D’jazz Nevers,  37ème édition du 11 au 18 novembre

De retour sur les bords de Loire avec un temps instable, une petite pluie qui crachine mais surtout en ce jeudi 16 novembre, 6ème jour du festival, un vent violent avec des bourrasques qui n’ébranlent ni la solidité du barnum du festival D’jazz Nevers planté solidement devant le théâtre et le Palais Ducal ni la bonne humeur du public fidèle et passionné .

Pour cette 37 ème édition, le programme est majestueux, 37 concerts en 8 jours -pas moins de quatre concerts par jour dont deux en soirée à la Maison de la Culture. La durée d’une heure environ est suffisante pour rendre compte du style de chaque concert, de l’éclectisme musical de toutes ces esthétiques des jazzs et musiques actuelles. C'est le choix du président du Festival Roger Fontanel qui tient à prouver que le jazz vif qu’on entend ici est tout sauf une musique élitiste, de la tradition quelque peu bousculée à l’improvisation la plus débridée, sans oublier les incursions en musique contemporaine aux sons plus ou moins "machiniques".

Jeudi 16 Novembre

Petite salle de la Maison, 12h 30

(Sur les bords de Loire).

DANDY, DANDIE

Un nom curieux que n’explicite pas immédiatement le sous-titre Hypnos et Morphée pour le quartet du saxophoniste Alban Darche qui pratique un jazz de chambre élégant, pas "blasé" pour un sou, même s'il se réfère au dandy incarné, Baudelaire dont Alban Darche a mis en musique “Brumes et Pluie”. Le quartet se réclame d’une certaine parité avec un duo de soufflants à la trompette (Olivier Laisné qui remplace ici Geoffroy Tamisier) et au saxophone (Alban Darche) et une pianiste (Nathalie Darche) qu’accompagne une chanteuse Chloe Cailleton. Des poésies symbolistes, d'autres comme cet "Opium" inspiré de Poe ou encore ce “Snake” de l’Américain Theodore Roethke transposent en jazz ces clairs-obscurs, couleurs en demi-teintes, assonances et autres rythmes impairs. Un titre curieux " Encyclies" nous a fait réfléchir... Voulez vous une devinette? Le titre a un rapport avec un tube de Michel Legrand.... où il est question d'eau...

C'est en effet l'heure exquise, apéritive, de nous laisser griser par ces mélodies langoureuses, légèrement inquiétantes: il n’est pas question de se laisser distraire ni de s'abandonner au sommeil, seulement à des visions oniriques où il serait question de figures du tarot de Marseille ou du "Printemps" de Verlaine. La petite salle est un écrin parfait pour cette musique de l'instant grave et doucement élégiaque quand on voit échapper ce qu'on ne reverra plus. Les poèmes choisis ne seraient que prétextes à une recréation jazz de ces belles mélodies du début du XXème. On pense à "l’Invitation au Voyage" de Duparc  me souffle fort à propos l’ami Prévost. Une musique qui glisse délicatement, soyeusement autour de la voix fraîche, bien timbrée de la jeune chanteuse.

NOCE

Théâtre municipal, 18h.30

C'est la première création du festival en collaboration avec le festival de Grenoble et Césarée de Reims.

Un dispositif esthétique et audacieux dans le délicieux petit théâtre à l’italienne. Deux “tables” dont celle surélevée des deux clusters de batterie (on ne peut plus vraiment parler de “set” à ce niveau) dominant deux pianos à queue qui se font face, soit cinq cents cordes frappées par 176 marteaux ( selon le dossier de presse ). Amusante précision qui n’est pas inutile car tout dans ce projet est cadré soigneusement semble-t-il et tient de la performance, voire du happening devant un public recueilli qui écoute religieusement, dodelinant de la tête, entrant très vite dans la transe que déclenche et entretient cette musique bruitiste, ni tout à fait"machinique"  puisqu'elle utilise surtout des objets et ustensiles divers, voire des outils, ni vraiment répétitive mais qui en variant les effets, en réglant volume et intensité de tous ces bruits chics émis, entretient un relatif mystère et des interrogations sur ce qui va advenir. C’est admirablement conçu, joué avec intelligence de toutes les façons possibles dans cette partie carrée, en symétrie, en opposition, en parallèle, en continuation… Les quatre musiciens concentrés et visiblement heureux ( du moins en ce qui concerne  Roberto Negro qui est dans mon champ de vision plus que son complice pianiste Denis Chouillet) connaissent et maîtrisent le programme sur le bout des doigts. L’ennui avec ce type de musique est qu’elle pourrait durer des heures, une nuit même, dans la douce et enveloppante ténèbre qui envahit le parterre. Un éclairage subtil délicat et bleuté, le son impeccable enregistré par l’orfèvre Boris Darley très à son affaire (que je retrouve ici après un long séjour en Provence ).

Un quadrilatère impeccable pour cette noce singulière (et au singulier) qui doit éviter tout excès de table qui guette pareille fête. Avec leur “cluster table” le duo de Sylvain Lemêtre et Benjamin Flament déploie un ensemble de percussions impressionnant (série de bols tibétains, gongs de toute taille, cymbales qui sembleraient presque banales, tambours et autres fûts) faisant la joie des photographes qui ne vont cesser d’évoluer au sein du théâtre, de grimper dans les loges jusqu’au paradis pour mitrailler, zoomer cet impressionnant attirail.

Je les envie d’ailleurs car même si je suis très bien placée, je me retrouve encastrée au milieu d’une rangée, et ce n’est pas la moindre des raisons qui me fait trouver le temps long... à 19h02 très exactement. Soyons précise et rendons hommage à la minutie du projet. Moi qui étais entrée très facilement dans cette transe, saisie par le vertige d’une cohérence que je pensais avoir comprise, je perds soudain les pédales ( façon de parler) et me met à penser à certaine pièce de John Cage inspirée des "Vexations" de Satie qui fait environ 7 heures en répétant la même phrase musicale 840 fois…Une performance musicale qui s’apparente aux longues nuits théâtrales du festival d’Avignon. Et dès lors il m’est impossible d' entrer en méditation.

