JJJ Le Monde de Kota : « Murmures »

Olivier GOULET - harmonica ; Stéphane MONTIGNY - trombone ; Julien OME - guitare ; Guido ZORN - c.basse

Le Monde de Kota c’est quatre musiciens : Olivier Goulet (harmonica et voix), Stéphane Montigny (trombone), Julien Omé (guitare) et Guido Zorn (contrebasse). Ils se sont rencontrés en 2003 dans la classe de jazz du CNSM dirigée par le contrebassiste Riccardo Del Fra.

Un soir ils dînent ensemble, sortent leurs instruments et jouent. Satisfaits du résultat et surtout conscients qu’ils ont tous les quatre la même démarche, ils décident de continuer. Les choses vont alors très vite : premier concert à Paris en novembre 2003, puis au Centre Georges Pompidou et à la Cité de la Musique en première partie de Mac Coy Tyner…, participation à de nombreux festivals (Marcoussis, Gif-sur-Yvette,…), Premier Prix du Jazz Hoeilaart Intern’l Contest en Belgique pays de Toot Thielmans.

« Murmures », entièrement autoproduit, est leur premier disque ; il ne comporte que des compositions originales, sans doute une volonté des quatre musiciens de créer un « monde » qui soit le leur. Et il faut reconnaître que c’est réussi.  

Certes tout n’est pas parfait : certains morceaux s’étirent un peu, l’influence du « Quartet Azur » de Texier avec Glenn Ferris est parfois trop présente (mais comme influence il y  pire). Ce qui fait l’intérêt de ce disque, c’est la constante recherche de sonorités, de timbres particuliers qui se mêlent avec bonheur et souvent avec originalité. Chaque titre est conçu comme un conte où chacun y va de sa petite histoire sans pour autant nuire à l’ensemble. On sent le plaisir que ces musiciens ont à jouer ensemble (plaisir très palpable quand on les écoute en « live ») et à triturer leurs instruments pour en tirer des sons nouveaux..

Bref, s’agissant là d’un premier disque, c’est plus que prometteur et l’on ne peut que se réjouir de cette recherche sonore.

Michel Grillot

JJJJ CHRISTOPHE WALLEMME:  “Namaste “

Nocturne 2006

 Autant le dire d’entrée, ce disque est remarquable, je dirais même difficilement contournable, pour qui s’intéresse de près au jazz actuel, de création.

