne Amy Gamlen et le guitariste Pierre Perchaud un Synapse, absolument attachant et très prenant pour nos neurones. La composition qui nous a immédiatement accrochée, demeure l’arrangement de la saxophoniste de  « Skylark », standard de Carmichael et Mercer dont il existe un nombre effarant de versions. Voilà le plus long titre de l’album, plus de 8 minutes de musique qui s’étire comme une aile, une épure traitée avec douceur et poésie, en hommage à l’oiseau du matin. Rien que pour ce moment, nous recommanderions l’album, preuve que ses jeunes musiciens ont compris l’esprit du jazz et intégré ses repères. Ils peuvent ensuite emprunter d’autres voies, l’essentiel demeure, ce goût irrésistible et singulier.

Un trio très attachant vraiment, un jazz chambré sans contrebasse : il se déguste en suivant les méandres et autres sinuosités du phrasé de la saxophoniste, rehaussés des accords doux, aériens de la guitare-dentelle de Pierre Perchaud, soutenu par le drive continûment efficace, toujours juste de Karl Jannuska.

 On se plaît à partir avec eux sans connaître la destination de ce voyage musical dès le premier titre « Deeper », à remonter jusqu’à « La source », à s’envoler joyeusement dans ce « Big sky ». Les titres, souvent hermétiques, n’empêchent pas d’embarquer dans des contrées franchement exotiques, imaginaires aussi : « Dobroudjanska  Tropanka » ( ah, on ne soulignera jamais assez l’attrait des Balkans sur les souffleurs…)

 Sur un tempo plus vif, juste après le chant de l’alouette, «Flintabaty» nous raconte une petite histoire avec cette sonorité aigrelette, déconcertante du soprano, en accord avec cette course-poursuite qui tient du thriller, rendue haletante par le drive surchauffé du batteur. Amy Gamlen révèle  aussi un son véritablement plein et réconfortant à l’alto, et voilà, pour notre plus grand plaisir, la révélation féminine de l’album. Il faudra désormais compter avec cette jeune musicienne.

Il est courant de parler d’interaction, d’« interplay » : un coup d’œil au graphisme de la pochette, confirme que ce trio est parfaitement stable et équilatéral. Tous ont composé et proposent en alternance des pièces de leur cru mais se livrent aussi à des improvisations collectives.

Un chant continu, irrépressible comme dans cette dernière courte ballade « Vision »pour ce trio simple, efficace et discret. Un album serein,délicat et sensible de musiciens à suivre absolument. Sophie Chambon

Futur Acoustic 2010

Jean-Pierre Como (p), Diego Imbert (cb), Aldo Romano (dm)

On le connaît passionné, émotif, à fleur de peau. On le savait romantique ou fougueux. On avait été totalement anéantis, ébranlés par son précédent album, « L’âme Sœur » qu’il avait réalisé en 2006 avec l’orchestre de Pierre Bertrand. On suit aussi son histoire recommencée avec Sixun qui sous la baguette de Paco Sery  reprend du service avec enthousiasme. Jean-Pierre Como y est alors dans des univers plus percussif, plus funk que celui qu’il nous dévoile au travers de ce nouvel album presque entièrement dédié aux grands standards du songbook. Un tout autre visage. Celui qu’il affiche ici est celui d’un pianiste de trio qui apporte avec lui sa sensibilité et son élégance. Car Jean-Pierre Como fait partie de ces pianistes qui savent à eux seuls renverser les rôles jusqu’à mettre eux-même en valeur la superbe rythmique qui l’accompagne. Jean-Pierre Como donne à son jeu l’attaque suffisante, la respiration naturelle et l’espace qui permet aux trois de vivre ensemble. Il n’est que d’écouter ce choix judicieux qui a conduit à mettre Bewitched de Richard Rodgers en ouverture de l’album. Ecouter comment ces trois-là s’en emparent. Diego Imbert, immense, avec une gravité qui évoque celle de Charlie Haden et Romano qui instille à son drive l’attitude d’un chat faussement immobile, à la fois souple et d’une féline précision dans le geste. Avec ces deux-là, Jean Pierre Como se livre à nu dans cet exercice finalement si peu banal (si, si) de jouer ces standards, ces chansons d’amour avec autant de maturité. Car il faut avoir beaucoup écouté des maîtres, beaucoup appris de ces disparus pour atteindre à cette perfection si naturelle. Et l’on est sensible à cette version de ce Up jumped spring de Freddie Hubbard qui tire sa révérence à Bill Evans. Il faut avoir grandi, s’être frotté à l’expérience d’autres univers, à la dureté des clubs pour arriver en studio dépouillé de toute certitude et reprendre tout au début avec l’âme de ceux qui savent combien ces chansons d’amour parlent de la vie. Jean-Pierre Como pianiste à la fois subtil et gracieux dompte son piano, à moins que celui-ci ne le dompte lui-même dans un moment sans aucune emphase. Como passe du rire aux larmes avec un naturel déconcertant. Rallume le swing des anciens sur des thèmes comme The Way you look tonight, s’amuse à créer un thème « old style » réjouissant  ( The Sydney years) et ne se raconte à lui même aucune histoire sur cet Over the Rainbow qui, comme rarement, m’a ramené à l’inoubliable Judy Garland. On pleure sur If I Should loose you et l’on atteint une rare émotion sur ce Tout Simplement signé du pianiste qui vient clore ainsi ces 11 titres qui durant 46 minutes ont parlé d’amour, de jazz et de passion vivante.