La Maison de la Culture, Grande Salle, 20h 30

Full Solo Paul Lay

Juste à temps. Le pianiste, parti de Nantes le matin, arrive quelques minutes seulement avant d’entrer en scène, le train ne s’étant pas arrêté à Nevers mais à Bourges! Une voiture du festival  est dépêchée dans l’après midi pour “l’exfiltrer”. Ah la SNCF!

Encore toute au souvenir de son concert d’août dernier à Cluny sur Deep Rivers, j’attendais avec quelque inquiétude sa version solo de tubes de Beethoven. Mais qu’allait-il donc faire dans cette galère? Voulait-il s’attirer les foudres des classiques aussi puristes parfois que certains jazzeux? Bach remporte le pompon des reprises jazz depuis Jacques Loussier, on le sait. Paul Lay non seulement a évité l’ écueil mais il s’en tire à son avantage, faisant swinguer Ludwig van B. A moins que le compositeur n'ait jazzé avant l'heure sans le savoir. 

Et puis rejouer même en rappel “La lettre à Elise” massacrée par des générations de jeunes apprenants  ne fait pas peur au "Marvel du piano" selon la très juste formule du producteur du label Gazebo? Laurent de Wilde qui s’y connaît en claviers. S’attaquer à l’Annapurna du romantisme “L’hymne (européen) à la joie" de la 9ème Symphonie ou à la "Sonate au Clair de Lune" (dont les premières notes me font irrésistiblement penser à l’humoriste Bernard Haller dans son sketch le Concertiste) constituent sans doute un nouveau challenge. Ce n’est peut être pas fortuit car Paul Lay seul à son piano dans le halo lumineux de la grande salle est un concertiste ...de jazz. Cette musique peut être considérée comme un standard. Et en matière de standard, Paul Lay est insurpassable. Il sait faire! Sa technique et son imagination harmonique lui permettent de faire jaillir dans l’instant de nouvelles idées.

Un solo avec lui c’est un récital qui ne tombe pas dans l' exercice de style, plutôt dans la démonstration évidente qu’il sait phraser jazz, que la musique et la danse le traversent, qu’il sait tourner et retourner chaque pièce dans tous les sens avec un plaisir non feint, qu'il aime rompre la mélodie, se lancer dans des éclats vifs d’impro, lui qui a dans les doigts tous les trucs des grands ayant bossé sérieusement toute l’histoire du jazz. Paul Lay connaît ses classiques, attiré aussi bien par Jelly Roll et Earl Hines que Mc Coy Tyner.

Tout ce qu'il joue est recomposé à un point difficilement concevable. Le processus de démolition ou de déconstruction, les grands pianistes savent faire, à commencer par Martial Solal qui a adoubé le jeune Paul Lay qui sait irriguer d’airs de blues et jazz, lieder, sonates, symphonies. Il se lance dans ses propres réflexions musicales sur la musique du maître, pas pour se comparer au compositeur mais pour  lui rendre un hommage particulier à “Heiligenstadt”, quartier viennois où vécut Beethoven, puis dans ce “Blues in Vienna”, en somme son carnet de voyage en Beethovenland.

Une performance à savourer "live" évidemment. Merci à D’jazz Nevers de savoir aussi s’ouvrir à plus “classique”, à une musique populaire et exigeante.

L'autre Avishai Cohen, the trumpet player!

21h 30 Grande Salle.

Encore un moment exceptionnel dans un programme tellement nouveau qu’il n’existe pas encore! Cette bizarrerie est due à l'autre Avishai Cohen, the trumpet Player! C’est cet autre "Avishai Cohen" qui se présente ainsi non sans humour pour que l’on ne fasse pas erreur avec son homonyme contrebassiste. 

Musicien exceptionnel, né à Tel-Aviv dans une fratrie de musiciens qui a migré à New York, voilà un exilé qui ne s’est pas coupé de ses racines mais sait  prolonger en la vivifiant la tradition. Avishai Cohen, sa soeur Anat, clarinettiste et son frère Yuval, saxophoniste ont d’abord entretenu la tradition familiale au sein du trio des 3 Cohens. Mais le trompettiste tourne à présent avec son propre quartet que l’on sent encore plus soudé en ces temps dramatiques, une autre "famille" qu’il s’est constituée avec Yonathan Avishai au piano, Barak Mori à la contrebasse et Ziv Ravitz à la batterie.

Son approche singulière de l'espace musical est difficile à décrire, un jazz post-bop inspiré de Miles Davis certes. Mais il s'en détache par un phrasé différent, d'une douceur presqu’effrayante, tenue et même retenue, avant d’être proposée en offrande, ode à la liberté qui résonne étrangement après le jeu heureux de Paul Lay dans sa recréation de l’ode à la joie.

Tout tient peut être dans la clarté épurée d'un jeu qui intègre silence et vide -ce n’est pas pour rien qu’il a été repéré et signé chez ECM, le prestigieux et classieux label de Manfred Eicher.

Après son dernier album Naked Truth en 2022, nous avons la primeur ce soir du treizième opus à venir qui sera enregistré la semaine prochaine à La Buissonne de Pernes-les-Fontaines par Gérard de Haro, à la fin de ce tour européen commencé en Roumanie qui va ensuite de Cannes à Paris via Nevers qu’il affectionne particulièrement, Barcelone et Madrid...  Le trompettiste se plaît en quelque sorte à créer une musique nouvelle  sans prendre beaucoup de temps de préparation. Une prise de risque atténuée par le rodage de cette mini-tournée.

