Cristal 2007

Eric Plandé (ts), Joachim Kühn (p, as), Jacques Mahieux (dm), François Verly (perc)

  De ses deux derniers opus « Abyss »  et « Jails of Innocence »,  nous avions retenu le son et l’énergie passionnée d’un artiste étonnant et engagé, dont on ne parle guère, même dans les « chapelles » les plus extrémistes. Et pourtant voilà un musicien qui a  traversé de façon exemplaire toutes les modalités du jazz, du début des années quatre vingt  à nos jours, sans exclusive aucune, et sans jamais d'autre recherche que celle exigeante qui découle du désir de musique. On en revient toujours là.  Eric Plandé  impose sa vision grave et épurée d’une musique à vif. Il continue visiblement à réaliser avec rigueur et précision, des albums aussi tranchants qu’euphorisants. A peine plus apaisé mais toujours très déterminé, ce nouvel album  indique une direction potentielle plus  « écrite », littérale, qui puise sa source dans les pages âpres et efficaces d’écrivains comme Eric-Maria Remark, Guy de Maupassant (le Horla) ou de Stephan Zweig (Amok).

Between the lines est le titre bien choisi de ce cri d’amour d’Eric Plandé pour ces mots brûlants d’auteurs qui ont souvent payé de leur personne leur engagement dans l’écriture. Des mélodies fortes, sensibles, et terriblement prenantes, intemporelles comme la souffrance dont elles témoignent, puisque ce sont les textes de ces écrivains « maudits » qui sont le conducteur de cet album étrange que l’on écoute recueilli, en songeant à la lecture. On retrouve la même intransigeance pour faire entendre un jazz vif sans frontières et repères, libre en un mot, avec des musiciens dans le feu de l’improvisation, toujours  au rendez vous quand il s’agit de jouer  avec lyrisme, tout en assurant la rigueur de l'échange.  Le saxophoniste au seul ténor est entouré d’une  rythmique efficace, d’autant plus complice qu’il retrouve le frémissant Jacques Mahieux à la batterie, que rejoint le brillant François Verly aux percussions. Une rythmique splendide donc, qui se moque des genres et des contraintes de style et laisse chanter la pulsation, ternaire ou binaire dans les compositions personnelles du saxophoniste. Pas de contrebasse mais  le formidable Joachim Kühn qui, au piano et sur deux plages à l’alto, donne la mesure une fois encore de tout son talent. La sonorité toujours aventureuse du saxophoniste  ténor est rejointe par le piano tourmenté et rebelle de Kuhn. C’est en effet le partenaire rêvé pour une entreprise de ce type, une aventure du corps et de l’âme.  Il se laisse traverser par la musique violemment et ardemment aussi, son phrasé plus harmonique que mélodique, se combine aux  emportements  tout de même très mélodiques du saxophoniste

Cette musique encore austère résonnera immédiatement aux oreilles de ceux qui partagent le même territoire  dans lequel on peut s’immerger, en confiance si ce n’est en toute sérénité.

Une musique vivante qui s’écoute de l’intérieur, sans concession aucune à la mode, exprime une colère non rentrée, l’audace étant une constante, comme  cette exacerbation lyrique, très coltranienne. Sophie Chambon

Black and Blue  2007

 Cela faisait près de 10 ans que l’on attendait un nouvel album du groupe de jazz vocal animé et conduit par Thierry Lalo. Plusieurs années durant lesquelles la formation s’est largement renouvelée avec l’arrivée de nouveaux talents comme Vincent Puech ( un ex de Octovoice) ou le chanteur canadien Sylvain Bellegarde ou encore le trompettiste américain Larry Browne, bien connu des aficionados du feu Studio des Islettes. Le premier disque datait en effet de 1998 et l’on se souvient encore d’une tournée mémorable où le groupe avait tenu l’affiche plusieurs soirs de suite à l’auditorium Saint Germain, se permettant même le luxe d’inviter Steve Lacy a leur donner la réplique. Rien que ça. Souvenirs…..
Presque 10 ans donc d’attente pour arriver en à cet album dont on aura bien du  mal à  faire la chronique tant le moins que l’on puisse dire est que le bon (mais alors là le très très bon) côtoie parfois le plus incertain.

