FABIEN MARY AND THE VINTAGE ORCHESTRA

TOO SHORT

LABEL JAZZ & PEOPLE/ DISTRIBUTIN PIAS

Fabien Mary – trompettiste / compositeur / arrangeur

The Vintage Orchestra:
Erick Poirier, Julien Ecrepont, Fabien Mary, Malo Mazurié : trompette
Dominique Mandin, Olivier Zanot, Thomas Savy, David Sauzay, Jean-François Devèze: saxophone, clarinette, flûte
Michaël Ballue, Michaël Joussein, Jerry Edwards, Martin Berlugue, Didier Havet: trombone
Florent Gac: piano
Yoni Zelnik: double basse
Andrea Michelutti: batterie

Le trompettiste Fabien Mary a beaucoup joué dans différents big bands, à Paris (Paris Jazz Big Band, Dal Sasso-Belmondo Big Band, Stan Laferrière Tentet, Gérard Badini Super Swing Machine, Michel Legrand Big Band, François Laudet Big Band). Sans oublier le Vintage Orchestra avec lequel il joue depuis sa création, leur premier disque datant de 2003.

Elle est donc longue l’histoire de Fabien Mary avec The Vintage Orchestra. Il a pu en conséquence concocter du “sur mesure” pour cette rutilante machine!

Après son Left Arm Blues, en octet, en 2018, il passe à la taille au-dessus, celle d’un grand format, accompagné de 16 musiciens : 5 (saxophone, clarinette, flûte), 4 trompettes, 5 trombones, piano, contrebasse, batterie. Le répertoire est de sa composition, dix pièces arrangées par ses soins qui mettent en valeur les cuivres, équilibrent les différents pupitres et c’est Dominique Mandin qui dirige cette formation parisienne.

De la pochette de l’album dans le style des Blue Note de la grande époque aux premiers accents du titre éponyme, “Too Short”, on se croirait revenu à l’époque des grands orchestres, mais pas exactement ceux de Duke ou du Count ou de l’ère swing. Le trompettiste s’est familiarisé avec toute sorte d’arrangeurs différents, et il va voir du côté des grands, comme Gil Evans, Thad Jones ou Bill Holman ( chez Stan Kenton, ou dans son big band), le tromboniste Slide Hampton et le pianiste Duke Pearson. Pour ces deux derniers, Fabien Mary a d’ailleurs composé un hommage, respectivement “One for Slide” et “D.P” ( Song for Duke Pearson).

L’écriture est virtuose, toutes les compositions sont de sa plume, sans le recours aux standards, mais fidèle à la tradition. Le trompettiste sait composer pour des solistes qui se distinguent au coeur des compositions. Et il a le bon goût de rester en retrait.

Peut être que le point commun avec les grands arrangeurs est de considérer l’orchestre comme un instrument et de créer une musique pour musiciens. S’il ne les a pas choisi, il a joué avec les musiciens du Vintage, il sait comment les faire résonner, swinguer, marier timbres et couleurs; tout à fait en mesure d’écrire une musique sur des tempos qu’ils soient capables de jouer, étoffant la complexité de son écriture puisqu’ ils sont en mesure d’improviser! Il cadre très proprement l’ensemble sur CD, qui peut exploser sur scène!

Malgré une grande fluidité, la simplicité n’est qu’apparente. On salue un travail des plus soignés pour des instrumentistes chevronnés, qu’il faut tous citer. Tous font un boulot admirable, mettant leur technique, inscrite dans la tradition, au service d’une grande élégance et générosité! Rendons hommage à l’instigateur de ce projet brillant, fédérateur, qui a travaillé une structure rigoureuse et dense pour aboutir à un jazz effervescent, à flot continu, encore porteur de sens et de vertus formelles!

