JJJ Stefano BOLLANI:” Piano Solo” ECM 2007  

Et si la liberté naissait de la contrainte ? C’est ce que l’on est en droit de se demander à l’écoute de cet album réalisé, non pas sur son label habituel (Label Bleu) mais sur ECM. Dans un paysage submergé par l’exercice du piano solo, Stefano Bollani cède à l’envie bien légitime de ce coup de projecteur proposé par le label de Keith Jarrett. Alors le pianiste italien nous livre un magnifique album témoignage autant de son art que de sa grande sensibilité. Mais aussi de son profond respect pour le pianiste « maison ». Entre improvisations jaretttiennes (la série des Impro I à IV), le retour à l’école du piano classique (Antonia) et l’exploration de quelques standards (For all we know, On the street where you live ou encore un ragtime comme Maple leaf rag), Stefano Bollani montre qu’il est un grand pianiste. Néanmoins un peu tétanisé par l’enjeu nous semble t-il. Tout se passe comme si, ce pianiste si volubile et si imaginatif perdait là, seul face au piano dans cet exercice incroyablement impudique,  toute la spontanéité habituelle de son jeu au profit d’une approche bien plus académique à laquelle il ne nous avait guère habitué. Parfois on perçoit quelques discrets balancements qui le ramènent à la danse (A media Luz) où l’on sent poindre une touche d’italianité resurgir. Mais, sous le contrôle de Manfred Eicher, Bollani n’extériose pas l’essence même de son jeu. Un peu comme si l’exercice d’un piano solo chez ECM était une sorte d’accession à la respectabilité éternelle. Bollani a donc livré un très bel album dont l’académisme lui ressemble peu. Il nous tarde de retrouver Stefano.

Jean-Marc Gelin

JJJ David Patrois Trio plus 2 : «  Il Sogno di Diego »

 Abeille 2007

 On  reconnaît tout de suite la manière virtuose, sensible, énergique et rebondissante de cet ensemble où chaque instrumentiste possède un son superbe et unique et l'on se laisse embarquer dès la première mesure, dans un tableau sonore des plus plaisants. Ils ne sont pas trois mais «  trois plus deux », c’est d‘ailleurs le sous-titre de l’album -  du moins sur neuf des treize compositions.

 Reposant sur des contrastes de volumes et de lignes, de textures et de timbres, l’alchimie de cette musique tient au  subtil dosage des interventions de solistes généreux  qui savent aussi se fondre à merveille dans le collectif.

 Le leader David Patrois  a un incontestable talent de compositeur  et s’il ne joue pas seulement  des  vibraphone et marimba (dont on se réjouit qu’ils reviennent à la mode), sa musique a une qualité délibérément chantante, avec des crescendos nombreux qui entraînent dans un vertige enivrant. Une grande partie du  plaisir vient de ce son d’ensemble qui donne toute sa cohérence à l’album ainsi que de la nervosité frémissante qui le parcourt depuis l’inaugural «Au quatrième top» jusqu’au final «Quazar», y compris dans les titres en trio « Ptit bout ».   Une formule colorée, à l’assise généreuse (les baguettes expertes de Luc Isenmann, sans être trop envahissantes, répondent et relancent de façon décisive), sans contrebasse.  Les seules cordes entendues sont celle de Pierre Durand, et on ne peut que louer le choix d’une guitare doucement électrisée comme dans «St Barnabé».  Seb Llado, le tromboniste de l’ONJ de Barthé, que l’on retrouve toujours avec plaisir, signe une composition « Dernières danses » aux sensuelles envolées et offre au sopraniste  Jean Charles Richard qui barytone aussi  avec conviction, une belle échappée, avant d’imposer entre cuivre et souffle, une mystérieuse liaison, un son  retenu ,velouté ou vibrant dans son attaque.

 Un disque réjouissant, élégant, qui nous tient en éveil, une mise en jeu du corps et du plaisir.

 Sophie Chambon,

JJJ Jean Philippe Muvien : « Trio Live »

Allgorythm 2007

 « Commencer par quelque chose qui finit », Jean-Philippe Muvien aime ça. C’est  ainsi  que débute ce trio live, sur l’apaisement d’une impro de plus d’un quart d’heure, pendant un concert enregistré au Triton, salle des Lilas. 

Jean Philippe Muvien sort son quatrième album, le deuxième sur son label Allgorythm, capté en novembre 2005. L‘aventure continue donc pour le jeune guitariste qui s’est recréé une famille, du grand ordonnateur, Daniel Humair, rencontré au CNSM en 1999, au  maître  Jean-Paul Celéa , contrebassiste proche du batteur, jusqu’au concepteur de la pochette Philippe Ghielmetti, dont on reconnaît le graphisme.

