Edyson prod. 2018
Laurence Saltiel (vc), Patrick Villanueva (p), Benoit Dunoyer de Segonzac (cb)

Laurence Saltiel est rare. Trop rare. Et, par là même nous est précieuse.
Il y a déjà une petite dizaine d’année, elle publiait un album dans lequel il était beaucoup question de Bill Evans. Nous entendions alors ses versions de Waltz for Debby ou de My Romance comme jamais nous ne les avions entendu chantées.
Mais depuis ce temps, Laurence Saltiel, très engagée dans la pédagogie à laquelle elle se consacrait corps et âme, avait un peu disparue. Elle revient aujourd’hui en affirmant haut et fort qu’elle est avant tout une grande chanteuse. Et une chanteuse libre, pas prête du tout à se laisser enfermer dans une case de type «  chanteuse de jazz » et hop, emballé c’est pesé.
Car Laurence Saltiel c’est l’amour d’un triptyque indissociable : le chant, la musique et le texte dont aucun de ces trois piliers ne saurait prévaloir sur l’autre.
Qu’elle s’appuie sur les talents de paroliers comme ceux de Lili Chane, qu’elle écrive elle-même les paroles de quelques titres, qu’elle reprenne quelques sublimes titres ( comme le Throw it away d’Abbey Lincoln), qu’elle chante en français, en espagnol ou en anglais, Laurence Saltiel y met à chaque fois son pesant d’âme.
On pleure avec Laurence. On rit aussi avec elle comme sur ce texte drôle et magnifique ( Crime de sang) sorti tout droit d’un univers à la Perec. On jazz avec elle ( Peace again). On s’attendrit à ce très beau et très émouvant texte (Petite Fille) qui mesure le poids des ans passés depuis Waltz for Debby et qui résonne comme l'un des plus bel hommage rendu aux femmes.

Mais avec Laurence Saltiel, la poésie tutoie toujours le swing qu’elle porte comme une seconde peau avec ce mélange de délicatesse, de groove avec un petit air de ne pas y toucher mais qui au final vous fait prendre le beat du bout de la semelle ou en dodelinant de la tête. La richesse expressive de la voix de Laurence Saltiel touche à la perfection, jamais apprêtée et visant au plus juste de l'émotion.
Ses compères font la paire. Benoit Dunoyer de Segonzac maître du tempo et gardien du temple est un compagnon de longue route, tout comme Patrick Villanueva qui ramène son swing élégant.
Ces trois-là sont en phase. En emphase.

Laurence Saltiel chante comme un remède à la mélancolie, comme une façon de dire que toujours la vie, même lorsqu’elle peut nous faire violence, même lorsqu’elle se défend à coup de poings, est belle.
Laurence Saltiel, ivre de vie, est une chanteuse libre, farouchement libre qui prend le vent et nous embarque avec elle.
Jean-Marc Gelin

Marjolaine Reymond (voix, électronique, compositions, arrangements), Bruno Angelini (piano, piano électrique), Denis Guivarc'h (saxophone alto), Olivier Lété (guitare basse), Christophe Lavergne (batterie), Régis Huby (premier violon), Clément Janinet (second violon), Guillaume Roy (alto), Marion Martineau (violoncelle), Julien Dubois , Christophe Monniot (arrangements)

Rochefort, 7-9 avril 2017

Cristal Records KPC2017 / Sony Music

La compositrice-chanteuse revient, toujours dans un registre inclassable, avec une œuvre très aboutie. Mêlant jazz, rock progressif, musiques électro acoustique et répétitive, poésie, théâtre et mythe de diverses époques, elle a construit un objet musical d'une absolue singularité, en forme de polyptyque à entrées multiples et détours labyrinthiques. Le quatuor à cordes dialogue avec l'électro-acoustique, la voix fait écho au saxophone, les poèmes d'Emily Brontë, Elizabeth Browning et Emily Dickinson s'insèrent dans un univers peuplé de mythes antiques, de bestiaires médiévaux et d'échappées futuristes. Difficile de décrire en détail ce paysage aussi maîtrisé que foisonnant. Une sorte de superproduction cinématographique, mais pour l'oreille. Les jeux rythmiques de la génération Steve Coleman (plusieurs de ses partenaires sont des orfèvres en la matière), les harmonies (avec ou sans les cordes) qui traversent toutes les métamorphoses du vingtième siècle, ce sens de la pulsation qui concilie le meilleur du jazz et du rock, bref ces libertés insolentes font de cet objet sonore à identités multiples une sorte d'art total tel que l'on s'est mis à le rêver, de façon totalement déraisonnable, depuis le milieu du dix-neuvième siècle. Ne cherchez pas l'étiquette qui conviendrait à cette chimère surgie d'un riche imaginaire musical : de la musique, rien que de la (très bonne) musique. Et si, cédant aux démons taxinomiques ou référentiels, j'avoue que son étrangeté me rappelle ce qui me ravissait chez Jacques Thollot à la fin des années 70, c'est juste pour exprimer le plaisir que j'ai eu à m'immerger dans cet outre-monde musical.

