Martial Solal (piano), Dave Liebman (saxophones ténor & soprano)

Paris, Maison de la Radio, studio 104, 29 octobre 2016

Sunnyside SSC 1551 /Socadisc

Deuxième volet, chez Sunnyside, des rencontres entre le Maître pianiste et le Maître souffleur. Le premier volume, «Masters in Bordeaux» (chronique ici), avait également été capté en concert, deux mois avant celui de Paris, non à Bordeaux mais à Sauternes ; le détail mérite d'être souligné car le vin, comme la musique, est un monde d'esthètes qui attachent du prix aux nuances... Et si le vignoble commence aux portes de la métropole régionale, la grande ville pratique le négoce quand les communes d'appellation pratiquent l'artisanat d'art. Et c'est de cela justement qu'il s'agit avec cette musique. De grands Artistes qui travaillent comme des Artisans d'Art, refaçonnant l'objet avec chaque fois le supplément d'âme et de créativité qui de l'objet fait une Œuvre. L'aventure avait commencé en décembre 2015 à Paris, au Sunside (chronique ici), avec 4 concerts et 2 captations par France Musique. On espère d'ailleurs écouter un jour un CD de ces premières rencontres. Et le concert presque intégralement restitué par ce disque, au mythique studio 104 dont Martial est un habitué (et qui accueillit naguère Monk, Bill Evans, Dizzy Gillespie, John Lewis, et tant d'autres), aura été la sublime conclusion d'une année de collaboration entre ces deux très grands musiciens (chronique du concert en suivant ce lien). Grâce soit rendue à Arnaud Merlin d'avoir organisé cet événement dans la série des concerts 'Jazz sur le Vif' dont beaucoup (amateurs de jazz, -et de radio-, et musiciens) savent qu'ils me tiennent particulièrement à cœur. N'allez pas croire que cet assaut de sentimentalisme corrompt mon jugement : il dope simplement mon enthousiasme à rendre compte le plus fidèlement possible.

L'ordre du concert a été modifié pour le disque, et quatre titres ont été écartés (manque de place sur un Cd très rempli, et bien sûr choix des artistes et du label). Donc pas le 'tour de chauffe' du début de concert sur Invitation, qui était pourtant déjà bien sur les rails, ni Cosmos, composition de Liebman où, comme à son habitude pour ce thème il jouait d'une petite flûte traditionnelle. Le premier rappel, Lester Leaps In, est également absent, tout comme Just Friends, joué pendant la première partie, et que Martial avait 'passé à la moulinette' au point de désarçonner (mais seulement pour une fraction de seconde) son partenaire.

Assez batifolé dans les souvenirs du concert, venons-en au disque.... Il commence avec l'inoxydable monument du bebop : A Night In Tunisia. Le thème avait été joué au concert à la fin du premier set, mais le mettre en ouverture du disque est une belle idée : c'est comme un condensé de la joute ludique qui unit les deux partenaires. Dave, au ténor, joue le célèbre riff introductif de la composition, et très vite Martial répond par une fracture virulente, incitant son ami saxophoniste à quitter les rails. On y revient exactement sur le temps qui convient, avec l'exposé du thème, et le piano place ses fusées, avec une précision diabolique, ce qui fait que l'on est, d'un seul geste musical, et dedans et dehors. Ici pas d'ostentation pyrotechnique, rien que la vitesse de pensée investie dans le plaisir du jeu. Ma chevelure parcimonieuse et dégarnie en est toute décoiffée ! Vient ensuite Stella By Starlight, à sa place si l'on peut dire car le thème était le deuxième du concert. Le piano démarre sur des bribes du thème, lequel est fragmenté sur des harmonies qui sortent délibérément du cadre. Et pourtant le thème est là, tel que le jazzfan peut l'entendre s'il est réceptif au rêve de Solal. Le soprano expose, dans un phrasé qui prend des libertés, comme l'auraient fait Billie Holiday, ou Sinatra, ou Carmen McRae. Comme toujours c'est dedans-dehors. Quel régal. La surprise surgit à chaque mesure. Je ne vais pas détailler chaque plage, de peur de vous lasser, mais sachez simplement que sur les standards, majoritaires (Night and Day, Satin Doll, Summertime...), comme sur les compositions des deux compères (Small One, que Dave avait enregistré avec Elvin Jones ; In and Out, que Martial avait composé pour son duo avec Johnny Griffin), la surprise, le contre-pied, l'espièglerie et l'inspiration sont constamment au rendez-vous. La pénultième commence par une brève citation de Lester Leaps In, qui précédait immédiatement lors du concert, avant de s'engouffrer dans un What Is This Thing Called Love en métamorphose permanente. Quant à la dernière plage, sur le mystérieux Coming Yesterday de Solal, elle nous embarque encore vers des sentiers que, personnellement, je n'avais jamais explorés lors des nombreuses fois où j'ai entendu Martial jouer ce thème en concert. Bref, ne tournons pas autour du pot : c'était un Grand concert donné par de Grands musiciens, et c'est de la GRANDE musique.... Alors on se précipite !

