Matthias Spillmann (trompette & bugle), Francesco Geminiani (saxophone ténor), Manuel Schmiedel (piano), Fabien Ianonne (contrebasse), Noé Tavelli (batterie, composition)

Fribourg, 19-20 février 2020

Fresh Sound New Talent FSNT 635 / Socadisc

Assez différent du disque enregistré en 2017 (Noé Tavelli & The Argonauts Collective, Double Moon Records), et publié deux ans plus tard, ce nouveau CD ne doit pas ce renouvellement au seul changement de nomenclature, avec le passage, par l'arrivée du pianiste Manuel Schmiedel, du quartette au quintette (le bassiste a été oublié sur la jaquette, mais ils sont bien cinq). Il y a là comme l'affirmation d'une pulsation plus ferme, plus forte, qui ne sacrifie en rien les subtilités de la construction mélodique et harmonique, mais trouve au contraire dans ce nouvel essor la confirmation de son identité. Sans épiloguer outre-mesure sur la métaphore suggérée par l'allusion aux compagnons de Jason et à leur quête de la Toison d'or, on doit bien reconnaître que la référence choisie pour le discours d'escorte mérite quelque attention. C'est bien une sorte d'aventure exploratoire qui se joue dans ce nouvel opus. Différentes facettes du jazz contemporain s'y trouvent abordées, et développées avec une indiscutable richesse qui tient autant à l'écriture qu'à l'interprétation des membres du groupe, et à leurs qualités d'improvisateurs.

Bref c'est un vrai bon disque d'aujourd'hui, relié à la mémoire de ce jazz moderne qui s'était épanoui dans la seconde moitié du siècle dernier. Ce groupe international, avec tropisme new-yorkais et centre de gravité helvétique, nous offre une sorte d'état de lieux du jazz de stricte obédience, dans sa composante transatlantique. Plus que convaincant, le résultat est jouissif.

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube 

Charles MINGUS (contrebasse), Eric Dolphy (saxophone alto, flute, clarinette basse), Clifford Jordan (saxophone tenor), Jaki Byard (pian) et Dannie Richmond (batterie).  Théâtre des Champs Elysées, Paris, le 19 avril 1964.
Coffret de 2 CD incluant un livret. Decca/Universal.
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   Charles MINGUS est né le 22 avril 1922 à Nogales (Arizona). Il aurait eu 100 ans hier.

   Cette réédition concerne le deuxième concert parisien de la tournée 1964 de Mingus, donné au Théâtre des Champs Elysées le 19 avril, dans une ambiance un peu dramatique, le contrebassiste devant se passer de son trompettiste Johnny Coles, hospitalisé en urgence (hémorragie interne) pendant sa prestation à la Salle Wagram le 17 avril au soir. Le leader rend d’ailleurs un bel hommage à son musicien dont la trompette trône sur scène ... sur une chaise !

   Amputé de l’une de ses voix, le groupe de Mingus va faire vibrer les spectateurs tout au long de ce concert qui, retardé, débutera finalement après minuit. Reproduit dans son intégralité, il permet d’entendre la voix rocailleuse du leader dans ses commentaires et l’accueil survolté du public parisien.

   Le programme se révèle à peu près identique à celui du vendredi (1), si l’on excepte un solo de piano de Jaki Byard ‘’A.T.F.W.’’ (Art Tatum, Fats Waller), synthèse brillante de l’époque classique, et un standard de l’un des maîtres de Mingus, Duke Ellington, ‘’Sophisticated Lady’’, donné par le contrebassiste en solo, sobrement accompagné par Byard.

   Mingus se montre fidèle à lui-même, incandescent, quand il livre au public pendant l’interprétation (près de 28 minutes) de ‘’Fables of Faubus’’(2) les paroles censurées dans le disque paru l’année précédente chez Columbia. (Extraits : « Ah Seigneur, ne les laisse pas nous tirer dessus…plus de croix gammée… plus de Ku Klux Klan… Faubus, un homme malade, ridicule, abruti, nazi »).

   Dans la même veine de son engagement on retrouve donnée ‘’Meditations on Integration’’, autre composition phare de Mingus traitant des conditions de vie dans les ghettos du sud des Etats-Unis. Le rebelle salue également la mémoire d’un autre de ses inspirateurs, Charlie Parker dans une longue version (27 minutes aussi) d’une autre de ses œuvres, sorte de collage de compositions du Bird, ‘’Parkeriana’’.

   Un moment d’émotion avec ‘’So Long Eric, Don’t Stay Over There Too Long’’ (21 minutes), où le compositeur exprime toute sa tristesse de voir son complice le quitter pour rester en Europe (où il décédera le 29 juin à Berlin à l’âge de 36 ans).

