SEBASTIEN PAINDESTRE - ATLANTICO : «  New eastern island »
La Fabrica’son 2019
Sébastien Paindestre (p, compos); Dave Schroeder: (chromatic harmonica, Mongolia ever buree, piccolo, bass flute, soprano saxophone, compos); Martin Wind (cb); Billy Drummond (dms); Janis Siegel (voc (2)); Billy Drewes (ss(1)).

Sebastien Paindestre n’a pas définitivement tourné la page Radiohead. Il y reviendra pour un 3eme opus mais pas tout de suite. Dans l’immédiat Sébastien Paindestre affirme surtout ici qu’il est avant tout un jazzman avec ses traditions et ses influences.
« New Eastern Island », le nouvel album d’Atlantico son groupe transatlantique est avant tout celui d’une rencontre, avec le saxophoniste Dave Shroeder, véritable référence du jazz New-Yorkais, impliqué dans toutes les grandes institutions du jazz de big apple. Shroeder s’est en effet pris d’affection pour Sebastien Paindestre depuis le premier album réalisé ensemble ( « En rouge ») et publié en 2016. Au point aussi de lui ouvrir en grand les portes d’un studio New-yorkais et d’aller jusqu’à produire lui-même l’album. Une histoire d’affinité musicale et d’amitié.
Sebastien Paindestre est arrivé de l’autre côté de l’atlantique avec ses compositions en poche ( auxquelles le saxophoniste a aussi contribué) et accompagné d’une formation de haut vol en associant au projet une rythmique de très très haute facture avec Martin Wind à la contrebasse et l’immense Bill Drummond à la batterie.
Et le résultat est à la hauteur de l’affiche. «  New Eastern island » se moque des sentiers battus et des clichés du jazz pour offrir une musique ouverte porteuse d’une réelle identité.
Par le talent de ses acteurs et par le choix de l’instrument qui évolue au fil des thèmes en associant parfois le sax soprano superlatif de Shroeder, parfois l’harmonica du même Shroeder ( sur les traces de l’harmoniciste belge Toots Thielmenans) ou encore la flute de Janis Siegel, Sebastien Paindestre parvient à créée un univers protéiforme porté aussi par des compositions dans lesquelles la nostalgie n’a pas de place.
Car il s’agit bien d’un album porté par un vent frais qui regarde le monde avec une formidable envie de jouer juste pour le plaisir. Il y affirme qu’il y  a une autre voie dans le jazz . Ni américain, ni européen mais quelque part au milieu de l'océan. Au delà aussi des postures post-coltraniennes ou Neo-colemaniennes. Car c'est effectivement une musique inspirée qu'il propose ici.
Pas un moment d’ennui tout au long de cet album ou l’on s’épate tant des compositions que du jeu des solistes qui contrent à créer cet univers « open mind »avec un souci du détail et du jouer ensemble. Il n’est que d’entendre cette formidable rythmique qui assoit la musique sur des bases aussi solides que vibrantes.
New Eastern Island montre peut être la voie. Celle d’un jazz épuré et riche à la fois.
Une réussite.
Jean-Marc Gelin

Denis Colin (clarinettes basse & contralto), Pablo Cueco (zarb), Simon Drappier (arpeggione), Julien Omé (guitare)

Bois-Colombes, 10-12 décembre 2018

Faubourg du Monde TAC 026 / Socadisc

Atypique assurément : ce gang de francs-tireurs associe deux presque vétérans des musiques aventureuses, et deux quadragénaires l'un et l'autre portés sur les musiques hétérodoxes. Joyeux mélange, plein de surprises, qui en dépit du nom de groupe suggérant des pères tranquilles n'exclut pas vigueur et incartades détonantes. Le discours d'escorte de cette musique suggère discrètement l'appellation Psychedelic Folk Jazz. C'est plutôt bien vu, car on y trouve les textures du folk, entre douceur de soie et rudesse du lin ; et puis les dérives (extra) sensorielles de la musique psychédélique, et bien sûr cette liberté frondeuse du jazz. Entre la mélancolie de Chevaliers, le caractère véhément de La Chasse, et le lancinement chromatique de Hommage au désert, un point commun (valable d'ailleurs pour toutes le plages) : authenticité du son, sans fioritures, mais d'une grande finesse ; subtilité du cheminement mélodique ; expressivité virtuose et trompeuse simplicité du propos. Bref une forme d'exemplarité artistique : évidence et mystère, indissociablement liés. Superbe.

