Quelques notes sur la liberté    Documentaire de Benjamin Delattre

Bande-Originale du film éditée chez « Frédéric Leibovitz Éditions », à paraître le 22 mai 2026

Quelques notes sur la liberté est le film réalisé par Benjamin Delattre et produit par Melisande films, enregistré en 2022-2023.

« Nous avons commencé pendant la période du Covid. Michel Portal souffrait de ne plus pouvoir jouer en public. Avec Sophie Faudel, nous avons réuni les conditions pour qu’il joue à nouveau, pour faire un film consacré au processus de composition... » Benjamin Delattre

Dans un décor dépouillé du plateau de l’Alliance française, ou dans le salon outrenoir du dernier étage du Musée Fabre où fut enregistré une séquence finale en juillet 2023, pendant le Festival de Radio France Occitanie à Montpellier, Michel Portal se retrouve tel qu’en lui même, seul.

Il nous fait entendre dans un montage précis la bande originale du film, sa dernière trace discographique.

L’oeuvre ultime déjà fantômatique et pourtant charnelle : « Ce qui pourrait rester une abstraction... prend ici un caractère indiscutablement concret » écrit Arnaud Merlin.

Assis, Michel Portal joue, écoute, réécoute, rit, commente d’une voix fatiguée. Il n’est plus le Bailador mais il continue à chercher dans le souffle, creuser le vibrato, tapoter les clés de ses clarinettes. Il joue au bandonéon des morceaux anciens qu'il retrouve sur partitions.

Détaché de toute autre préoccupation que de faire entendre la musique dans sa tête, il revient sur le métier, essayant de cerner la musique, ce qu’elle est...

Ce n’est plus cette figure impressionnante du jazz qui ne se voulait pas idole, cet éternel inquiet si juvénile qui n’était heureux que quand il était sur scène, prenant des risques, qui nous a marqué dès son Dejarme Solo! par son approche libre et expérimentale. Mais le film a le mérite de montrer le processus de création de très près, ce corps au travail, comme le fit autrefois Henri-George Clouzot dans Le Mystère Picasso.

Un commencement qui n’en finit pas de (re)commencer. Ou plutôt une fin qui ne veut pas dire son nom.  On ne sait jamais dans la vie quand c’est la dernière fois que l’on voit quelqu’un…Ce rendez-vous, ces derniers moments passés avec lui, Michel Orier les évoque dans un commentaire émouvant.

Michel Portal a lutté avec cette « oublieuse mémoire » inscrivant son parcours dans  une exigence nécessaire et l'urgence vitale de l'artiste qu’il soit écrivain, peintre ou musicien.
On approche une création …ses dernières notes, non, beaucoup plus que ça, dix huit improvisations, pas si à bout de souffle que ça,  un dernier chant.
Tel un poète, le musicien jeune-vieux est cet intranquille qui avoue, soudain sérieux :  Si jamais je ne fais pas de musique, je deviens complètement fou mais il ne faut pas que je le dise aux autres.

Ce moment n’appartient qu’à lui, plongé dans ces phrases qu’il invente en les rejouant, retrouvant un plaisir intact. Il sait que le temps presse, il veut encore jouer, tenter des phrases qui n’en sont pas. Il retrouve dans ses dernières plages l’idée que la fin n’est qu’un commencement.

Et il nous livre une pirouette finale, avec  le "poème-titres" de ses compositions:

Je commence quelque chose là

Des croisements que je cherche

Quelque chose qui sort de l’âme

Jouer avec la force

J’ai envie de chanter ça

Dans la musique

Il faut des trucs sauvages

On peut continuer

Que ça vole

Entendre des sons et être tout de suite avec eux

Comme si quelqu’un parle à l’autre

Improvisation tranquille

Tu vois c’est ça qu’il faut

Echauffement tranquille

Bienheureux

Le film a déjà circulé mais il reste encore pour cet été quelques dates, encore des festivals qui ont choisi de le programmer Marciac, Cluny, Nevers...