C’est avec pas mal de malice que Thierry Lalo, le grand manitou et pianiste de ce groupe a choisit de ne pas choisir et alterne comme i l’avait déjà fait les parties a capella avec les parties accompagnées d’une bien belle rythmique  ( Gilles Naturel, François Laizeau ou Philipe Soirat), invite des guests stars aussi exceptionnelles que David Neerman (le merveilleux vibraphoniste de Youn Sun Nah), Jérôme Barde (et son bardophone), Papa Dieye (perc), Jean Lou Longnon ( le trompettiste que l’on ne présente plus, était déjà là il y a 10 ans et l’on a plaisir à l’entendre autour notamment d’une sympathique Danielhuckerie sur Mademoiselle) et last but not least un Glenn Ferris dont le chorus au trombone, mama mia, nous laisse encore la chair de poule rien que d’y penser je meurs sur la carpette du salon et je sais pas si je vais me relever tellement que c’est bon  (When the night turns into day)

Du côté des réussites de cet album, il est bon d’entendre combien le groupe a gagné en énergie, capable avec un sacré sens du swing de réellement intéresser l’auditeur du tout début jusqu’à l’extrême fin. Tout cela avec une belle homogénéité des voix. Les arrangements qui (et c’est la grande différence par rapport à l’ancienne version des Voice) gagnent en simplicité tout en restant efficaces en diable, en misant presque toujours sur la percussivité du propos. L’album commence magistralement avec un superbe Stolen Moment qui débute l’album et vous laisse sur un solo de Amélie Payen, véritable tuerie genre réincarnation de M’dame Mimi. Je meurs une première fois ! Mais si on fait pas gaffe, on pourrait bien mourir aussi sur les deux versions (a capella ou non) de Chanson d’Automne écrite par Lalo et qui pourrait bien devenir comme une sorte de tube pour un grand nombre de groupe de jazz vocal. Superbe arrangement sur un beau texte Vladislas Milosz. Tout le chant a capella dans ce morceau : homogénéité, pulse, unissons, intentions, crescendo. Admirable ! On retiendra aussi un Have you meet miss Jones ou un It’s Only a Paper moon bouillonnants d’énergie. On aime la belle voix de Vincent Puech dépouillée de tout le superflus sur Que reste t-il alors que les autres garçons du groupe qui ont tous un fort bel organe ont une tendance excessivement virile à en rajouter 10.000 tonnes dans le genre crooner. Bien sûr on aime la venue de Patricia Ouvrard, la chanteuse des 6 ½ (mais diantre pourquoi faire venir de l’extérieur une chanteuse à scatter…). On est moins séduits en revanche par quelques versions un peu datées comme That’s the way  ou comme cette fâcheuse tendance dans les groupes de jazz vocal à rajouter des Doo Wha, Da et Whee en voicing univoques comme dans In a sentimental mood dont le thème est déjà assez beau en rajouter. On regrettera aussi cet arrangement pas très heureux des Cloches dont le texte de Apollinaire passe ici difficilement l’épreuve du chant. 

Mais attention, les Voice Messengers sont de retour ! Enfin ! Après 10 ans d’absence. Les Voice reviennent gorgés d’énergie et de swing. Courrez les voir en concert car il y a peu de chances que cette nouvelle formule vous laisse indifférente. La précédente version vous faisait mourir d’ennui. Avec celle-ci nul doute que votre dernier soupir sera un soupir de plaisir.

