STAYING IN TOUCH SINNE EEG & THOMAS FONNESBAEK

STUNT RECORDS/UVM

Take Five - YouTube

Just One of Those Things - YouTube

On retrouve avec plaisir le couple formé par la chanteuse danoise Sinne EEG et le contrebassiste Thomas FONNESBAEK depuis leur premier album en 2015 : cette configuration piano/contrebasse, plus originale que celle formée par piano/voix, réduite à l’essentiel, fonctionne très bien. On pense au duo italien de Musica Nuda (Petra Magoni et Ferruccio Spinetti) qui opérait plus dans le registre de la pop et de la variété, mais le répertoire des Danois est éclectique : ils reprennent avec goût des standards éternels de Cole Porter et Irving Berlin, le “Take Five” de Brubeck, “Round Midnight”, ils n’hésitent pas donner leur version épurée de “The long and Winding road” des Beatles ni “The Dry cleaner from Des Moines de Joni Mitchell et Mingus, sans oublier leurs propres compositions, des originaux du contrebassiste ou de la chanteuse “Spring Waltz” et “Streets of Berlin”. On sent bien que le plaisir de chanter de belles mélodies les anime tous deux; ils ne rechignent pas un certain luxe, en faisant appel à un quatuor à cordes pour étoffer trois des onze titres de l’album.

Leur entente est plus que cordiale, ce format exigeant un accord parfait, le résultat produit une grande liberté. La chanteuse danoise est devenue une star: la “sirène” de Copenhagen met dans son interprétation un naturel assez remarquable : elle chante sans forcer sa voix de velours, avec un bel ambitus, une aisance certaine pour distiller des effluves pop ou rester dans un jazz intimiste : un timbre chaud et rond, une énonciation parfaite, un swing qui ne trompe pas, une aisance dans le scat et un certain goût pour oser reprendre à sa façon sans imiter, même si elle a écouté les divas du jazz vocal, notamment Sarah Vaughan (“How deep is the ocean?”). Ainsi “Just one of these things” de Cole Porter est pris à un tempo ultra-rapide, s’écartant des versions sculptées, étirées de Sinatra ou Billie Holiday. Son complice, des plus fiables, lui sert un accompagnement précis et précieux, il est pour beaucoup dans le charme de cet album aux nuances délicates. Staying in touch leur a réussi, qu’ils continuent leur collaboration est tout ce qu’on leur souhaite.

Sophie Chambon

Thomas Curbillon (chant et guitare), Eric Legnini (piano, Fender Rhodes), Thomas Bramerie (contrebasse), Antoine Paganotti (batterie), Stéphane Belmondo (trompette, bugle), Pierre Bertrand (arrangements, saxophones, flûte), Stéphane Chausse (saxophone alto, clarinette), Michel Feugère (trompette), Philippe Georges (trombone), Daniel Yvinec (réalisation). Studios Libretto et Durango.

Jazz & People / Pias.
Paru le 24 septembre.

Le milieu de la musique -et tout spécialement du jazz- n’a guère de secrets pour Thomas Curbillon que ce soit les maisons de disques, la radio (programmateur à FIP), ou la scène. Mais le guitariste et chanteur ne s’était pas encore aventuré dans la création d’un album. Les choix opérés pour ce premier disque se révèlent audacieux, la langue française comme véhicule et pour la plupart des morceaux retenus des compositions personnelles.

La barre est mise à bonne hauteur. Pour cette ascension, Thomas Curbillon a mobilisé une équipe d’excellence chez les interprètes (Eric Legnini, Thomas Bramerie, Stéphane Belmondo entre autres) sous la houlette d’un maître de l’arrangement, Pierre Bertrand et d’un expert en réalisation, Daniel Yvinec. Du travail soigné, élégant, gorgé de swing et de sensibilité, propre à séduire fans de jazz et amoureux de la chanson française. Certains, parmi les « anciens », y trouveront une filiation avec deux « vedettes » qui mariaient avec bonheur jazz et chanson, Sacha Distel (pour la partie instrumentale) et Henri Salvador (pour l’exercice vocal), notamment dans une reprise de Petite Fleur, énorme tube de Sidney Bechet qui bénéficia des textes d’un orfèvre, Fernand Bonifay (1920-1993).