Xavier Prévost

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En concert le 9 mai 2019 à Paris au Studio de l'Ermitage

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Un avant-ouïr en suivant le lien ci-dessous

https://www.faubourgdumonde.com/portfolio/quiet-men/

JOSHUA REDMAN Quartet  : «  Come what may »
Nonesuch records 2019
Joshua Redman (ts), Aaron Goldberg (p), Reuben Rogers (cb), Gregory Hutchinson (dms), Aaron Goldberg (p)

Joshua Redman est une sorte de magicien du son. Un maître ciseleur.
Joshua Redman est de retour. Au coeur du son qui porte sa marque. Celle qui, dans un autre format avait fait les grands heures de l’Elastic Band et que l’on avait un peu perdu ces derniers temps.
Qu’on se le dise.
En revenant à un quartet  qui se connait depuis quelques décennies, le saxophoniste qui a entre temps multiplié des expériences multiples et variées atteint ici le nirvana de la plénitude dans la maîtrise de son art. Au sommet. Et cela en revenant à ses fondamentaux. Cette forme d'agilité et de plasticité qui, sur des compositions magnifiques s'attache à la légèreté et à l’élégance.
Ces quatre-là font dans le ciselage fin du son dont ils dessinent ensemble les contours. Tels des funambules en suspension au dessus du sol. Magic is in the air.
Il faut dire que si cette formation n’avait plus enregistré depuis ensemble depuis près de 20 ans ( sans toutefois ne s’être jamais perdus de vue), leur retrouvailles sonne comme une royale évidence. Comme la continuité d’un fil d’Ariane jamais rompu.
Et dans ces retrouvailles placées sous le signe d’une forme de zenitude, ils s’y montrent les maîtres du cool. « The shape of cool to com", pourrait on dire.
Le saxophoniste y signe l’intégralité des compositions entre blues, médium funk et ballades renversantes.
Avec Joshua Redman tout y est question de flow. Comme coulant de source. Maître du son, le saxophoniste semble plus relax que jamais, plus détendu et agile dans les sinuosités, avec une façon de dompter l’expression de la musique qui n’appartient qu’à lui.
Il n’y a plus qu’à se laisser porter par le courant.
Et tout va bien.
Jean-Marc Gelin

Marc Ducret (guitares, composition), Léa Trommenschlager (soprane), Rodrigo Ferreira (contreténor), Sylvain Bardiau (trompette, bugle), Catherine Delaunay (clarinette, cor de basset), Régis Huby (violon, violon ténor), Liudas Mockunas (saxophones, clarinette contrebasse), Samuel Blaser (trombone), Bruno Ducret (violoncelle), Joachim Florent (contrebasse, guitare basse), Sylvain Darrifourcq (batterie, percussions)

Villetaneuse, octobre 2018

[Illusions] ILL 313010 / l'autre distribution

Produit par Marc Ducret et l'Association Seven Songs, avec le concours de Stéphane Berland et Philippe Ghielmetti, ce disque est l'aboutissement d'une aventure musicale qui avait commencé en janvier 2017 par une résidence de création au Sax d'Achères, puis des concerts à la Dynamo de Pantin, au Petit Faucheux de Tours et à l'Opéra de Lille. La version phonographique s'est étoffée puisque la nomenclature est passée de 8 à 11 interprètes. Le disque était prévu pour parution sous le label de Stéphane Berland qui a publié, de Marc Ducret, les cinq volumes de «Tower», ainsi que «Métatonal». Mais Stéphane a renoncé à toute nouvelle parution sous son label Ayler Records (dont il continue cependant de diffuser les références existantes), et c'est son ami Philippe Ghielmetti qui prend le relais sous étiquette [Illusions], où il avait accueilli naguère «Le Sens de la Marche» du même Marc Ducret. Bref la parution de ce disque doit beaucoup à l'engagement esthétique, artistique et donc, d'une certaine manière, politique, de tous ces acteurs.

