JL Mahavishnu Orchestra : «  live in Montreux 1974 – 1984 »

Eagle vision 2007

Ce nouveau DVD de la série des « live » à Montreux propose une double approche du groupe légendaire du guitariste britannique John Mc Laughin. On connaît les vicissitudes qui ont émaillé la vie de ce groupe maintes fois dissous et maintes fois reconstitué.

Du coup Eagle Vision nous propose deux concerts. Le premier proposé dans son entier propose est un concert de 1984 dans une version qui sentait déjà un peu la fin du groupe et où il était surtout question d’y entendre sa belle association avec Bill Evans (le saxophoniste, pas le pianiste !!). Pour le reste, ça déroule en toute sagesse un tapis jazz rock qui à l’époque déjà avait quelque chose d’un peu désuet.

En revanche gloire et honte à Eagle qui propose un 2^ème CD dans lequel on entend sur deux titres très longs la version de 1974 avec Jean Luc Ponty au violon et Gayle Moran aux claviers (La femme de Chick Corea et future membre de Return to Forever). Bien plus intéressant en effet en ce que l’on entend là cette musique en mouvement. Cette musique qui cherche sa voie entre jazz, rock et pop ne manque pas en effet de belle inventivité dans le sillage tracé quelques années avant par Miles dans Silent Way et sur lequel Weaver Report ou Return to Forever de Chick Corea traçaient leur route.  Mc Laughin en grand ordonnateur impose le blues comme le rock le plus lourd, prolonge le son d’un quatuor à cordes tandis que Ponty lui-même au violon s’inscrit dans la résonance de sa guitare. Quel dommage qu’à cette époque le batteur Billy Cobham ait déjà quitté le groupe et qu’il ne nous soit pas donné de l’entendre.

Mais la supercherie vient surtout de ce que cette version de 74 n’offre que deux titres, les autres étant uniquement audio ce qui, pour un DVD est franchement limite et doit nous inciter à la prudence avant de nous précipiter sur cette production somme toute très moyenne.                                                                                       

Jean-Marc Gelin

L'actualité du jazz nous donne ces derniers temps de bonnes occasions de nous réjouir et surtout d'arrêter (enfin) de râler. Il était temps ! Il faut dire que cette fin  d’automne a des petits airs d’été.
D’abord il vous suffit de voir le nombre de disques qui nous ont mis en état d'extase ce mois-ci pour vous rendre compte qu'il flotte en ce moment autour du jazz un doux parfum qui se traduit par une très grande qualité de la production discographique. Et là plus question de querelles de chapelles. Les frontières éclatent et il n'est plus question de vilipender les majors qui seraient responsable de tous les maux des sous-entendants de la planète accusés de nous servir continuellement des soupes de supermarchés. Pour vous en convaincre il vous suffit d'écouter le dernier album de Herbie Hancock pour admettre qu'un peu de capitalisme dans notre verre d'eau ne dilue pas le talent ni l'inspiration, bien au contraire. En tous cas, pas toujours.
Et les superproductions alors ? Il n'y a pas si longtemps elles étaient vouées aux gémonies sur la base d'un mot d'ordre qui voudrait que l'argent corrompt tout. Pas d’accord ! Approchez vos oreilles sur les derniers albums de Kontomanou et de David Linx. Du lourd dans les deux cas avec luxe de moyens mis en oeuvre (surtout dans le cas de David Linx où il est carrément fait appel au merveilleux Brussels Jazz Orchestra dans un format que l'on croyait totalement perdu au jazz vocal). Dans les deux cas le résultat est une pure merveille.

Mais tout est dans tout et bien sûr à côté de cela il y a le courant, le quotidien des petits labels qui ne cessent de nous éblouir. Tenez juste un exemple : écoutez ceux du label Laborie qui récidivent et font le pari de « Yaron Herman » et nous jettent comme un choc esthétique total le dernier album du pianiste. Comme quoi il suffit de pas grand-chose. Juste le talent et l’envie.
Parce que derrière tout cela, derrière ces majors, ces petits labels ces grandes ou petites production c'est toujours le talent et l'envie qui font la différence. Toujours. Et ceux qui se lamentent, montent au créneau et pensent qu'il suffirait de multiplier les pétitions auprès
des pouvoirs publics pour obtenir les subsides sans lesquels paraît il le jazz ne serait rien se trompent et doivent revenir à ces fondamentaux : mettons d’abord le talent et l’envie et les moyens ensuite. Sans quoi rien de possible.

