Verve 2008

Feat. Nick Cave, Keith Richards, Marc Ribot…..

 L’année où l’on rend hommage à Billie Holiday il y a quelque chose de réellement troublant à écouter l’album de Marianne Faithfull. « Lady Faithfull » pourrait on dire. Certes tout a déjà été écrit sur la voix de cette égérie du rock, mais en écoutant cet album là, jamais l’évidence de sa proximité avec Lady Day n’est parue aussi proche, aussi intimement liée. On ne voudrait pas égrener ici tous les mauvais clichés si, en l’occurrence ils n’étaient pas aussi signifiants de la carrière et de la vie de ces deux immenses chanteuses. On connaît leur parcours de vies accidentées. On connaît leurs dérives, les rencontres mauvaises, les excès de substances, les âmes qui s’échouent et les épreuves qui ont été les leurs. Sœurs de cœurs. Sœurs de chant. Toutes les deux, cette voix si typée. Cette personnalité vocale à nulle autre pareille. Cette voix venue de quelques abîmes, effrayante parce qu’insondable. Terrifiante tant elle raconte l’âme et les souffrances indicibles. Ces voix qui ne disent pas les choses légères mais qui traînent avec elles un passé lourd. Lorsqu’elles chantent, toutes les deux, ce sont les mots qui se font accrocher, râper, les phrases qui ripent. Certes il y a chez Billie une justesse et une précision qu’il n’y a plus chez Marianne Faithfull si tant et qu’elle fut juste un jour. Mais l’évidence d’un album comme celui là est de montrer combien une chanteuse peut s’élever bien au-delà en mettant dans son chant autre chose qu’une simple technique. Car Marianne Faitfhfull sait nous bouleverser, nous émouvoir très sincèrement, à en pleurer parfois.

Cet album là est certes remarquablement produit, certaines mauvaises langues diront…. Trop produit. C’est ici Hal Willner, gourou du rock et amoureux de jazz (à qui l’on doit Lou Reed, Bill Frisell, William S. Burroughs, Laurie Anderson, Allen Ginsberg, Tim Buckley) qui prend en charge ce travail admirable. Alors, pour l’occasion il fait appel à quelques jazzmen que nous reconnaissons comme Marc Ribot, Steven Bernstein ou Greg Cohen par exemple. Mais il organise aussi de subtils duos comme ceux avec Nick Cave ou encore un superbe morceau avec Keith Richards. Alors entre chanteuse de jazz et chanteuse de pop, Marianne Faithfull n’hésite pas. She’s the voice. Allant des ballades qu’elle traîne avec langueur comme ce superbe Children of Stone, à la gouaille qu’elle balance, bastringue sur un Easy Come, easy Go, honky tonk décalé, ou encore ce In Germany before the war magnifiquement écrit par Randy Newman qu’elle interprète bien au delà du chant. Et puis il y a les paroles qui lui collent tant à la peau . Un thème sublimissime comme Ooh baby baby écrit par Smokey Robinson aux grandes heures de la soul est repris ici en duo par Marianne faithfull et le chanteur Antony, magnifique d’intention et d’inspiration.

L’année où l’on célèbre la disparition de Billie Holiday, Marianne Faithfull apparaît sur le cover, les bras grands ouverts seule devant son micro, seule dans un instant de grâce,  donne d’elle même une histoire lourde, belle et poignante.  Une merveille d’une force bouversante et terrifiante à la fois. Jean-marc Gelin

Candid 2008

Neil Cowley (p), Richard Sadler (cb), Evan Jenkins (dm)
 