D’abord par la qualité du line up. Le noyau dur du projet Namaste comprend, en plus du leader et contrebassiste Christophe Wallemme, des solistes de premier plan : le saxophoniste et multi-instrumentiste Stéphane Guillaume, ce brillant souffleur jouant aussi bien ici de la clarinette, de la flute, que du soprano ; Manu Codjia (guitare), Stéphane Galland (batterie), et Stéphane Edouard (percussions indiennes et divers instruments éthniques). Avec pour invités : Nelson Veras (guitare), Matthieu Donarier (sax ténor et soprano), Prabhu Edouard (tabla, kanjira), Minino Garay (cajon, caxixi, palmas, vocals) et Thomas de Pourquery (sax alto et soprano). Excusez du peu. Mais cet album n’est pas une simple conjugaison de grands talents… Un gastronome vous dirait qu’un plat digne de ce nom ne comporte pas que de très bons ingrédients, mais surtout un savoir-faire abouti, une volonté, une idée directrice… Il y a de fait une véritable alchimie entre ces musiciens, qui semblent portés par le lyrisme du maître de cérémonie, insufflant à l’ensemble une sorte de supplément d’âme. Il suffit d’écouter le début du premier morceau pour s’en convaincre : beauté du thème et des timbres, intelligence de la mise en place et de l’orchestration… Superbe ! Et la suite ne déçoit pas, loin de là ! Tout coule de source avec naturel, brio, élégance… Deux guitaristes ? Cela pourrait vite tourner à une joute stérile, comme on en rencontre trop souvent... Or il n’en est rien. Leur virtuosité respective n’est plus à démontrer, on se concentre sur la seule musique et l’auditeur n’en perd pas une miette… L’électro-acoustique nylon de Nelson Veras complète à merveille le timbre électrique de Manu Codjia, donnant à entendre, notamment dans les ballades, de fort subtils entrelacements mélodiques… Un mot sur le son de Codjia, qui en son clair (non saturé) est reconnaissable entre mille, signe d’un grand de la six cordes : une esthétique proche de Bill Frisell dans son aspect « étheré », cristallin, son contrôle de la dynamique et du volume, la raréfaction des notes… Bref cela respire, fraîcheur et musicalité atteignent des sommets ! Veras n’est pas en reste, on retrouve son « balançao » unique dans les intros, son phrasé très fluide et inspiré… Tous deux apportent une véritable couleur aux superbes composition du leader, parfaitement épaulées par les anches inventives et bouillonnantes, les percussions. Notons qu’il n’y a dans ce disque aucune reprise, du moins de l’univers jazz… (seule concession en forme de bonus track, une étonnante Javanaise, celle de Serge Gainsbourg, très chantante par ailleurs… l’Orient, encore !). Si toutes les compositions sont réussies, captivantes, leur auteur a de surcroît eut le bon goût de ne pas choruser systématiquement, mais de tenir discrètement la barre de main de maître, assurant un groove parfait, afin de mettre en valeur la mélodie, l’énergie de l’ensemble, ses partenaires… Bravo ! Ses soli n’en ont que plus de charme et leur concision fait davantage penser à une dentelle sonore qu’aux marteau-slappeurs de certains bassistes ‘fusion’ (sic !)… C’est qu’il est question ici de poésie, d’invitation au voyage, voire d’initiations… Dans « Namaste » aussi bien que « Tandoori groove » la pulsation devient danse, transe jubilatoire et débridée. Cela ferait en effet parfois penser à une sorte de « Sacre du printemps » à la sauce orientale… On ne se plaindra pas auprès d’un bassiste de savoir pimenter ses œuvres ! L’Inde dévoilée dans ce disque relève d’un folklore imaginaire, échappe aux clichés du genre, on sent une approche à la fois personnelle et sincère… Au fil de l’écoute le climat des pièces semble gagner en intensité, jusqu’au titre « Réflection », à l’atmosphère plus âpre et énigmatique, dans laquelle Codjia nous offre un solo d’anthologie, avec cette fois une distorsion rauque, incandescente… Dans cette plage, on est très proche des heures de gloires d’une autre formation drivée par un tandem de choc : le fameux batteur-percussionniste Trilok Gurtu et le guitariste américain David Gilmore… Pour une fois soyons un peu chauvin : vive la France  ! On le serait à moins…

Namasté veut dire bonjour en indien, et on a surtout une très bonne, une grande écoute…

Ce projet semble né sous une bonne étoile, je le recommande sans réserve à tous les mélomanes, qui sauront sûrement en apprécier les multiples éclats…

Jean-Denis Gil

JJJ Diana KRALL: « From this moment on »

Verve 2006

JJJJ FRANCK AVITABILE: “Short Stories”

Dreyfus Jazz 2006

 Que la chose soit posée dès le départ : il n’est pas très important de savoir si l’on trouve avec cet album de Franck Avitabile aux confins de la musique classique ou du jazz. Cela importe peu à la perception que l’on a de ce magnifique album. Car il s’agit avant tout de musique et que forcément chacun est libre d’y entendre ce qu’il veut.

Il y a un an à peine Avitabile nous avait séduit avec son Just Play sorti en 2005 chez Dreyfus. Il revient aujourd’hui avec ces Short Stories, ensemble de 18 morceaux très courts qui ne sont pas sans rappeler les petites pièces de Debussy. D’ailleurs ce n’est pas un hasard si le premier morceau se nomme Arabesque (Debussy ayant lui-même composé plusieurs Arabesques) et le deuxième Childhood memory. Et s’il faut convoquer des références, appelons à la table de Franck Avitabile Ravel, Satie ou même Darius Milhaud qui excellait dans l’exposé de pièces très brèves. Et ces influences auxquelles se mêlent aussi Art Tatum parfois, Keith Jarrett et dans une moindre mesure Bill Evans  se mêlent dans l’expression très personnelle de Franck Avitabile dans une sorte de syncrétisme musical enchanteur autant que raffiné. Irrésistible. Car toujours Avitabile joue avec une sensibilité qui le porte à faire chanter son piano avec un romantisme toujours délicatement retenu. Délicatesse, c’est le mot qui s’accorde à son jeu. Survolant de manière aérienne le clavier, Avitabile donne le sentiment de se dédoubler tant son jeu de main gauche donne parfois l’impression d’un piano à quatre mains capable de dérouler des arabesques mélodiques tout en explorant quelques profondeurs harmoniques (Inside Out). Son Meddley est moment fort et bouleversant de romantisme et de swing mêlé. Une sorte d’expression émouvante de l’artiste mariée avec une extrême pudeur. Seulement deux titres sont issus de standards : un There is no greater Love que n’auraient reniés ni Art Tatum ni Bud Powell (excusez du peu) et un Over The Rainbow qui vient avec beaucoup de finesse clôturer ce remarquable album.