Xavier Prévost

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Infos

http://sunnysiderecords.com/release_detail.php?releaseID=1017

Carla Bley (piano), Andy Sheppard (saxophones ténor & soprano), Steve Swallow (guitare basse)

Lugano, mai 2019

ECM 2669 /Universal

Certaines connivences confinent à l'extase, comme celle qui unit Carla et Steve. Lui jouait de la contrebasse quand, voici près de 60 ans, il enregistra une première fois la musique de la compositrice-pianiste dans le trio du mari d'icelle, Paul Bley. Très longtemps après, alors qu'il avait abandonné la contrebasse pour la guitare basse, il firent vie commune ; mais la connivence musicale s'était déjà installée de longtemps. Et cela fait des lustres qu'ils communiquent d'une façon presque magique par la musique. Trois suites composées par Carla Bley, trois miracles de formes surgies de la simplicité la plus pure pour s'épanouir dans une douce complexité. La teneur de la majorité des plages est mélancolique. On commence par le blues, au plus près des racines. Les basses introductives du piano, plus que lentes, résonnent comme un appel des origines. Résonnent même un peu trop, car dans ce magnifique auditorium en bois de la radio publique suisse de langue italienne (RSI), ça sonne terriblement bien, et la réverbération ajoutée frôle un court instant la faute de goût. Mais ce sera un très furtif manquement, dans une prise de son superlative. Il n'y a plus qu'à s'abandonner. La rondeur de la basse trace un chemin où s'épanouit le chant des saxophones, et la pianiste, toujours pertinente, n'élude pas les écarts poétiques. Il y aura aussi un duo piano-basse qui dépasse de loin les frontières usuelles de l'empathie.

De plage en plage la magie opère, et soudain va sourdre l'humour indestructible de Carla. Magnifique, de bout en bout. Chant du cygne ? On espère que non, pour elle et eux comme pour nous.

Xavier Prévost

ANDRE JAUME

Retour aux sources

Absilone/Socadisc

http://label-durance.com/cd-retour-aux-sources-andre-jaume.html

Si le jazz conserve sa pertinence en ces temps de “distractions musicales”, c’est grâce à des gens comme André JAUME qui s’y ressourcent continuellement. Le peintre, crtique et historien d'art Jean Buzelin a presque tout dit avec cette phrase qui résume  le parcours rigoureusement intègre, sans renonciation aucune, d’un musicien poly-instrumentiste (clarinette, flûte, saxophone ténor), créateur et enseignant d’une des premières classes de jazz du conservatoire d’Avignon. Il s'est consacré à une musique, le free qu’il a traversé dans son évolution et qui lui a conféré liberté, sens de l’engagement sans renier clarté de l’articulation et du phrasé.

André Jaume a pu être considéré jadis comme un musicien voyageur-les titres de beaucoup de ses compositions ("Borobodur", "Marratxi", "Casamance") marquent une géographie humaine, une errance musicale qui n’a rien de touristique. Depuis qu’il s’est fixé en Corse, André Jaume n’en finit pas de reprendre son périple, à présent imaginaire avec ses instruments. Lui qui a toujours privilégié l’échange dans toutes les combinaisons possibles et le dialogue complice (Raymond Boni, Steve Lacy et surtout son cher Jimmy Giuffre), sort sur le label sudiste ami, Durance, installé dans les Alpes de Haute Provence, un (deuxième) solo intitulé pertinemment Retour aux sources, dédié à son ami, autre soufflant Joe Mc Phee, frère d’armes et de son, défini par l’ampleur de la voix, la fascination du chant, l’expression libre à laquelle il se réfère depuis Nation Time, un de ses premiers albums paru en 1970.

