Le jazz bonifie la chanson populaire. Et vice-versa. Que serait en effet la musique que nous aimons sans les  « standards » qui en font le sel et le miel ? Sans ces mélodies, ces  ballades venues de Broadway ou du répertoire courant, que tout amateur de jazz reconnait instantanément en buvant un gin tonic au Sunside,  au Ronnie Scott’s ou au Village Vanguard ?  Les musiciens de jazz, les jeunes notamment,  ne devraient-ils pas jouer plus régulièrement ces standards, quitte à négliger leurs propres compositions, histoire de se confronter à leurs collègues qui ont travaillé sur ce matériau historique ?
             Il y a mille façons d’interpréter ces mélodies. Au fil des ans, fan de jazz de (très) longue date, je me suis efforcé par curiosité d’identifier  la version la plus « décalée »ou  la plus intéressante de quelques-uns  des  nombreux standards de la planète jazz.  Youtube, Deezer ou Spotify facilitent désormais grandement ces recherches en affichant des listes qui permettent la comparaison.
            L’excellente émission de France Musique,  Repassez-moi l’standard, diffuse de bonnes compilations tous les dimanches, mais l’objectif est ici différent : trouver l’interprétation qui sort vraiment des sentiers battus, celle qu’on conserve précieusement pour l’écouter sans se lasser, toujours et encore.
            L’exercice est forcément subjectif et certainement périlleux, car en jazz, tout autant que dans les  autres domaines musicaux, les avis sont tranchés, les critiques aiguisées. Essayons tout de même ici d’identifier pour une quinzaine de « standards », choisis arbitrairement,  des versions à la fois remarquables et originales.  Quitte à alimenter la discussion, à défaut de faire l’unanimité…
          Satin Doll. Pour ce thème immortalisé par Duke Ellington (son auteur), Ella Fitzgerald ou Oscar Peterson, il existe une version  qui ne cesse de m’enchanter, celle de Terry Callier, l’interprète par trop méconnu de What Color is Love, une des plus belles chansons du répertoire américain.  Ce chanteur multicarte (soul et pop) ralentit à souhait Satin Doll, le jazz vocal dans toute son experte nonchalance.
         April in Paris. Là, c’est tout le contraire. Ce standard sirupeux de Broadway a été repris par tous les grands du jazz, de Count Basie à  Sarah Vaughan, en passant  bien sûr par le duo Ella Fitzgerald – Louis Armstrong.  Mais c’est un remarquable chanteur de jazz – le plus grand en fait – Kurt Elling, qui m’épate avec  une version dynamique, énergique de ce titre amorti. On en sort ragaillardi.
          Body and Soul.  Un standard impérissable venu également de Broadway et que tout le monde a enregistré.  Le  duo Tony Bennett – Amy Winehouse  (Le crooner et la chanteuse pop les plus proches du jazz) en a fait une version intrigante. Mais c’est encore Kurt Elling, lequel  donne un tour original à chacune de ses interprétations,  qui emporte mon adhésion, en triturant à sa façon A new body and soul.