Autre raison d’être heureux : cette année novembre est en été et la saison des festivals de jazz, c’est encore maintenant. Toujours aussi inattendu et improbable en cette saison froide : Nevers, Jazz au Fil de L’Oise, Reims Djazz Festival, Bleu Triton, Jazzycolors, Antony, Banlieues Bleues et j’en passe et des meilleurs. L’été commence enfin. Se laisse aller maintenant.

Alors tout pour se réjouir ?

Pas tout à fait car nous gardons en tête ce merveilleux concert d’Alexis Tcholakian un soir d’octobre. Un soir qui nous rendit aussi heureux qu’amer. Comment vous ne connaissez pas  Tcholakian ? Certainement pas et c’est bien là le drame. Hors des modes, hors du système, hors du temps et de la modernité obligée y aurait il un salut ? C’est là aussi toute l’injustice d’un système qui pourrait bien nous faire passer à côté de quelques talents essentiel si nous ne gardions pas nos sens en éveil et nos oreilles à l’affût. Pour paraphraser un auteur actuel : Derniers regrets avant l’oubli. Contre cela une nécessité vitale : écouter toujours. Se laisser séduire encore.

Et puis dans ce ciel de novembre quelques nuages bas comme cette annonce récente selon laquelle Jazz Hot cesserait (momentanément) sa parution. Qu’une institution comme celle-ci puisse disparaître serait assurément une très très mauvaise nouvelle pour le monde du jazz. Une de ces nouvelles qui nous rend tristes et nous montre l’obligation qui nous est faite à tous de faire notre propre aggiornamento. Le jazz évolue aussi. Rester en éveil toujours.

JJJJ Paul Bley : « Solo in Mondsee »

ECM 2007

 Surtout n’allez pas faire votre grincheux devant un nouvel album de piano solo produit par ECM en imaginant que vous allez entendre encore une fois une démonstration introspective et quasi neurasthénique sur fond gris pastel d’ombres filantes d‘un pianiste aux improvisation tourmentées. Car toutes les bonnes raisons de vous réjouir se retrouvent dans ce nouvel album de Paul Bley enregistré en avril 2001 qui défie les lois du genre et tous les clichés pianistiques en vigueur. On connaît tout de ce pianiste de génie depuis ses errances free à ses fameux trios. On a tous en tête le fameux « Open to Love » enregistré aussi pour ECM. Mais jusqu’à l’enregistrement de Solo In Mondsee, jamais Paul Bley n’avait enregistré en solo et ses recherches le guidaient alors vers une forme de lenteur et vers l’approche électronique qui lui permettait alors l’étirance du son, chemin selon lui privilégié pour devenir « le pianiste le plus lent du monde ».

Cet album qui est tout sauf cela, est donc un virage total dans le travail du pianiste. Virage dont Mandfreid Eicher eut l’idée en entendant un an auparavant l’incroyable sonorité du piano (un Bösendorfer Impérial) à Mondesse en Autriche. Et c’est tout naturellement que le maître de ECM proposa à Paul Bley un enregistrement au même endroit dans des conditions entièrement acoustiques.

Le principe de ces dix variations sobrement nommées de « I » à « X » pourrait en effet faire craindre les pires clichés. Mais il n’en est rien. Car la musique de Paul Bley est celle d’une légèreté d’adolescent gracile. Bley y joue une sorte d’allégorie jamais crépusculaire mais au contraire de celle que l’on chanterait le nez au vent, en plein soleil d’été. Une sorte de ballade improvisée. Il y a un flottement dans les airs chez Paul Bley, dans cet art de l’improvisation truffé de petites citations. Pas des phrases piquées ici ou là mais plutôt la réminiscence de quelques harmonies familières que l’on retrouve au gré de ses développements. Chez Paul Bley toujours ce rappel à la mélodie qui s’invite au début, au milieu ou à la fin. Paul Bley alors flottait au dessus de son clavier dans une luminescence que favorisait en grande partie cette prise de son éclatante et exceptionnelle ce jour là à Mondsee en Autriche. Paul Bley c’est sûr est un enchanteur. Jean-Marc Gelin

JJJJ Pierre Alain Goualch – « Duc »