Jean-marc Gelin

Jean Pierre Como sera au festival Esprit Jazz le Mardi 18 mai à la maison des Cultures du Monde

Label indépendant - 2010

Aspirateurs en La bémol majeur, le disque débute subrepticement par le souffle continu d’un appareil ménager au cœur tendre. Dad débarque sur terre, c’est le signal. Courte mise en bouche et peut être vindicativement  voulue pour notre surprise, ce « Dadadadadad » laisse place à une toute autre sorte de souffle, celui d’Adrien Daoud. L’équilibriste pluri-instrumentiste fantasmagorique du sax ténor développe au cours du disque une naïveté d’improvisation et une simplicité de phrasé plutôt géniale. Cette position politiquement incorrecte rendra certainement jaloux bien des saxophonistes en quête de cette singularité. Paraît-il même que Mark Turner fut envié pour plus que ça. En réponse à cela, et en contrepoids aussi, une paire d’inséparables, soudés par friction, en la personne de Thibaut Brandalise à la batterie et Maxime Daoud à la basse. Leurs rôles n’ont d’ailleurs aucune limite car il ne s’agit pas de Jazz ici. Pourquoi enfermer dans un style ne serait-ce qu’une infime partie de ce projet musical audacieux, tenu par de jeunes artistes dotés d’une créativité hors-normes. Et puis tout ceci ne serait pas incroyable sans la précocité de cette sagesse qui transpire à chaque mesure composée. Aussi, chaque artiste se relaye au chant, en anglais et au service d’un message fortement introspectif. Les paroles sont par ailleurs écrites par Gabriel Gorman, dernier rempart contre la conformité dans un groupe explosif et rare. Il y a manifestement à coups sûrs une très forte filiation avec certains délires psychotiques de Frank Zappa, notamment dans « Buffalo Hide ». Etant presque tenté de comparer les enchainements à un étonnant « road movie », remarquons au passage ces anges, qui passent l’un après l’autre, parfois sur quelques pistes ne dépassant pas la trentaine de secondes, et où le protagoniste se retrouve à chaque fois seul, comme pour revendiquer son mot à dire. Maxime Daoud, l’homme aux lignes de basse ronronnantes, fourni la preuve que nous sommes bel et bien dans un songe par la créativité d’un jeu malicieusement précis. Cédons sans retenue à l’envie d’y retrouver un esprit british dans la conception des rythmes et des ambiances. Pourquoi pas ? Le côté Pop anglaise n’est pas désagréable, bien au contraire. Le responsable de ce regain formidable d’énergie n’est autre que Thibaut Brandalise, fin batteur animé par cet honorable reflexe de mettre en valeur ceux qui l’entoure. Parfois apaisants, tantôt digressifs, ces dialogues instrumentaux n’ont aucune limite, évoluant au travers de plusieurs combinaisons. Et puis comment oublier la présence de Sébastien Llado, ce drôle d’oiseau au cœur pur offrant toujours par le biais de ses conques et de ses coquillages une vision du monde tellement différente. Parler du trombone de Sébastien, c’est comme inventer un nouveau mot, et donc forcément une aventure. Parler de Dad est comme évoquer la folie qui sommeille en chacun, et donc forcément un voyage rocambolesque, à vivre et à revivre…

Tristan Loriaut

1 Cd Plus loin Music / Harmonia mundi

2010

www.plusloin.net

On peut faire confiance au label Plus Loin dans ses choix artistiques : voilà en cette année Django, un disque de genre intelligemment revisité. Le grand guitariste Christian Escoudé a su s’entourer d’une fine équipe pour élaborer un album de jazz manouche, qui,  tout en respectant les règles du genre, sait aussi les détourner, ou se souvenir que les alliages de timbres firent le succès du premier et des autres formations en quintette du « Hot Club de France » de Django.

En effet Escoudé officie avec deux autres guitaristes (loi du genre) Jean Baptiste Laya et David Reinhardt (le petit fils)  qui l’accompagnaient déjà dans son dernier album mais il ajoute à sa formation, outre l’indispensable violoniste ( la jeune Fiona Monbet sur « Moonlight serenade »), une rythmique alerte et élégante composée d’ Anne Pacéo à la batterie et de Darryl Hall à la contrebasse (jolie intervention quoique trop rapide à notre goût sur « Choti »)  qui se substituent parfois avec grâce à la « pompe » traditionnelle, alors allégée.

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Sophie Chambon