C’est encore à Jean Buzelin que l’on doit, dans ses notes de pochette, une explication circonstanciée sur la conception de ce solo, le deuxième après le fondateur Le Collier de la Colombe, sorti en juin 1971, sur le label PALM de JEF GILSON . Une première alors pour un saxophoniste français qui fut un pionnier dans le développement de cette musique de jazz. Et il serait bon que l’on en garde aujourd'hui une mémoire un peu plus vive.

Voilà un exercice de style au ténor, variant les nuances et atmosphères de son instrument, que ces douze petites pièces de sa composition et un arrangement sur un thème du grand William Breuker, pas vraiment faciles, qui engagent avec nous un dialogue fécond. La position de l’instrumentiste peut s’avérer délicate à garder de façon satisfaisante, avec cette dimension narrative appuyée et aussi émotionnelle. Un récital sans esbroufe, tout un art de compositions vives, libres, subtiles, servant de base à des improvisations souvent fougueuses, colorées, qui nous réconcilie, si besoin était, avec la complexité des sons et rythmes libres. On se laisse bien volontiers entraîner par cette déferlante avec ce “Dinky Toy” qui évoque plus un oiseau (per)siffleur que l’on tenterait vainement de suivre sur les cimes de son chant; alors que la douceur de “Song for Estelle” conduit à une rêverie, tout autre.

Le saxophoniste a saisi la chance de se portraiturer une fois encore, dans une nouvelle aventure musicale et humaine. Qu’il est bon de s’abreuver à cette source fraîche du jazz, éternellement désirante…car ce n’est pas seulement un écho nostalgique à quelque chose qui nous fascina jadis, mais un travail patient de transmission qui prend tout son sens aujourd’hui. Une sorte de discours sur la lisibilité du temps.

Sophie Chambon

ROMAIN VILLET

My Heart Belongs to Oscar

Le Dilettante, avril 2019.

76 pages.

http://romainvillet.com/

“Pièce pour un trio jazz, piano, basse, batterie, et un pianiste aveugle et disert”. Voilà qui est dit, dès l’introduction de ce petit livre passionnant, sorti chez Le Dilettante, en avril dernier, le second ouvrage de Romain VILLET qui comprend trois textes de longueur et d’intensité différentes.

Quant au titre, il se réfère à la chanson My heart belongs to Daddy, que reprit brillamment Oscar Peterson, immortalisée par Marylin, en 1960, dans le film de George Cukor Let’s make love, programme que suivit à la lettre Yves Montand (le Milliardaire du titre français). En fait, Romain Villet remet les pendules à l’heure, cette chanson est du grand, de l'essentiel Cole Porter, “l’un des plus grands pourvoyeurs de saucissons” de l’histoire de la musique et du jazz. Et Oscar Peterson aimait les standards plus que tout, en faisait sa matière première.

My heart belongs to Oscar est donc le texte (avec didascalies) qui accompagne la performance théâtrale et musicale du trio du jeune pianiste. On apprend tout ou presque du parcours, pour le moins original, de Romain Villet, de son authentique coup de foudre musical pour le géant Canadien, “le grand maharajah” du piano selon Duke, moins compositeur qu’improvisateur. “La musique d’Oscar c’est du solide, du charnel, de la joie incarnée”, la certitude du geste, sans jamais la moindre fausse note. Petersen enchante le présent.

Romain Villet est dingue de ce virtuose du bonheur, à la discographie plus que généreuse et à la carrière impeccable. Sur scène, le pianiste se transforme en acteur, en pédagogue pour commenter avec humour ce qui va suivre, en insistant sur les fondamentaux de cette musique que l’on appelle le jazz : le swing et son essence, l’art du trio, l’improvisation.