Xavier Prévost

Le groupe est en concert le 22 juin à Paris au Studio de l'Ermitage

Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=kaWBelVjWdk

https://www.youtube.com/watch?v=sG5zwmUGndI

JEAN BAPTISTE BERGER

PERSUASIVE

Jazz Us / Inouïe Distribution

www.jeanbaptisteberger.com

Jamais titre n'a été mieux choisi pour tenter de définir la musique du saxophoniste Jean Baptiste Berger et de son quintet européen, avec des complices belges, luxembourgeois, italien, le leader se partageant aussi entre son Reims originaire et Avignon. Son travail s'est élaboré à partir du désir de travailler avec ces musiciens, frères de musiques et de pratiques, rencontrés lors de concerts ou de festivals, Lorenzo di Maïo (guitare ), Igor Gehenot (piano) qui a remporté les octaves 2018 en Belgique, Tommaso Montagnani (contrebasse) ou encore Jérôme Klein (batterie), complice du précédent CD, Cadillac Palace. Ils ont accroché au projet, compris et entendu sa musique, la faisant sonner de façon inespérée, s'insérant dans une forme où le collectif compte, une oeuvre ouverte à l'autre et à sa perception. L'enregistrement s'est alors fait au centre Césarée de Reims après trois jours de résidence. 

A la première écoute, dès l'ouverture "Black Pattern", la mélodie coule avec une belle fluidité, très accessible. Mais cela mérite d'y revenir, de réécouter pour découvrir que cette étrange familiarité joue un autre jeu, un double jeu. C'est une musique simple en apparence mais sans compromis dont les subtilités (accords, mesures impaires) ne se laissent pas découvrir immédiatement ; elle gagne alors en épaisseur au fur et à mesure des écoutes, traçant de subtiles variations. JB Berger définit sa "grille" au travers de pièces-signatures d'identité et de références/influences, sans se laisser enfermer pour autant par une étiquette précise. 

Il a passé quatre années d'affinage, en somme, à réfléchir pour mettre au point ce qu'il voulait faire entendre : toujours en recherche pour élaborer une musique écrite, construite pour chaque voix du quintet, travaillant sur les tessitures, sans privilégier pour autant les solos.  D'une structure rigoureuse, donnant l'impression d'une création continue, cette architecture de sept pièces, plutôt longues qui prennent le temps de se développer, construit un discours éloquent et cohérent. Un quintet "aux petits oignons" avec un pianiste subtil, au phrasé délié ( "Elbowdy") qui, jamais n'en fait trop, pas du genre effusif avec cascade de notes. Pas de contorsions ni de stridences free non plus du leader au ténor, qui se fond même par moment dans la rythmique, qui danse lentement sur cette "Pavane" évoluant du rêve au dialogue. S'élèvent ainsi des voix harmonisant la lisibilité de l'ensemble, d'où le groove (d'une rythmique essentielle, discrètement efficace) n'est jamais bien loin, comme dans ce "Romy et Lucien" de plus de dix minutes."Jackday" est une chanson pop, mélodie où résonne une guitare lyrique et retenue à la fois. Jamais trop exaltée, elle passe d'une transe rêveuse à de belles envolées sur " Le jardin des esprits" final, un jardin aux sentiers qui bifurquent, où guitare, sax ténor, piano sont d'une nerveuse élégance sans oublier de respirer.

Voilà une authentique déclaration d'amour au jazz à laquelle on ne restera pas insensible. Convaincant, on vous disait!

Sophie Chambon

FIDEL FOURNEYRON

Animal

Fidel Fourneyron (trombone, compositions)

Joachim Florent (contrebasse), Sylvain Darrifourcq (batterie)

Sortie d'album le 25 mai sur ONJ Record /l'Autre Distribution

ONJ Fabric accompagne l'album ANIMAL

http://www.fidelfourneyron.fr/projet/animal/

Le tromboniste leader Fidel Fourneyron (actuel ONJ Benoît) aime jouer en trio, on se souvient de sa relecture brillante d' Un Poco Loco. Et avec sa formation, il place la barre haut, jamais à court d'idée pour illustrer son sujet, parvenant à rendre très lisible cette partition qui pourrait partir dans tous les sens. Haute tenue et teneur musicale pour ce programme qui n'est pas la visite guidée d'un zoo, mais se prête aux élucubrations dans huit pièces plutôt enlevées. C'est que le choix de la thématique justifie ces exercices de style, où les instruments, variant nuances et atmosphères, rendent toute la gamme ou presque de sonorités animales.