 Avec un appétit d’ogre à vous dévorer tout cru un Steinway au petit déjeuner, voici Neil Cowley, jeune british farouche partisan de la maltraitance des gentil claviers innocents, lui qui pourtant à l’âge de 10 ans interprétait tout un concert de Chostakovitch au Queen Elizabeth Hall ! Ce qui, peut être explique. Depuis, le gamin a fait son chemin et certains s’en souviennent peut être comme l’un des piliers de l’excellent groupe pop, the Brand New Heavies. Le voilà aujourd’hui à la tête d’un trio qui navige entre jazz, rock et pop dans une sorte de synthèse entre les tourneries du regretté Svensson dont ils reprennent le flambeau haut la main, et les grosses frappes qui scandent le son des Bad Plus des bons jours. Syncrétisme décapant et plutôt salutaire pour tous ceux qui auraient tendance à s’endormir devant leur chaîne hi-fi en attendant la relève. Bousculé, voilà l’auditeur obligé de tendre l’oreille, ce qui au passage n’est pas très difficile vu la puissance des attaques que ce trio là délivre à l’auditeur dans une débauche d’énergie qu’il ne faudrait pourtant pas trop caricaturer ( même si l’on peut leur reprocher de forcer un tantinet le trait, dans le genre bon gros binaire qui tâche !). Car cette musique vit, vibre et exalte aussi les émotions dans une sorte de drame passionnel aussi puissant que fort dans ses intentions. «  Loud, louder , stop ! » est un peu le leitmotiv viril de la construction de ces 10 morceaux dans un format brut et volontairement dénué de toute nuance subtile pour tourner autour de crescendos, des forte et decrescendos qui portent une certaine forme d’émotion. Paroxysme et ambigüité de certains sentiments amoureux et brutaux. La musique s’apaise parfois comme ce Clumsy couple très intense ou sur Synaesthesia Traffic où l’empreinte EST est encore très prégnante. Mais très vite c’est le naturel « rentre dedans «  qui reprend le dessus porté par une rythmique qui peut parfois être un peu lourde à l’image de ce batteur clône de David King de Bad Plus, plus à l’aise dans le bûcheronnage que dans les ouvrages de fine dentelle. Tout le problème d’une rythmique certes intéressante mais qui est encore bien loin de la cohésion de Dan Berglund et Magnus Öström. Il fau dire que Neil Cowley prend une place telle qu’lle oblige un peu le batteur à jouer fort et relègue la contrebasse à un rôle un peu anecdotique. Il n’empêche ; nul doute que sur cette lancée ce groupe prometteur trouvera la bon tunning. Car ce dont il s’agit c’est avant tout d’un album bien salutaire et vivifiant qui nous oblige à remettre en question notre approche du piano. Ni vraiment rythmique, ni vraiment harmonique, ce piano là, éreintant et émouvant joue sur un autre registre. Nous surprend dans sa forme esthétique un peu nouvelle. Neil Cowley nous maintiens bien éveillés. Et vivants. Jean-Marc Gelin

JJJ Ada Rovatti : « Airbop »

Apria Records 2008

Ada Rovatti (as, ts), Dave kikoski (p), Ed Howard (b), Ben Perowski (dr) - Guests: Randy Brecker (Tp, Flg), Bob Mintzer (bcl), Don Alias (perc), Jill McCarron (p), Adam Rogers (elg)

Ada Rovatti en est à son troisième cd avec Airbop paru en 2006 et enregistré en 2004. Partagée entre l'Italie et Boston, lors de ses études à la Berklee’s School, et maintenant New York, cette jeune et belle saxophoniste italienne tourne aussi bien en Europe qu'aux Etats-Unis – en clubs et festivals –  alors qu'elle est plutôt inconnue dans l'hexagone. Visiblement appréciée par ses pairs, elle a été l'élève de Bob Mintzer (ici présent à la clarinette basse) et Phil Woods. Elle a aussi enregistré avec Randy Brecker, Mike Stern et John Mc Laughlin (sur « Industrial Zen ») entre autres. Plutôt bien entourée donc. Sur ce nouvel opus, Randy Brecker lui rend chaleureusement la pareille. En fait, il a participé à tous ses cds. Mais il ne s'agit pas d'une simple politesse, Ada est Madame Brecker dans le civil!
On retrouve aussi quelques grandes autres figures du jazz américain comme Dave Kikoski et Ben Perowski. Autant dire que le groupe est solide et que la jouerie est très bonne. Très à l'aise sur son ténor, vive avec une attaque franche, elle tient la dragée haute à Randy Brecker dans des chorus-duo complices - on s'en serait douté - et sympathiques ("What we miss"). Au soprano, elle a un jeu fluide, classique et tout à fait prévisible ("My Shining Hour"). Entre chansons binaires et pièces be-bop, ce cd est plaisant aux vues de l'actualité jazz. En revanche, le côté franchement sympathique de la saxophoniste (allez jeter un oeil sur son site décontracté et très agréable) et le plaisir évident des musiciens à jouer ensemble, un peu comme un all-stars-bœuf,   ("2-Bros" avec Mintzer et Brecker) apportent le réconfort nécessaire pour les lourdes tensions du monde actuel.