Jazz à Marciac
Marciac • Sélection festival Musinéma • Plusieurs séances du 20 juillet au 5 août

Festival Jazz campus en Clunisois Cluny • Sélection • du 16 au 23 août

Ciné Jazz en Place
Dinan • Séance avec l'Émeraude Cinéma • le 24 août

Festival D’'Jazz à Nevers
Nevers • le 11 novembre

Vincent Bourgeyx Life Letters

Fresh Sound Records/ Socadisc 

Présentation - Vincent Bourgeyx

Sortie le 5 juin 

Concert de sortie de l'album au Festival de jazz de Malte le 7 juillet

Ce Life Letters est le septième album sous son nom de Vincent Bourgeyx sur le label Fresh Sound, composé de douze titres d’une durée sensiblement égale. Dix sont d'une plume lumineuse dans la forme royale du jazz, le trio piano-basse-batterie.

L’attaque est précise, affirmée dès le solo du batteur sur l’ouverture « Stuck in blues » qui annonce la couleur, impulsant une énergie collective qui ne se démentira pas. L’enregistrement impeccable souligne l’esprit d’un jazz de chambre, acoustique, plutôt vif, qui ne laisse guère place au silence. Mais la palette du pianiste sait nous réserver des surprises. On attend la ballade et elle vient vite, énonçée finement dans ces « Life Letters ». On le découvre aussi plus évasif, voire méditatif, dans « You Little Me ».

Il demeure dans le piano de Vincent Bourgeyx quelque chose de classique dans la connaissance des standards et des styles, comme c'était déjà le cas dans son premier opus Introduction qui me le fit connaître. Comme beaucoup de musiciens de sa génération, le musicien bordelais est ensuite parti faire ses classes à la Berklee School puis a appris le métier à New York. Ce qui laisse des traces, des souvenirs et des amitiés certaines. Aussi ne sera-t-on pas surpris qu'il se soit souvent entouré d’une rythmique américaine. Et pour cet album, elle est superlative, le contrebassiste Daryll Hall, subtil et d’une solidité à toute épreuve et le batteur Gregory Hutchinson au soutien plus que rebondissant. L’interaction avec ses deux complices est particulièrement tonique dans ce « Flash Pocket » urbain et funky.

 Vincent Bourgeyx révèle un véritable talent d’accompagnateur aux capacités inventives, au lyrisme sans emphase qu’on aurait tendance à préférer à certaines échappées solitaires. Car plus mélodiste que percussif, le pianiste s’abandonne volontiers à des valeurs refuge, cherchant à développer une relation plus intime avec le public, romantique dans ce "Romance"  à  la contrebasse élégante et fluide, émouvant quand il se laisse emporter par une abondance de notes dans le bien nommé « Hopeless Romantic ».

Equilibré est le montage de l’album, variant les climats, tout en demeurant d’une cohérence sereine. Vincent Bourgeyx s’inscrit résolument dans une certaine lignée de jazz, d’un "beau" piano avec des partenaires qui le ramènent vers un groove plus affirmé. Et on se réjouit de l’entendre dans deux reprises de standards qui terminent l’album en beauté : après un swingant « Let’s Play One » du trompettiste Thad Jones, le pianiste poursuit, galvanisé par une basse étincelante avec une de ses compositions l'envoûtant  « Duke » qui annonce brillamment le thème nostalgique de Billy Strayhorn « A Flower Is A Lovesome Thing ». Voilà une authentique déclaration d’amour à une écriture si parfaite que son mystère, soulignait Bill Frisell, nous laisse toujours interdit.

Le charme discret de cet album intemporel et vibrant s’impose vite et persiste jusque dans les trois derniers morceaux que l’on écouterait volontiers en boucle. On aura(it) grand plaisir à aller écouter ce trio en live évidemment, en club, tant ils traduisent l’essence même d’un jazz insurpassable.

Sophie Chambon

    « Pour Rollins, il n’est pas question de divertissement. La musique trône à l’évidence, à l’étage au-dessus. Elle est spirituelle et exprime la force positive qui existe dans le monde. » Le saxophoniste Jean-Louis Chautemps (1931-2022) avait parfaitement saisi la raison d’être et de jouer de Theodore « Sonny » Rollins, son contemporain, décédé le 25 mai à Woodstock (Etat de New-York) à l’âge de 95 ans (il était né le 7 septembre 1930).