En s'attardant sur le fait (qui lui fut reproché d'ailleurs) que Peterson n'invente rien, use de "trucs de jouage", ne fait que  retravailler éternellement les standards, Romain Villet va aussi à l’encontre d’éventuelles critiques : pourquoi reprendre Oscar Peterson, en faire l’objet de son spectacle? C'est ne pas comprendre que le seul engagement qui tienne, c’est celui du concert. Et ne rien saisir à l'histoire de Romain Villet, découlant d’une admiration passionnée, d’une obsession justifiée pour cet immense pianiste. Il ne se soucie guère de futur depuis qu’il se réserve pour la musique de l’instant. Ce miracle, sa vocation pour le piano et le jazz, il doit tout cela à Oscar et aussi ... à sa femme qui lui a fait écouter du jazz. Une révélation philosophique en un sens, qui a imprimé un sens tout autre à la vie du jeune homme,  lui a fait suivre une voie qui bifurque.

Entre deux sets porte ensuite sur la conversation, au bar, avec un interlocuteur tenace, un opposant chatouilleux, avec lequel le pianiste dialogue à fleurets mouchetés, revenant sur la fabrique de cette musique, paysage mental, état d’esprit? Et aussi sur ce que demande comme agilité d'esprit, l'improvisation, cette façon d'"habiter une structure au présent." (Barthes).

Le dernier texte développe enfin mais autrement sa conception du jazz, recensant de multiples interrogations qui démarrent toutes par Pourquoi le jazz?

Voilà pour le discours que sous-tendent trois formes d’écriture.  La forme, elle, est enjouée, rapide et ciselée, ludique avant tout. Les textes sont courts, libre explosion de mots, de jeux d’écriture qui fusent dans tous les sens, un festival d’esprit! On plaint le pauvre interlocuteur, qui, en face de Romain Villet n’en mènerait pas large, tant ses retours frappent fort et juste.

Cette écriture solaire, intense et fiévreuse ne nous donne plus qu’une envie, celle d’écouter le pianiste et son trio dans "What is this thing called love? " et "Hot house" qui ont la même grille d'accords, "There's no greater love", "People" et aussi dans ce singulier "You look good to me" que peu de musiciens osèrent reprendre après Oscar Peterson !

http://romainvillet.com/my-heart-belongs-to-oscar-a-la-tete-des-trains-77-le-29-fevrier/

Let’s face the music and dance!

Sophie Chambon

EMMANUELLE DEBUR/PHILIPPE MEZIAT

HISTOIRE/ histoires du JAZZ DANS LE SUD OUEST

De la Nouvelle Orléans à la Nouvelle Aquitaine (1859-2019 )

EDITIONS CONFLUENCES, Bordeaux.

Formidable ouvrage de 192 pages, véritable somme sur l’histoire du jazz en Nouvelle Aquitaine, jamais chapitré de façon docte et professorale, ce livre aborde le monde musical du jazz en région, sous tous ses aspects : culture, histoire, géographie physique et administrative, économie d’un secteur vue selon le filtre des acteurs privés et publics, des structures, de la scène, des festivals, de l’enregistrement.

Le jazz avant le jazz, désastre et music hall (1914-1945), de la scène à la cire ( 1945-1960), création et patrimoine (1960-1980), du bebop au hip hop (1980- 2019), la place de la Nouvelle Aquitaine aujourd’hui, découpent la chronologie riche mais compliquée d’une région qui tient son rôle dans l'évolution de cette musique. Bordeaux est vite inscrite dans le discours critique du jazz, un terreau de choix qui vit naître l’un des premiers Hot Clubs régionaux, alors que Pau vire au blues, et que Limoges devient un bastion du jazz hot. Dans les années soixante dix, la ville devient capitale, sous l’impulsion de Roger Lafosse, à la pointe de la réflexion sur la place de l’art et de la culture dans la société, qui crée un événement unique, SIGMA qui mit en contact le public avec l’esprit du temps au risque de le surprendre, de la brusquer. 

L’originalité de ce beau livre est due au double regard, celui de la journaliste de Sud Ouest, Emmanuelle Debur qui fait oeuvre d’historienne avec la rigueur d’une enquête sur les hauts faits, les périodes sombres mais actives de l’occupation, les querelles fratricides entre raisins verts et figues moisies de Charles Delaunay et Hugues Panassié, la guerre des jazz(s), les “chapelles” trop nombreuses encore aujourd’hui, l’essor des festivals. Le raisonnement est clair, les exemples concrets, nombreux et illustrés de passionnants témoignages (anecdotes, illustrations trop méconnues comme les pochettes de Pierre Merlin, photos rares, originales, magnifiques comme celle d’Ellery Eskelin par Bruce Milpied).