Sophie Chambon

PHILIPPE MOURATOGLOU TRIO RICERCARE

Visions fugitives

www.visionfugitive.fr

VISION FUGITIVE - Catalogue

www.philippe-mouratoglou.com/fr

Philippe Mouratoglou doit rêver ses disques et il parvient à les réaliser avec le soutien de Vision Fugitive, un label exigeant jusqu’à la conception du livret (excellentes notes de Pascal Rozat, peintures d’Emmanuel Guibert ). Et un trio qui fonctionne à l’intuition, recherchant formes et couleurs sonores, comme le ferait un peintre dans son atelier. Emmanuel Guibert qui suit le façonnage toujours soigné des albums du label, se concentre cette fois sur Varengeville, sur la côte d’albâtre, en Normandie, où Georges Braque installa son dernier atelier, attirant tous ses copains peintres, fascinés par la lumière marine, les bocages et valleuses herbues.

Après Universolitude (Eluard), le deuxième album de ce trio inclassable qui brouille les repères, Ricercare, est bien nommé. Ricercare, c’est “rechercher” et nous voilà à pied d’oeuvre avec cette fine dentelle sonore qui éveille l’imagination, entraîne des visions comme dans l’inaugural “Cherokee”, titre qui pourrait nous balader. Il ne s’agit point du standard de Ray Noble mais d’une référence à Joni Mitchell, la dame de Laurel Canyon et d’un emprunt à l’un de ses “open tunings”, accordages ouverts, qui facilitent la tâche, en jouant sans la main gauche des accords majeurs ou mineurs. Philippe Mouratoglou aime aussi perdre ses repères digitaux, se lancer sans réfléchir, dit-il, abandonner les plans et autres réflexes guitaristiques, se laisser porter par ce qui advient, la musique du hasard. La scène s’ouvre à un lieu d’expériences, ces accidents somme toute heureux, car le hasard aussi a son mot à dire. Le guitariste n’a peur de rien mais il peut se le permettre, il joue avec une telle dextérité, et de tous ses doigts, ça lui réussit!

Les guitares folk à cordes en métal induisent de longues résonances et une étrange familiarité, l’instrument recrée les images du genre, avant de les contourner, tout en restant dans une même perspective. Philippe Mouratoglou ne tombe jamais dans le piège attendu du lyrique quand il en a toutes possibilités.  On va ainsi de surprise en surprise avec l'envoûtant “Bleu Sahara” et  ce “Shamisen” joué au mediator, qui attaque fort, avec un son loin du luth japonais du titre. Le guitariste qui fréquente plutôt les classiques, aussi à l’aise dans le baroque que le contemporain, pourrait se voir associé à d’autres styles, inclassable guitar hero, à qui il ne manque que l’électrique.

Les compositions ont des titres inspirés de poèmes, le guitariste ayant saisi la leçon des “correspondances”, tentant avec succès d' habiller sa musique. Sur les dix titres, on compte une reprise du thème magnifique de Jimmy Rowles “The Peacocks”, ce “Ricercare” XXXVIII d’un luthiste du XVIème qui ne trompe pas sur sa provenance baroque. “Inventions sur Curumim” est plus intrigant: librement inspiré de Curumim, cette chanson brésilienne est transformée au point de ne pas en déceler l’origine, à la première écoute.

Venons-en aux indispensables complices, les partenaires de cet hydre à trois têtes, trio à l’instrumentation peu classique ( guitares acoustiques, contrebasse, batterie). Ils poussent toujours plus loin les compositions, apportant  leurs nuances coloristes dans une texture soyeuse qui enchaîne climats d’une grande douceur et atmosphères plus engagées. 

Ramon Lopez, maître du rythme est souvent plus affairé à peindre sa toile sonore, projetant une pluie de sons, myriades de gouttes sonores sur  la mélodie de Mouratoglou. La contrebasse structurante de Bruno Chevillon, toujours impeccable, ajoute le raffinement d’autres cordes en action. La rythmique joue à une improvisation complice, brossant tout un arrière-pays dans une tonalité sourde qui traduit une émotion souvent contenue. Et quelle réussite que ces deux duos en miroir, l’un avec Bruno Chevillon qui travaille l’archet dans “Capricornes” et l’autre avec Ramon Lopez, dans cet improbable “Shamisen”.

