Inouïe Distribution 2018
Olivier Hutman (p), Yoni Zelnik (cb), Tony Rabeson (dms)

Il n'y a pas si longtemps Yael Angel avait un rêve S'attaquer à un répertoire bop réputé difficile.
C’est son amour pour cette musique qui l’a amené sur les traces de Trane, de Monk, de Shorter, Miles Davis et de tout ceux qui ont su faire du jazz, une musique aux harmonies complexes portée par le swing.
Et Yael n’a pas froid aux yeux et même une sacrée dose de culot pour s’attaquer à ces monstres sacrés et à ces thème souvent réputés inchantables au point de vouloir se les approprier et de mettre ses propres paroles sur des thèmes souvent complexes. So what revisité, Round midnight fascinant  ou encore Ophélia qui revit.

Dans son graal figure d’ailleurs le regretté Jon Hendricks qui reste en la matière une sorte de monstre sacré ( avec ses compères Lambert & Ross ou encore des Double Six).
Mais pour parvenir à ce beau travail le courage ne suffit pas. Il lui fallait aussi de grands talents d’arrangeuse et de direction pour mener à bien ce projet.
Mais cela ne suffisait pas non plus. Car pour faire chanter le jazz, encore faut il être ….une vraie chanteuse. Une chanteuse libre, capable de toutes les prises de risque. Une chanteuse prête à assumer son propos jusqu’au bout. Un interprète décomplexée. Une chanteuse libre.
Et c’est bien de cela dont il s’agit dans ce premier disque de Yael Angel où la chanteuse se permet à peu près tout. Interprète de ses propres paroles ( essentiellement en anglais), elle monte des les aigus avec un brin de folie, descend dans des graves à la sensualité envoûtante, scatte mais pas trop, emballe son monde et se met au service des merveilleux musiciens qui l’accompagne.
Comme souvent pour un premier disque, il y a la tentation de trop en faire. Mais comment aller au bout d’un projet un peu dingue sans risque ? Sans provoquer les émotions ?
On aimera ou pas mais  au bout du compte le pari est réussi. Celui d’un album qui surprend, qui interpelle et fait parler de lui.
Yael Angel ne va pas révolutionner le bop avec cet album. En revanche elle redonne  au bop chanté des lettres de noblesse. Celle du chant osé.
Chapeau !
Jean-Marc Gelin

Enrico Pieranunzi (piano), Mads Vinding (contrebasse), Alex Riel (batterie)

Copenhague, Jazzhouse, 11 novembre 1997

Stunt STUCD 17072 / Una Volta Music

Sous titré «Mads Vinding Trio Live in Copenhagen 1997», c'est un enregistrement de concert contemporain du disque publié par le même label sous le nom de Mads Vinding et intitulé «The Kingdom (Where Nobody Dies)», disque qui avait connu une belle reconnaissance. Ce trio est en effet exceptionnel, qui associe le pianiste italien à deux figures danoises de la scène européenne : Mads Vinding, l'un des contrebassistes favoris de Martial Solal, et de bien d'autres ; et Alex Riel, qui a joué avec plusieurs générations de jazzmen américains, de Don Byas et Ben Webster à John Scofield en passant par Bill Evans, Kenny Drew, Dexter Gordon, Jackie McLean, Wayne Shorter.... C'est dire que l'on est en présence de Maîtres de l'idiome, qui pourtant ne se contentent pas de rejouer l'histoire dans sa version formolisée. C'est très vivant, dès les premières secondes, avec une version de Yesterdays qu'inaugure une introduction mystère et qui prouve, une fois de plus, que l'on peut jouer les standards sans redonder. C'est un enregistrement sur le vif, avec la liberté que procure ce type de circonstance, et les trois partenaires ne se privent pas de l'espace offert par ce contexte. Standards, oui, mais au sens large, avec ce standard du jazz créé par son compositeur, Gary Peacock, dans l'un de ses premiers disques en leader («Tales of Another», 1977) dont le pianiste était.... Keith Jarrett : il s'agit de Vignette, dans une vision renouvelée qui n'a rien à envier à la version princeps. Après une relecture incroyablement inventive de Jitterburg Waltz, le trio s'offre un détour par une très belle composition de Pieranunzi, avant de replonger dans les classiques : My Funny Valentine (version revisitée, et avec de beaux contrepoints) , My Foolish Heart (métamorphosé aussi), et de conclure sur une chanson assez peu jouée par les jazzmen (parmi lesquels Coltrane, Tal Farlow, Laurent Coq.... et Pieranunzi déjà en 1984), If There Is Something Lovelier Than You, de Howard Dietz et Arthur Schwartz (et non de Howard Schwartz comme l'indique le verso du CD....). Tout cela respire l'invention, avec de beaux solos de basse, des improvisations inspirées du pianiste, et une pertinence du jeu de batterie qui fait regretter que, parfois, l'enregistrement ne lui donne pas davantage de présence. Beau trio, et un enregistrement qu'il aurait été vraiment dommage de condamner aux outrages de l'oubli.