C’est aussi trente ans de la vie d’une musique en région, une mise en désir musical d’un territoire plutôt large qui couvre les départements de Gironde, Pyrénées Atlantiques, Gers ( le cas exemplaire de Marciac), va de Bayonne à Andernos sur le Bassin, Bordeaux évidemment, l'arrière-pays montagneux, le Piémont pyrénéen, le Béarn, le pays Basque et Itxassou, Luz St Sauveur dans les Pyrénées centrales. Sans oublier Souillac (46) limitrophe, avec Sim Copans qui s’attacha à illustrer au mieux ce que le jazz contient d’innovation mais aussi de conservation.

Racontée autrement, par un personnage parfois difficile à cerner, courant d’une identité à l’autre : enseignant, philosophe, journaliste, acteur, photographe à ses heures, programmateur, collectionneur fou. Ceci n’est pas négligeable, y-a-t-il en musique un équivalent à ces cinéphiles (de la génération de Bertrand Tavernier) qui ont subordonné leur vie à une passion dévorante, exclusive qui leur permit néanmoins de découvrir la vie différemment, sans routine? Ce n’est jamais triste, car le principe de plaisir se propage tout au long de ses pages, de son expérience. La part autobiographique de l’ouvrage, de ses mémoires en jazz, est détaillée avec franchise, constituant l’autre face de ce document précieux. Histoire et histoires, soit deux volets complémentaires, d’une couleur légèrement différente qui partagent le livre et que l’on peut livre indifféremment. Sans oublier des annexes soignées, une chronologie originale, la bibliographie d’un amateur plus qu’éclairé!

Ce qui nous retient dans les pages intimistes de ce journal en jazz, est l’itinéraire d’un esprit ouvert, curieux, d’une intelligence analytique, toujours en mouvement. Philippe Méziat, dans des fragments émouvants, retrace l’ample récit d’une vie consacrée au jazz depuis la découverte émerveillée (par l’intermédiaire de frères plus âgés) jusqu’ à la mise en place pendant huit ans d’un festival, le BJF. Soixante ans d’amour indéfectible pour une musique et un style qui ont conditionné une “attitude” de vie, trente ans de “professionnalisation” depuis 1989. Au fil des pages, on se familiarise avec les structures culturelles, la vie d’un grand journal régional SUD OUEST qui en fit un envoyé spécial, très spécial même puisque cet enseignant en philosophie devint journaliste. Les années défilent, c’est la vie même qui va, qui respire en ses pages et insuffle son rythme et ses climats changeants avec de grands joies, les concerts et happenings de Sigma, les collaborations fructueuses avec les acteurs du monde du jazz,  “mundillo” si fermé et complexe, des festivals AFIJMA à Musiques de Nuit... Il y eut les rencontres marquantes dues souvent au “hasard objectif”, le compagnonnage avec les frères en jazz, aujourdhui disparus, JP Moussaron et Xavier Mathyssens, confrères à Jazzmagazine, la découverte émerveillée de la photographie avec Le Querrec ou GLQ de Magnum, les musiciens qu’il a pu approcher de près, Abbey Lincoln, Lionel Hampton, Ellery Eskellin, Uri Caine, Benat Achary…sans oublier les incontournables Bernard Lubat, Michel Portal qui ont gardé leurs attaches girondines ou bayonnaises.

Moins  malhabile même s’il est perpétuellement convaincu de l’être, Philippe Méziat n’en demeure pas moins un observateur attentif,  vigilant mais débordé parfois par les événements, critique envers les institutions dont il a pu, non seulement observer souvent les partis pris inconsidérés, mais aussi vivre cruellement, de l’intérieur, l’abandon.

Il y a des "écrivants" qui rendent compte, écrivent, même très bien ce qui advient. Et ceux qui ne peuvent s’empêcher de penser/panser leur maux, de réfléchir et de se demander comment ça marche.

Coup d’essai, synthèse nécessaire, coup de maître. Indispensable pour ceux qui aiment le jazz ou s’y intéressent,  le jazz, cette musique savante, fondation musicale, la seule du XXème. (JP Moussaron)

Sophie Chambon