JJ MINA AGOSSI : « Who wants love »  

Candid 2007

Mina Agossi (vc), Eric Jacot (cb), Ichiro Onoe (dm), Daoud David Williams (perc), Rob Henke (tp)

Pour sûr Mina Agossi est une chanteuse de scène ! Totalement investie dans la performance « live » elle a cette faconde incomparable qui lui permet de mettre toujours tous les publics dans sa poche. Souvenez vous, il y a un an. Alors qu’elle nous avait totalement conquis un soir au China Club pour la sortie de Well you needn’t, on n’avait pas pu s’empêcher d’un autre côté d’émettre des réserves à l’écoute de l’album qui selon nous avait du mal à tenir la longueur et à captiver son auditoire comme elle sait le faire sur les planches. Et c’est peut-être pour rendre compte de cela que le label Candid a choisi de proposer un nouvel album cette fois capté en « live » un soir d’Halloween à New York en 2006. Ambiance club surchauffé, public chaud comme la braise et un invité surprise, le trompettiste Rob Henke. Alors, ce soir là qui à New York est un soir si particulier, qui se prête dans les rues de la Grosse Pomme à toutes les extravagances, Mina Agossi se montre ensorceleuse, ondoyante autant que serpentine, se lovant dans les méandres d’un chant libre et fou, érotiquement inquiétant. Il y a chez cette chanteuse assurément cette totale émancipation par rapport à la voix qui lui permet de tout faire, depuis les grincements, les couinements jusqu’aux imitations des guitares saturées façon Hendricks. Seulement voilà, la plus étonnante des chanteuses peut faire ce qu’elle voudra si elle ne s’appuie pas sur des arrangements de qualité et sur une rythmique adéquate, elle aura beau s’agiter on passera toujours à côté.  Slap that bass qui ouvre l’album est l’exemple même d’un morceau alléchant mais un peu « cassé » par des arrangements très moyens, alors que sur le prometteur Spanish Castle Magic on sent toute la difficulté pour une rythmique de suivre une chanteuse aussi imprévisible que Mina Agossi. C’est qu’il faut à la chanteuse quelqu’un quoi soit capable d’imposer sa présence, de faire jeu égal. Et à ce titre l’intervention du trompettiste Rob Henke est un coup de génie. Un coup qui sauve tout l’album !  ( Do nothin’ till you hear me). Car alors on entre dans une autre dimension. Celle de la vraie scène New Yorkaise, celle du happening théâtral, celle de la poursuite d’une ambiance post-free, celle que l’on rencontre dans les petits clubs de New York à l’heure des troisièmes sets entre chiens et loups. Un soir d’Halloween à New York.

Jean-Marc Gelin

JJJJACQUES PELLEN : «  Lament for children »

Naïve 2007- Jacques Pellen (g), Gildas Boclé (cb), Marcello Pelliteri (dm)  Ici comme ailleurs Jacques Pellen reste un guitariste marqué par l’amour de la musique celtique. Mais alors qu’un musicien comme Didier Squiban affiche ses attaches bretonnes à grands coups de clichés et de caricatures, Jacques Pellen lui s’exprime comme un musicien en recherche dont le sujet est moins axé sur une musique folklorique que sur quelque chose qui se situe au-delà. Et c’est tout l’objet de Jacques Pellen de montrer combien la musique Celtique dépasse largement son cadre régional pour s’appliquer à d’autres sujets. Des thèmes comme Lament for children, un blues comme God bless the child ou encore un morceau de Duruflé comme Pie Jesus, prennent avec ce trio un tout autre accent. Car avec sa façon de jouer exclusivement acoustique comme on jouerait de la harpe celtique, Pellen se situe loin de la caricature. Sa guitare au jeu piqueté souvent dénué de tout legato, sans effets ajoutés s’entend parfois comme une gestuelle précise et presque méditative. Et il est vrai qu’il y a dans la musique de Jacques Pellen une très forte dimension Zen par le dénuement dans lequel il s’exprime. Pourtant sur deux titres cette musique peut aussi faire preuve de swing  (Bea’s house ou comme Shh) même si ce n’est pas le propos ici. Car on est plus là dans une sorte de road movie apaisé et inspiré. Jamais évanescent, Jacques Pellen parvient à ce prodige qui consiste à exprimer avec beaucoup de poésie une musique à l’énergie et la puissance intacte.  Et il n’y a pas loin finalement entre les explorations de ses sentiers et les improvisations de Keith Jarrett. Une musique qui au travers de son parcours tracé net peut être aussi sinueuse et se perdre sans s’égarer jamais. Jean-Marc Gelin

JJJJ Pierre de Bethmann : « Oui »

Nocturne 2007

Pierre de Bethmann nous propose un opus à la structure d’interprétation intéressante, complexe voire intellectuelle. En fait, ce n’est pas si surprenant que cela quand on connait l’art du musicien.

