LALO SCHIFRIN FOR MANDOLIN

Sonata del Sur –Fantaisie & Works of Nicolas Mazmanian

Sortie le 1er février 2021 LABEL LA MAISON BLEUE/SOCADISC

Vincent Beer-Demander (mandoline), Nicolas Mazmanian (piano), Gregory Daltin (accordéon)

compagnievbd.org

Compositions : Lalo SCHIFRIN

Sonata del Sur for mandolin & piano (2017) – 22’35, dedicated to Vincent Beer-Demander

Fantaisie pour mandoline & accordéon (2019) – 11’16, dedicated to Vincent Beer-Demander & Grégory Daltin

Compositions : Nicolas MAZMANIAN

Variations on a theme of Lalo Schifrin for mandolin & piano (2018) – 12’25 Dedicated to Lalo Schifrin

Fantaisie concertante « L.A » for mandolin & piano (2016) – 14’31 Dedicated to Vincent Beer-Demander

Présentation et interview de Lalo Schifrin

Vincent Beer Demander fait souffler un air de nouveauté sur le répertoire de la mandoline, instrument baroque du XVIIème, “a petite soeur de la guitare” à la tessiture du violon ( du sol grave au la suraigu). Les sonorités, le style évoluent. La rencontre avec Vladimir Cosma qui a pu composer une symphonie, une fugue, une chanson, un thème jazz, lui a ouvert de nouvelles perspectives et il a sollicité alors cet autre compositeur de musiques de films, tout autant éclectique, Lalo Schifrin. D’une brève rencontre à Paris en 2016, est né le projet d’un Concerto pour mandoline. Schifrin s’est pris au jeu: d’une grande curiosité, il n’a jamais écarté aucun instrument, et a utilisé, parfois en les isolant ou en les mettant en valeur la flûte dans The Fox, le basson dans The Kid of Cincinnati, ou encore le cymbalum dans Le Village des Damnés. Alors pourquoi pas la mandoline, même si ce qui l’intéresse est la forme du concerto, son organicité. De retour à Los Angeles, Lalo Schifrin compose le «Concierto Del Sur» pour mandoline et orchestre, créé l’année suivante au Festival de Chaillol en France puis à Washington et dans le Maryland aux États Unis.

Vincent Beer Demander fait alors entrer dans le mouvement son collègue enseignant pianiste du conservatoire Nicolas MAZMANIAN ( l’un des derniers élèves de Pierre Barbizet), et lui fait rencontrer à U.C.L.A, Schifrin lors de la création pour le Concierto del Sur. Il s’ensuivra 2 deux pièces inspirées de Lalo Schifrin dont

Variations on a theme of Lalo Schifrin for mandolin & piano (2018) – 12’25 Dedicated to Lalo Schifrin qui débutent le CD.

Les Variations sont un hommage d’un compositeur à un autre, à l’image de celles de Beethoven pour Diabelli. Ou celles de Brahms pour Paganini. La musique créée retraverse la vie du compositeur argentin Lalo Schifrin à travers le choix d’un thème qui fit sa renommée, celui de la série Mission : impossible. De manière plus ou moins évidente, le thème va revenir dans les 7 parties de cette composition. Ce qui paraît intéressant dans la démarche de Nicolas Mazmanian est d’avoir amené toutes ses variations vers le thème et non l’inverse qui est appliqué d’ordinaire.“Argentina” pose le cadre, le tango emblématique des origines, “Nostalgia” évoque directement le thème, mais pas à la manière d’une poursuite comme dans la série : la mandoline, d’une délicatesse extrême étire le temps, l’instant seul compte. Puis, on retrouve les trois premières notes dans un “Preludio” inpiré de Bach piano arpégé; “Cancion” ouvre plus gaiement avant “la vida coloreada” aux rythmes sud américaines tout en effets percussifs. “Armonizacion” s’inspire des couleurs et modes du maître Messiaen. Et la conclusion est sans appel : le thème que tous connaissent et aiment, y compris les plus jeunes, aujourd’hui encore, celui de la série, sortie en 1967!

