Julien Ponvianne (saxophone ténor, clarinette, composition), Isabel Sörling (voix), Francesco Diodati (guitare), Adèle Viret (violoncelle), Alexandre Herer (claviers), Matteo Bortone (contrebasse)

Paris, 3 & 4 septembre 2025

Onze Heure Onze / Socadisc (CD & vinyle)

https://julienpontvianne.bandcamp.com/album/eight-poems-on-drought

Une voix, et une musique, qui nous semblent venir d’ailleurs ; d’un territoire où la constance des impressions sonores, et de l’ambitus de la voix, nous plongent dans un cortège de sensations et d’émotions qui vont nous soustraire au monde que, confits dans nos certitudes, nous croyons habiter. Le groupe prolonge sa quête, que l’ont pourrait dire spirituelle, entreprise depuis le premier album autour de la pensée de Henry David Thoreau (1817-1862), à la fois chantre chantre et exégète d’un certain rapport à la nature et à la liberté, dans un mode de pensée qui s’apparente à la poésie. Ce nouveau disque rassemble des poèmes de différents auteurs et autrices qui convergent dans l’évocation de la sécheresse (le volume 2, paru en 2022, rassemblait des poèmes dont la matière commune était l’eau). Aucune aridité dans ce choix, simplement le goût d’une entité fugace. Un texte en anglais glisse, un court instant, vers le français, comme si la sécheresse insaisissable nous filait entre les doigts, comme de l’eau…. L’apparente similarité des lignes musicales est constamment déjouée, et rejouée, par l’expressivité de la voix, et des instruments. Et cela par vague successives, comme dans un poème où les rythmes de la scansion soustraient le sens pour mieux le révéler, au terme de l’arc poétique qui s’étend de l’incipit à l’excipit . Une pensée magique, en quelque sorte, et surtout un disque d’une grande et profonde beauté.

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=TKbXXS-DpCM

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Le groupe sera en concert le samedi 14 novembre 2026 au festival Jazzdor de Strasbourg

Laurent COURTHALIAC

In the key of Sinatra

LP345 RECORDS

Sortie octobre 2026

Concert 18 Novembre au Bal Blomet.

Pianiste remarquable-on se souvient de ses albums All my life (2016) ou At Barloyd’s, chez lui en 2018, musicien fort sollicité pour sa qualité d’arrangeur (dernièrement The Shape of Jazz to Come ou Pedron Rubalcava ) et l’on sait combien ce travail ingrat (car trop peu reconnu) est essentiel, Laurent Courthaliac continue tranquillement sa route et nous étonne avec cet hommage à Frankie, le crooner à la voix de velours. Encore un hommage ? Il semblerait que cette fois, cette nouvelle célébration puisse être mémorable, loin des albums de crooners un peu lisses, variant entre pop et jazz.

Rien qu’avec ces titres, le parcours de Sinatra est tout sauf ordinaire et son choix n’est pas anodin-il  y a quelque chose d’indestructible, d’éternel dans sa volonté d’incarner l’American dream : “All or Nothing at All”, titre de l'un de ses premiers succès, pourrait être sa devise.

Le problème n’était pas tant de reprendre les mélodies usées jusqu’à la corde que Sinatra a su magnifier, lui qui a fait de la chanson en Amérique une forme d’art. Sa longue vie fut un roman dont des albums précis, enregistrements et divers concerts marquent les chapitres essentiels. Il y en a tellement, plus de 1400 titres uniques répertoriés, créations ou reprises qu’il a su s’approprier “Fly me to the moon” que reprend en ouverture de l’album, Laurent Courthaliac sur un tempo ralenti, aux accents plus que sombres, « My Way » version anglaise de Paul Anka de « Comme d’habitude », le tube planétaire « Strangers in the Night », le brûlant “I’ve got you under my skin”, l’émouvant « It was a very good Year », les mélancoliques et lucides « In the Wee Small Hours of the Morning » et « One for my Baby ». En toute subjectivité je préfère la version originale de « The Good Life » de Sacha Distel et l’interprétation princeps plus rapide de « New York New York » de Liza Minelli dans le film éponyme de Scorsese.