            The Gipsy.  Une chanson moins connue et toute simple, « croonée »  laborieusement par Franck Sinatra et reprise par Louis Armstrong ou Charlie Parker.  C’est Archie Shepp, aussi bon chanteur que saxophoniste, qui en livre de loin la meilleure version (à ne pas confondre avec son Black Gipsy) dans son album Chooldy Chooldy, où il interprète aussi remarquablement This is always.
          My foolish heart. Une ballade sentimentale très populaire malaxée à l’envie par Bill Evans, Keith Jarrett et toujours Kurt Elling. Mais ici, c’est Chet Baker qui emporte la palme, émotion en prime. Tout ce qu’il chante et « trompette » est de toutes façons original.  Parmi ses multiples versions connues de ce standard, j’aime bien – un peu de cocorico ! – celle du Chet avec Michel Graillier aux ivoires.
         Tea for two. Un autre succès de Broadway très apprécié du monde du jazz, parfois en version cha-cha-cha, mais interprété généralement de manière convenue.  Quelques exceptions : Anita O’Day, mais surtout la version enregistrée en studio par Erroll Garner fin 1971. Un rythme époustouflant, combinaison  magique de force et de finesse propre à l’autodidacte du piano jazz. A écouter le matin pour sautiller d’allégresse.
      Poinciana. Fatigués d’entendre pour la nième fois  Ahmad Jamal  jouer ce standard aux racines cubaines, dont il s’est fait le spécialiste ?  Allons voir du côté de Keith Jarrett,  qui « réinterprète » ce titre d’une manière impressionnante, accompagné de Gary Peacock et Jack DeJohnette.  Un groove étourdissant.  Adios Nat King Cole…
     Never let me go.  Le “Ne me quitte pas” américain, chanté superbement par Shirley Horne ou Nancy Wilson. Mais c’est un autre pianiste de génie, Bill Evans, qui me séduit avec sa longue version en solo de cette ballade écrite pour Hollywood. Près d’un quart d’heure  de rêve et de nostalgie
     Giant Steps. Une composition de John Coltrane reprise par les virtuoses du piano. Peut-on jouer différemment ce standard, ou même le chanter ? Oui, et c’est l’imprévisible et géniale  Betty Carter qui le fait, lors d’un concert à Hambourg en 1993, visible sur Youtube. Sa voix comme un instrument. Dix minutes envoûtantes d’improvisation et de scat, avec Geri Allen au piano. Wow !  
      Just friends.  De Charlie Parker à Martial Solal, ils ont tous joué cette entraînante mélodie des années 1930. Une version un peu originale ? Celle de Chet Baker et Stan Getz en 1983 à Stockholm ? Non, plutôt un arrangement ébouriffant du Big Band de la WDR allemande en 2000 (YouTube), avec une superbe intro au piano de Frank Chastenier et un vigoureux solo de James Moody.
    Summertime. Un standard absolu, adapté de George Gershwin (Porgy and Bess), mais souvent repris de manière compassée et grandiloquente, dans le sillage de Paul Robeson. Heureusement, l’ami Albert Ayler a revisité avec bonheur cette mélodie, qu’il  a déconstruite dans son style bien particulier. Un enchantement pour les amateurs de jazz sans concession.
    La vie en rose.  Cette chanson d’Edith Piaf est devenue standard quand Louis Armstrong l’a jouée  au début des années 1950. Elle a ronronné jusqu’à ce que Richard Galliano et Wynton Marsalis en présentent une version intéressante en 2009 à Marciac. Richard Galliano, c’est quand même mieux que Richard Clayderman  (lui aussi joue La vie en rose …).

         Midnight Sun. Le soleil de minuit ne se couchera jamais sur ce grand standard de Lionel Hampton et Johnny Mercer, surtout quand il est chanté par Sarah Vaughan. L’indolente « Divine », celle qui chantait comme si de rien était, était au sommet de son art dans la meilleure interprétation jamais réalisée de ce titre – en 1978 avec Oscar Peterson et Joe Pass.  Sorry, Ella….
         Golden Lady. Une des grandes compositions de Stevie Wonder, adoptée par le jazz.  J’hésite ici entre la superbe version d’Abbey Lincoln accompagnée d’Archie Shepp et une interprétation plus intimiste  du pianiste Robert Glasper, accompagné seulement d’un contrebassiste, visible sur YouTube.  Un bijou d’improvisation en toute décontraction.
          The end of a love affair.  Un dernier titre en hommage à celui qui vient de nous quitter. Didier Lockwood aux côtés de Dee Dee Bridgewater : c’est ma version préférée de ce standard plein d’ironie et de mélancolie, parfait écrin pour un  violoniste sans pareil, trop tôt disparu. La fin d’une histoire  d’amour…