Teaser

Pas question de regarder seulement dans le rétroviseur. On apprécie la petite musique personnelle signée par Thomas Curbillon et sa parolière Gaëlle Renard. Avec « Place Ste Opportune », référence au lieu central de la scène jazzistique des Halles, le guitariste-chanteur(de charme) nous offre un album des plus plaisants.

Jean-Louis Lemarchand.

Thomas Curbillon sera en concert de présentation de l’album le 28 octobre au Bal Blomet (75015).et le 8 décembre à Cenon (33) au Rocher de Palmer.

©photo Anabelle Tiaffay.

Louis Moutin (batterie, composition), Jowee Omicil (saxophones alto, ténor & soprano, clarinette), François Moutin (contrebasse)

Malakoff, 1-4 septembre 2020

Laborie Jazz LJ 59 / Socadisc

Je dois l'avouer, la première fois que j'ai écouté Jowee Omocil sur scène, à l'EuropaJazz Festival du Mans, en 2018, j'ai trouvé que sa prestation comportait beaucoup d'ostentation et pas beaucoup de musique.... Ce disque m'a fait changer radicalement d'avis, et je crois pour longtemps. Leur musique procède d'une sorte de magie, d'un surgissement en apparence spontané qui porte, dès les premières notes, la musique à son plus haut degré. Cela tient sans doute à la personnalité musicale des trois protagonistes, qui aiment à se jeter dans le vide avant de mesurer la profondeur du gouffre. Leur histoire commence par une rencontre fortuite de François Moutin et Jowee Omicil sur un tournage pour une série de Netflix, où ils profitent des pauses pour improviser ensemble. Retrouvailles à Paris chez Louis, le frère de François, et sans préparation la découverte d'une cohésion immédiate. Le disque reflète ce mélange de spontanéité et d'expérience. Ces déjà vieux routiers possèdent au plus haut degré l'art d'avancer sur le fil, sans peur du gouffre qui n'est ici que l'aiguillon de la créativité collective. L'enfance de l'Art en somme, d'un Art que l'on continue d'appeler le jazz, au fil de ses infinies métamorphoses. Chaque titre paraît être le prolongement d'un chorus joué (hier, ou demain si j'en crois Julio Cortázar et son Homme à l'affût), c'est comme une entrée de plain pied dans l'ivresse à la seule vue du flacon, ou simplement de son évocation. Magnifique !!!

Xavier Prévost

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Sur Youtube le récit, par les intéressés, de la genèse de ce trio

https://www.youtube.com/watch?v=0_iD6Kj_Bg4

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Le trio est en concert à Paris (New Morning) le 11 octobre, puis le 14 à La Rochelle et le 16 à Limoges

Pierre-Antoine Badaroux (saxophone alto, direction), Antonin-Tri Hoang (saxophone alto, clarinette), Pierre Borel (saxophone ténor, clarinette), Geoffroy Gesser (saxophone ténor, clarinette, clarinette basse), Benjamin Dousteyssier (saxophones baryton, alto & basse), Brice Richard, Pauline Leblond, Gabriel Levasseur, Emil Strandberg (trompettes), Michaël Ballue, Alexis Persigan, Robinson Khoury (trombones), Judith Wekstein (trombone bass), Matthieu Naulleau (piano), Romain Vuillemin (guitare, banjo), Sébastien Béliah (contrebasse), Antonin Gerbal (batterie)

et sur certaines plages

Liselotte Schricke (flûte), Sylvain Devaux (hautbois), Ricardo Rapoport (basson), Nicolas Josa (cor), Hugo Boulanger, Aliona Jacquet, Clémence Meriaux, Stéphanie Padel, Manon Philippe, Lucie Pierrard, Émilie Sauzeau, Léo Ullman (violons), Issey Nadaud, Elsa Seger (alto), Félicie Bazelaire, Elsa Guiet (violoncelles)