     Retiré dans sa maison de Woodstock depuis des années, ayant délaissé le saxophone ténor depuis 2014 pour des problèmes pulmonaires, donné son dernier concert en 2012, Sonny Rollins se consacrait à la méditation, lisant des ouvrages sur Bouddha, le yoga, et parfois jouait quelques phrases sur le clavier d’un Fender Rhodes. Dans un entretien avec le New York Times paru en 2020, le saxophoniste confiait : « Physiquement je souffre en permanence mais spirituellement je ne me suis jamais senti aussi bien ».

     La spiritualité aura été centrale dans la vie de Theodore Rollins, que son grand-père dénommait affectueusement « Sonny » (fiston) et qui s’inspira des mélopées chantées par sa maman, originaire des Iles Vierges, dans « Saint Thomas », calypso le plus célèbre de l’histoire du jazz, ou encore « Don’t Stop the Carnival ».

     Le saxophoniste, talent précoce se produisant auprès de Thelonious Monk, Bud Powell, sur la scène new-yorkaise dès la fin des années 40 en pleine période du be-bop, avait choisi de faire retraite après avoir acquis la célébrité avec deux albums de 1956, « Saxophone Colossus » et « Tenor Madness », seul enregistrement disponible avec son comparse –à tort présenté comme son concurrent- John Coltrane. C’est l’épisode, devenu historique, de Rollins s’entraînant seul sous le Williamsburg Bridge de New-York dont il témoignera dans « The Bridge ».

     Le saxophoniste au son majestueux, qui vouait grande admiration à Coleman Hawkins (Sonny meets Hawk, 1963) ...

...se libère de toutes les contraintes stylistiques. Il fait un séjour en Inde, c’était « tendance » alors, et ouvre un nouveau chapitre de sa carrière. Rollins accède au rang des stars, au même titre que Miles Davis, remplit les salles, se produit dans le monde entier. Chaque concert est une performance, Rollins va au bout de lui-même de son improvisation dans des envolées lyriques et fougueuses : près de trois heures un soir d’été de la fin des années 90 devant 8.000 spectateurs rassemblés dans l’amphithéâtre antique de Vienne.

     En juin 2010, à l’approche de ses 80 printemps, au festival de Montréal, c’est un Rollins à la démarche hésitante, à la stature un peu voûtée et à la chevelure couleur de neige, très chic dans sa tunique rouge que nous voyons entamer son concert par un solo intégral de dix minutes.

     Sa renommée dépasse les frontières du jazz. Réticent au début –ce n’est pas au niveau du jazz, dit-il- Rollins accepte, sur l’instigation de son épouse, l’influente Lucille (39 ans de mariage, décédée en 2004), de participer à un album des Rolling Stones (Tattoo You. 1981).

     Musicien engagé dans la lutte contre le racisme, reçu à la Maison Blanche par Barack Obama, Sonny Rollins aura toujours témoigné d’une générosité sans borne, ne s’interdisant rien, porté par une imagination, une passion de l’improvisation qui constitue l’essence même du jazz.
Ironie de l’histoire, il quitte définitivement la scène la veille du centième anniversaire de la naissance de Miles Davis.

Jean-Louis Lemarchand.

©photo Jean-Louis Lemarchand et X. (D.R.)

Vendredi 15 mai

D'abord un petit déjeuner face à la mer du côté d'Agon Coutainville, à peine à 15km de Coutances avant de démarrer la longue journée du festival.