Jean-Marc Gelin

Kind of blue 2007

 Pour beaucoup ici le pianiste Marc Soskin est un inconnu. Malgré ses 54 ans peu en effet le connaissent de ce côté ci de l’Atlantique. Il faut dire que Marc Soskin ne compte pas parmi les supers stars américaines. A la limite quelques aficionados de la série TV « Sex and the City » savent qu’il en a signé la BO. Mais pour le reste bien peu savent que Marc Soskin fut un compagnon de route de Sheila Jordan et surtout qu’il a accompagné près de 14 années durant, Sonny Rollins dans pas mal d’aventures (écoutez l’album «  falling in Love with Love » ou «  Don’t stop the Carnival » par exemple). Rien d’étonnant alors à ce que ce pianiste New Yorkais s’adjoigne ici les services d’un saxophoniste ténor comme Chris Potter, le ténor le plus Rollinsien de la scène actuelle après Rollins lui-même. S’appuyant au passage sur une rythmique de très haut vol où Pattituci (b) donne la réplique à Bill Stewart (au drumming d’ailleurs toujours incroyable de luminosité), Marc Soskin propose un album composé de reprises de standards, dans la droite ligne de ce que propose ce nouveau label qui creuse une fois encore le vieux sillon post-revival ici modernisé à fines touches (nous avions d’ailleurs chroniqué  le mois dernier un album très classique et assez moyen du Los Angeles Jazz Ensemble). Ici le résultat est tout autant convaincant qu’il est énergique. Tout repose en grande partie sur Chris Potter, dans le feu d’un son en fusion (sauf malheureusement quand il s’exprime au soprano), toujours imaginatif dans le flot lyrique d’un discours parfaitement maîtrisé. Avec Chris Potter on a toujours le sentiment que rien ne peut être tout à fait conventionnel et lorsqu’il s’empare d’un standard c’est toujours une redécouverte du thème alors débarrassé de tous ses oripeaux et auquel il donne un nouvel éclairage, un peu comme si ces thèmes avaient été écrit pour lui. On l’entend avec bonheur dans Bemsha swing (de Monk) ou dans un magistral Inner space (de Corea). Et du coup Marc Soskin n’est pas en reste, se plongeant là dedans comme dans un bain de jouvence, prenant un plaisir suprême à se jeter avec l’eau du bain et tout le saint Frusquin dans le plaisir de jouer. Mais porté par cette énergie il tend parfois à s’emballer et se retrouve quelques fois à la limite d’un dérapage toujours hyper bien contrôlé. Sur deux titres John Abercrombie tient sa guitare en embuscade pour une brève mais remarquable apparition (notamment sur Strive, une des compositions de Soskin). L’album se conclut finalement sur un très beau solo de Marc Soskin donnant à cet album un couleur un peu détonante où l’on entend alors combien Soskin est aussi à l’aise dans le latin jazz que l’on sait, il affectionne particulièrement. Dans cet exercice remarquablement bien exécuté on n’a toutefois pas le sentiment d’assister à la naissance d’un groupe mais à l’heureuse association d’immenses talents de la scène américaine. Marc Soskin avec un jeu très directif parvient à insuffler à cet ensemble, un surcroît d’énergie.

Jean-Marc Gelin

STEPHANE OLIVA: « Ghosts of Bernard Hermann »

2007

JJJJ Certains jugent très durement la musique de films, par trop illustrative, véritable aubaine commerciale auprès du public ado, cœur de cible des « blockbusters ». Mais certaines musiques deviennent partie intégrante du film au même titre que le cadrage, la lumière, le découpage.  Ce serait oublier que « Faire du cinéma, c’est faire de la musique. » Alain Corneau    Jazzman spécial jazz et cinéma  mai 1998 p.10

Si Miles a improvisé avec son quintet français la musique d’ «Ascenseur pour l’échafaud » en regardant les images de Louis Malle, que serait le cinéma de Fellini sans Nino Rota, les westerns spaghettis de Sergio Leone sans Ennio Morricone? Bernard Herrmann est célèbre pour avoir «accompagné», doublé, la plupart des films d’Hitchcock. On songe au thème simple et fort de‘Psychose’ qui place instantanément dans la juste perception du film ou à l’envoûtant Vertigo qui, dès le générique nous embarque, par la répétition de formules rythmiques, dans la spirale colorée de la névrose du personnage principal (James Stewart), fasciné par la double Kim (Novak) blonde et châtain. Mais beaucoup d’autres talentueux metteurs en scène comme Orson Welles («Citizen Kane», François Truffaut «Fahrenheit 451», De Palma «Sisters» et «Obsession» ont fait appel au compositeur, dont la musique participait activement au processus créatif soulignant les tensions de l’intrigue, les ressorts de l’action, identifiant au besoin les personnages à un thème comme dans l’opéra wagnérien.

