Allan Harris, (voix guitare),
Miles Okazaki (guitare),
Hayes Greenfield (saxophone ténor),
John Flaugher (contrebasse),
Jesse Jones Jr. (saxophone alto).
Peter Karl Studio, Brooklyn, 2003.
Love Productions  Record. Paru le 18 septembre.

      Invité surprise de la cérémonie de remise des prix de 2019 l’Académie du Jazz le 9 février, Allan Harris avait emballé le public de la Seine Musicale. A l’aise, chaleureux, le chanteur avait donné deux exemples de ses talents de crooner et de magicien du rythme. Le finaliste du prix du jazz vocal du palmarès 2018 avait à l’automne précédent démontré sa maîtrise et sa virtuosité au Duc des Lombards où il présentait le répertoire du prince du style vocalese Eddie Jefferson (Allan Harris. The Genius of Eddie Jefferson. Resilience Music Alliance.).

      L’album qui sort ces jours-ci dans les bacs constitue également une surprise. Il s’agit d’un enregistrement datant de 2003 retrouvé par le plus pur des hasards. Les bandes originales avaient été mises de côté peu après les séances en studio à la suite du décès du compositeur, auteur de l’intégralité des titres gravés, Ike Joseph. « Dès l’écoute de ses premières mélodies, se souvient Allan Harris, j’ai été séduit par leurs qualités, des romances exprimées dans un swing sans effort ».

      Alors dans la quarantaine, Allan Harris traite ces « chansons d’amour » avec simplicité, sans en rajouter dans l’émotion, s’inscrivant alors dans la tradition dans le droit fil de Nat « King » Cole ou encore de Tony Bennett. Accompagné sobrement par deux saxophonistes, un guitariste et un contrebassiste, le chanteur-guitariste donne à entendre (à découvrir pour beaucoup) un répertoire qui touche au cœur.

Jean-Louis Lemarchand.

©photo X. (D.R.)

Kris Davis (piano), Robert Hurst (contrebasse), Johnathan Blake (batterie)

Mont Vermont, 15 septembre 2025

4166 Records

https://krisdavis.bandcamp.com/album/lost-in-geneva

Second opus de ce trio et Grand Disque (je pèse mes mots). L’interaction entre la pianiste et ses partenaires est d’une intensité palpable, et la qualité des compositions est remarquable. Thèmes inédits, ou parfois déjà enregistrées dans un autre contexte (six de la pianiste, deux cosignées par le trio, un de la plume du bassiste, un autre du batteur, et un arrangement d’un thème de Morton Feldman). Une musique dense, requérante, qui exige que nous soyons totalement investis dans l’écoute. Entre pulsation prenante et abstraction formelle, d’une plage à l’autre, il y a là matière à faire un de ces voyages d’écoute qui nous marquent pour longtemps. On n’en finira pas de capter le surgissement, d’une écoute à l’autre, de tel silence chargé de sens et d’intensité, de telle envolée soudain parée d’une sensation inouïe. La Nature Piece n° 5 de Morton Feldman trouve une vie nouvelle dans une forme d’incarnation par le dialogue qui s’exerce avec la basse et la batterie. Une manière d’illustrer l’art même de la pianiste, qui circule librement de l’abstraction musicale à l’humanité foncière de sons expressifs, des figures libres et autres surprises que recèle le jazz. Et la belle rondeur de la prise de son accentue encore ce pur plaisir.

Xavier Prévost

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La pianiste est en tournée, en Allemagne et en Suisse, avec Bob Hurst et Jim Black, du 19 au 22 novembre 2026

https://krisdavis.net/calendar/

SISYPHUS

Francesca Han · Takashi Sugawa · Shun Ishiwaka

Label Hanji / Inouïe Distribution

Sortie le 9 octobre 2026

Conçu pendant sa période japonaise, cet album de Francesca Han est constitué de sept pièces sensibles et saisissantes, toutes de sa plume, évoquant souvenirs et moments forts de son séjour en autant de courts récits musicaux. La page est tournée, à présent la pianiste vit en France, mais elle a voulu capter ses échanges avec une rythmique de l’avant-garde japonaise tout à fait exceptionnelle : il en résulte un album enregistré lors d’une séance de 2017 au studio Dedé, mixé et masterisé en 2025 à Tokyo qui est appelé à faire date dans sa discographie.