La Sonata del Sur, for mandolin and piano ( 2017) de plus de 22 minutes, en 3 mouvements, remaniée par Lalo Schifrin à partir de son Concerto créé en 2017 est le morceau de bravoure du CD, bien plus qu’une réduction piano de l’orchestre, une oeuvre de musique de chambre, écrin aux performances des deux instrumentistes. On est très vite perdus dans un mouvement fluctuant sans cesse, des métamorphoses qui s’enchaînent, ne ménageant aucun répit aux spectateurs et plus encore aux instrumentistes. Comme dans une oeuvre classique, trois mouvements se succèdent : une Fantasia joyeuse, Balada, sur un tempo plus lent, a l’atmosphère d’une sérénade donnée sur une gondole glissant mystérieusement sur le Gran Canal. Des ruptures de ton, des passages très brefs d’une mandoline endiablée. Le dernier mouvement Fuego est en correspondance avec son titre, une musique solaire du sud, que ce soit Marseille et la Méditerranée ou L.A et la Californie, plus rapide et excitant, souligné plus par les aspects dynamiques et percussifs que par des dissonances.

Jeux de miroir, de doubles entre mandoline et piano, deux voix, plusieurs lignes mélodiques qui ne se jouent pas souvent en même temps, qui montrent toutes les possibilités de la mandoline, d’une grande palette expressive. On joue sur une corde, ou sur les doubles, usant du trémolo tenu ; on pousse les notes au plectre entre pouce et index, on peut aussi faire entrer en résonance tout l’instrument pour produire le son de la table d’harmonie au dos de l’instrument.

On entend ensuite la Fantaisie Concertante L .A for mandolin et piano, la première composition écrite pour Vincent Beer Demander par Nicolas Mazmanian.

Une forme libre qui fait se succéder le motifs, cousus et recousus, pour solistes. C’est un exercice de style en hommage au mandoliniste à son énergie indomitable et son humour avec trois mouvements : un prélude à la manière de musique ancienne, avec des trémolos vifs; un “humoreske” appuyé et saccadé marche rock pour finir par une “Rêverie” plus “classique mais d’une énergie fluide.

Le CD se termine avec une dernière pièce de Lalo Schifrin très originale et qui porte pourtant sa griffe, la Fantaisie pour mandoline et accordéon de 2019 qui met en en valeur l’alliage des timbres de la mandoline et de l’accordéon; on retient particulièrement un chorus d’accordéon sur fond d’ostinato de mandoline, mais aussi les qualités percussives des deux instruments.
 

Ce CD est une double découverte : un instrument, la mandoline dans un contexte insolite, et des instrumentistes classiques, jeunes et passionnés des musiques de Lalo Schifrin. Tout le monde a entendu en effet ses musiques de séries ou de films, mais les amateurs de jazz le connaissent évidemment pour son parcours jazz qui a commencé avec Dizzy Gillespie.
 

Sophie CHAMBON

Archie Shepp (saxophone ténor et soprano, voix), Jason Moran (piano).
Paris Jazz à La Villette, 12 septembre 2017. Manheim, festival Enjoy Jazz, 9 novembre 2018.
ArchieBall/L’autre distribution.

Figure de proue du free jazz, Archie Shepp a endossé ces derniers temps le costume de l’apôtre apaisé de la musique afro-américaine.
Aux saxophones et de plus en plus souvent à la voix, le jazzman n’a pourtant rien perdu de son engagement. S’il ne dispose plus du souffle de ses jeunes années, l’artiste désormais octogénaire (83 ans) conserve cette expression touchante, bouleversante même par sa fragilité.

Dans un format qu’il affectionne -le duo avec un pianiste-  Archie Shepp plonge dans les racines du jazz. C’est une sorte de retour aux sources qui nous est ici proposé en compagnie de Jason Moran. Le terrain choisi leur est majoritairement bien connu : des airs traditionnels - Go Down Moses, Sometimes I Feel Like a Motherless Child - et des standards : Lush Life (Billy Strayhorn), Isfahan (Strayhorn-Ellington) ou encore Round Midnight (Thelonious Monk-Cootie Williams).
Shepp n’oublie pas un hommage à John Coltrane en reprenant une de ses compositions (Wise One). Une occasion de rappeler son admiration pour celui qu’il considère toujours comme « un modèle » (« Coltrane était comme un gourou mais il était très humble et avait une discipline très forte. Il était très passionné, très motivé. Il a fait de la musique très sérieusement » nous confiait-il en 2007 dans 'Paroles de Jazz' (Editions Alter Ego).

