Olivier Robin / Sébastien Jarrousse Quintet : « Dream time »

Aphrodite Record 2008.

Globalement on prend les mêmes et on refait (presque) la même chose avec (presque) le même bonheur. Alors que « Tribulation », le précédent album de ce formidable quintet est encore tout chaud sur nos platines, Aphrodite Record nous propose une suite heureuse avec ce « Dream time » qui sort aujourd’hui.  A l’entame de l’album on est immédiatement séduit par la cohérence et l’énergie de ce groupe qui porte la marque des grandes formations. Celles dans laquelle chacun trouve sa place en fusion avec tous les autres. Pourtant, dès le premier morceau installé, la séduction de ce quintet opère moins. On attend des compositions qu’elles nous embarquent, qu’elles sortent du format, on attend le jaillissement pas sage, le grain de folie, l’audace qui n’arrive pas. Ce que nous ne remarquions pas dans le premier album se révèle plus ici et l’on croit avoir affaire à ces grosses écuries américaines qui alignent les pointures aux thèmes post coltraniens et aux compositions riches mais dans lesquelles le plaisir de jouer semble se perdre un peu.

Et pourtant cela vient ! Car dès le 4éme morceau (Le Pèlerin de Cadaquès), il se passe quelque chose. Les interventions de Olivier Bogé se font lumineuses. Le garçon réédite d’ailleurs sur Dream Time. Emil Spanyi, le véritable ressors de cet album prend sa part sur Calame. Emil Spanyi, ce véritable prodige du piano jazz qui semble toujours s’amuser avec son clavier, ne pas prendre les choses trop gravement et qui vous balance un swing terrible avec un sens inné du blues, une sorte de Mc Coy Tyner absolument irrésistible. Puis la rythmique sous ses appels se met en branle et Jarrousse hisse son jeu au plus haut dans la mouvance des plus grands. Lorsque l’on entend Jarrousse sur Widow’s bar on sait qu’il a beaucoup écouté Coltrane, Michael Brecker ou Lovano. Dans cette mouvance exactement. On sait aussi combien Robin et Botta maîtrisent aussi leurs classiques. En fin d’album quelques thèmes plus hard bop comme Duel (on croit entendre un public applaudir ?) donne à cette belle formation le moyen de sortir de ses gonds et de se dépenailler un peu, de sortir la chemise du pantalon, de se mettre en peu en vrac histoire de remettre les choses à leur place. Puis tout se termine avec des volutes plus shorteriennes, ultime apaisement comme un murmure, histoire de finir le coup en douceur.

Jean-Jacques Grabowski, le patron du label a bien raison de nous alerter sur son groupe fétiche : d’album en album le quintet Jarrousse-Bogé-Spanyi-Robin-Botta s’impose sur la scène du jazz comme une référence, comme une valeur sûre. Une sorte de Dream team !  De la trempe de ces groupes rares qui existent collectivement et font vivre au jazz français de bien belles heures. Il serait bon que les oreilles de nos académiciens se penchent un peu sur leur berceau. Car ces garçons là sont porteurs d’une très bonne nouvelle : qu’on se le dise le jazz vit encore !  Jean-marc Gelin

Mosaic 2008

Assurément, Quincy Jones, qui vient de fêter ses 75 ans est l’incarnation même d’une certaine esthétique du jazz de la fin des années 50 et 60. Musicien à la base (trompettiste), Quincy Jones s’est surtout illustré comme l’un des grands chefs d’orchestre de cette période. Il est vrai qu’à l’instar de Basie, pour qui Jones a d’ailleurs écrit, notre homme a su regrouper autour de lui, la fine fleur du jazz américain et citer tous ceux, immenses, qui se sont croisés dans ses formations relèverait du « name dropping » : Phil Woods bien sûr, Art Farmer, Zoots Sims, Curtis Fuller, Benny Golson, Freddie Hubbard, Art Blakey et j’en passe et des tout aussi bons. Tous sont passés à un moment ou un autre dans l’orchestre de Quincy avec le même état d’esprit : même pêche des sections de cuivres, mêmes solistes furieux, même sens du swing et du bon vieux blues. Les enregistrements proposés ici partent des premiers passages en studio (si l’on omet quelques autres enregistrements mineurs en 1953 et 55) réalisés en 1956 et publiés sous le titre « How I feel Jazz ». Suivent ensuite les sessions Mercury enregistrées dans les années 59/61 (« The birth of a band », « the great wide of Quincy Jones » ) avant que Quincy ne passe un court instant chez Impulse, pour y graver le mythique «  The Quintessence ». Enfin cet ensemble de 7 CD se termine par deux enregistrements en « live » pris à Zurich en mars 61 et Newport en novembre de la même année. Au total près de 6 heures de jazz en grand orchestre dans la pure tradition du swing … un petit joyau de sensualité dans un écrin de velours. Perso’ j’ai une affection toute particulière pour tous les trompettistes qui se sont succédés et plus particulièrement pour le grain de folie de Joe Newman, l’homme de Basie mais surtout ici l’homme du jaillissement impossible. Mais à quoi bon vous parler d’un soliste lorsque tous se hissent à un tel niveau d’excellence ! Car on ne boude jamais notre plaisir à l’écoute de cette mécanique si bien huilée qui trace tout au long de ces standards du jazz de ces années là une route impeccable et toujours superbe. La quintessence du jazz en quelque sorte !                  Jean-Marc Gelin