Avec la redécouverte de ce programme Sisyphus, le trio s’empare avec une passion communicative d'une écriture très personnelle, intense et raffinée qui prend des libertés avec le patrimoine japonais ou coréen mais qui a néanmoins cette « asiatic touch » indéfinissable. Sans doute dans l’art de croiser des repères, influences traditionnels avec la composition et improvisation contemporaines et l’urgence du jazz ?

Du "beau piano"mais pas tout à fait au sens que l’on entend habituellement, une articulation vive, nette jusqu’au tranchant qui livre la mélodie avec des élans parfois inattendus, sans cliché  romantique ou mièvre. Si chacun sait donner du relief à ses attaques, la rythmique s’y entend pour insuffler de la subtilité dans la dynamique rigoureuse et limpide des compositions.

Le premier thème «Petit soleil», une berceuse pour son fils, magnifie justement le partage, la triple entente où le travail tout en nuance des balais, la résonance délicate sur les cymbales s'accordent avec le jeu d’une exquise douceur du piano. C’est à peine si on sait qui impose son rythme dans ce triangle équilatéral qui passe d’un doux allumage à des envolées plus fiévreuses tout en travaillant sons et textures. La composition suivante « Chrysanthemum », emblématique fleur du Japon, reste dans cette tonalité spirituelle et recueillie. C’est un hommage non déguisé à un grand pianiste japonais qu’admirait Francesca Han, Masabumi Kikuchi.

Une vraie dramaturgie dans la rupture franche du titre suivant « Sisyphus » dont la pochette illustre de façon explicite le mythe éponyme, un travail de l’artiste et de son mari (également producteur) sur ce papier Hanji coréen, fabriqué à la main à partir d'une pâte de mûrier, doux, résistant, lisse et blanc jusqu'à être translucide.

On aime la vigueur croissante, l' énergie dans l’improvisation collective d’un « Circle » qui ne tourne vraiment pas en rond, continuant sa progression par ce « Cowellessi » en hommage à un duo inspirant, le pianiste Stanley Cowell et le trompettiste Ralph Alessi avec lequel, on s’en souvient, Francesca Han a gravé un Exude remarquable. Elle n’a pas peur de reprendre d’ailleurs  "Count Yourself", hommage à l’insurpassable « Count Down » coltranien, en le jouant à sa façon, en motifs brefs qui captent l’attention avant qu’un élan soutenu n’emporte définitivement l’adhésion. Le final vibrant, lumineux concourt à nous emporter loin, un « Détour » que l’on prend volontiers avec ce trio osmotique. 

Un album à la longueur parfaite que l’on découvre et réécoute en boucle tant il a quelque chose d’addictif. Sans doute l’attention singulière portée au façonnage de chaque composition, le soin apporté aux moindres détails de ces structures complexes qui restent pourtant accessibles.

Programmateurs, quand allez- vous donner plus de place à cette pianiste unique?

Sophie Chambon

Justin Hicks Man Of Style 

Jammin'colors/ L'Autre Distribution

Music, Lyrics, Synth : Justin Hicks

Vocals: Kenita Miller-Hicks, Jade Hicks

Guitar : Chris Bruce

Piano : Daniel Mintseris

Rhodes : Jake Sherman

Bass, Synth : Meshell Ndegeocello

Concert 5 octobre New Morning Paris et 10 octobre  La Meson Marseille

On ne le connaissait pas vraiment, ce Justin Hicks qui nous saisit avec ce premier album  intrigant Man of Style .

Une voix singulièrement attachante qui retient immédiatement l’attention, sans que l’on songe à interrompre la suite de chansons souvent mélancoliques qui composent l’auto-portrait de cet artiste expérimental dans de nombreux domaines (sound design, arts plastiques, théâtre). Auteur-compositeur et multi-instrumentiste, c’est sa voix qui convainc, envoûtante, difficile à définir, comme sur « Wendy » où on hésite entre pop et folk pensant à des mélodies de Macca. Sur d’autres, c’est plus nettement Soul jazz, R&B, impossible de le limiter à un style.
Il reconnaît volontiers que le chant est à l’origine de toutes ses expériences en musique.