Enregistré en concert en 2017 et 2018, cet album vient enrichir la production d’Archie Shepp en duo saxophones-piano qui comprend, sans viser l’exhaustivité, des rencontres avec Joachim Kühn, Abdullah Ibrahim, Siegfried Kessler ou encore Horace Parlan.  L’amateur pourra se reporter à l’album gravé en 1977 à Copenhague avec ce dernier (‘Goin’Home’, pour SteepleChase).

Alors dans sa quarantaine, le saxophoniste avait déjà inscrit à son répertoire, ‘The Troubles I’ve Seen’, ‘Deep River’, ‘Swing Low, Sweet Chariot’, ‘Sometimes I Feel Like A Motherless Child’, ‘Go Down Moses’.  

A des titres différents, ces deux albums méritent de figurer dans votre discothèque. Deux témoignages d’un parcours rare, d’un talent qui ne laisse jamais indifférent.

Jean-Louis Lemarchand.

Florin Niculescu (violon), Hugo Lippi (guitare), Philippe Aerts (basse), Bruno Ziarelli (batterie). Invité : Stochelo Rosenberg (guitare).
Théâtre de Longjumeau, novembre 2019. Label Ouest/L’autre distribution. Sortie le 5 février.

Trente ans déjà que Florin Niculescu arpente la scène française. Le temps du souvenir est arrivé pour le violoniste formé à l’école classique de sa Roumanie natale. Il prend la forme d’un album en petite formation qui rend hommage à ses idoles françaises de l’instrument.

Un titre, pièce maîtresse de cet enregistrement, résume cet esprit de révérence, ‘Suite for Michel, Stéphane, Jean-Luc et Didier’.  Dans le livret, Florin s’explique : Michel Warlop* « merveilleux violoniste et concertiste », Stéphane Grappelli* « mon père spirituel », Jean-Luc Ponty « un des premiers à avoir introduit des éléments rock et pop », enfin Didier Lockwood* « avec un système de pédales d’effet, il s’exprime de façon unique ».

Après les mots, les notes. En quelque treize minutes, déroulées en quatre mouvements (The Classician, Swing Wave, The Romantic, The Fusional) Florin Nicolescu retrace ainsi l’histoire du violon jazz à la française. Loin de l’hommage compassé, le violoniste délivre tout au long de ce disque où alternent compositions personnelles et standards (Stardust, The Nearness of You, Fascinating Rhythm) un salut bien vivant à ces maîtres de l’archet qui met en lumière sa virtuosité et sa sensibilité.
Stardust
Le Temps des Violons

Dans ce parcours vagabond, Florin Nicolescu peut compter sur deux guitaristes d’excellence, Hugo Lippi (prix Django Reinhardt 2019 de l’Académie du Jazz) et, sur trois titres, Stochelo Rosenberg. Un album qui met en joie ... hautement recommandé.

Jean-Louis Lemarchand.

Concert de sortie prévu le 23 mars au Studio de l’Ermitage, Paris.

SYMPHONIC Violin Jazz Classical Gipsy Tzigane
Florin Niculescu - Opportunity (Grappelli)
Florin Niculescu "La chanson des rues"
Florin Niculescu

*Michel Warlop (1911-1947),
Stéphane Grappelli (1908-1997),
Didier Lockwood (1956-2018).

Alexandra Grimal (saxophones ténor, soprano & sopranino, voix), Edward Perraud (batterie, percussions)

enregistré en 2014

unsui | Alexandra Grimal & Edward Perraud | Alexandra Grimal (bandcamp.com)