Bouleversé par les récents événements, il évoquera pendant un long préambule sa décision de continuer à jouer en dépit de tout une musique, alors qu’il pensait annuler sa tournée. Nous aurions perdu une longue suite à la mystérieuse beauté qui sans nul doute découle de son ressenti actuel. Quand il téléphone à ses enfants, il dit entendre le bruit des bombes et rockets... Il a choisi aussi de nous faire écouter sa composition de l’adagio du concerto en sol de Ravel, inspiré de “la plus belle musique qui soit”. Décontracté mais sérieux, il nous révèle pour finir qu’il a enregistré une composition de sa fille à son insu (décidément la musique est affaire de transmission dans cette famille) et que si le morceau plaît au public, il sera enregistré dans le Cd à venir. Si ce n'est pas le morceau le plus brillant, restera  gravé un formidable témoignage d'amour et de tendresse.

Comment ne pas être séduit par ce quartet qui sait d’entrée de jeu éveiller notre curiosité avec un pianiste hors catégorie qui touche en blues, un batteur à la gestuelle incroyablement plastique, voire élastique. Le contrebassiste aura son "moment" plus tard dans la suite, quand il se prend à chanter à la façon d’un Paul Chambers. 

Quant au trompettiste, il garde un son droit dépourvu de vibrato, phrase avec un lyrisme  mesuré, le pavillon pointé vers le sol, malgré des effets de sourdine, de wah wah essentiellement, peut être dispensables, l'espace musical étant suffisamment ouvert à la circulation et aux échanges. 

Gageons que pour beaucoup, ce concert aura ouvert d’autres portes de la perception.

A suivre... le marathon continue jusqu'à samedi soir.

Sophie Chambon

Un grand merci à Maxime François, le photographe attitré du festival!

 Onzième édition des Emouvantes marseillaises (du 21 au 23 Septembre)

Présentation - Emouvance - Compagnie Claude Tchamitchian

Festival les Emouvantes (festival-emouvantes.fr)

A l’équinoxe, arrivée de l’automne que Brassens jugeait “funeste” dans  son “ce 22 septembre” reviennent les Emouvantes, hébergées à présent au Conservatoire national de Région que dirige le saxophoniste Raphaël Imbert. On est sûr en tous les cas de voir la musique en action avec tous les projets depuis 1994 du label Emouvance, et ce festival qui en est à sa onzième édition, présentant des musiques originales, imprévues, exigeantes et engagées.

SUZANNE TRIO Jeudi 21 septembre

Salle Audoli, Conservatoire National de Région, 19h00

Hélène Duret (clarinette basse, voix) Pierre Tereygeol (guitare, voix) Maëlle Desbrosses (alto,voix)

Ce trio mixte, deux filles et un garçon, deux instruments à corde et un à vent (violon alto, guitare et clarinette basse) a pris pour nom Suzanne. Quand on sait qu’ils aiment s’ancrer dans les mélodies folk, on commence à avoir une petite idée de l’une des influences majeures de leur répertoire. On aura vite la confirmation par Hélène Duret dès la 2ème composition “Her place near the river”... C’est bien la “Suzanne” de Leonard Cohen qui veille sur le trio.

Un vrai nom de groupe qui ne privilégie aucun des trois musiciens puisqu’il s’agit d’une expérience collective, d’une aventure liée à une rencontre, au sein du dispositif formidable Jazz Migration #7 de l’AJC . Cette structure aide les jeunes pousses de la scène hexagonale en leur procurant des facilités de résidence et des tournées au sein des festivals membres de la structure. Venant de groupes différents au départ, ayant concouru sans succès, leur rencontre révéla suffisamment d’affinités pour qu’ils décident de se représenter à la sélection, avec leur propre formation en 2021. Je les ai d’ailleurs entendus en mai 2022 à Arles à Jazz au Méjan. Et il est certain que le trio a beaucoup beaucoup joué depuis deux ans, il est maintenant rodé sur ce répertoire, et cela s’entend. Mon impression est bien meilleure  : moins de voix, plus d’instrumental pur et sensuel quand il s’agit de la clarinette basse qui donne du corps à l’ensemble. Ils sont déjà prêts à sortir début octobre leur nouvel opus Travel Blind.

L’instrumentation singulière et l’approche acoustique sont des plus adaptées à la configuration particulière de la salle Audoli du CNR, longue et étroite qui ne se satisfait guère de formations trop étoffées et électriques.

La musique du groupe composée pour une grande partie par le guitariste Pierre Tereygeol accueille des compositions des deux autres musiciennes mais fait aussi la part belle à l’improvisation. Qui est de plus en plus sensible, travaillée autant que l’écriture, en s’inspirant des grands de l’improvisation libre que l’on entend souvent dans ce festival. Dès le premier titre “Etoiles vivantes”où les voix comme de nouveaux instruments se joignent en choeur aux cordes pincées, frottées, caressées et au souffle profond de la clarinette basse, on est plongé dans une élégie douce… une polyphonie étrange, un chant intime. Des folksongs de chambre en quelque sorte, plus que du jazz de chambre à la Jimmy Giuffre mais sur le même principe avec une recherche harmonique et un son de groupe travaillés à cet effet, en usant de toutes les ressources de leur instruments respectifs. Le rythme, ils s’en occupent à tour de rôle, échangeant volontiers les rôles, à la fois dans les mélodies et leurs contrepoints.

 Une musique qui pourrait aussi trouver quelque place dans une B.O un peu mystérieuse. Pas de véritable variation autour d’un thème, on ne reconnaît en rien la mélodie de Leonard Cohen pour “Suzanne”. Mais toutes sortes de petits bruits de glotte, du souffle, de gratouillis sur les cordes, les crins, des jeux sur les clés. C’est vif et enlevé et le morceau prend son temps pour se développer, répétitif et entêtant. Grinçant aussi. Quand on vous disait inquiétant... cet alto volontiers dissonant. On ne sait trop où nous conduit leur flux mais l’ensemble coule, plutôt fluide malgré syncopes et ruptures.