Cet opus est consacré à un septet homogène et très cohésif qui joue des compositions elles aussi très homogènes. A l’instar du saxophoniste Donny McCaslin avec son très bel album « Soar » (SunnySide Records 2006) avec la chanteuse Luciana Souza, Pierre de Bethmann utilise la voix de Jeanne Added comme instrument à part entière. Selon un système de superpositions de couches instrumentales et sonores d’expressions différentes, mécanisme que l’on rencontre aussi chez McCaslin, Pierre de Bethmann construit son mille-feuille en y intégrant abondance de notes, goût du risque, diversités harmonique et rythmique aux métriques les plus équilibristes. Peut-on parler d’album concept ?

C’est possible. En tout cas, De Bethmann, très à l’aise dans cet/son univers, est la plaque tournante du groupe : il lance des assauts sonores de son fender qui prennent la forme d’atmosphères chargées de discours et de nappes montantes et descendantes qui sont attribués par musicien ou par petit groupe de musiciens.

Pour continuer à décrire ce groupe à la structure mouvante, on peut dire que le rôle de chacun évolue au fur et à mesure des pièces. Comme dans un réseau de Petri, De Bethmann passe un jeton que l’on se distribue ou que l’on partage par jeu d’associations pour créer des alliances déroutantes et orgasmiques au niveau technique mais plus rarement musicalement.

Les vocalises de Jeanne Added, au timbre de voix carillonnant, soulignent les thèmes à teinte dissonante et surplombent l’ensemble très cohésif  Stéphane Guillaume (as) / David El Malek (ts) / Michael Felberbaum (g) de sa voix juste à la texture claire et voilée à la fois.

Cette cohésion se dissout quand les saxophonistes se détachent de la guitare de Felderbaum si invraisemblablement inspiré (« Singulier ») pour s’associer à Jeanne Added et marquer ainsi le trait de la mélodie, parfois de manière excessive, ou dépeindre un thème à contre-courant.

A son tour, De Bethmann seconde la vocaliste (« Air courbe »), s’associe au guitariste pour nous sortir des sonorités jouissives et variées ou compose avec une rythmique (Vincent Artaud ,Franck Agulhon) que l’on aurait tort de ne pas écouter tant son apport (« Effet tatillon ») favorise les positions à risque du quintet. Aussi, il arrive que la rythmique se dissocie : la contrebasse ou la batterie crée une association éphémère avec un autre instrument pour soutenir son propos.

Entre ballades (« Air courbe », « Silnes »), compositions pêchues (« Schéma »), riffs funky et joyeux (« Oui ») et de très nombreuses montées en puissance des instruments, voix comprise, De Bethmann nous a concocté une musique riche en surprises et en abondances, en sonorités et en formes combinées qui rassasient notre goût de la musique d’aventures.

Jerome Gransac

JJJ edouard BINeau / sebastien texier: “L’obsessioniste” Le Chant du Monde 2007

    Le propos de cet album en duo est tout entier centré sur la poétique. Cette poésie singulière qui trouve son inspiration profonde dans l’œuvre du Facteur Cheval, ici « l’obsessioniste ».  A l’occasion du festival de jazz «  Jazz au palais », Edouard Bineau eut l’occasion en 2004 de jouer au Palais Idéal, l’œuvre architectural du Facteur Cheval, symbole de l’Art Naïf.

L’histoire en elle même est magnifique. « En avril 1879, durant l'une de ses tournées, le pied de Ferdinand Cheval buta contre une pierre, manquant de le faire tomber sur le chemin. Son œil ayant été attiré par la forme curieuse de la pierre, il la ramassa et la glissa dans l'une de ses poches avec l'intention de la regarder plus tard à tête reposée. Le lendemain, repassant au même lieu, il constatait la présence d'autres pierres ayant des formes encore plus singulières et, à son goût, plus belles que celle qu'il avait trouvée la veille. Il se fit alors la réflexion que, puisque la nature pouvait « faire de la sculpture », il pourrait très bien lui-même, fort de ses longues rêveries préparatoires, se faire architecte, maître d'œuvre et ouvrier dans la construction d'un « Palais idéal ». Durant les 33 années qui suivirent, Ferdinand Cheval ne cessa de choisir des pierres durant sa tournée quotidienne. Revenu à son domicile, il passait de longues heures à la mise en œuvre de son rêve, travaillant de nuit à la lueur d'une lampe à pétrole. Cheval passa les vingt premières années à construire la façade est du Temple de la nature. Ferdinand Cheval acheva la construction du Palais idéal en 1912. »