Depuis très longtemps sa musique inspire Stephan Oliva, qui avait déjà abordé Vertigo dans «Jazz n’emotion», il y a une dizaine d’années. Avec l’aide des producteurs Philippe Ghielmetti (Illusions), graphiste de formation et dingue de cinéma, de Stephane Oskeritzian ( Bleu sur Seine) et de Gérard de Haro (studio La Buissonne), le pianiste a choisi douze films dont ils aimaient particulièrement la musique d’Herrmann ( avec quelques surprises comme les thèmes des films de SF « Journey to the center of the earth» et «The day the earth stood still»).  Lors d’un concert privé à la Buissonne (où nous étions) le disque fut enregistré, le 2 décembre 2006. Le travail que réalisa ensuite au montage et à la masterisation, Nicolas Baillard, est une véritable réussite : précision, cohérence, justesse du son sur un piano arrangé et préparé par Alain Massonneau (autre habitué de la Buissonne).

Le travail de Stephan Oliva a commencé par une analyse soignée de cette écriture musicale cinématographique si originale*. Mais, où il se révèle magistral, c’est dans le processus d’arrangement: laissant agir émotions,  mémoire des images, il réussit à faire remonter, à travers ses improvisations, ce qui subsistait en lui des mélodies.  Comme dans le délicieux « The Ghost and Mrs Muir de Joseph Mankiewicz », dont l’arrangement débute le CD,   où l’héroïne se crée un rêve de vie, inventant son capitaine Cregg, personnage fictif et pourtant réel,  Stephan Oliva parvient à faire revivre le complexe Bernard Herrmann, à travers son imaginaire et sa sensibilité. Les divers motifs de films s’enchaînent à leur tour, écrivant la B.O d’un autre film-miroir, synthèse du pianiste qui a désormais intégré l’univers de B. Herrmann à ses propres fantasmes et à sa «manière» propre. Le disque s’achève sur la dernière BO de Bernard Herrmann, mort la veille de Noel 75 après l’ultime séance d’enregistrement de la musique de Taxi Driver de Martin Scorcese **.

Ultime pirouette : c’est le seul  exemple d’introduction du jazz dans l‘univers très «classique» du compositeur, véritable mélodie, où s’illustrait, dans un style de jazz plutôt symphonique le solo du saxophoniste alto Ronnie Lang.

Sophie Chambon

*Lire à ce sujet le très intéressant travail d’analyse du pianiste dans l’article «Taxi Driver» : anatomie d’une mélodie  dans le numéro de Jazzman de juin 2007

**It doesn’t matter what language you speak, it affects you emotionnaly and psychologically,

because the music is universal.” Martin Scorcese about B.Herrmann’s music.

L Dieu sait que nous sommes les premiers à nous être enthousiasmé pour ce magnifique « Itinéraire Imaginaire » qu’il signa chez Sketch. Emballés par cette nouvelle esthétique à laquelle contribuait avec talent Philippe Ghielmetti, nous avons applaudi des deux mains à toutes ces belles œuvres que ce dernier poursuivait avec le label Minium qui n’était autre que la continuation de Sketch par d’autres moyens. Donc le projet  Lonely Woman nous avait transporté aussi. Mais l’on se demandait déjà si Stéphane Oliva pourrait un jour sortir de ce parti pris et de cette linéarité dont le relief ferait un peu penser à la vue d’un champ de patates sur une plaine briarde par un soir d’hiver. Aujourd’hui Stéphane Oliva part d’un nouveau concept, celui des musiques de film de Bernard Hermann qui compte à son palmarès des œuvres aussi marquantes dans l’histoire du 7^ème art que Citizen Kane, Vertigo, Taxi Driver etc…  Mais dans sa dramaturgie Stéphane Oliva est bien trop univoque pour véhiculer la même inspiration. Chez Stéphane Oliva, toujours les mêmes clichés pianistiques : Comme si pour donner une couleur sombre il fallait obligatoirement jouer dans l’ultra grave du piano (écoutons donc plutôt Ibrahim Abdullah !). Comme si pour créer le suspens il fallait jouer avec les silences ici toujours stéréotypés (N’est pas Ahmad Jamal qui veut). Du coup tout est prétexte à l’exposé de la neurasthénie Olivienne qui met un art certain à s’écouter jouer beaucoup. Stéphane Oliva tourne en rond, se répète inlassablement d’album en album, de thème en thème. Le fantastique voyage en technicolor de Voyage au Centre de la terre est devenu gris foncé, la folie errante de Robert de Niro dans Taxi Driver se perd dans quelques méandres d’un ennui mortel, et Citizen Kane se transforme en loque traîne savate.