Ce trio singulièrement attrayant fait le pont entre des musiques a priori inconciliables, en montre au contraire les affinités, propose toute une galerie d'expressions. Avec la souplesse d’une musique qui n’est jamais mieux servie que quand elle est jouée avec douceur.

Sophie Chambon

DMITRY BAEVSKY

SOUNDTRACK

Jeb Patton( p) David Wong (cb)Pete Van Nostrand (dms),

Fresh Sound New Talent

Dmitry Baevsky

Dmitry Baevsky SOUNDTRACK (album trailer) - YouTube

SOUNDTRACK 

Dernier projet du saxophoniste russe Dmitry Baevsky, son neuvième album est une confession qui décline 13 titres enregistrés dans le New Jersey fin 2019, avec des musiciens du sérail. Seulement deux originaux se glissent  au sein d’une sélection de standards, des valeurs sûres. La musique s’écoute sans mots mais notre altiste se livre avec pudeur dans le livret et c’est bien. Car cette lecture est absolument indispensable pour comprendre le parcours compliqué, la drôle de vie d’un jeune musicien de 19 ans, obligé d’abandonner son saxophone à l’aéroport de sa ville natale, Leningrad, alors qu’il s’envolait pour deux semaines de stage aux Etats Unis. Il y restera plus de vingt ans pour apprendre le jazz, en assimiler les codes et en faire sa langue. Il quittera cependant ce pays où il s’était fait un nom sur la scène new yorkaise, pour Paris, repartant une fois encore à zéro : une nouvelle terre d’accueil, une plongée dans une culture et une langue différentes. Courageux sans doute mais cela en valait la peine, puisqu’ il y a enfin trouvé son point d’ancrage, il y a cinq ans, en fondant une famille….

Avec cet arrière-plan, on suit le montage de l’album selon une liste de titres, qui ne sont pas dus au hasard, qui nous baladent à travers des formes musicales, volontairement ouvertes: après une chanson populaire russe de son enfance, en ouverture et l'une de ses compositions, “Baltiskaya” du nom de la station de métro proche de chez lui, on suit ses petits cailloux qui ont pour nom “Invisible”, “Autumn in New York”, “Stranger in Paradise”, “Tranquility”, “Afternoon in Paris”. Ce sont de petites pièces, choisies et assemblées pour composer un portrait fragmenté, en puzzle. Pas de faux-pas, avec même quelques titres étonnants, des standards qui n’en sont pas vraiment, puisque peu joués, comme “Le coiffeur” de Dexter Gordon. Faisant remonter une vague de souvenirs qui aurait aussi bien pu le submerger, il essaie de leur donner forme dans une déclaration d’amour au jazz américain, à New York, à Paris. Son style est affirmé, solidement ancré dans le mainstream, son timbre d’alto, chaud, profond. Attaché à la clarté des lignes qui peuvent masquer une complexité formelle, Il se sert de la musique comme d’un langage accessible à tous, soutenu par une grande complicité avec les membres de son quartet, une rythmique impeccable qui swingue avec finesse. L’accord est parfait avec son alter ego au piano, Jeb Patton : avec lui, la compréhension est immédiate, ils attaquent sur n’importe quel tempo, à l’aise dans un bop techniquement vif “Over and Out”, ralentissent voluptueusement dans les ballades (“Autumn in New York”), sont délicieusement funky dans “The Jody Grind” du grand Horace Silver. Dmitry Baevsky a le chic de conclure sur "Afternoon in Paris" en trio sans piano, par amour de la formule. Un sans faute!