Jean Philippe Muvien depuis son  inaugural « Vive les jongleurs » (un des titres fétiche qu’il joue régulièrement) continue à travailler sur les textures sonores. Il avoue en souriant que le son est aussi important que le phrasé, que le travail commence avec le retour par l’ampli, véritable mise en abyme sonore. Inspiré  (comment   pourrait il en être autrement ?) par les distorsions, buzz et autres fuzz qui rendirent la guitare électrique maîtresse des seventies, il parvient à nous faire entrer dès la première écoute dans son univers, aux réminiscences aimées.   Sans piano, ce trio au son unique, illustre le niveau de maîtrise  auquel sont parvenus ces musiciens. L’espace ne manque pas dans cette musique à la fois construite et ouverte. On  aime toujours les irisations de la guitare de Jean Philippe Muvien, sa vivacité cinglante, le jeu des harmonies décalées.
Sept compositions particulièrement enlevées, souvent co-écrites par le guitariste et le batteur, tiennent sur une longueur idéale de 46 minutes. Comme dans le précédent album, « Air libre », enregistré à la même période, Jean Philippe Muvien parvient à donner consistance à son projet de concilier l’invention de l’instant et le respect des règles du rebondissement comme dans  « Complètement, complètement ». Un travail de funambule plus encore que de jongleur, mais le spectacle est  présent. Avec cet humour un peu potache qui transparaît dès les titres « Couscous purée », « Lou et le pote âgé », on sent bien que le trio s’amuse mais avec une légèreté sérieuse : une musique qui respire, électrisante, impatiente, mais aussi tendre et lancinante (« Autre motif »). On écrivait pour Air libre que le guitariste avait  trouvé en Daniel Humair un partenaire idéal. On persiste  à le direavec ce nouvel album : si ces deux là font la paire, Jean Paul Celea tire son épingle du jeu, troisième homme d’un  trio un peu fou. Les entendre jouer de concert est un régal, ils ont tous les trois  l'art et la manière  de nous entraîner dans un tourbillon vivant et ludique.

JJJJ ROBERTO FONSECA : « Zamazu »

 Enja 2007

 Que les amoureux du boléro et de la salsa passent leur chemin. Car ce pianiste là tout cubain qu’il soit pratique un art différent. Et pourtant celui qui joua longtemps avec Ibrahim Ferrer ne rejette pas la musique des anciens. Il n’est que d’entendre la sonorité de son piano, ses attaques puissantes et légèrement chaloupées pour comprendre d’où il vient. Écoutez ce Llego cachaito qu’il déploie avec son ami, le légendaire Cachaito Lopez et il ne vous sera pas difficile de voir qu’il vient du même pays que Bebo et Chucho Valdès. Sauf que Roberto Fonseca des leçons des maîtres en fait quelque chose de neuf et de très personnel. Déploie avec un mélange d’énergie et de douceur sa propre musique originale qui puise autant chez lui qu’en Afrique ou dans des thèmes moyen orientaux. Un morceau comme Congo Arabe montre un pianiste mordant comme un mort de faim dans le clavier, flirtant avec la musique Klezmer, arabo andalouse ou flamenca. Dans Zamazu, Roberto Fonseca emprunte même au rock et à la pop musique. C’est dire à quelles antipodes on est des poncifs de la musique cubaine. Il faut dire que ce pianiste rare possède aussi un sens aiguisé des arrangements, un sens du tourbillon frénétique duquel émerge (effleure devrait on dire) un pianiste d’une très grande et rare sensibilité. Ses vocalises posées comme un instrument supplémentaire lui permettent de conjuguer avec un subtil équilibre la puissance rythmique de son jeu avec le chatoiement de la ligne mélodique. Roberto Fonseca affiche là le talent des grands, de ceux à qui il faut très peu d’espace pour imposer leur marque. Et dans cet album où le pianiste met surtout en avant un art affirmé de l’orchestration, ses arrangements sur un morceau comme Ishmael du pianiste Sud Africain Abdullah Ibrahim est un acte de dépassement et d’ancrage aussi. Ses compagnons de route ne sont pas en reste à commencer par Javier Zalba au jeu d’une infinie délicatesse à l’alto et surtout à la clarinette. Tout sauf conventionnel Roberto Fonseca est alors incontrôlable. Et lorsqu’il passe devant, quelle attaque ! Quel son cristallin et grave à la fois ! Quel phrasé mêlant le legato au jeu piqué de celui qui failli être percussionniste. Au pays de la Havane Roberto Fonseca exprime sa jeunesse révolutionnaire tout en assumant parfaitement son dû. Et les quelques concessions qu’il semble faire à la tradition sont plus des marques de révérences superbes (Suspiro, Triste Alegria). Le magnifique duo avec la chanteuse Omara Portuando, que l’on connaît ici depuis Buena Vista en est un témoignage éclatant autant qu’émouvant. Car Roberto Fonseca reconnaît ses pères et ses mères. Ce qu’ils lui ont transmis c’est cette force précieuse de devenir lui-même. De s’émanciper ailleurs.