Vents d’est 2008

Les duos de saxophone et de Piano sont toujours des moments exquis pour peu qu’il y ait une réelle entente entre les deux protagonistes. Condition sine qua non sinon fiasco assuré. On se souvient de quelques grands moments comme le duo de Stan Getz et Kenny Barron (pour moi un des sommets du genre) ou plus récemment celui de Joe Lovano et de Hank Jones et tant d’autres. Pas plus tard que l’autre jour nous entendions Jean-Marie Machado faire de la dentelle avec Dave Liebmann. Et il est vrai que ce genre de rencontre se situe toujours sur le terrain de l’exigence tant l’exercice est difficile. Exigence d’écoute, exigence d’inspiration et maîtrise de l’improvisation. Surtout numéro d’équilibriste. Prendre sa place et laisser la sienne à son partenaire. Il faut être un grand musicien pour parvenir à un tel subtil dosage. La rencontre entre le saxophoniste Daniel Erdmann et le pianiste Francis le Bras ne déroge pas à la règle. Comme toujours dans ce genre d’exercice c’est un jeu de chat et de souris dont il est question avec ses moments de rencontre, ses moments de fusion, ses chassés croisés et ses distanciations. Daniell Erdmann s’y révèle comme un véritable conteur. Sans monotonie du geste. Réelle force narrative. Francis Le Bras soit au piano acoustique soit au fender, s’inscrit toujours dans la ligne de l’histoire racontée, soutient le propos, souligne discrètement le trait, en adoucit les angles. Un modérateur en quelque sorte. Les deux donnent ainsi du relief à leur discours par la juxtaposition de la raucité du saxophone et du moelleux du fender ici judicieusement associés. Créée lors d’une rencontre à Reims, cette formule séduit par sa richesse et par l’intensité d’une histoire souvent vibrante qu’ils se plaisent à nous raconter. Pas d’effets de styles ou d’atmosphères sophistiquées mais juste un moment brut de musique échangée.                   Jean-Marc Gelin

Effendi 2008

Saxophoniste français basé à Montréal, Jean-Christophe Béney sort un quatrième album avec une formation en quartet semi-acoustique (fender rhodes et piano/sax/basse/batterie) constitué de musiciens canadiens. L'album s'appelle « Pop Up » et annonce clairement l'utilisation de structures de musiques pop dans le jazz. Dès les premières secondes du CD, Béney attaque avec un morceau-chorus très coltranien que – heureusement- le groupe finit par étouffer dans une mélodie pop très bien amenée et rondement menée. Cela semble être symbolique: un signal de la part du saxophoniste? Comme pour nous signifier que cet album est orienté pop et qu'il s'écarterait des structures jazz, comme celles de Coltrane justement? Il faut dire que les compositions de Béney sont concises et facilement transposables en chansons (Béney ne fait pas de reprises). Elles empruntent à la musique pop en général tant dans l'écriture de la mélodie que dans la structure binaire/ternaire des pièces. De manière générale, les mélodies sont gracieuses, tapent à l'oreille immédiatement (« Chinese Checkers », « Pop Up ») et ont toutes leur évidence. Enfin, les chorus sont épurés et efficaces, sans verbiage « saxophonistique ». Au ténor ou au soprano, Béney ne fait pas dans la démonstration. Son jeu est posé et lyrique et marque volontairement la mélodie. Le leader adopte ainsi un style distingué qui n'écrase pas l'harmonie et la motricité du groupe. Le quartet de Béney fait penser par certains côtés à celui de Jérôme Sabbagh (avec le guitariste Ben Monder) mis à part que Béney utilise des rythmiques plus variées mais originales, comme « Chinese Cheekers » avec sa rythmique afro-cubaine sur le refrain, ou empruntées à des styles de musiques modernes et utilisés de manière diluée. La musique de Béney est moins spacieuse dans les atmosphères et plus dense dans la jouerie. Pour terminer, le quartet de Béney est soudé et présente par son jeu une version intelligente des « power quartet » actuels. Jérôme Gransac

Act – 2008

Pour son quatrième enregistrement, la chanteuse norvégienne Solveig Slettahjell signe cet album entièrement sous son nom. Les membres de son Slow Motion Quintet ne sont présents qu’en tant que musiciens invités. Ce premier disque « solo » enregistré dans son living room, est avant tout un voyage introspectif où Solveig, enceinte de plusieurs mois, nous livre des chansons douces et sensibles, s’accompagnant elle-même sur son propre piano. Des chansons d’amour, belles et dépouillées, qui au fil des écoutes deviennent des petits bijoux de pop songs délicates et justes. Dès le début de l’album, nous plongeons avec ravissement dans le doux cocon feutré que nous suggère 4.30 A.M, I Do ou This Is My People. Dans le même registre, Solveig nous livre une bien belle relecture du Time de Tom Waits, qui est un de ses chanteurs-auteurs–compositeurs préférés (elle avait d’ailleurs repris Take It With Me en ouverture de son premier album Silver). Quelques fois les arrangements deviennent plus fouillés, comme sur les émouvants One of These Days, Snowfall et la superbe version du Because des Beatles. Cette surprenante reprise, avec son étirement de tempo et son ambiance de fanfare de cirque, s’avère être le sommet onirique du disque. Ces subtils et talentueux arrangements sont signés par le co-producteur et multi-instrumentiste Peter Kjellsby avec l’aide du trompettiste Sjur Mijleteig (au jeu influencé par Chet Baker). L’album se termine par Birds and Hopes, chanson pudiquement créditée en bonus track, qui envoie un message d’amour attendrissant destiné à son futur enfant. Lionel Eskenazi

P.S : Solveig Stellahjell sera pour la première fois en concert à Paris, le 23 juin au Sunside.