Si on a suivi attentivement le parcours de la bassiste Meshell Ndegeocello, Justin Hicks figure depuis 2018 sur ses albums dont les Blue note The Omnichord Realbook, The Gospel of James Baldwin. Elle l’accompagne d’ailleurs à la basse ( Chris Bruce l’autre co-producteur à la guitare) et a suivi de près la réalisation de ce premier album qui sort vraiment de l’ordinaire : puisant dans le roman familial ce que confirment les photos délavées de la pochette délicieusement surannée, couleur vieux rose  où figurent les parents du chanteur de leurs fiançailles jusqu’au mariage. Sur la couverture le couple, il joue du piano à son amie étendue sur un canapé.

Sur quelques titres le rejoignent les voix féminines de Kenita Miller Hicks qui n’est autre que sa femme et de sa soeur Jade Hicks (le final « Use Your Head » conseil judicieux que leur prodiguait leur mère). On vous le disait, une histoire de famille, chacune des onze chansons constituant un arrêt sur image, un instantané de vie dans un enchaînement dramaturgique parfaitement conçu. Une confession évidemment émouvante qui n’a rien de sensationnel, un journal intime dont on dévoilerait quelques pages choisies. Comment ne pas être sensible à ce travail artisanal conçu avec coeur, ferveur même dans une économie de moyens si rare aujourd’hui, qui n’en est que plus précieuse ?

Plus que prometteur ce Man of Style !

Sophie Chambon

       Le 23 septembre 1926, à Hamlet (Caroline du Nord), John William Coltrane, fils d’Alice Gertrude née Blair, femme au foyer, et John Robert Coltrane,  tailleur, poussait son premier cri. L’acte de naissance, manuscrit, ne permet pas de connaître l’heure exacte de la naissance (15 h ou 17 h). Il mentionne toutefois que l’enfant est né dans la maison familiale (200, Hamlet Avenue).

       Les parents de John William Coltrane, mariés en 1925, s’étaient rencontrés dans cette petite commune de Caroline du Nord (moins de 5000 habitants alors) où résidaient leurs familles. Les pères de John Robert Coltrane et Alice Blair (1) officiaient comme pasteurs dans l’église épiscopalienne méthodiste (AME Zion). Ce n’était pas leur seul point commun. Les familles Blair et Coltrane, descendantes d’esclaves noirs portaient le patronyme de leurs « propriétaires » ancestraux, ce qui expliquait leur nom anglais, irlandais ou écossais. Blair et Coltrane, dont on trouve des traces aux Etats-Unis au milieu du 18 ème siècle, sont des noms d’origine écossaise, précise Lewis Porter, auteur d’une exceptionnelle biographie (John Coltrane, sa vie, sa musique. Editions Outre Mesure. 2007). Coltrane ou Coltran « est un vieux nom écossais issu des districts de Galloway dans les Lowlands situés sur la côte sud-ouest de l’Ecosse ».

       La musique était présente dans la famille de John William Coltrane. Sa mère, Alice, qui décèdera dix ans après son fils (1898-1977), diplômée de l’université (le Livingstone College de Salisbury) « passait pour une bonne chanteuse, passionnée d’opéra qui accompagnait le chœur au piano lors des services du Révérend Blair », souligne Lewis Porter.

        Si aujourd’hui, la ville d’Hamlet se flatte d’avoir vu naître John Coltrane (1926-1967) –une plaque commémorative a été installée en 1982- la jeunesse du futur saxophoniste se déroulera dans la cité voisine plus peuplée de High Point (35.000 habitants) où ses parents emménagèrent à la fin de cette année 1926 pour rejoindre le reste de la famille Blair. Une plaque commémorative apposée en 1996 près de sa maison (105, Price Street) y rend hommage à « la légende mondiale du jazz ».

(1)    Une question à nos lecteurs avides d’informations : existe-t-il un lien de parenté entre Alice Blair et Tony Blair, écossais (né à Edimbourg) 1er ministre de sa gracieuse majesté entre 1997 et 2007 ?

Jean Louis Lemarchand