 Gilbert Grellet
Satin Doll - Terry Callier  - I just can’t help myself  ( 1998 - MCA)
The Gipsy – Archie Shepp – Choodly Choodly  (2002 – Azzurra Music)
April in Paris – Kurt Elling – The Messenger (1997 – Blue Note)
A new body and soul – Kurt Elling – Nightmoves  (2007 – Concord)
My foolish heart – Chet Baker/Michel Graillier – Live and rare (2011 – Master Classics Records)
Tea for two - Erroll Garner - Turin Concert   (Remastered 2007 – Gambit)-
Poinciana – Keith Jarrett – Whisper not (2000 – ECM)
Never let me go – Bill Evans – Alone (1968 – Verve)
Giant Steps – Betty Carter – 1993 Youtube
Just friends – Big Band WDR – 2000 Youtube
Summertime –Albert Ayler – My name is Albert Ayler (1964 - Debut )
La vie en rose – Richard Galliano/Wynton Marsalis – From Billie Holiday to Edith Piaf: Live in Marciac (2010 – Futur Acoustic)
Midnight Sun – Sarah Vaughan – How long has this been going on?  (1978 - Pablo Records)
Golden Lady – Abbey Lincoln – Painted Lady (1995 - ITM)
Golden Lady – Robert Glasper – 2013 Youtube  
The end of a love affair – Didier Lockwood/ Dee Dee Bridgewater – For Stéphane (2008 – Ames Production/Frémeaux et Associés)
 

Jan Schumacher (trompette, bugle, composition), Richard Turegano (piano), Blaise Chevallier), Jean-Pascal Molina (batterie), Gueorgui Kornazov (trombone), Émilie Lesbros (voix), Didier Malherbe (saxophone soprano, flûte, doudouk, oulousi), Jean-Baptiste Renaux (beatbox, tuba)

Malakoff, 2-3 février 2017 & Paris 23 septembre 2017

JAZZENVUE 01 / Bernett Records 

Disponible sur le site du trompettiste

http://janschumacher0.wixsite.com/janschumacher

et sur les plateformes numériques

On ne pas dire que Jan Schumacher encombre les bacs des disquaires : sauf erreur, c'est le troisième disque sous son nom, en dix ans, de ce trompettiste allemand établi dans nos parages. Mais la chose est mûrement réfléchie, fondée sur l'évolution d'une équipe plutôt stable, augmentée d'invités soigneusement choisis pour un projet esthétique patiemment élaboré. Ici le vent d'Est domine, peut-être celui des Monts Tara, en Serbie, l'un des lieux où le trompettiste puise son inspiration. Ce qui frappe, c'est qu'il s'agit d'abord d'un disque de compositeur, ou plutôt de dramaturge, qui organise un spectacle sonore dont le déroulement est soigneusement élaboré, et où le trompettiste-leader ne cherche pas le premier rôle mais la place pertinente dans un ensemble très cohérent, où chaque soliste cependant dispose d'espaces de liberté d'expression, et même d'expressivité (le doudouk de Didier Malherbe en ouverture, et plus loin le trombone de Gueorgui Kornazov, la voix d'Émilie Lesbros...). La trompette et le bugle trouvent aussi leur place dans cette scénographie imaginative où l'improvisation modale libérée fait bon ménage avec des changements d'accords sinueux. Une place parfois plus rythmique que mélodique, avec le trombone, comme revendiqué explicitement par Jan Schumacher dans la vidéo ci-après. Ce disque est à écouter comme un voyage sonore dans un imaginaire très intériorisé, où les paysages seraient allusifs. Embarquez : l'aventure en vaut la peine. Après une pénultième plage très jazz sur tempo vif, le disque se conclut par un extrait de concert (avec le renfort de Jean-Baptiste Renaux) à la Maison Heinrich Heine de la Cité Internationale Universitaire de Paris. Belle manière de rappeler que ce jazz, comme tous les jazz(s), est sans frontières.

Xavier Prévost

Le groupe est en concert le jeudi 8 mars à Paris au Sunside

Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=7QhWcWUN2Sk 

HARVEST

Clover Trio

Green Nose production/ Absilone

Damien Argentieri (orgue), Sébastien Lanson (guitare), Benoist Raffin(batterie)

Voilà un album à écouter absolument par un temps gris et pluvieux comme aujourdhui pour éloigner même provisoirement cet hiver qui n'en finit pas de nous tourmenter. Et pas seulement en référence à la pochette mais aussi par exemple pour "Gaby", une composition de l'organiste Damien Argentieri, mélodieuse et douce de 3'40 qui tourne et insensiblement s'accroche, se fixe dans votre mémoire.