A partir de cette histoire folle, cette obsession grandiose, cette magnifique folie qui fonde l’homme, Edouard Bineau a conçu le projet d’un album très intime racontant avec douceur l’histoire de ce Palais Idéal. Avec le saxophoniste Sébastien Texier (au soprano ou à la clarinette), Edouard Bineau semble partager  la même tendresse pour leur sujet. Deux musiciens connivents murmurant comme on raconte entre enfants des histoires merveilleuses à la nuit tombée. Entre nostalgie et discrète mélancolie, les auteurs alternent les formats en solo ou en duo. Le thème Ideal Circus, point de départ du projet (le thème avait été composé en 2004 en hommage au Facteur Cheval), marque un moment fort de l’album. Mais l’exercice est difficile et l’on accède beaucoup moins aux petits clins d’œil, dont ce Ricochet comme une autre histoire de petits cailloux  dont le thème central rappelle la musique de Yann Tiersen ( Amélie Poulain).

Avec un souci assumé de l’anachronisme, cet album possède la couleur sépia des musiques du début du siècle dernier. La dialogue piano / Clarinette évoque parfois certains lied de Fauré pour une musique de chambre à la poésie intacte. Au charme délicieusement désuet.
Jean-Marc Gelin

JJJ François Corneloup Marc Ducret Martin France : « U.l.m » 

In Circum Girum 2007

Sans avoir vraiment le temps de souffler, on s’envole avec le guitariste Marc Ducret dans cet ULM avec aux commandes le baryton François Corneloup, drivé par un jeune batteur anglais, ayant joué avec Django Bates, partisan de l’ « entente cordiale », puisqu’il répond au doux nom de …(Martin) FRANCE . Une musique très écrite au gré de certains… qui reprocheront dès lors un programme trop serré. »
En relisant ces notes sur un des premiers concerts du trio, programmé par le directeur du Bordeaux Jazz Festival, en novembre 2005, comment ne pas se souvenir du plaisir éprouvé à suivre la guitare agile de Marc Ducret qui relance avec délectation, à se laisser porter par le souffle magistral du baryton, présent sur tous les fronts ? Quant au batteur, très concentré, il assurait l’équilibre avec une frappe claire et précise, efficace : une joute franche entraînant des prises de paroles bien dosées et un son saturé, une rythmique de rock progressif. Un ensemble savant et pourtant chaleureux, une organisation collective à trois voix, basée sur la dynamique, très attentive au rythme et à la pulsation, une formule proche de celle du quatuor à cordes en classique.
Comme le passage du concert au disque peut réserver quelque surprise, on attendait l’album de ce drôle d'équipage: le voilà qui vient de sortir en mars 2007 sur le label audacieux qui répond au joli nom d' 'In circum girum'?
Six compositions ouvertes, caractéristiques de l’inspiration du baryton, plutôt longues qui permettent de prendre son temps comme dans « L’ombre d’un chant ».
Une sérénité un peu étrange, inquiétante: on s’attend à un bel éclat, à l’orage de sensations exacerbées. Des fredons tout doux aux plaintes plus saugrenues, sans oublier les ostinatos, François Corneloup assure sur tous les registres de son instrument. D'autant plus que l’ensemble sans basse oblige le baryton à une certaine mobilité, aidé en cela par l’excellent accompagnateur qu’est Marc Ducret.
Une énergie parfaitement maîtrisée, un contrôle total que d’aucuns pourront reprocher. C’est peut être cela qui tranche, cette jouissance jamais épuisée, toujours différée. On sent pourtant une violence douce, comme contenue qui n’explosera pas. Ainsi s’éloigne à tire d’aile, le groupe, des rivages du rock progressif du début des seventies.
La tension est à un haut niveau mais dominée par la rigueur, la musique conservant un aspect profondément mélodique, sans la force d’une conquête ou d’une libération.
C’est en cela peut-être qu’elle est la plus actuelle. Une impatience voluptueusement prudente, un effort d’évitement.
Ne vit-on pas une époque formidable?

Sophie chambon

www.incircumgirum.com