Ils ne sont que trois (trombone, contrebasse et batterie) mais ils constituent une véritable ménagerie en liberté, qui n'est pas de verre, croyez-moi. Fantaisie, imagination, humour au pouvoir pour célébrer nos amis les bêtes. Evidemment la tentation est grande de suivre le portrait musical de chaque animal ainsi illustré : si le "singe" de l'ouverture virevolte de liane en liane, le "chat" plus feutré, prêt à l'attaque, voudrait bien se jeter sur la "souris" qui s'est heureusement réfugiée plus loin dans le programme. Ce serait trop facile! La "fourmi", toujours industrieuse, tire sur des cordes (très africaines, une kora malienne?) et le chant de la "baleine" est le sonar qui la guide dans l'onde sous-marine. Le "bison" rumine ... Le trombone passe par tous les états, utilisant tous les registres possibles : du son le plus gouleyant à l'attaque la plus vibrante, sans oublier sforzando, glissando, vibrato, feulement, hoquètement. Fidel Fourneyron sait se lover dans la chair musicale de ces petites pièces sur mesure. Un vrai chant d'amour pour cet instrument si proche de la voix humaine.

A partir d'une idée de départ assez farfelue, le trio avance avec élégance et cohérence, avec jubilation même : l'exécution est précise, la mélodie toujours accessible, le rythme intense, le swing impressionnant jusqu'au "loup" final...L'album qui a la bonne longueur s'écoute d'un trait et on en redemande. Galvanisant!

Sophie Chambon

Dom 2018
Olinka Mitroshina (p, vc), Georges Guy (g) + Serge Haessler (tp), Marine Thibaut (fl), Pascal Pistone (p) Thescam (elect)

Fascinating rhythm, Nice work, I got rhythm, But not for me, It ain’t necessarily so etc… autant de monuments de Broadway et de Guerswhin qui ont alimenté les meilleurs pages du real Book.

Inusable matière au jazz et… au blues.

Lorsqu’en septembre l’on s’apprêtera à fêter les 120 ans de la naissance du compositeur, les manières de lui rendre hommage seront délicieuses lorsqu’elles s’exprimeront sous la voix et l’inspiration d’Olinka Mitroshina.
La chanteuse et pianiste, droit venue de ses terres russes ( qui savent ce que le blues veut dire) et que l’on commence à voir et à entendre animer les jams sous les voûtes des caves parisiennes , embrasse son sujet avec un délice gourmand avec une pointe de désuétude qu’elle noie dans sa propre modernité.
Il y a chez Olinka une sorte de truc amoureux avec ces grands standards et avec l’une des plus grandes interprètes du blues, la grande, l’immense , l’incommensurable Bessie Smith. Alors Olinka ne l’imite pas ( ce serait fou !) mais s’en inspire. Que ce soit  sur Bess, you is my woman now ou encore sur ce Bessie’s mood écrit des mains de la chanteuse).
Tout dans les arrangements respire l’amour du blues. Qu’il s’agisse du blues du delta ou de celui (autre subtilité) qui vient de ses digressions comme thème d’étude sur I got rythm qui avec une intelligence malicieuse jette des ponts entre le classique ( à la mode Ravel) et le ragtime. Jerry Roll Morton dit pas mieux !

Parfois Olinka pose ses doigts sur la piano avec talent et avec l’énergie qui vibre. Parfois elle ajoute par-ci par là une touche hyper discrète d’électrique, parfois le son d’un trompette qui chante avec elle. Et puisil y a aussi la guitare de Georges Guy comme sortie tout droit du Delta.
Et puis au delà de ces arrangements, il y a cette voix, grave comme il faut , un peu crade parfois comme il convient au blues lorsque celui-ci vous colle aux basques et flotte dans des vapeurs d’alcool et de trucs pas corrects. Une voix avec ses modulations qui charrient l’histoire de cette musique, comme on porte son bagage léger, son jean préféré ou ses souvenirs d’amoureux perdus. Il y a de l’âme dans cette voix. Et une sacrée personnalité ( écoutez bien l’album jusqu’au bout, une surprise vous attend à la fin du chemin :-) )
Cet album s’écoute en boucle. Je ne m’en lasse pas. Il m’a fait voyager aux confluents du Mississipi , il m’a fait voyager dans les bouges de Chicago, il m’a fait voyager dans le temps dans lequel notre monde restait pourtant bien présent, il m’a fait voyager immobile mais léger.
Parce que dans cet album il est question de joies, de peines, de larmes.
De blues , quoi !
Jean-Marc Gelin

OLinka Mitroshina anime tous les jeudis soirs la jam du Port Du Salut. Prochain concert le jeudi 31 mai à 21h45....