Sans édition CD ni label, et donc seulement accessible en fichier numérique via la page bandcamp d'Alexandra Grimal, un duo enregistré voici plus de six ans, qui vient d'être publié, et dont le titre a été inspiré par la lecture de François Cheng : 'Unsui' est un terme chinois qui dans la tradition zen désigne simultanément le nuage et l'eau, ce qui glisse comme le nuage et coule comme l'eau. Et cette musique improvisée est comme un flux mouvant, une matière diaphane qui poursuit son essor et se répand dans notre esprit et nos sens, tantôt comme un baume qui nous envelopperait de ses sortilèges, tantôt comme une danse qui nous conduirait sur des chemins insoupçonnés. Un dialogue incessant entre les deux artistes, conversation qui procède simultanément de la puissance matérielle du son et de l'exercice spirituel en quoi s'accomplit la musique. Et le lyrisme aussi s'empare des saxophones, stimulé par la frappe ou les frottements qui font chanter les percussions. On se laisse embarquer, suivant un fil que l'on perd forcément (le luxe de l'auditeur, c'est qu'il a le droit de perdre le fil), et l'on arrive au terme de ce voyage improvisé après un texte qui nous égare comme en un rêve. Une très belle page de musique scénarisée, à laquelle il suffit de s'abandonner, avec bonheur et recueillement.

Xavier Prévost

CHRISTOFER BJURSTRÖM

L'ECUME DE MAI

SORTIE DECEMBRE 2020

MZ Records – Label de disques

L’écume de mai surgit en bord de mer, souvent au printemps. Produit du bouillonnement de la mer, elle est portée par le vent vers le rivage. Christofer Bjurström évoque dans cet album ce qui nous constitue dans les diverses temporalités de nos vies, comment nous sommes présents au monde. Comme des tableaux sonores qui ouvriraient une fenêtre idéale dans laquelle s’inscrit le visage intérieur du pianiste.

Explorant les possibilités d’un instrument complet, il affirme une dimension narrative, qui ne va pas sans émotion. Il choisit ainsi de se portraiturer à travers un choix de textes et par des plages improvisées. Travail solitaire et plus ingrat mais adapté sans doute à cette période introspective. Rappelons que le disque fut enregistré en juin dernier pour le label Marmouzic records. Une musique sensible, qui nous met aussi à l’épreuve, qui trace au fil de 9 compositions le relief de ses humeurs troublées, sceau du confinement?
Cette aventure toujours risquée du piano solo décline donc 9 pièces libres, vives, inspirées de poèmes de Jules Supervielle, Abdellatif Laâbi, Claude Roy, Bo Carpelan, Emily Dickinson, Sylvia Plath et Raymond Carver.

Ce qui est devenu écume, le tout premier titre, en réponse à Supervieille dans Oublieuse Mémoire, éclaire le projet sans ambiguïté:

C’est tout ce que nous aurions voulu faire et n’avons pas fait,

Ce qui a voulu prendre la parole et n’a pas trouvé les mots qu’il fallait,

Tout ce qui nous a quittés sans rien nous dire de son secret …

Ce qui est devenu écume pour ne pas mourir tout à fait ...

Ce qui avance dans les profondeurs et ne montera jamais à la surface, Ce qui avance à la surface et redoute les profondeurs;

La musique est plus que jamais une tentative de fixer l’éphémère même si “Rien de ce qui arrive ne demeurera” écrit Raymond Carver dans La vitesse foudroyante du passé.

Ce qui demeure, trace de l‘instant qui se joue, de la musique qui advient, fait de la place à nos images mentales, à nos paysages intérieurs. Christofer Bjurström parvient à produire une musique à la fois résistante et liquide, avec des formes qui naissent et s’évanouissent, en une plongée dans les tréfonds de l’intime. Notes en pluie serrée et persistante, ou qui perlent et rebondissent un un friselis moutonnant, martèlement audacieux du clavier ou bruit sourd dans les bois et cordes quand le piano est préparé, superpositions d’accords et de brisures rythmiques composent un chant jamais plaintif mais lucide, une mélodie souvent heurtée, des tressaillements qui remontent avec le souffle du temps. Avec l’appréhension d’un certain vide qui devient silence, dans une tonalité volontairement grave, s’inscrivent pauses, ruptures, blancs. Un rythme souvent insistant, obsessionnel parcourt ses solos qui racontent presque toujours une histoire. Surgissent aussi des mélodies plus fluides, impressionnistes, des élans lumineux réparant les horizons éclatés, qui ramènent vers des rivages connus, avec l’espérance.

Ainsi écoutons nous ce piano en archipel, singulier pluriel qui sait accompagner les images d’un film qui se projette dans notre imaginaire.

Sophie Chambon