Lady M de Marc Ducret est une œuvre magnifiquement hybride et inclassable, surgie de l'imagination d'un poète du son et du texte, qui a montré au fil des ans son goût de l'évocation (pas l'illustration !) de l'objet littéraire (je devrais peut-être écrire du fait littéraire) : Robbe-Grillet et Michaux naguère, puis Nabokov pour «Le Sens de la Marche», et surtout le monumental pentaptyque (ou la monumentale pentalogie) «Tower». Le guitariste-compositeur-improvisateur (je ne sais lequel de ces trois mots mettre en tête de liste, et quel est l'ordre pertinent) nous convie à scruter «le nom des mots» comme on dit chez Molière (Les Femmes savantes, II, 6). Et la meilleure manière, c'est peut-être la musique. Dans une grande forme parfaitement maîtrisée, mais qui cependant laisse libre cours à chacun(e) des solistes pour dire sa part d'autonomie, Marc Ducret révèle des moments du texte de Lady Macbeth dans le Macbeth de Shakespeare. Voix de contreténor, puis voix de soprane, et dans la troisième partie les deux mêlées, inscrites dans un déroulement de moments instrumentaux écrits ou improvisés, c'est un jeu permanent entre texte et musique, souvent (mais pas toujours) dans un rapport de tension entre prosodie du texte et phrasé musical. Tous les langages musicaux paraissent avoir ici droit de cité, d'une bribe de musique écossaise (Macbeth fut un roi d'Écosse moins éphémère dans la réalité historique que chez Shakespeare) à tous les éclats de la musique d'aujourd'hui en passant par le jazz et le rock. L'expressivité des voix fait écho à celle des instruments, dans une sorte de ballet virtuose qui tutoie le sublime, expressivité servie par une prise de son (Céline Grangey) qui magnifie le propos. Les mots me manquent, et le goût de détailler chaque séquence en géomètre me fait défaut. Alors précipitez-vous vers cette œuvre majeure, et comme moi (à l'écoute d'un concert en 2017, et aujourd'hui à l'audition de ce disque) succombez à sa puissance esthétique !

Xavier Prévost

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Le concert de sortie de disque aura lieu le samedi 4 mai 2019 à Paris au Pan Piper. L'œuvre sera également donnée le 21 septembre à Marseille au festival 'Les Émouvantes', et le 7 décembre à Paris, Maison de Radio France, dans la série 'Jazz sur le Vif'

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Sur Youtube, extraits des séances d'enregistrement

https://www.youtube.com/watch?v=QaEDZurPrt4&feature=youtu.be

https://www.youtube.com/watch?v=2UL98M3T2cQ&list=RDQaEDZurPrt4&index=2

Marc Ducret (guitare), Benjamin Moussay (piano électrique), Guillaume Orti (saxophone alto), Bo Van der Werf (saxophone baryton), Sarah Murcia (contrebasse), Christophe Lavergne (batterie), Sylvain Cathala (saxophone ténor)

Les Lilas, 30 juin 2016

Connexe Records CR-006 / Muséa & https://sylvaincathala.bandcamp.com/

Le septette de Sylvain Cathala poursuit une aventure commencée voici près de 5 ans, avec à nouveau un enregistrement 'sur le vif' réalisé au Triton, en fait apparemment le complément de la soirée du 30 juin 2016 dont une première partie avait été publiée en 2017 sous le titre «Hope» (Connexe CR-005). Même énergie, même liberté, même complexité rendue lisible par la clarté rythmique, harmonique et mélodique de l'ensemble. Les titres tournent autour des noms de diamants célèbres, et les musiques sont autant de pépites recueillies dans le flux généreux du concert. Après un dialogue entre la guitare, puis le piano Fender, et la rythmique, c'est le sax baryton qui prend son envol, rejoint par l'alto et le ténor. C'est une effervescence de chaque instant, mais peuplée de nuances, d'esquives, et servie en permanence par l'extrême qualité de chacun (et chacune), improvisateurs/trice de haut vol qui se meuvent avec délices dans cet univers sinueux où s'ouvrent à chaque instant des portes de liberté. Bref c'est une réussite, un présent intense qui désigne aussi l'horizon de ce que cette musique (ce jazz, obstinons nous à l'appeler encore ainsi) peut nous offrir de meilleur.

Xavier Prévost

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Le groupe jouera le 2 mai au Triton, près de la Mairie des Lilas, avec Gilles Coronado à la guitare