D'ailleurs un titre éveille ma surprise, “Where is Frank?”, clin d’oeil au moustachu Zappa, puisque le trio puise volontiers dans toutes les références aimées. Serait ce  justement pour l’aspect collage de fragments plus ou moins longs de styles différents? C’est Maëlle Desbrosses qui commence, posant la mélodie plutôt mélancolique. Je pense fugitivement au Concert Impromptu qui reprenait des thèmes de Zappa en quintet à vent mais ... non. Quel est le Frank auquel pense le trio? Celui amoureux de Varèse et du contemporain ou plutôt l'Américain qui se moquait avec tendresse du doo wop?

Le trio insiste en tous les cas sur l’importance de la transmission. Une sorte de filiation jusqu’à ce prénom de (grand)-tante ou de grand mère, un peu désuet. Le fil directeur remonte à la source entre le folk, le bluegrass, Leonard Cohen, et puis Jeff Buckley pour les voix. Confirmation avec le final, la seule reprise chantée par Pierre Tereygeol, le “Satisfied mind” de 1998 où plane la figure tutélaire de Jeff Buckley. C‘est en effet l’une des sources logiques d’inspiration du trio. La boucle est bouclée de Cohen à Buckley qui n’avait jamais peur d’exposer ses fragilités et de rendre hommage à ses idoles. C’est donc un hommage à une époque, à la voix aussi. Audacieux, libertaire, comme me souffle mon voisin, et pourtant accessible.
 

POETIC POWER

Salle Audoli, 21h00.

Claude Tchamitchian, contrebasse, Eric Echampard, batterie, Christophe Monniot saxophone alto

Partant du jazz sans jamais le quitter, fidèle à cette musique d’imprévus, le contrebassiste Claude Tchamitchian continue à creuser son chemin, en sideman dans les meilleurs groupes comme le Mégaoctet mais aussi en leader. Il aime à s’engager hardiment,  et si on reprend le thème de l’édition 2023 des Emouvantes, à choisir des chemins de traverse. Mais en excellente compagnie.

On s’aventurerait en forêt cette fois avec une suite de (plutôt) longues suites qui tournent autour du thème de l’arbre, sa contrebasse signifiant logiquement l’enracinement, le saxophone de Monniot toutes les ramifications complexes du feuillage et la batterie essentielle d’Echampard assurant le lien entre terre et ciel.

Claude Tchamitchian a une écriture qu’il désire moins encombrée par le sentimentalisme des passions que par l’ouverture aux “improvista”, attentif aux rencontres, aux interactions naturelles, à une certaine urgence teintée de colère. Comme dans l’un des derniers titres “Unnecessary Fights” qu’il dédie à sa pauvre Arménie, une fois encore menacée d’effacement.

Après des expériences en sextet et en plus grand orchestre encore, Claude Tchamitchian constitue ce Poetic Power (label Emouvance) sorti ou enregistré le 17 mars 20, ça ne s’invente pas. . Le choix du saxophoniste (ici à l'alto) Christophe Monniot est évident, lumineux et espéré! Le musicien a le souffle inventif, la concentration agile et volatile, son chant est toujours émouvant, tant il recèle de capacités d’abandon. Un effacement de soi qui aboutit à un réel dépassement : il nous entraîne loin et haut sur les cimes de ses paysages intérieurs, sculptés dans sa mémoire qui resurgissent abruptement. On le voit hésiter sur ce qu’il va jouer, là dans l’instant avec une capacité exceptionnelle d'écarts, toujours maîtrisés.

Moins fantaisiste qu’émouvant dans ce contexte. Quelle mélancolie dans certains passages, dans le souffle déchirant, contrebalancé par des pirouettes vertigineuses. On entend tellement de nuances dans cette musique qui résonne en profondeur et réveille les sens. Ecoutons-le dès le premier thème “Katsounine” où propulsé par la rythmique, époustouflante, où Echampard travaille les textures, sèches, claquantes sur les cymbales, il embrase notre imaginaire, sans oublier pour autant des instants plus tendres et rêveurs, fondants, même s’il n’est pas au baryton! Beauté fluctuante, fragile et dangereuse, intermittente le long de cette errance en six pièces, longues, amples ( plus quelques rappels réclamés à cor et à cri par la public subjugué) où tous les trois se livrent à corps perdu, multipliant les détours jusqu’aux fractures : ils peuvent se perdre, mais ils se retrouvent après des envolées  libres toujours, celles que réclament un jazz vif. L’un des titres s’appelle d’ailleurs “La belle échappée”. Jamais on n’a entendu Tcham aussi décisif, déterminant dans le travail de cette rythmique impeccablement réglée : aidé du diaboliquement précis Eric Echampard, il nous rattache à ces obscures forces souterraines, ce grondement sourd et jaillissant que l’on perçoit en nous, “So close, so far”.

Sophie Chambon  

Rituel de novembre pour le chroniqueur depuis la fin des années 80 : quelques jours à Nevers pour un festival dont le programme est toujours alléchant, très souvent jouissif. Et les Bords de Loire toujours aussi étonnants

Tout avait commencé dès le samedi 5 novembre, avec le duo Céline Boncina – Laurent Dehors, le quintette de Vincent Courtois et la groupe Aziza (Dave Holland and C°). Mais ce jour-là j’étais encore à Paris pour écouter Flash Pig puis Joe Lovano.