Jean-Marc Gelin

JJ MANU DIBANGO : «  Hommage à Sydney Bechet »

Cristal 2007

 C’était en 1957 ! en 1957 le sénat américain votait la Loi sur les droits civiques, Jack Kerouack publiait «  On the Road », John Coltrane sortait son «  Blue Train »  et Paul Guth écrivait dans le Figaro « Sydney Bechet avec sa trompette ( sic) était pour moi un vieux conteur noir au pays des fables » ! En 1957 un jeune saxophoniste venu de Douala au Cameroun débutait alors sa carrière professionnelle, il avait 24 ans. Aujourd’hui, 50 années plus tard  Manu Dibango est devenu une véritable figure légendaire du jazz. Son fameux «Soul Makossa »  (souvenez vous : Mamako, Mamasa, Mama Makossa…) est devenu un tube planétaire et l’homme peut s’enorgueillir d’avoir joué avec les plus grands depuis Miles jusqu’à Herbie en passant par l’immense Fela. Celui dont on repère la raucité du saxophone à mille lieux comme le prolongement de sa fameuse voix caverneuse à la sensualité sauvage, nous revient donc aujourd’hui fêter son jubilée. Après 6 ans d’absence phonographique Manu Dibango a choisi de célébrer Sydney Bechet dans un album résolument joyeux, prétexte à la fête mais aussi tout simplement dans un hommage (assez surprenant par rapport à ses atavismes musicaux) à la Nouvelle Orléans. L’idée toujours séduisante sur le papier séduisante de l’Afrique et de la Nouvelle Orléans réunis.

 Le saxophoniste qui a choisi pour l’occasion de s’appuyer sur les services de Danny Doriz aux mailloches y déploie à l’alto le jeu d’un très grand. Véritablement impressionnant de groove, de phrasé, de souplesse rythmique à l’alto il joue comme Bechet des trucs à vous donner une banane immense.  Quel son !  A écouter  Si tu vois ma mère ou encore son chorus sur Strutting with some Barbecue où Manu transpose la même maestria à l’alto que celle de Bechet à la clarinette. Sur les tempi lents ou medium Manu impressionne (Don’t you know what it means to miss Orleans). Et Manu malgré cette excellence y est toujours attachant, s’amuse, chantonne (Petite fleur) se fait hâbleur (Les Oignons). Hommage est parfaitement réussi tant dans l’esprit que dans la lettre.  Cependant lorsque l’on entend par moment Manu Dibango laisser échapper ça et là quelques raucités bien senties dans la pure verve Dibangienne, on se prend à regretter que l’exercice fût aussi respectueux du maître empêchant à la rencontre des genres, tant attendue de se produire. Un peu d’irrévérence n’aurait pas fait de mal. Car ceux qui comme nous aiment Manu auraient souhaité entendre Dibango. Et l’on se prend à imaginer alors ce qu’un Rollins aurait pu faire d’un répertoire comme celui là.

Quand au DVD qui vient s’ajouter à l’album il est épouvantablement mal réalisé (shame on Art Studio et son réalisateur !) et n’apporte pas grand chose à l’affaire si ce n’est s’offrir ce luxe totalement inutile sur seulement 3 titres qu’il contient de passer deux fois le même ! Le travail vidéo est totalement bâclé (cochonné devrait on dire) et indigne d’un artiste qui ne méritait pas d’être traité de la sorte. Et qui nous rend tout triste de quitter ainsi cet immense saxophoniste que l’on aime tant.

Mais au final on laissera ses pieds fourmiller Dans les rues d’Antibes car l’on sort de cet album avec des pépites de joie dans les oreilles, heureux d’avoir croisé un jour cette musique là qui à nos yeux c’est sûr ne prendra jamais la moindre ride.

Jean-Marc Gelin