Cristal 2007

Ouiiii ! Merci !! Mon dieu, merci d’avoir créé deux oreilles pour entendre ça. Superbe trio, dans la tradition sur le papier, mais catégoriquement actuel en l’écoutant. Pierre Alain Goualch, pianiste toulonnais à la notoriété établie maintenant, s’est entouré de Darryl Hall et de Rémi Vignolo pour enregistrer un moment inoubliable dans l’ancienne enceinte du club Duc des Lombards. Darryl et Rémi ? Ça fait 2 bassistes me direz-vous. Nous voici reparti dans une autre expérimentation sans tambour ni trompette ? Non ! Chut ! Dites le discrètement autour de vous : Rémi est batteur ! Rémi Vignolo, le monstre du moment, le contrebassiste surnommé « homme qui as 30 concerts par mois » (de source sure !). Excellent aux cotés de Bojan Z en trio, c’est derrière la batterie qu’il donne la réplique cette fois à son collègue de cordes, le non moins fameux Darryl Hall. Le choix des morceaux est d’une remarquable sensibilité en matière de réadaptation des standards bien de chez nous. Requiem pour un Con, Les Feuilles Mortes, Le Poinçonneur des Lilas, Pierre Alain Goualch les magnifient, à sa façon, en déstructurant, reformulant, triturant mélodies et rythmes. Mais ce n’est pas tout, nous avons même droit en supplément à une fantastique version de « You And The Night And The Music ». Le son général du groupe est à la fois blues, explosif, imaginatif, teinté d’un swing frivole, entrecoupé de grooves majestueux. Une recherche artistique et intensive dans le club le plus réputé de Paris. Une quête incessante de la note, la phrase, l’intonation parfaite, chaque fois pressé d’entamer la suivante, passionnément et avec hargne. Attention, Jazz is not dead les enfants. Tel un Uri Caine, Goualch le prouve par la virtuosité pleine de finesse, mais aussi sculptée dans la roche, alliée à la poésie permanente de ses deux compères. L’interaction entre eux est surprenante à chaque coin de chorus, renversante d’ingéniosité. Bousculant les clichés, c’est manifestement une vraie démonstration que nous offre Rémi Vignolo à la batterie. Huit titres d’une ferveur étonnante, généreuse et réellement racée, en matière de Jazz. Vivement la suite de sa carrière de batteur, quand on repense à Jorge Rossy qui s’est mis au piano (!). Un mot quand même sur le désign choisi de la pochette illustrée. On y aperçoit la représentation quasi-identique des musiciens en personnages de jeu video imaginaire, il doit certainement s’agir du jeu des « Sims » ou quelque chose du même genre. Un style d’humour que l’on adore, seulement si on ne déteste pas. Mais le risque est là, heureusement. Ces jazzmen prennent tous les risques avec un grand talent, dans tous les domaines. Chapeau bas messieurs ! Encore !! - Tristan Loriaut

JJJJJ Yaron Herman Trio : « A time for everything »

Laborie 2007

 Pourquoi ce nouvel album de Yaron Herman est-il si jubilatoire ? Qu’est-ce qui provoque ce sentiment de plénitude et oserais-je le dire de joie à l’audition de ce trio (Matt Brewer à la contrebasse, Gerald Cleaver à la batterie et Yaron Herman au piano)? A time for everything résume ce qu’il nous offre. De tout, depuis les standards  de Björk (Army of me), jusqu’à Scriabine (Prélude n°2 opus 35) en passant par Sting (Message in a bottle) et les compositions de Yaron Herman lui-même. Le passé et le présent se côtoient sans tabou aucun. De tout, des lentes mélopées aux danses endiablées. Et tout cela dans une parfaite cohérence et sans impression de « patchwork » ou de liste à la Prévert : la  mise en scène de l’album est parfaite, sans temps mort, sans baisse d’énergie, sans moment inutile ou fortuit : même l’interlude d’une minute est d’une intensité ravageuse. La liberté d’improvisation et l’énergie des musiciens sont communicatives et nous nous laissons happer par ce voyage insolite et réjouissant. Alors que nous pourrions être tentés de nous laisser bercer par le sublime duo lyrique de Brewer et d’Herman sur Neshima (le souffle, en hébreu) et peut-être de nous assoupir en paix, aucun répit ne nous est accordé puisque la composition d’Herman qui suit, Paluszki, est comme un coup au plexus. Quant aux amoureux de Cathy Dennis, ils seront heureux de retrouver son Toxic, beaucoup plus déjanté que ce qu’en avait fait Britney Spears. On l’aura compris, Yaron Herman, 26 ans à peine, est un prodige (il ne fait du piano que depuis dix ans) profondément ancré dans le présent et ouvert à toutes les sources d’inspiration : un jeune homme libre et donc incroyablement créatif, profondément inspiré (écouter cette élégante interprétation de In the wee, small hours of the morning). Avec lui, toutes les références ou presque sont possibles, dans son Monkey Paradise, ne reconnaîtrait-on pas Bill Evans ?   Il y a également dans cet album beaucoup d’humour, grâce aux touches de post-production de Jean-Pierre Taïeb. C’est avec un à-propos certain que Yaron Herman conclut cet album avec Leonard Cohen, Hallelujah ! Soixante-cinq minutes jubilatoires à écouter de toute urgence.    - Régine Coqueran