©Maxim François

Le dimanche 6 novembre, j’étais dans la petite salle de la Maison (de la Culture) pour la création de M. Golouja, théâtre musical qui associe le comédien Olivier Brida et le trio La Litanie des Cimes dans une adaptation d’une nouvelle de Branimir Šćepanović, entre fantastique et absurde. Dans un dispositif scénique simple, une formidable incarnation du comédien, en dialogue scénique et dramatique avec le trio (Clément Janinet, Élodie Pasquier, Bruno Ducret).

Le lundi 7 novembre, à 10h du matin, le chroniqueur se rend au Café Charbon pour une représentation du duo Céline Bonacina – Laurent Dehors devant un public scolaire de collégiens et lycéens. Musique très inventive et vivante, et le public, d’abord timde ne réactions, a montré dans l’échange final avec les artistes que son écoute avait été féconde

©Maxim François

Le lendemain, dès midi quinze, au Théâtre Municipal, c’est le concert du quartette Autonomus du saxophoniste finlandais Mikko Innanen : autour de partitions graphiques que chaque musicien fait pivoter de séquence en séquence d’un même morceau, un régal de liberté et d’esprit ludique, en toute rigueur. Le contrebassiste bourguignon Étienne Renard remplaçait au pied levé, et avec brio, le titulaire retenu en Finlande par le covid. À 18h30 à la Maison de la Culture, nouvelle représentation de M. Golouja, puis en soirée, au Théâtre, le groupe Try ! D’Airelle Besson

Belles mélodies de la trompettiste, servies avec liberté et panache par Benjamin Moussay, Fabrice Moreau et Lynn Cassiers : la vocaliste des Flandres belges est en effet la remplaçante régulière quand Isabel Sörling est retenue dans d’autres groupes, et le quartette fait merveille dans le répertoire du disque éponyme, renouvelant chaque fois le matériau musical originel.

©Maxim François

Le lendemain 8 novembre, la journée du festivalier commence à 12h15 avec Designers, le trio du contrebassiste belge Joachim Florent, entouré d’Aki Rissanen au piano et Will Guthrie à la batterie. Musique très vive, qui s’aventure souvent dans une effervescence frénétique (mais subtile) où le groove n’étouffe pas la musicalité.

À 18h30 au Café Charbon, scène historique de ‘musiques actuelles’ dotée ces dernières années d’une salle rénovée, c’est Nout, trio hétérodoxe qui associe la flûte (amplifiée, avec de copieux effets), de Delphine Joussein, la harpe électrique de Raphaëlle Rinaudo, et la batterie de Blanche Lafuente.

©Maxim François

La flûtiste dynamite le son de son instrument par le traitement électronique, des effets de souffle et de chant dans l’embouchure. Ça décoiffe, mais tout n’est pas joué dans l’exacerbation du son et les transgressions de codes. La musicalité demeure, tapie sous l’effervescence, et elle respire. Un confrère et ami m’avait prescrit des protections auditives : l’ouïe supposée fragile du septuagénaire que je suis a supporté le niveau sonore sans conserver les bouchons au fil du concert….

 ©Maxim François

Le soir au Théâtre, à 21h, c’est Louis Sclavis et ses Cadences du Monde. Belle équipe, avec la violoniste Anna Luis (que Sclavis avait côtoyée pour le disque «Inspiration baroque»), le violoncelliste Bruno Ducret, son partenaire régulier en duo, et le percussionniste Prabhu Edouard, qui remplace régulièrement dans ce groupe Keyvan Chémirani, souvent retenu par d’autre engagements. Très belle cohésion sur une musique conçue sur mesure pour le groupe, avec des espaces d’expression individuelle. Le percussionniste nous a épaté par sa pertinence musicale et son inventivité.

©Maxim François

Le 9 novembre, dernier jour à Nevers pour le chroniqueur, la journée commence dans la petite salle de la Maison de la Culture, avec Parking, le trio d’Élise Dabrowski, qui dans ce groupe délaisse la contrebasse pour la seule voix. Olivier Lété est à la guitare basse et Fidel Fourneyron au trombone. De l’improvisation, souvent très libre, sur des canevas préétablis. Une musique de l’extrême parfois, avec la voix qui sort des cadres, la basse qui produit des sons insoupçonnés avec des modes de jeu totalement hétérodoxes, comme le trombone qui soudain dé-coulisse pour d’autres sonorités.

L’après-midi au Café Charbon, c’est un autre trio, Sweet Dog, qui rassemble le saxophoniste ténor Julien Soro (également au synthétiseur), le guitariste Paul Jarret et le batteur Ariel Tessier. D’abord sur un accord unique, altéré et arpégé, de la guitare, ce sera une improvisation total modal du sax, puis sur un cadre de plusieurs accords, une autre escapade du ténor, attisée par la batterie et relancée par la guitare. Pour conclure le saxophoniste passera d’abord au synthé, partant sur l’extra-tonal pour atterrir dans le convenu, avant de poursuive au sax dans un moindre enjeu. L’intérêt s’érodait, et le chroniquer commençait à s’ennuyer….

©Maxim François

Retour au Théâtre à 18h30 pour le sextette de l’accordéoniste Christophe Girard. Il a passé sa jeunesse à Nevers, fréquenté naguère le festival en spectateur, et il a joué dans cette salle quand il était adolescent : son émotion est palpable, il en fait d’ailleurs l’aveu. La musique est riche et dense, bien composée et orchestrée, avec une forme d’ensemble élaborée, en plusieurs mouvements, et de l’espace de liberté pour les interprètes qui sont aussi des solistes improvisateurs, et de haut vol : Claude Tchamitchian, François Merville, la violoniste (et vocaliste déjantée) Amaryllis Billet, la clarinettiste Élodie Pasquier, et Anthony Caillet à l’euphonium. Grand moment de musique, assurément !