   Si l’on ajoute enfin un titre marqué par l’esprit du blues, ‘’Orange was the colour of her dress then blue silk’’), c’est bien tout l’univers mingusien qui se dévoilait cette nuit-là avenue Montaigne. Compositeur, interprète, chef de groupe, les trois facettes de l’art du grand Charles s’illustrent de la plus belle des manières.

... Un coffret indispensable dans toute discothèque.

Jean-Louis Lemarchand.

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(1). Concert publié en 1996 par le label Revenge Records de Sue Mingus, veuve du musicien, sous le titre ‘’The Legendary Paris Concerts’’ et comprenant un solo de Johnny Coles sur « So long Eric ». Des copies et des éditions pirates du concert avaient circulé et été publiées avant la sortie de cette version officielle et le versement des droits aux interprètes.

(2)Stigmatisation du gouverneur de l’Arkansas Orval E. Faubus qui interdit en 1957 l’accès à l’université de Little Rock aux étudiants de couleur.

Avec Frédéric Loiseau (guitare, voix), André Charlier (batterie, percussions) et Benoît Sourisse (orgue, sifflet).
Studio des Egreffins, 2021.
Gemini Records / Absilone / Socadisc.
Parution le 15 avril.

   Voilà un guitariste qui nous est bien connu pour son ouverture d’esprit et d’écoute et pour refuser les effets. Frédéric Loiseau aime à participer à des projets où prime l’intime.
   Son terrain d’excellence, les petites formations, et  sur un large spectre : en duo avec le chanteur baryton Laurent Naouri sur des œuvres de Fauré, Debussy, Poulenc (‘En Sourdine’ -Outhere. 2020-), au sein d’un quartet de chambre (‘Looking Back’ -Black & Blue. 2010-)* pour honorer quelques-unes de ses idoles, (Billy Strayhorn, Kosma et Jobim), en quintet (‘For All We Know’ -Black & Blue. 2013-)** ou encore dans un format de trio avec orgue (Benoit Sourisse) et batterie (André Charlier) dans ‘Smile’ (Black & Blue. 2015).
   Ces deux derniers compères sont à nouveau mis à contribution dans « D'Intant en Instant » (Gemini Records).

   Délicatesse, sensibilité (et non sensiblerie), précision, ces vertus s’invitent pour ce périple musical sous la houlette attentionnée d’un guitariste à la démarche évoquant celle de Jim Hall, Fred Loiseau. Un parcours en douze étapes, encadré par deux compositions du leader (clin d’œil à son patronyme), ‘Morning Bird’ et ‘Cuicui du soir’, et qui fait une amicale référence posthume à Claude Carrière avec trois titres, ‘Fleurette Africaine’ de Duke Ellington, ‘le Duc de Charonne’, signé Bob Dorough (auteur du générique historique de Jazz Club) et ‘Waltz for C’, hommage personnel de Fred.

   Bref, Frédéric Loiseau nous parle à l’oreille et au cœur, dans un album où l’improvisation rime avec l’émotion.

     Vivement conseillé.

Jean-Louis Lemarchand.

* regroupant Rebecca Cavanaugh (voix), Marie-Christine Dacqui (contrebasse) et Claude Carrière (piano)
** Mêmes musiciens, avec André Villéger (saxophone ténor) et Bruno Ziarelli (batterie).

En concert le 22 avril à 20 h 30 au Sunset (75001).

©photo X. (D.R.)

Sylvain Rifflet (saxophone ténor, shruti-box, boîte à musique artisanale), Verneri Pohjola (trompette, électronique), Philippe Giordani (guitares), Benjamin Flament (percussions)

