Bo Van Der Werf (saxophone baryton, électronique), Jozef Dumoulin (piano électrique, claviers, électronique)

Bruxelles, juin 2021

PeeWee! PW 1009 /Socadisc /https://peeweelabel.com/fr/albums/36

Une aventure musicale, assurément. Une rencontre singulière entre deux musiciens qui se sont souvent côtoyés dans une foule de groupes. Et ici le désir, assumé, de faire un saut dans l’inconnu. Ce qu’ils connaissent l’un de l’autre se trouve remis en jeu, dans ce projet presque insensé. En rejouant des musiques de l’un ou de l’autre, transfigurées par le contexte de ce duo bercé d’électronique ; en construisant un mystère qui va se fondre dans un chœur de moines tibétains ; en effleurant quelques mesure d’un trio à cordes ; ou en insérant dans un hommage à Martin Luther King une berceuse ukrainienne, les deux solistes nous entraînent dans l’inouï, et parfois nous ressentons que notre surprise à l’écoute n’a d’égale que la surprise qu’ils ont ressentie en inventant, dans la magie de l’instant, cet objet musical fascinant. Le traitement électronique du sax baryton, par un dispositif dont je n’indique pas la nom commercial (pas plus que je n’indique la marque du piano électrique….), dans son dialogue avec les sons traités des claviers, nous transporte dans un ailleurs qui nous dépayse (et nous enchante). Parfois on tourne (mais de très loin!) autour d’un standard. Dans le livret un beau texte de Nicole Caligaris, sans livrer les clés du mystère, nous ouvre des portes d’écoute et d’émois. Cette musique gardera sa part de d’indicible, et c’est cela qui la rend fascinante. Et pourtant elle peut nous toucher dans l’immédiateté de sa sonorité, de ses constructions labyrinthiques, de ces moments d’équilibres vertigineux qui se résolvent chaque fois dans un nouvel étonnement. Du Grand Art.

Xavier Prévost

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Des avant-ouïr sur Youtube

https://peeweelabel.com/fr/videos/50

https://peeweelabel.com/fr/videos/49

David Chevallier (guitare, ordinateur), Laurent Blondiau (trompette), Sébastien Boisseau (contrebasse), Christophe Lavergne (batterie)

Sarzeau (Morbihan), février2022

Yolk Records J 2090 / l’autre distribution

Une aventure qui trouve sa source dans la fascination du tout jeune David Chevallier pour une compilation des guitaristes du catalogue ECM, et quelques années plus tard dans sa rencontre avec Kenny Wheeler, puis avec John Taylor, avec lequel il a joué dans divers contextes. C’est inspiré par ce trompettiste et ce pianiste qu’il s’engage dans l’élaboration de ce programme. Une rencontre lors dune tournée scandinave avec le trompettiste finlandais Tomi Nikku concrétisera ce projet, et le groupe donnera des concerts dans divers lieux, comme par exemple le festival D’Jazz de Nevers en novembre 2021. Finalement c’est Laurent Blondiau qui se joindra au trio avec lequel David Chevallier joue depuis dix ans et a déjà publié plusieurs disques.

Même si le disque est inspiré par les deux musiciens précités, toutes les compostions sont signées par David Chevallier, sauf un thème extrait de Music For A While de Purcell, joué dans une beau respect mélodique, avec de savants contrepoints, après une introduction très libre de Laurent Blondiau. Pour le reste, sous un caractère parfois éthéré (que d’autres diraient planant) se joue la formidable finesse du compositeur-guitariste et de son trio d’origine, sur quoi le jeu de Laurent Blondiau pose des phrases lyriques, expressives, parfois virulentes. C’est d’une profonde musicalité, et d’une grande beauté : chapeau bas !

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=_TBGyD6SdYE&t=1s

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Le groupe est en concert : le 15 octobre à Paris pour ‘Jazz sur le Vif’ à la Maison de la Radio, puis le 18 novembre au Petit Duc d’Aix-en-Provence, et le 14 décembre à Nantes, Salle Paul Fort

Horace Tapscott (piano, composition), Arthur Blythe (saxophone alto), David Bryant & Walter Savage Jr (contrebasses), Everett Scott Brown Jr (batterie)

Los Angeles, 1969

en CD et LP, Mr Bongo MRBDC 256, MRBLP 256

Horace Tapscott est mort en 1999, et pourtant beaucoup d’inédits voient encore le jour, et c’est tant mieux ! Récemment c’était «Legacies Four Our Grandchildren» (Dark Tree / Orkhêstra), enregistré en 1995. Et cette fois c’est une séance de ses débuts phonographiques pour le label Flying Dutchman («The Giant is Awakened»)

D’ailleurs l’un des titres (For Fats, composition d’Arthur Blythe) figurait sur ce disque dans une version beaucoup plus brève. On est en plein dans l’effervescence de l’époque, où les libertés cadrées/décadrées d’Eric Dolphy, et les aventures d’Ornette Coleman ou Cecil Taylor, traçaient à grands traits le devenir du jazz. Et Horace Tapscott traverse avec une verve incroyable tous les langages du jazz moderne et post-moderne. C’est un régal de fougue, de liberté, dans les codes des musique afro-américaines. Un régal, et pas seulement pour les nostalgiques des sixties !