Hélène Duret avec Nils Wogram (Magic Mirrors)
Hélène Duret (clb, cl), Nils Wogram (tb), Sylvain Debaisieux (ts), Benjamin Sauzereau (g), Fil Caporail (cb), Maxime Rouayoux (dms)

La clarinettiste est une habituée de JSLP et de la salle du Magic Mirrors. Surtout Hélène Duret est une artiste qui ne cherche ni à tricher ni la facilité. Elle fait avec audace le pari de l’intelligence du public en lui livrant une musique exigeante, forçant l’écoute attentive pour saisir les évolutions de la musique entre jazz, free et musique contemporaine. Rt ce pari là, elle le gagne haut la main car le public (qui n’est pourtant pas initié et pas du tout au courant de ce qu’il va entendre) est conquis. Il est vrai que l’association d’Hélène Duret aux clarinettes et de celui qui a accompagné un temps Michel Portal et qui fut lauréat du prix du musicien européen de l'académie du Jazz est assez remarquable. Aucun des musiciens n’en fait trop et chacun est au service de la musique. L’impression après ce concert d’avoir assisté à un moment d’intelligence musicale. Brillant !

Marion Rampal ( Magic Mirrors)
Marion Rampal ( vc, g), Matthis Pascaud (g), Simon tailleu (cb), Raphael Chassin (dms), Thibault Gomez (p), Aurelien Tomasi (cl, saxs), Isabel Sörling (vc, g), Eric Allard-Jacquin (accdn)
Nous étions très curieux de venir assister à la création de la chanteuse pour sa dernière année en résidence à JSLP. Du moins c’était ce qui était annoncé sur la programme et ce qu’attendait le public. Au lieu de cela, une série de reprise d’anciennes chansons. Frustration.

Jean-Pierre Como et Javier Girotto ( cathédrale)
Jean-pierre Como (p, Javier Girotto (bs,ss)

Sublime ! des lignes mélodiques qui s’envolent et tournent dans la cathédrale. Deux sculpteurs de l’air en action. La musique comme moment de grâce qui passe de l’un à l’autre. Une émotion toujours présente dans chaque morceau. Dans chaque note. Une écoute continuelle. Un saxophoniste à l’expressivité inaltérable, totalement perché très haut dans son monde de musique qu’il semble vivre intérieurement, prêt à la faire exploser au su de tout le public.

Monty Alexander (salle Marcel Helie)
Monty Alexander (p), Luke Sellick (cb), Jason Brown (dms)
Arrivé avec un poil de retard Salle Marcel Helie (pour cause du concert précédent). D’emblée : la classe absolue ! Moanin’ sublimé et puis tout qui s’enchaîne avec une fluidité de dingue. Un groove irrésistible et toute l’histoire du jazz au bout des doigts d’Erroll Garner à Ahmad Jamal. Monty Alexander à 81 ans nous donne une leçon de jeunesse. Sa musique n’a pas pris une seule ride et garde intacte sa capacité à ressusciter un jazz qui n’est en fait jamais mort. Ses phrases sont émaillées de multiples citations. Bien sûr les gimmicks reviennent comme à chaque concert , comme ce No Woman no cry qui marque ses racines jamaïcaines et qui fait chanter le public. 
Avec Monty Alexander on est typiquement dans le concert dont on voudrait qu’il dure toute la nuit !

Et pour conclure notre venue à Coutances, direction le théâtre pour le concert d’Andy Emler Onztet ( le temps est parti pour rester).

Andy Emler (p, compos), Claude Tchamitchian (cb), Eric Echampard (dms) + Louis Sclavis, Catherine Delaunay, Thomas Savy, Laurent Dehors, Elodie Pasquier, Nicolas Fargeix, Florent Pujuila, Emmanuelle Brunat 
C'est le projet ambitieux d'Andy Emler de réunir sur scène 8 clarinettistes. la crème de l'élite de la clarinette pour une musique aussi savante qu'exigeante. C'est brillantissime et même bluffant tant les clarinettistes (toutes les formes - ou presque- de clarinettes) se succèdent avec brio.  On en a le tournis et l'on sait que la nuit venue, nos rêves seront peuplés de solos de clarinette. 
De quoi finir en beauté ce festival.

Un peu triste de devoir partir demain matin. C'est une autre musique qui nous guette : un petit air de blues.