Prions pour que Ghielmetti ne confie pas à Stéphane Oliva un projet sur les musiques festives ! Parce que la Cucarracha pourrait bien alors nous tirer des larmes.

Jean-Marc Gelin

JJJJJ ABBEY LINCOLN  « Abbey sings Abbey »

Universal 2007

 Ne boudons pas notre plaisir. Les occasions étant désormais rares de la voir sur scène, profitons de ce dernier opus pour prendre le temps d’écouter Abbey Lincoln. Ce disque regroupe l’essentiel : onze titres composés et écrits par Madame Lincoln - nom de scène qu’on lui a choisi en 1955 en l’honneur d’Abraham Lincoln, vain libérateur des esclaves dit-on – et un titre composé par Thelonious Monk sur lequel elle a écrit des paroles. Comme une tragédienne, elle proclame et transmet la mémoire de ses ancêtres plus qu’elle ne chante. Des ballades et des folks songs qui sont des histoires fortes, sur sa vie, sur l’amour perdu, sur la solitude, sur le chant d’un oiseau, qu’elle chante avec classe et dignité, sans doute transcendée par la foi. On entend une immense lassitude dans sa voix, ou plutôt un total abandon : aucune affèterie ou minauderie, aucun ornement pour ne conserver que l’essentiel, le sens profond des mots. Elle met d’elle-même dans chaque mot qu’elle prononce, à la manière d’un prêcheur ou d’un griot. Et c’est poignant ! Dans son chant, on entend Billie Holliday, dont elle se sent si proche, mais aussi toutes les grandes chanteuses de blues, au premier rang desquelles, Dinah Washington. Elle nous transmet ce précieux héritage de la culture noire avec une immense générosité et un engagement radical. Et bien sûr, elle nous tend le miroir. Cette femme fut une des icônes de la révolte noire, son portrait peut encore se reconnaître sur certains murs de Harlem. « En 1960, lors d'un concert, j'ai présenté, avec Max [Roach], un manifeste musical intitulé Freedom Now Suite. Sur un des morceaux - voix, batterie - je hurlais, pleurais, chantais, gémissais... J'exprimais émotionnellement tous les sentiments d'une population meurtrie. Une heure après le concert, Max se fit tabasser dans un commissariat de police. Aucune chanteuse n'avait crié jusqu'à ce moment! Elles miaulaient, faisaient dans l'ironie, mais de cris, jamais! », rappelle Abbey Lincoln à Paola Genone dans une interview parue dans l’Express en juin 2007. Aujourd’hui le cri a disparu, restent l’émotion et l’âme meurtrie. L’âge n’a pas apaisé sa quête personnelle et identitaire. Being me (Être moi) conclut cet album splendide avec ses mots, « Being me, I laugh seeing now and then, So many things have changed and yet somehow, There will always be a stage, a song for me, Hold the curtain open, it's time to take a bow ». (Être moi, je ris de voir çà et là, que tant de choses ont changé mais d’une manière ou d’une autre il y aura toujours une scène ou une chanson pour moi, tenez le rideau ouvert, il est temps pour moi de tirer ma révérence).

Régine Coqueran