Sarzeau (Morbihan), mars 2021

Magriff 0357 / l'autre distribution

Anges tutélaires, anges gardiens, voire anges exterminateurs ou anges devenus démons, qu'importent les spéculations : en fait l'aveu du saxophoniste est plus simple et limpide «à mes anges, à ces êtres, artistes ou non, qui m'inspirent et m'aident à vivre». Ce disque est comme un exercice d'admiration, de ferveur, en même temps qu'un jeu de piste, quand dans la première plage, après un clin d'œil aux répétitifs américains, il bifurque vers le jazz avant retour au bercail. Au fil du disque défilent les repères d'une passion musicale mais aussi amicale (Thomas de Pourquery, le complice de Rigolus) ou littéraire (l'évocation de James Baldwin). Et les anges tutélaires sont en bonne place : Getz, dissimulé par son pseudonyme des années 50, Abbey Lincoln, dans toute sa stature artistique, engagement compris.... Et aussi le goût pour la musique électronique, sans oublier un hommage complice aux partenaires récents : Jon Irabagon, et le trompettiste de ce disque, Verneri Pohjola. Avec ce dernier, il conclut le CD par une improvisation en duo, prolongée en une plage fantôme par une reprise en quartette. Il y aura aussi cette valse aux deux vikings : le trompettiste partenaire, et le fameux Moondog, auquel Sylvain Rifflet avait naguère rendu un hommage singulier, et à bien des égards précurseur. Tout au long du disque s'épanouissent des musiques sans cesse renouvelées, toujours d'une grande densité, comme autant de jalons sur un parcours multiforme dont le saxophoniste serait le centre de gravité. Comme au fil de ses disques précédents, Sylvain Rifflet embrasse du regard tous les horizons de la musique, mais cette fois il nous en livre une sorte de florilège, en un seul opus «… mon disque le plus personnel,écrit-il, comme une synthèse du travail entamé il y maintenant dix ans...». Une indiscutable réussite.

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube 

PRONTO! Daniel Erdmann  & Christophe Marguet

Hélène Labarrière Bruno Angelini

Label Mélodie en Sous-Sol

Soir Bleu (avec Hélène Labarrière et Bruno Angelini) - YouTube Music

Prêts, nous le sommes toujours avec ces musiciens qui se retrouvent depuis quelques années pour des projets excitants. Le duo saxophone-batterie, voilà une association réduite à l’essentiel qu'aiment le saxophoniste Daniel Erdmann et le batteur Christophe Marguet-on se souvient de leur Together, Together en 2013, qu’ils prolongent à leur manière aujourd’hui en demandant à la contrebassiste Hélène Labarrière et au pianiste Bruno Angelini de les rejoindre. De vieilles connaissances, puisque Hélène Labarrière joue dans le quartet de Christophe Marguet Happy Hours et Bruno Angelini dans son autre quartet Résistance poétique.

Rapides, voire prompts à trouver leurs marques, ils forment  à eux quatre, dès l’initial “Numero uno” un équipage qui tient la route. Chacune des interventions de cette bande complice sonne juste et dans une écoute mutuelle, la musique respire. Le quartet évolue sur des terres musicales connues, des références fortes sur lesquelles repose ce Pronto! jusqu’à la photo de la pochette délicieusement vintage, celles d’un jazz familier, “ancien” mais qui ne date pas, nuance. Pour une formation qui paraît historique, comme le fait remarquer subtilement Francis Marmande dans les notes de pochette. Car ces magnifiques musiciens ne perdent jamais leurs repères. S’il y a belle lurette qu’ils ont brisé les codes, ils restent dans l’idiome jazz et cela s’entend dans le son, le jeu de Daniel Erdmann sans qu'il se livre pour autant à des hommages pontifiants.

Pas de pas de côté ni de pas en arrière avec ce groupe qui est un exemple de maîtrise et d’interaction tout au long de huit pièces, sans désaccord entre titres et formes, sujet et matériau sonore. Leur musique paraît à la fois simple et intrigante. Simple car accessible, mélodique, avec des sonorités rondes, douces et chaudes du ténor qui joue moins cette fois avec les aspérités du métal, distille un souffle moins rugueux. Christophe Marguet est aux aguets, délicat, en phase avec son camarade, dans un équilibre sonore adapté, léger aux baguettes ou aux mailloches.

Ils ont écrit chacun, à armes égales, une histoire sensible où flotte parfois un parfum de mélancolie, un temps dilué dans une ballade superbe “Elevation”, où piano et contrebasse prennent aussi leur part dans d’exquises nuances. Enclins à faire une musique qui flotte presque sans attache, avec des séquences immersives, une tension certaine sur les creux et  une attente sensuelle de la narration dans “Soir bleu”. “Avant la parole” a la beauté d’un chant élégiaque. La force de leur engagement, leur vive énergie ne semblent pas alors primer sur l‘intime dans cet album. Faux-calme cependant quand on connaît ces musiciens soudés, combatifs et habités. Quelle intensité des instants traversés dans “Tribu” ou le vigoureusement balancé “Hotel Existence” qui rocke véritablement malgré le contrepoint du piano. Quant au final, où règne un motif chaloupé, pirouette charmante qui illustre “DE Phone Home”, il laisse vite éclater la folie communicative du piano et de la batterie. C'est ainsi que jaillit la revendication pour une urgence du jeu, qui est la signature de ces musiciens, la marque de leur identité. Alora, pronti, via! 

Sophie Chambon