©Maxim François

Le soir, dans la grande salle de la Maison de la Culture, deux programmes qui conjuguent les disciplines artistiques. D’abord la littérature et la musique, avec Les Clameurs des lucioles, lecture musicale sur un texte de Joël Bastard (autour des photographies de CharlÉlie Couture), dont des fragments sont interprétés par Sandrine Bonnaire sur les musiques d’Éric Truffaz, à la trompette, et aussi au piano. Évocations mélancoliques de Montréal, incursion d’un portrait féminin, Sandrine Bonnaire fait vivre la poésie du texte, dans sa nostalgie comme dans son effervescence. Éric Truffaz donne à cette évocation une succession de contrepoints musicaux qui vont magnifier le dire et le dit. Belle réussite que cette aventure littéraro-musicale.

©Maxim François

La seconde partie de soirée est inspirée par une photographie de Guy Le Querrec, un mariage à Auray en Bretagne en 1978. François Corneloup, qui est aussi photographe, et a publié récemment un livre de ses images, avec des textes de Jean Rochard, et un entretien en postface avec Guy Le Querrec, a rassemblé une groupe et composé une partition qui se joue avec en fond de scène la photo inspiratrice. Jean Rochard a écrit autour de cette image un texte qui interroge l’image et l’époque. Le texte est interprété par la comédienne Anne Alvaro, et la musique de François Corneloup fait écrin, écran, contrepoint et exaltation de cet instantané de Le Querrec, expert dans cet instant décisif, le fameux kairos (καιρός) qui faisait le bonheur des philosophes de l’Antiquité grecque avant de conquérir les penseurs des temps modernes. Jacky Molard au violon, Sophia Domancich au piano électrique, et Joachim Florent à la contrebasse étaient avec François Corneloup les interprètes et solistes de cette belle partition qui leur ouvrait l’espace de l’improvisation. Et le saxophoniste-compositeur-improvisateur nous a épatés par son niveau d’inspiration. Très très belle conclusion pour cette soirée.

Xavier Prévost

©Maxim François

Noces translucides sera donné à nouveau le 17 novembre au festival Jazzdor de Strasbourg, et 24 novembre à Paris, à l’Atelier du Plateau

EMOUVANTES 2022, le festival des musiques d’aujourd’hui

Retour aux Emouvantes, le festival du contrebassiste Claude Tchamitchian et de Françoise Bastiannelli comme chaque année fin septembre pour deux soirées, en ce qui me concerne, mais vous pourrez lire pour avoir une idée complète autant que précise Xavier Prévost avec lequel nous faisons un raccord et un passage de relais amical, depuis sa venue à présent régulière à ce festival marseillais si singulier qui a changé plusieurs fois de lieux. Du Cabaret aléatoire (il portait bien son nom) dans l’ancienne usine Seita de la Belle de Mai devenue une friche industrielle réussie, avant de trouver “son site”, la chapelle baroque des Bernardines jouxtant le grand lycée marseillais des classes prépas, le lycée Thiers. Mais avec la pandémie, les Emouvantes sont accueillies depuis 2021 au Conservatoire de Région Pierre Barbizet, hébergé par son directeur, le saxophoniste Raphael Imbert.

Jour 2 : vendredi 23 Septembre

Transatlantic Roots, le trio de Bruno Angelini, Eric Echampard et Fabrice Martinez, 19h00, salle Audoli.

Dans la salle Audoli, il fait une chaleur étouffante qui ne décourage pas le public très nombreux. Le son est parfaitement réglé grâce à Mattéo Fontaine, ingénieur son de La Buissonne.

Le pianiste marseillais Bruno Angelini déroule la spirale de ses souvenirs et raconte avec une douceur argumentée sa fascination souvent mêlée de colère pour ce grand pays qu’est l’Amérique. Il revient à ses premiers émois musicaux, les LP  In a silent way de Miles, le Mingus Ah Hum! et You must believe in spring de Bill Evans.

Les figures iconiques de cinéastes, écrivains, militants engagés pour la liberté, le respect des droits civiques et plus récemment l’écologie. (“A butterfly can save a tree”) se passent le relais dans le montage du concert, mosaïque d’une Amérique digne d’admiration. Pris entre ces deux cultures, l'écritue de Bruno Anelini, inscrite dans la tradition écrite occidentale, puise dans l’improvisation et le jazz, sur un piano augmenté d’ effets électroniques et de claviers additionnels.

Il a formé un trio lyrique de tisseurs de sons, en parfaite entente avec ses deux complices. Le pianiste cherche à formuler sa mélancolie, dans des compositions en clair obscur, aidé par le son étouffé, étranglé de Fabrice Martinez à la trompette ou au bugle, et le drumming, précis, attentif et toujours stimulant d’Eric Echampard.

 Un exemple parfait dans cet hommage est ce “Mal’s Flowers” pour Mal Waldron, ce maître du silence (“All alone, “Left Alone” ) qui a connu des duos d’accord parfait, de Billie Holiday à Jeanne Lee. Bruno Angelini retrouve alors ces motifs obsédants, réitérations, insistances qui colorent sombrement l’accompagnement. On n’en finirait pas de s’extasier sur les raffinements de la palette de Fabien Martinez qui avouera avec humour en coulisses après concert qu’il n’a pas trop démérité”. Et comment! S’il ne nous rappelle personne en particulier -c’est ce qui le rend précieux, impressionnante est son imagination, son aisance, la “voix humaine” de sa trompette qui pleure, crie, gémit, soupire.