Sophie Chambon

Deux disques : un duo avec invité, et un duo stricto sensu

DANIEL ERDMANN & STÉPHANE PAYEN «Bricabracomaniacs»

Daniel Erdmann (saxophone ténor), Stéphane Payen (saxophone alto)

invité sur deux plages : Paul Erdmann (violon alto)

Reims, printemps 2018

Yolk Records J2084 / l'autre distribution

Ce n'est probablement pas un hasard si la première plage installe une atmosphère proche des inventions de Bach (d'ailleurs le livret nous dit que c'est conçu, comme une autre plage du CD, d'après le Cantor de Leipzig). Tout le disque paraît élaboré selon un sorte de science de la combinatoire, un jeu de constructions mélodiques, rythmiques et harmoniques qui s'offrent à nous comme un exquis labyrinthe où l'on a plaisir à se perdre. Outre les deux saxophonistes, les autres pourvoyeurs de thèmes sont Doug Hammond, Steve Argüelles et le saxophoniste néerlandais Jorrit Dijkstra. Et tout le répertoire semble procéder de cette démarche en spirales vertigineuses. Cet enregistrement, réalisé au Centre National de Création Musicale Césaré à Reims, nous ouvre les portes d'un univers plein de surprises, de jaillissements, d'harmonie et de tensions, mais abondamment pourvu aussi d'une sensualité musicale palpable. Comme chez Bach, ou pour le jazz chez les héritiers de Tristano (Lee Konitz en duo avec Warne Marsh, parmi d'autres), ce que l'on croirait à tort une pure construction de l'esprit se révèle constamment à l'immédiateté de nos sens. Bref c'est de la vraie Grande Musique.

AKI TAKASE & DANIEL ERDMANN «Isn't It Romantic»

Aki Takase (piano), Daniel Erdmann (saxophones ténor & soprano)

Budapest, 3-4 août 2020

Budapest Music Center BMCCD 301 / Socadisc

La formule piano-saxophone, comme le titre de l'album (celui du standard qui conclut les 13 plages) pourrait nous laisser penser qu'il s'agit d'un disque 'à l'ancienne'. Il n'en est évidemment rien, même si l'engagement total dans la musique, dans la substance mélodique comme dans la sensualité du timbre, peut nous rappeler des émois du passé. C'est comme une joute, un dialogue qui tourne au défi, mais se résout dans la convergence musicale, dans la subtilité des nuances et dans une forme de sensualité suscitée par le timbre du saxophone, et sublimée par la palette harmonique du piano. Daniel Erdmann est, comme sa partenaire Aki Takase, rompu à tous les langages.Tout le vingtième siècle constitue le spectre de cet univers, du jazz presque classique aux improvisations les plus libres, avec aussi à quelques rythmes qui rappellent Stravinski, quelques lignes mélodiques sinueuses qui nous entraînent du côté de Bartók, sans parler d'instants lyriques qui feraient revivre Berg, et d'un dépouillement qui ferait rêver à Satie. Vous penserez que je fantasme, et vous aurez sans doute raison. Comme (presque) tout le monde, j'écoute la musique avec ma mémoire, même quand elle m'entraîne sur un sentier inconnu. Bref cette musique m'a emporté loin de mes bases. C'est signe sans doute que c'est de la très très bonne musique.

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr du duo Aki Takase – Daniel Erdmann sur Youtube

Franck Assemat (saxophone baryton), Christiane Bopp (trombone, saqueboute), Xavier Bornens (trompette & bugle), Morgane Carnet (saxophone ténor), Sophia Domancich (pianos, piano électrique), Michel Edelin (flûtes), Jean-Marc Foussat (synthétiseur, voix), Dominique Lemerle (contrebasse), Christian Lété (batterie), Rasul Siddik (trompette, percussions, voix), Sylvain Kassap (clarinettes), Jean-François Pauvros (guitare, voix) & Gérard Terronès (présence)