Paris, 22-27 janvier 2021

Umlaut Records UMF R-CD 34-35 / l'autre distribution (double CD)

L'hommage du big band à la pionnière Mary Lou Williams. Mais pas un hommage compassé et formolé : un vrai travail de recherche, effectué par Pierre-Antoine Badaroux et Benjamin Dousteyssier dans les archives recueillies par l'Institute of Jazz Studies de Newark, sur des partitions autographes et parfois inachevées. Des inédits, de multiples versions de son légendaire Mary's Idea (dont un arrangement pour big band de la dernière version, 1947, baptisée Just An Idea), un thème inauguré par l'orchestre d'Andy Kirk (dont elle fut longtemps la pianiste) dans les années 30. Et ses arrangements pour Duke Ellington, qui ne les joua pas tous, et la paya avec parcimonie.... Et aussi des arrangements pour l'orchestre de Cootie Williams. Sans oublier des extraits de sa Zodiac Suite, et trois extraits de son History of Jazz for Wind Symphony, composée pour l'orchestre de Duke University et laissée inachevée. Bref une véritable somme, à inscrire dans les repères patrimoniaux du jazz (on devrait plutôt dire matrimoniaux, en référence au matrimoine, corpus des œuvres conçues par des femmes). Une fois de plus, ce grand orchestre, qui rassemble une encore jeune génération (qui pratique aussi le jazz contemporain et les musiques improvisées les plus hardies), fait preuve d'une insatiable curiosité, et d'un talent à la hauteur de l'enjeu. Bravo !

Xavier Prévost

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Le disque à été enregistré à la Philharmonie de Paris, coproductrice de ce formidable projet. Et l'Umlaut Big Band jouera ce programme à la Philharmonie le 9 octobre 2021 en première partie du Lincoln Center Jazz Orchestra. Et l'Umlaut Big Band jouera ensuite à Brest le 14 octobre pour l'Atlantique Jazz festival

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Un avant-ouïr sur Le Grigri

https://www.le-grigri.com/blog/2021/6/23/premiere-umlaut-big-band-chunka-lunk-marys-ideas-umlaut-records

Sur Youtube, une vidéo inspirée par le film du photographe Gjon Mili en 1944

Dominique PIFARELY  "SUITE : ANABASIS" 

Dominique Pifarély, violon, composition
Valentin Ceccaldi, Bruno Ducret, violoncelles
Sylvaine Hélary, flûtes
Matthieu Metzger, saxophones soprano et alto
François Corneloup, saxophone baryton
Antonin Rayon, piano, synthétiseur moog
François Merville, batterie

Jazzdor Series #10 | Jazzdor

Production Jazz d’or/ Philippe Ochem

Contact/booking | Dominique Pifarély (pifarely.net)

Anabasis, dernier projet du violoniste Dominique Pifarély, est une suite inspirée du poème de Paul CELAN, source profonde aux mots desquels le violoniste s’abreuve. Cette musique dense, montée de façon complexe, saisit dès l’ouverture. Cinq longues compositions, jamais faciles qui prennent le temps d’installer ce climat fiévreux, familier mais néanmoins accessible si on prête l’oreille, dans une attention “flottante” qui n’est pas rêverie, mais plutôt attente de ce qui va advenir. Pifarély poursuit son infatigable travail d’écriture et d’improvisation : sa musique ardente, au-delà de la sensibilité et du lyrisme attendus, répond à une mécanique de grande précision, intellectuelle et pourtant sensible.