Jérôme Gransac

www.lowerb.com – 2008

Bertrand Lauer (ss), Mauro Gargano (cb), Luc Isenmann (dm), Manu Codjia (g)

Bertrand Lower fait partie de cette génération des joueurs de sopranos entièrement dévoués à leur instrument. Des sopranistes qui, dans la foulée des maîtres du genre (Lacy bien sûr mais aussi Liebmann ou François Jeanneau dont il fût l’élève accompli) possèdent une technique exemplaire qui leur permet de jouer bien mieux que de simplement jouer beau. De ceux qui maîtrisent une technique exceptionnelle mais ont su la dépasser. Une technique toute entière au service de jazz où le sens de la mélodie et du swing (on dit aujourd’hui « groove » mais l’on préfère ici swing dans son acception modernisée) s’allie à celui de l’improvisation. Netteté de la phrase, puissance et pureté du son dénué de vibrato, notes tenues et entrelacées sont des traits que l’on trouve autant chez Bertrand Lauer que chez quelques uns de ses brillants camarades, dont Jean-Charles Richard (lui aussi élève de Jeanneau) et Émile Parisien en sont les illustres et jeunes symboles.

Dès l’ouverture de l’album, Bertrand Lauer met la barre très haut, faisant souffler sur ce premier titre, ce qui fait la marque des plus grands, à savoir l’énergie dans le discours. Ne vous y trompez pas, tous les professeurs de musique vous le dirons, mettre de l’énergie n’est pas jouer fort. C’est tout autre chose. On craint pourtant d’avoir à faire à une sorte de premier album ultra démonstratif.  Il est rare en effet d’entendre d’emblée un joueur de soprano jouer aussi vite, si puissamment avec autant de virtuosité. Il n’en est pourtant rien car il y a dans les plages qui suivent quelque chose de plus subtil. Dans le discours de Bertrand Lauer, quelque chose qui relève de la maîtrise des idiomes du jazz, ce sens impressionnant du placement. Il est vrai qu’il est aidé en cela par une rythmique qui sonne « jazz ». Et dans cette rythmique, celui que notre confrère Lionel Eskenazi ne manquait pas d’encenser récemment, Mauro Gargano que l’on commence à désormais entendre un peu partout tant son assurance et sa solidité en font un  partenaire recherché. Ceux qui avaient tendu l’oreille à ses prestations dans le dernier album de Christophe Marguet (j’avais alors fait écho de ses talents dans les DNJ) ne manqueront pas d’être séduits par le son de ce merveilleux contrebassiste qui n’est pas sans évoquer quelques félines rondeurs à la Charlie Haden (Part III). 

Tout au long de l’album, avec un sens de l’esbroufe réel qu’il semble totalement assumer mais jamais ostentatoire, Bertrand Lauer montre l’étendue de son art et de son inspiration. Écoutez l’intensité de son phrasé dans un thème comme Time is on my life où l’inspiration coltranienne se mêle de quelques discrètes sonorité indiennes. Mais c’est à Liebman et Jeanneau qu’il nous renvoie le plus dans cette maîtrise des lignes mélodiques absolument transcendées et de l’incandescence rythmique totalement dominée. Lorsque le jeu semble dompter la technique pour porter la musique plus haut.

Dans un morceau plus calme et plus apaisé comme First Step, cet élève de la Berkelee school donne aussi un autre visage de son art : Avec un son d’une pureté cristalline, aux atours sensuels, la lame fine et ciselée de ce « regard » transperce les âmes en douceur. Jean-Marc Gelin