Paris, sans date

Le Générateur LG451 / l'autre distribution

Ce disque est le témoignage et l'aboutissement d'une folle aventure qui vit le jour voici une dizaine d'années, par la grâce d'une conversation entre Jean-François Pauvros et Gérard Terronès. Ainsi naquit l'idée d'un grand orchestre rassemblant des improvisateurs et improvisatrices des générations qui se sont succédées depuis le début des années 70 jusqu'aux années 2000. Gérard Terronès, activiste de la scène et du disque (avec notamment les labels Futura, Marge, puis Futura Marge) fut un acteur majeur des années free. Et Jean-François Pauvros fut l'un des musiciens les plus engagés dans les musiques de l'extrême. C'est dire que, de ce projet commun, ne pouvait surgir que des musiques fécondes et des émois d'une belle intensité. J'ai le souvenir d'avoir assisté à plusieurs des concerts du cycle 'Jazz à La Java', rue du Faubourg du Temple, entre 2012 et 2016. Et sous l'œil bienveillant et l'oreille attentive de Gérard Terronès, c'est un 'Jazz en liberté' qui pouvait chaque fois éclore, comme un écho au titre de l'émission qu'il a longtemps proposée sur Radio Libertaire. Au fil des rencontres, entre les débuts de l'orchestre et ce disque, Futura Expérience a vu passer, en plus des personnes citées plus haut, Leïla Martial, Pierrick Pédron, Claude Barthélémy, Ramón López, Bobby Few, Alexandra Grimal, et beaucoup d'autres qu'il serait vain de vouloir citer de manière exhaustive (d'ailleurs, j'en suis bien incapable....).

Puis est venu le temps d'enregistrer pour aboutir au disque. Gérard Terronès n'a pas vu la fin de cette aventure, mais la liste des membres du groupe se termine ainsi : Gérard Terronès, présence. Plus qu'un symbole, un manifeste.

Mais parlons du disque. Il commence par une étonnante version de Lonely Woman avec, sur une rythmique binaire appuyée, un exposé du thème, lent et majestueux comme une prière, ou un chant rituel, dans un tutti d'où émergent les singularités instrumentales. C'est fort et beau, le décor est dressé. Puis c'est une composition de Jean-François Pauvros, Opale, ressurgie du passé («Hamster Attack», Londres,1988), évocation mélancolique du rivage pas-de-calaisien de la Mer du Nord, rivage cher à son cœur. Retour à Ornette ensuite, avec Sadness. Éclats de liberté sur un canevas qui, décidément, reste sombre. Puis Retrospect de Sun Râ commence par une digression très libre, et très intense, de Sophia Domancich, digression attisée par Sylvain Kassap, Xavier Bornens, Michel Edelin et les autres, sur fond de tambours éloquents. Et le thème s'épanouit, prend ses aises, et s'ouvre aux multiples improvisations ; c'est la plus longue plage du disque, et l'on est embarqué. Fables of Faubus commence sur un monologue rythmé par un piano manifestement choisi pour son désaccord profond. Puis le lancinement historique de ce célèbre thème de combat emporte tout sur son passage. Maintenant c'est Machine Gun (pas celui de Peter Brötzmann, celui de Jimi Hendrix), et ça barde, mais avec une verve lyrique. Puis c'est Totem, signé Michel Edelin, emprunté au répertoire du groupe 'Flûtes rencontre', mais aussi pour nous tous (eux les artistes, nous les amateurs), le souvenir d'un club du treizième arrondissement de Paris, le Totem, où Gérard Terronès fit entendre de très belles musiques, dont certaines immortalisées au disque (Archie Shepp avec Siggy Kessler, Raymond Boni / Gérard Marais Duo, le groupe Perception autour de Didier Levallet.....). Et pour conclure retour à un thème (et à la voix) de Jean-François Pauvros pour Memorias del Olvido, issu du disque «Buenaventura Durruti» (nato, 1996). Un disque fort comme l'amitié et le goût de l'aventure. Bravo les gars et les filles, Gérard aurait aimé ce disque. Je crois même qu'il aurait aimé le produire.

Xavier Prévost

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Un extrait sur le site du Festival Sons d'Hiver 

La bande annonce du documentaire Futura Expérience de Rémi Vinet 

Concert au Théâtre Berthelot de Montreuil-sous-Bois le 20 octobre 2017, 7 mois après la disparition de Gérard Terronès