La mise en place redoutable donne une grande lisibilité à l’ensemble malgré la variété des textures et la finesse des tuilages. Une musique de chambre contemporaine, plus qu’un jazz de chambre, où l’improvisation prend toute sa place avec gourmandise. Des lignes nettes sans être tranchantes.

Anabasis commence par une note, un “si” joué de façon insistante au piano avant que n’entre en scène le sax baryton de François Corneloup, précédé de frottements, crissements, bruissements d’ailes. Puis c’est le tour des cordes. L’ambiance est tendue,  énigmatique. Et totalement passionnante dès ce son obstiné inaugural. Une réjouissante austérité où rien ne s’installe longuement, entrées et sorties, tutti vibrants, contrepoints délicats. Deux autres titres de compositions, après “Anabasis”, “Grille de paroles” et “Radix” sont aussi du poète, vrai déclic de l’inspiration : une grille de paroles comme en jazz, nerveuse, débridée où les cordes sont des voix effrayées, précipitées avant que le clavier ne les calme et réajuste l’ensemble, aidé de chants d’oiseaux flûtés, drôles de volatiles qui partent à tire d’aile.

Chacun a son rôle taillé sur mesure, et s’en acquitte avec élégance et virtuosité, le casting étant royal. Ce nouveau groupe de Dominique Pifarély poursuit en le renouvelant le travail mené de 2005 à 2015 avec l'ensemble Dédales. Dans le format resserré d’un octet, on retrouve la rythmique puissante et fidèle de François Corneloup, François Merville, Antonin Rayon mais de nouveaux complices Sylvaine Hélary, Matthieu Metzger, Valentin Ceccaldi et Bruno Ducret, rejoignent les rangs, autour du violoniste.

Les traits souvent exacerbés du violon, le jeu pertinent du piano, la percussion colorée de la batterie, toutes ces composantes entrent dans cette partition subtile. Quelque chose qui ressemble à l’écriture à vif, qui jamais ne se pose et qui fait sens. Il faut beaucoup écouter pour se bâtir un répertoire mental de sons et les conjuguer. Les associations de timbres comme de saveurs partent souvent d’une histoire, d’alliances ou alliages parfois contre-nature ou à contresens qui cherchent l’accident, l’artefact. Des fulgurances peuvent pousser loin les curseurs de l’ouïe, brouillant les frontières. Les dissonances ne font pas peur.

L’écriture musicale donne à la fois une géographie précise (parties écrites instrumentales) et plus instable ( improvisations) qui s’inscrit dans une certaine durée, comme en 2014, le singulier Time geography. Mais avec Anabasis, c’est un temps circulaire, proustien qui fait retour :

L’anabase, c’est la remontée de la mer vers les terres (…) et la sortie d’exil. Cette montée est aussi un retour, qui paradoxalement s’effectue dans l’avenir.”
Martine Broda, “Dans la main de personne, essai sur Paul Celan”.

Au caractère fragmentaire de la phrase célanienne répond en correspondance la musique de Pifarély, encore que ce mot soit trompeur; le compositeur s’appuie sur les rythmes et syncopes, et d’autres éléments musicaux pour avancer dans ce passage du texte aux sons. La transdisciplinarité est de mise : l’écriture et la musique sont liées depuis si longtemps mais rarement menées conjointement de façon satisfaisante : Et puis toujours ce truc qu’on ne règle pas, entre les programmateurs littéraires qui trouvent ça quand même un peu trop contemporain et les tourneurs musiciens qui ne pigent pas les textes, écrit  le complice François Bon.

Il ne s’agit pas d’illustration, ne cherchons point de lien de sens entre le poème et la musique, ni de rapport de contenu, de traduction de forme artistique en une autre. Chacune est pleine, surgissant hors d’elle même, presqu’incontrôlable. Et l’on ne peut qu’apprécier la performance collective, la direction de cette suite jusqu’à la clôture, sur un “si” dans “Sans bruit, les voyageurs”.

Sophie Chambon