Le pianiste qui connaît parfaitement ses classiques, les grandes années de l’American Song Book, ayant travaillé avec des amoureux de la tradition américaine et du bop comme Barry Harris, s’en sort merveilleusement dans les versions instrumentales, les redessinant avec élégance et poésie. Pourtant Sinatra, d’une exigence extrême tout au long de sa carrière, avait mis le paquet, s’entourant des meilleurs arrangeurs, Alex Stordahl, Billy May, Nelson Riddle. De Capitol à son propre label Reprise, il exigeait les meilleurs musiciens. Et Laurent Courthaliac  encouragé par le directeur artistique Daniel Yvinec s’est fait accompagner de Sylvain Romano et Gautier Garrigue, sans doute la meilleure rythmique pour ce genre de projet, connaisseuse mais libre de s’affranchir de la règle. La force de cette relecture est de jouer en effectif serré, en trio et non pas avec l’emphase des grands orchestres d’autrefois. Comme le dit si justement Daniel Yvinec dans ses liner notes toujours épatantes, les interprètes nous font entendre autrement ces chansons plus que précieuses, tellement familières. Et ce devrait être un plaisir de découverte pour ceux qui ne les ont jamais entendues. Le plus délicat était de faire le bon choix pour les cinq titres qui ne pouvaient vraiment pas se passer de la voix. Une découverte bluffante que Christie Dashiell sur deux titres « My Way » et  « One for the Road » qui a une façon singulièrement originale de s’emparer de ces chansons. Son timbre frais, son phrasé posé renouvellent simplement l'interprétation sans déparer le reste de l'album . Le choix d’Hugh Coltman surprend moins en fait, sa voix de crooner fragile, fatiguée  sur "I've got you under my skin", joue des différences de tempo, à sa façon décontractée, sur le blues soyeux « In the Wee Small Hours of the Morning », en mesure de doser intensité et émotion. Une fois encore, quand les compositions sont belles, avec du talent, on peut tenter l’aventure.

Sophie Chambon

Allan Harris, (voix guitare),
Miles Okazaki (guitare),
Hayes Greenfield (saxophone ténor),
John Flaugher (contrebasse),
Jesse Jones Jr. (saxophone alto).
Peter Karl Studio, Brooklyn, 2003.
Love Productions  Record. Paru le 18 septembre.

      Invité surprise de la cérémonie de remise des prix de 2019 l’Académie du Jazz le 9 février, Allan Harris avait emballé le public de la Seine Musicale. A l’aise, chaleureux, le chanteur avait donné deux exemples de ses talents de crooner et de magicien du rythme. Le finaliste du prix du jazz vocal du palmarès 2018 avait à l’automne précédent démontré sa maîtrise et sa virtuosité au Duc des Lombards où il présentait le répertoire du prince du style vocalese Eddie Jefferson (Allan Harris. The Genius of Eddie Jefferson. Resilience Music Alliance.).

      L’album qui sort ces jours-ci dans les bacs constitue également une surprise. Il s’agit d’un enregistrement datant de 2003 retrouvé par le plus pur des hasards. Les bandes originales avaient été mises de côté peu après les séances en studio à la suite du décès du compositeur, auteur de l’intégralité des titres gravés, Ike Joseph. « Dès l’écoute de ses premières mélodies, se souvient Allan Harris, j’ai été séduit par leurs qualités, des romances exprimées dans un swing sans effort ».

      Alors dans la quarantaine, Allan Harris traite ces « chansons d’amour » avec simplicité, sans en rajouter dans l’émotion, s’inscrivant alors dans la tradition dans le droit fil de Nat « King » Cole ou encore de Tony Bennett. Accompagné sobrement par deux saxophonistes, un guitariste et un contrebassiste, le chanteur-guitariste donne à entendre (à découvrir pour beaucoup) un répertoire qui touche au cœur.

Jean-Louis Lemarchand.

©photo X. (D.R.)

Kris Davis (piano), Robert Hurst (contrebasse), Johnathan Blake (batterie)

Mont Vermont, 15 septembre 2025

4166 Records

https://krisdavis.bandcamp.com/album/lost-in-geneva

Second opus de ce trio et Grand Disque (je pèse mes mots). L’interaction entre la pianiste et ses partenaires est d’une intensité palpable, et la qualité des compositions est remarquable. Thèmes inédits, ou parfois déjà enregistrées dans un autre contexte (six de la pianiste, deux cosignées par le trio, un de la plume du bassiste, un autre du batteur, et un arrangement d’un thème de Morton Feldman). Une musique dense, requérante, qui exige que nous soyons totalement investis dans l’écoute. Entre pulsation prenante et abstraction formelle, d’une plage à l’autre, il y a là matière à faire un de ces voyages d’écoute qui nous marquent pour longtemps. On n’en finira pas de capter le surgissement, d’une écoute à l’autre, de tel silence chargé de sens et d’intensité, de telle envolée soudain parée d’une sensation inouïe. La Nature Piece n° 5 de Morton Feldman trouve une vie nouvelle dans une forme d’incarnation par le dialogue qui s’exerce avec la basse et la batterie. Une manière d’illustrer l’art même de la pianiste, qui circule librement de l’abstraction musicale à l’humanité foncière de sons expressifs, des figures libres et autres surprises que recèle le jazz. Et la belle rondeur de la prise de son accentue encore ce pur plaisir.