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube

Studio Sextan (Malakoff) février-mars 2022.

Peewee !/Socadisc. Sortie le 30 septembre.

    Dans les temps anciens, le solo de batterie divisait les spectateurs des concerts de jazz, les néophytes s’émerveillaient devant la virtuosité et le spectaculaire tandis que les puristes (les plus radicaux) en profitaient (c’était permis) pour sortir « griller une cigarette » ou « s’enfiler un canon ». Une époque (quelque peu révolue) où les solistes prenaient leur temps au risque de « jouer la montre ».

    L’heure étant à la sobriété si ce n’est au minimalisme, cet exercice a quelque peu disparu. Il n’en reste pas moins que le solo de batterie a ses maîtres, ainsi que vient de le rappeler Frank Bergerot dans le cd « Les As de la Batterie Moderne » livré avec le dernier numéro de Jazz Magazine (n°752, septembre 2022). Et quels as ! Kenny Clarke, Max Roach, Philly Joe Jones, Art Blakey, Roy Haynes (seul survivant à ce jour). A cette courte liste, pourrait bien s’ajouter désormais Simon Goubert. L’un des rares batteurs couronnés du Prix Django Reinhardt de l’Académie du Jazz (c’était en 1996) s’est lancé dans un défi à la hauteur de ses talents. Construire une œuvre en s’inspirant d’un univers sonore mis au point par le compositeur Ivan Wyschnegradsky (St Petersbourg 1893- Paris 1979) sur un piano accordé au ¼ de ton. A l’issue d’un concert de ce dernier en 1977, « je m’étais juré d’un jour me rapprocher de cette musique », témoigne-t'il. Il aura donc fallu plus de quatre décennies pour sa concrétisation.

    En studio, le batteur a monté un dialogue entre deux batteries (une Gretsch, assez classique, et une Repercussion de conception acoustique innovante). Le résultat surprend, séduit, estomaque. Foin de toute virtuosité, place à la musicalité dans « Le Matin des Ombres », suite en trois parties (pièce centrale de l’album complété de compositions courtes et percutantes signées également du jazzman) ... Une expression qui renvoie aussi bien au jazz qu’à la musique contemporaine. Un objet sonore non identifiable qui donne à réfléchir et jamais ne lasse.

    Laissons le dernier mot à la vice-présidente de l’association Ivan Wyschnegradsky, Martine Joste : « en mariant ses impros percussives à de brèves séquences extraites d’œuvres de Wyschnegradsky mises en répétition (….) Simon Goubert a superbement réussi cette intégration qui aurait pu paraître improbable ».

Jean-Louis Lemarchand.

Sophie Bernado (basson, voix, effets), Céline Grangey (traitement du son, insertion de séquences sonores, prise de son)

invité pour deux plages : Ko Ishikawa (orgue à bouche)

Lamaguère (Gers),février 2021

Ayler records AYLCD-177 / Orkhêstra

http://www.ayler.com/lila-bazooka-arashiyama.html

Une musique d’osmose, de collaboration complice et libre. Le basson, et aussi la voix de Sophie Bernado, sont traités par l’instrumentiste au gré de son inspiration, de son désir de produire une sonorité qu’elle imagine, comme en un rêve et, sur cette matière instrumentale et vocale, Céline Grangey intervient, modifiant le son, proposant par son traitement ou ses inserts une écoute augmentée. Il en résulte une proposition artistique inédite, audacieuse, et très cohérente. Le son du basson, son expressivité et sa musicalité sont magnifiés par la prise de son. Les sons et la voix se mêlent pour créer un univers d’une grande singularité. Inclassable évidemment, et c’est ce qui fait le prix d’une telle aventure. La musique (comme le visuel du CD) est inspirée par le Japon, où le duo avait fait un long séjour. Et c’est assez naturellement que deux plages se jouent en compagnie de Ko Ishikawa et de son orgue à bouche (que l’on appelle sho). Une beau moment de musique, à recommander à celles et ceux pour qui la musique est un monde de surprises, d’étonnements et de sensations inédites, et qui nous rappelle que l’Art (avec un grand ‘A’) se joue hors des sentiers battus et rebattus.

Xavier Prévost