Xavier Prévost

Enrico Pieranunzi sera présent à Paris, avec un autre trio (Diego Imbert & André Ceccarelli) le samedi 13 janvier 2018 à Radio France (20h, au studio 104) pour un concert 'Jazz sur le Vif' ; en première partie du concert le duo Claudia Solal-Benjamin Moussay

Bernard Santacruz (contrebasse solo)

Rouen, 21 novembre 2015

Juju Works #2 / 2017 / Absilone-Socadisc

Gardé sous le coude durant plusieurs semaines après une première écoute, ce CD attendait que vinssent les mots pour dire ce que j'avais perçu, ressenti (compris ?) de ce solo absolu, livré dans le dépouillement le plus brut de la 'Salle des Nus' de l'École des Beaux-Arts de Rouen, dans le cadre du festival Jazz À Part. Un son relativement mat, pas de ces réverbérations exagérées pour planeries formatées : juste la pureté du son, dans sa rondeur essentielle, comme un défi. La première plage est comme un long poème (un poème de novembre qui peut rappeler à quelques amateurs de contrebasse certains poèmes de décembre....), où l'on chemine d'aspiration mélodique en foucades imprévues, mais toujours en parfaite maîtrise du son, du timbre, de la hauteur, de la matérialité constitutive de la musique dans ce qu'elle a de plus concret. On croit progresser par vagues successives, et c'est pourtant l'unité d'un mouvement qui nous porte, l'esprit d'un 'sujet improvisant' qui s'incarne dans l'épaisseur de l'objet musical, qui est cette vibration modulée, pour nous qui l'écoutons porteuse de sens : est-ce le sens qu'insuffle celui qui joue ? Là est le mystère de toute musique. Et l'on se laisse porter jusqu'au terme de la première séquence, à 26 minutes et 35 secondes, quand surviennent les applaudissements provisoirement conclusifs. C'est ensuite un pizzicato caracolant, qui se résoudra en procession mélodique, puis en percussions bruitistes, avant de livrer les secrets de l'archet. Et la troisième séquence, ouverte en majesté comme un mélodie médiévale, va se poursuivre en boucles obstinées jusqu'à la résolution finale. En bref, c'est une forme qui s'est donnée à entendre, pas à pas, mesure pour mesure, dans une sorte de rituel (celui du concert) où nous sommes invités, par l'effraction douce de l'enregistrement. Belle expérience, vraiment.

Xavier Prévost

Tony Tixier (piano), Karl McComas-Reichl (contrebasse), Tommy Crane (batterie)

New York, 29-30 avril 2016

Whirlwind Recordings / Bertus

Cinq ans, déjà, que ce jeune pianiste français est parti s'établir aux U.S.A., à New York d'abord, et désormais en Californie. Sideman de haute volée (Wallace Roney, Christian Scott, Seamus Blake....), il poursuit également un itinéraire personnel, pour la seconde fois dans la configuration du trio, après des albums en solo, septette et quartette. Tonalité mélancolique sur la première plage, qui évoque le temps révolu de la petite enfance, comme sur la photo de couverture qui le montre dans les bras de sa mère. Mélancolie encore dans la deuxième, mais les couleurs harmoniques sont riches, les traits vifs et les phrases d'une belle diversité. Changement de climat à la plage suivante, avec une surprise : une version très personnelle, et mise au goût du jour, deTight Like This, conçu et immortalisé voici près d'un siècle par Louis Armstrong. C'est, dit-il, parce que sa grand mère aimait à chanter ce thème. Vient ensuite un titre à la fois rêveur et obsédant qui se développe en dialogue avec la basse et la batterie vers une fin en suspens. Après une échappée vive et volubile du côté du blues, un thème original, marqué par l'esprit des chansons du temps présent (mais enrichies de denses interactions entre les deux mains du pianiste), conduit à un standard inoxydable, Darn That Dream, exposé avec ce qu'il faut de tensions harmoniques exogènes pour revendiquer le refus de toute routine. Et le dialogue avec la basse dans l'improvisation prolonge ce léger dépaysement qui sied à toute incursion dans le champ des thèmes déjà balisés. Suit une composition originale qui virevolte, rythmiquement et harmoniquement, ouvrant ainsi un fécond espace de dialogue avec les partenaires du pianiste. Après une exploration brève et très fine des ressorts d'un tube de Stevie Wonder (Isn't She Lovely), Tony Tixier nous entraîne dans les méandres harmoniques de deux compositions personnelles qui vont conclure un album révélateur d'un indiscutable talent de leader, d'improvisateur et de pianiste : nul doute que Tony Tixier figure désormais dans la corporation (richement dotée et presque encombrée) des pianistes avec lesquels il faut compter, et ce d'une rive à l'autre de l'Atlantique.

Xavier Prévost