Harvest est le premier album d'un trio de musiciens confirmés, le Clover trio (trèfle à seulement trois feuilles ici). Sans révolutionner la planète musicale et la formule connue du trio (guitare,orgue, batterie), ils installent et jouent de cette familiarité due au groove intense qui vous saisit dès l'ouverture. Sans aucun doute, c'est la caractéristique première d'un trio sage qui sait créer une ambiance tournante sur les compositions alternées des trois camarades de jeu. Damien Argentieri impose fluidité et élégance aux commandes de cet orgue dont on a toujours plaisir à retrouver le son (à choisir dans cet éternel retour de certains instruments, je préfère le velouté de l'orgue au fender), le guitariste Sébastien Lanson qui a vécu quelque temps sur la côte Ouest a acquis une clarté ( "lamirémi" ), il constitue aussi un support rythmique, aux côtés du batteur discret mais efficace Benoît Raffin("Taxi").

Trois feuilles qui se régénèrent, en reprenant très joliment, des standards de la pop qui ont marqué notre mémoire affective ( "Isn't She Lovely?", "Imagine") et du jazz "Softly As In A Morning Sunrise" et "Played Twice"de Monk.

Prometteur, cet album au charme certain.

Sophie Chambon

Bobo Stenson (piano), Anders Jormin (contrebasse), Jon Fält (batterie)

Lugano, mai 2017

ECM 2582 /Universal

Une fois encore ECM s'invite dans le magnifique studio de la RSI, la radio suisse de langue italienne, studio à l'acoustique parfaite pour cette instrumentation, et qui de surcroît recèle des pianos exceptionnels. Ces conditions ne sont probablement pas étrangères au climat d'intensité sereine qui va prévaloir au fil des plages. Après une très chantante version d'une chanson cubaine, le CD parcourt les univers de Bartók, Satie et Federico Mompou, dans un itinéraire qui fait aussi la part belle aux compositions du contrebassiste (partenaire du leader depuis plus de 30 ans), et du pianiste bien sûr, avec en prime une composition collective, tout droit sortie semble-t-il, de l'improvisation. Si les musicien(ne)s de jazz se sont souvent penchés sur le répertoire de la musique classique (au sens large, du baroque jusqu'au vingtième siècle), depuis longtemps et peut-être ces dernières années avec une certaine recrudescence, Bobo Stenson semble entreprendre une démarche d'appropriation spécifique, et très féconde. Sur le chant traditionnel slovaque de mariage repris et magnifié par Bartók il développe très librement l'introduction, expose la mélodie dévolue au chœur avec la même liberté, et entraîne l'improvisation du trio vers un ailleurs qui rejoindra le thème, devenu une pièce pour trio de jazz à part entière. Même subtil dévoiement pour l'Élégie de Satie, bien vite entraînée sur le terrain d'un jazz lyrique où c'est le piano qui chante. Même chose pour Mompou dont la Canción y Danza n° VI passe du statut de ballade romantique à celui de standard que l'on métamorphose pas à pas. Les compositions originales sont de cette même veine, un peu mystérieuse, qui donne à l'ensemble du disque le caractère d'une sorte de cérémonie secrète. Et en réécoutant la première plage, signée dans les années 70 par le chanteur-compositeur-poète cubain Silvio Rodriguez, je me dis qu'il existe une parenté, dans la manière de faire chanter le piano, les phrases et l'harmonie, avec Keith Jarrett : ce n'est pas un hasard, si l'on veut bien se souvenir que, voici une quarantaine d'années, on entendait Bobo Stenson dans le groupe de Jan Garbarek, un groupe qui, en changeant de pianiste, devenait le quartette européen de Jarrett. Mais le lyrisme de Bobo Stenson, moins emphatique, me touche souvent davantage.

Xavier Prévost