Xavier Prévost

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La pianiste est en tournée, en Allemagne et en Suisse, avec Bob Hurst et Jim Black, du 19 au 22 novembre 2026

https://krisdavis.net/calendar/

SISYPHUS

Francesca Han · Takashi Sugawa · Shun Ishiwaka

Label Hanji / Inouïe Distribution

Sortie le 9 octobre 2026

Conçu pendant sa période japonaise, cet album de Francesca Han est constitué de sept pièces sensibles et saisissantes, toutes de sa plume, évoquant souvenirs et moments forts de son séjour en autant de courts récits musicaux. La page est tournée, à présent la pianiste vit en France, mais elle a voulu capter ses échanges avec une rythmique de l’avant-garde japonaise tout à fait exceptionnelle : il en résulte un album enregistré lors d’une séance de 2017 au studio Dedé, mixé et masterisé en 2025 à Tokyo qui est appelé à faire date dans sa discographie.

Avec la redécouverte de ce programme Sisyphus, le trio s’empare avec une passion communicative d'une écriture très personnelle, intense et raffinée qui prend des libertés avec le patrimoine japonais ou coréen mais qui a néanmoins cette « asiatic touch » indéfinissable. Sans doute dans l’art de croiser des repères, influences traditionnels avec la composition et improvisation contemporaines et l’urgence du jazz ?

Du "beau piano"mais pas tout à fait au sens que l’on entend habituellement, une articulation vive, nette jusqu’au tranchant qui livre la mélodie avec des élans parfois inattendus, sans cliché  romantique ou mièvre. Si chacun sait donner du relief à ses attaques, la rythmique s’y entend pour insuffler de la subtilité dans la dynamique rigoureuse et limpide des compositions.

Le premier thème «Petit soleil», une berceuse pour son fils, magnifie justement le partage, la triple entente où le travail tout en nuance des balais, la résonance délicate sur les cymbales s'accordent avec le jeu d’une exquise douceur du piano. C’est à peine si on sait qui impose son rythme dans ce triangle équilatéral qui passe d’un doux allumage à des envolées plus fiévreuses tout en travaillant sons et textures. La composition suivante « Chrysanthemum », emblématique fleur du Japon, reste dans cette tonalité spirituelle et recueillie. C’est un hommage non déguisé à un grand pianiste japonais qu’admirait Francesca Han, Masabumi Kikuchi.

Une vraie dramaturgie dans la rupture franche du titre suivant « Sisyphus » dont la pochette illustre de façon explicite le mythe éponyme, un travail de l’artiste et de son mari (également producteur) sur ce papier Hanji coréen, fabriqué à la main à partir d'une pâte de mûrier, doux, résistant, lisse et blanc jusqu'à être translucide.

On aime la vigueur croissante, l' énergie dans l’improvisation collective d’un « Circle » qui ne tourne vraiment pas en rond, continuant sa progression par ce « Cowellessi » en hommage à un duo inspirant, le pianiste Stanley Cowell et le trompettiste Ralph Alessi avec lequel, on s’en souvient, Francesca Han a gravé un Exude remarquable. Elle n’a pas peur de reprendre d’ailleurs  "Count Yourself", hommage à l’insurpassable « Count Down » coltranien, en le jouant à sa façon, en motifs brefs qui captent l’attention avant qu’un élan soutenu n’emporte définitivement l’adhésion. Le final vibrant, lumineux concourt à nous emporter loin, un « Détour » que l’on prend volontiers avec ce trio osmotique. 

Un album à la longueur parfaite que l’on découvre et réécoute en boucle tant il a quelque chose d’addictif. Sans doute l’attention singulière portée au façonnage de chaque composition, le soin apporté aux moindres détails de ces structures complexes qui restent pourtant accessibles.

Programmateurs, quand allez- vous donner plus de place à cette pianiste unique?

Sophie Chambon