Pianiste et trompettiste se partagent le jaillissement mélodique, le discours de l’un soutenant, voire prolongeant le propos de l’autre, s’autorisant des écarts, des fulgurances, surtout quand il s’agit de la violence de la ségrégation auquel répond alors le déluge de la batterie dans “Rosa and the thorns” pour Rosa Parks. On retrouve alors la force de frappe d’Echampard, pilonnant le terrain et réveillant dans nos mémoires les terribles images de lances à incendie et des chiens policiers envoyés contre les manifestants luttant pour les Droits civiques. Sensations physiques, de rage plus ou moins rentrée, dans un espace d’improvisation modale avec cet autre thème, “Peaceful warrior”, Sitting Bull le Sioux, le génocide des “natives”, du peuple amérindien, que montre le cinéma des seventies. Ainsi ce sont les ambiances, les couleurs de ces scènes que se représente Angelini dans son film imaginaire, son cinéma intérieur où il bat la campagne, les espaces de la wilderness américaine que ne renierait pas Michael Cimino.

Puzzle, création du quintet d’Hélène Labarrière, 21h00.

Hélène et ses hommes.

C’est une idée magnifique que de rendre hommage à ces pionnières,  ces guerrières qui payèrent le prix fort pour “vivre leur vie”, Louise Michel, Thérèse Clerc, Jeanne Avril, Angela Davis et Emma Goldman. Pas question d’un Girl power comme dans l’octet exclusivement féminin de Rhoda Scott, entouré de sept brillantes et jeunes musiciennes de la scène jazz hexagonale. La contrebassiste Hélène Labarrière fait partie depuis longtemps de notre paysage affectif, combattant pied à pied, corde à corde pour gagner une liberté qu’elle a acquise auprès de certains hommes, les musiciens qui l’entourent, la supportent au sens anglais évidemment. Se forme ainsi un puzzle autour de cinq thèmes dédiés à ces dames, arrangés par cinq musiciens qui comptent, compagnons de route, dans l’ordre Marc Ducret, François Corneloup, Jacky Molard, Sylvain Kassap et Dominique Pifarély. Avec ce bagage musical classieux, le quintet fait entendre un chant joyeux qui explose d’une énergie communicative de jazz et rock. Des montées d’adrénaline avec des crescendos magnifiquement amenés, ou au contraire des descentes qui finissent dans le souffle.

Sur scène, à l’arrière, Hélène Labarrière danse littéralement avec sa basse , exaltée par les couleurs percutantes de Simon Goubert. En front line, les soufflants aux doux unissons, la clarinettiste Catherine Delaunay et le saxophoniste ténor également clarinettiste Robin Fincker subjuguent, capables aussi de douces violences . Stéphane Bartelt que je ne connaissais pas, apporte avec sa guitare électrique l’alliage indispensable, le son qui fait aussi la différence.

Comment s’approprier collectivement à partir d’une partition arrangée un programme et en faire un ensemble cohérent? Avec rigueur et excentricité, dans une manière unique qui rime avec urgence. Hautement recommandé à tous les programmateurs!

 Jour 3  : samedi 24 septembre 

Une soirée où jazz et littérature sont à l’honneur.

Love of Life le trio de Vincent Courtois, Robin Fincker et Daniel Erdmann, 19h00

J'étais à la création de ce programme à l’Ajmi d’Avignon en novembre 2018 et j’ai eu la possibilité de le revoir à Nevers, l’an dernier, alors intitulé Oakland, avec les voix de Pierre Baud et de John Greaves. Ce soir, on revient à la version en trio, Love of Life (sorti sur Vision Fugtive) qui s’insère dans une continuité idéale avec le travail de la formation : composer une nouvelle B.O, celle d’un film imaginaire, reflet de la vie de Jack London, singulière, émouvante en bien des aspects. Celui qui “a mené sa vie comme le galop furieux de quarante chevaux de front» avait cette sauvagerie en lui. Michel Le Bris l' avait bien compris en retraduisant par “L’appel de la violence” l’inepte L’appel de la forêt en reconsidérant l’ adjectif “wild”. Le projet rend compte de la part sauvage en nous, « êtres sombres dans le mystère de la fureur". Nos trois complices ont réussi à faire remonter le matériau exceptionnel de l’écrivain au cours de leurs improvisations et dans leur écriture, en tirant parti du registre troublant des timbres du milieu. Avec des thèmes traversés, retournés, qui se déversent comme une lave en fusion, on s’abandonne à leur nouvelle histoire, avec des pièces qui deviennent vite des tourneries. Ils savent se placer sur scène, les deux soufflants debout, élégants et stylés, entourant le violoncelliste assis, qui se tourne alternativement vers chacun. Résultat d’ un long compagnonnage à présent, le trio a un son propre, conjuguant lignes sophistiquées et rythmes carrés, dépouillement et violence, le registre profond et grave unifiant le tout, ouvrant des passages entre les genres, d’un jazz chambriste à une musique pop, voire folk ( gigue irlandaise) dans une tension tourmentée. Les notes remplacent les mots. De son violoncelle, Vincent Courtois peut tirer tous les effets, en jouer comme d'une guitare, du classique à l’archet au blues et s’emporter à grands traits rageurs. Chacun a écrit, inspiré par certaines nouvelles de London, Le Loup des mers pour Robin Fincker par exemple. Ou cet autobiographique Martin Eden dont le trio avec finesse adapte le premier et le dernier chapitre, le suicide par noyade. Il n’est pas nécessaire de bien connaître Jack London pour apprécier le travail du trio mais cela aide. Avec une subjectivité assumée, c’est leur London qui apparaît à l’oeil et l’oreille. Ils donnent ainsi une double version de la nouvelle très connue “To build a fire”, décidant de deux fins, sauvant ou non le malheureux trappeur parti seul avec son chien dans le froid du Yukon. Modulant jusqu’à la note finale, on s’enfonce avec lui dans le grave d’un engourdissement mortel ou on reprend vie par la chaleur du feu retrouvée. Mention particulière enfin avec cette pépite (quand il s’agit de London!), du standard de Billie Holiday «Am I blue?»(Colombia records, 1941 avec Roy Eldridge), reprise au piano par Hoagy Carmichael chantant avec Lauren Bacall dans To Have and Have Not (le Port de l’angoisse ) d’Hawks. La partie est gagnée-elle l’aurait été de toute façon mais leur manière de revoir ce standard est diablement émouvante.