Jeudi 14 mai

Mathias Lévy (" chant song")

Mathias Lévy (vl), Lou Tavano (vc), Laurent Derache (accdn), Sébastien Giniaux (g, cello), Jean-Philippe Viret (cb)

Il n'y a pas à dire, ce projet de Mathias Levy est une splendeur. Il tourne autour de chansons magnifiques avec des arrangements aériens. Et quel quartet ! Un son de groupe entre les cordes et l'accordéon avec un Mathias Lévy absolument superlatif dont les chorus ont fait littéralement fondre le public du Magic Mirror. La musicalité de ce musicien atteint des niveaux exceptionnels. Et si les arrangements sont aussi bien travaillé dans l’espace qu’il laisse au son et à l’enluminure des mélodies, on a quand même une vraie réserve sur la théâtralisation excessive du chant qui donne une impression de rupture dans la cohésion du quartet. Dommage.

Ellinoa : " Mejiro" ( Cinéma)

Ellinoa (vc, glockenspiel), christelle Raquillet (fl), Arthur Henn (mandoline), Heloise Lefebvre (vl), Mathilde Vrech (alto), Juliette Serrard (cello)

Pour ce projet, largement repéré parmi les professionnels, Ellinoa s'est inspirée d'un quartier de Tokyo. Celle qui est compositrice et cheffe d'orchestre est positionnée en avant dans son rôle de chanteuse qui possède par son timbre une grande force d'évocation poétique. Concert sage avec de très beaux moments portés notamment par Christelle Raquillet (habituée des lieux). L’écriture est fine et particulièrement léchée. Jamais dans l’easy listening et toujours dans des progressions à tiroirs, Ellinoa possède une vraie force impressionniste. On voyageait à Tokyo.

Direction la salle Marcel Helie où tout le monde attend ce qui s'annonce comme un moment fort du festival, le concert de Cecile Mc Lorin Salvant

Cécile Mc Lorin Salvant (vc), Sullivan Fortner (p), Yasushi Nakamura (cb), Kyle Poole (dms)

Énorme concert de notre chanteuse préférée !!! Cecile arrive sur scène mutine, détendue sans aucune forme de pression. Vêtue d’une robe déstructurée, elle annonce la couleur : rien ne sera formaté.. Elle et Sullivan Fortner s'entendent comme larrons en foire, plaisantant comme le font des camarades à la complicité évidente. D'emblée le concert s'annonce phénoménal.

La chanteuse reprend une partie de son dernier album en chantant quelques-unes de ses compositions. Par moment on l’entend comme la réincarnation de Sarah Vaughan. Mais non ! Ce n’est pas Sarah Vaughan, c'est Cecile Mc Lorin Salvant et c'est exceptionnel. Tantôt chanteuse de jazz dans la pure tradition, tantôt chanteuse de comédie musicale, tantôt dans la phrase, tantôt dans la gouaille on sent qu'elle peut absolument tout chanter et même tout transcender. Comme lorsqu'elle reprend un classique de la renaissance appris dans ses années d'étudiante au Conservatoire d'Aix. Morceau sur lequel d'ailleurs Sullivan Fortner semble réinventer le piano pour le faire sonner à la manière d'un clavecin. Et puis Cecile embraye sur des chansons en français de Piaf (mon homme) ou Trenet (la route enchantée). La chanteuse dans un moment de générosité invite Marion Rampal à la rejoindre sur scène pour deux chansons. Puis, pour conclure avec audace se transforme en Dancing Queen sur un morceau disco à faire danser tout le public de la salle Marcel Helie.

On avait alors le sentiment d'avoir assisté à un moment de liberté absolue. Cecile Mc Lorin s'autorise tout. Elle n'a définitivement aucune limite. Notre jubilation non plus.

Bill Laurance et Michael League ( Théâtre)

Bill Laurance (p), Michael League (g, basse fretless)

Passé ce grand moment du festival, nous nous retrouvons pour une fin de soirée au théâtre pour un duo d'une infinie délicatesse entre les deux fondateurs de Snarky Puppy marqué là encore par l'expérience de la complicité. Un moment d'écoute et de partage en toute intimité auquel ils nous convièrent. Une sorte de dialogue que l'on pourrait croire au coin du feu. Le public se laisse bercer par cette musique a la tendresse évidente. A la fois délicat et d'une grande élégance. On est jhuste bercés par la grâce de ces deux musiciens. Plutôt ces deux dentellières.