Avec une passion toute en retenue Franck Avitabile nous raconte ici de brèves histoires, sorties d’une sorte de songe éveillé résonnant comme des réminiscences pianistique de ce qui fonde son jeu. Ces histoires ne disent rien d’autres qu’un amour, son amour de la musique et du piano. Un amour que Franck Avitabile parvient à nous transmettre ici avec une sensibilité rare.

Jean-Marc Gelin

JJJJ FRANCOIS COUTURIER: “Nostalghia – Songs for Tarkovski”

ECM 2005

 François Couturier signe sous son nom un vibrant hommage aux sources d’inspiration et à la dimension spirituelle de son cinéaste préféré, Andreï Tarkovski (1932 – 1986), réalisateur de sept longs métrages (dont Andreï Roublev (1969), Solaris (1972), Stalker (1979), Nostalghia (1983) et Le sacrifice (1986)). Comme beaucoup, il écrit avoir eu une révélation à la découverte de son film, Andreï Roublev, cette grande épopée qui raconte la vie du célèbre moine - peintre russe d'icônes qui vécut au XVe siècle et qui évoque de manière douloureuse le rôle de l’art et de l’artiste. « Nostalghia – Song for  Tarkovski » est un disque – passion dans le lequel chaque morceau rend hommage aux territoires des films du cinéaste, à ses acteurs (Erland Josephson et Anatoli Solonitsyne qui a été découvert par Tarkovski et qui joue le rôle d’Andreï Roublev), à ses compositeurs de prédilection (Le Sacrifice et l’Éternel retour sont inspirés de " La Passion selon St Mathieu" de Jean-Sébastien Bach et Toliu du Stabat Mater de Pergolèse), à ses collaborateurs (son cameraman Sven Nykvist dans Crépusculaire, son scénariste Tonino Guerra dans Nostalghia, l’un de ses compositeurs favoris Eduard Artemiev dans Stalker). Un hommage  - réminiscence qui plonge dans l’univers du cinéaste où le rêve, la vision, les sensations, l’essence des choses l’emportent sur la vraisemblance et le matériel. La musique composée par François Couturier est merveilleusement inspirée et mélancolique. Le temps et la lenteur y jouent un rôle central. Chaque plage du disque est une ode radicale et poignante. Cette musique est religieuse au sens étymologique car elle relie le spirituel et le temporel, déserts et vie, sons et visages, jazz et cinéma, et surtout elle transcende, elle emporte au-delà, de même que les films de Tarkovski transcendent le cinéma. Ni classique, ni contemporaine, ni jazz, cette musique est ailleurs. Hypnotique, envoûtante, poétique, cette musique joue de l’espace et du temps, de l’ombre et des lumières. Elle dit la beauté, l’austérité, la solitude, la perte, la maladie, l’éloignement, l’espoir. Elle se confond avec le chant de la nature et n’est parfois plus que respiration. Elle est à la fois très écrite et très spontanée (difficile en effet de distinguer les parties improvisées). Les instruments (accordéon, saxophone soprano, violoncelle et piano) s’associent avec grâce et une absolue évidence. Très colorée, cette musique émeut profondément, elle atteint en nous des territoires rarement visités. Elle ne nous parle que de l’essentiel. « L’art doit être là pour rappeler à l’homme qu’il est un être spirituel, qu’il fait partie d’un esprit infiniment grand, auquel en fin de compte il retourne. » Tarkovski.

Régine Coqueran