Baldwin en transit Stephane Payen septet, 21h00

On continue la soirée avec une autre colère, celle de James Baldwin. J’ai encore en tête le souvenir du documentaire de l’Haïtien Raoul Peck, en 2016 I am not your negro dont le titre original était Black Lives Matter du nom du mouvement militant afro américain contre la violence et le racisme systémique envers les Noirs. On sait le chemin parcouru depuis par ces mots devenus slogan! Le cinéaste nous fait revivre les années sanglantes de lutte pour les droits civiques avec les assassinats de Medgar Evers, Malcolm X et Martin Luther King dans les années 60.

 Impatiente de découvrir le projet de ce Baldwin en transit, avec les mots plein de rage de l’écrivain. Le saxophoniste Stéphane Payen s’est attaché à le suivre dans son exil en Europe, en France, dans ses voyages divers dont un à Istanbul. Ecrivain afro-américain, Bamdwin parle de ses expériences d’homme noir aux Etats Unis mais aussi en exil, d’une non reconnaissance qu’il peut rencontrer partout “Call me Jimmy”. C’est un exemple réussi d’adaptation en musique de ces Baldwin’s Echoes, tirés de divers écrits entre les annés cinquante et soixante The fire next time, Just above my head et Giovanni’s room, annoncés en spoken word par trois voix militantes, celles de Jamika Ajalon, Tamara Singh et Mike Ladd.

La musique qui accompagne cette colère d’un homme seul et singulier est élargie aux revendications d’autres voix noires en lutte, le résultat d’une alliance originale de timbres choisis, flûtes de Sylvaine Hélary, violon de Dominique Pifarély, guitare de Marc Ducret, saxophone de Stéphane Payen, auteur de ces échanges, en résonance avec le slam balancé, projeté, répété jusqu’à l’étourdissement, chuchoté. Ce que c’est que d’être noir et homme…Le violon mène le bal de cet accompagnement chambriste subtil,  d’une sobriété ébouriffante face à la force radicale des mots proférés. Violence exacerbée par la colère d'un ciel marseillais déchaîné, traversé d’éclairs, annonçant un déluge, ponctuation finale du festival.

Sophie Chambon

Une escale de deux jours au Festival ‘Jazz in Arles’, après une édition annulée (2020) puis une autre décalée en juillet, et dans un autre lieu. Retour bienvenu dans la magnifique Chapelle du Méjan, son intimité, son acoustique et son très bon piano.

Le festival avait commencé par un prélude les 10 & 11 mai, et entreprenait cette fois son rush conclusif

Le 17 mai fut la soirée du grand retour de ‘Yes Is A Pleasant Country’, le trio qui associe depuis maintenant vingt années la chanteuse Jeanne Added, le saxophoniste Vincent Lê Quang et le pianiste Bruno Ruder.

Trois personnalités musicales fortes, tant par leur maîtrise que par leur liberté et leur créativité. On a peu entendu le trio en concert depuis que la chanteuse a entrepris sous son nom une autre carrière dans un univers musical différent, avec l’exigence artistique et le succès que l’on sait. Les écouter à nouveau était déjà une promesse, et l’attente fut comblée. Depuis le disque de 2008, le répertoire a évolué : de nouvelles compositions, et des standards différents de ceux adoptés antérieurement, mais toujours quelques-uns des poèmes de Yeats et Cummings qui constituaient le socle du répertoire originel. Le concert commence avec Goodbye, magnifique standard, un chef-d’œuvre du genre, qui sera traité avec ce niveau d’expressivité et d’inventivité qui est la marque de ce trio hors-norme. Fats Waller, et d’autres, seront remodelés avec la même insolente créativité. Et les thèmes originaux seront tous l’objet d’interprétations-improvisations qui chaque fois franchissent avec brio la balustrade des possibles. Vous l’aurez compris : ce fut un pur enchantement !

Le 18 mai le festival accueillait ‘Pronto !’, le groupe codirigé par le saxophoniste ténor Daniel Erdmann et le batteur Christophe Marguet, et qui les associe à la contrebassiste Hélène Labarrière et au pianiste Bruno Angelini.

Le groupe ‘Pronto !’ joue le répertoire du disque éponyme, paru récemment. La version de concert est sensiblement différente, plus sujette encore aux emportements, aux dialogues virulents, à la prise de risque et au vertige de contrastes dynamiques violents. Le saxophone part en douceur, dans une sonorité et un idiome qui nous rappelle la transition entre le jazz classique et le jazz moderne, et bien vite les dialogues croisés deviennent intenses, entre tous les membres du quartette. Le batteur joue à main nue, comme il aime à le faire (il y excelle !), la basse apporte un soutient tellurique qui n’empêche pas les escapades, le piano s’évade et s’enflamme volontiers, et le saxophone déploie de multiples palettes avec une maestria incroyable. L’idiome et le rythme sont en vue, mais les escapades sont nombreuses : ce sera le cas tout au long du concert, oscillation presque constante entre intensité extrême et infinies nuances, avec un sens remarquable du collectif. Nous sommes transportés par cette effervescence, jusqu’au rappel, qui évoluera d’un thème lent et lyrique jusqu’à un crescendo rythmique et dynamique qui confirmera, s’il en était besoin, la soif d’urgence de ce beau quartette.

Je quitte à regret les rives du Grand Rhône, mais d’autres concerts, d’autres chroniques, m’appellent ailleurs. Les jours suivants Jazz in Arles accueillera le pianiste Jeb Patton, Claude Tchamitchian en solo, Émile Parisien en sextette et Géraldine Laurent en quartette….

Xavier Prévost