JJJ OLIVIER CALMEL: “EMPREINTES”

Musica Guild 2007

Lorsque nous avons reçu cet album on avait encore en tête le précédent et premier album d’Olivier Calmel (Mafate) qui nous avait alors totalement conquis par sa capacité à nous faire voyager. Qu’est ce qui fait que ce deuxième opus se révèle à la fois incroyablement plus riche mais en même temps un peu moins emballant.

Olivier Calmel a fait visiblement un gros travail d’écriture sur cet album où il semble privilégier les frottements harmoniques et les ruptures dans un ensemble de petites pièces plus ou moins courtes où la ligne mélodique se révèle moins. Et malgré tout, tout se passe comme si l’écriture prenait le pas sur l’improvisation et le cadre formel sur l’improvisation (même si une écoute attentive montre que ce n’est pas le cas). Une maîtrise qui ne cède pas au lâcher prise.

Et pourtant cet album diablement intéressant est surtout particulièrement riche et se situe dan une sorte d’entre deux. En effet alors que Frederic Eymard ( jeune violoniste alto soutenu par Didier Lockwood) semble tirer vers le classique, Olivier Calmel lui, tire de son côté vers le jazz dans une exercice qui relève parfois de la rencontre et parfois de l’opposition frontale. D’Humeur changeante ou Epistrophe sont deux morceaux qui à ce titre illustrent bien ce sens des contrastes. On retrouve bien sûr avec Olivier Calmel les inspirations liées au voyage. Travelling Mafate poursuit le travail engagé précédemment du côté de la musique flamenco et  Le Hongrois Déraille s’embarque vers l’Europe de l’Est. Mais il y a là d’autres inspirations beaucoup plus cinématographique ou littéraires où à la manière d’un Darius Milhaud, Olivier Calmel nous conte quelques histoires (Trois messes basses, Préludes des cinq Rameaux). Ces histoires sont parfois trop brèves pour ne pas générer quelques frustrations comme ce Au Lever que l’on aurait tant aimé entendre se poursuivre.

C’est qu’avec Empreintes, Olivier Calmel poursuit un travail commencé il y a déjà quelques années. Soucieux de gagner ses galons bien mérités de compositeur, le pianiste pourtant épaulé d’une admirable rythmique (dont le très grand Jannuska !) semble constamment se brider. Pourtant cela ne fait aucun doute, le salut vient de cette lumière qui semble jaillir au bout de ses doigts de pianiste et qu’il réfrène, à notre sens un peu trop souvent. Lorsque en fin d’album, Olivier Calmel parvient à se lâcher totalement (au risque, dans l’emballement de paraphraser lourdement la référence à My favorite Thing), on sent qu’il y  là une ouverture, une sorte de respiration salutaire. Une voie dans laquelle il hésite pourtant encore à s’engouffrer mais que avec impatience nous attendons pour le prochain album de ce jeune pianiste si talentueux.

Jean-Marc Gelin

JJJJJ JACQUES COURSIL : « Clameurs »

Universal 2007

En 1969, il y a 38 ans, Jacques Coursil, alors trompettiste virtuose de la scène free-jazz, compagnon de Sunny Murray, d’Antony Braxton, d’Albert Ayler, de Frank Wright, se retire discrètement de la scène après l’enregistrement de son deuxième album, The way ahead, pour se consacrer à la linguistique, qu’il enseignera à Caen et aux Antilles avant de partir à l’université Cornell aux États-unis. En 2005, à la demande d’un de ses anciens élèves de Cornell, un certain John Zorn, qui l’accueille sur son label Tzadik, il rejoue enfin de la trompette en public et enregistre son troisième album, Minimal Brass. Il a passé dit-il ses trente dernières années à démanteler la trompette, à supprimer de son jeu toutes les affèteries, à travailler inlassablement son instrument, pour ne conserver que le souffle continu. Less is more…ne peut-on que se dire à l’écoute de ce sublime album. Avec Clameurs, Jacques Coursil appelle avec les mots du poète martiniquais Franz Fanon au refus du « «meurtre de ce qui a de plus humain dans l’humain, la liberté ! […] Je demande que l’on me considère à partir de mon désir […] Exister absolument ! » Né en 1939 à Paris, Jacques Coursil ne découvre sa terre d’origine martiniquaise qu’à 40 ans. C’est une terre de brassage culturel, de passage, de lumière, de chaos, de labeur, de blessures, de révoltes mais surtout de cris étouffés. « Le cri de l’esclave, de l’opprimé, s’étouffe dans sa gorge. S’il crie, on le bat, il est mort –le cri à pleine voix est le privilège de l’homme libre. Dans la langue des poètes, le cri noué se mue en écrit », explique Jacques Coursil dans le livret qui accompagne son nouvel album. Son projet ici est à la fois politique, musical et linguistique et se décline en « 4 oratorios pour trompettes et voix ». Coursil rend hommage dans leur langue (français, créole, arabe),  à quatre poètes du cri : Franz Fanon, le révolutionnaire martiniquais mort en Algérie en pleine révolution, Monchoachi et Edouard Glissant, poètes martiniquais contemporains et Antar, poète pré-islamique réduit à la servitude, fils d’une esclave éthiopienne et d’un arabe (« Ignorants, ils blâment le noir de ma peau. Or sans noir, l’aube ne parait [pas] dans la nuit »). Ni violence ni provocation dans leurs cris toutefois, simplement la parole mise à nu pour dire les déchirures de l’histoire et proclamer, envers et contre tous,  la liberté de l’homme, le refus de tout asservissement. «Le malheur du nègre est d’avoir été esclave. Mais je ne suis pas esclave de l’esclavage qui déshumanisa mes pères. Je suis homme et c’est tout le passé du monde que j’ai à reprendre –la guerre du Péloponnèse est aussi mienne que la découverte de la boussole…Ô mon corps, fais de moi toujours un homme qui interroge ! ». Grâce au re-recording ce n’est pas une trompette mais un chœur de trompettes, toutes jouées par Coursil qui répondent à cette ode de l’homme debout. Les trompettes s’entremêlent, s’entrechoquent, entrent en conversation dans des combinaisons circulaires, concentriques et répétitives. Le son de Coursil est d’une pureté exceptionnelle. Son jeu est à la fois intense et dépouillé et l’alchimie avec Alex Bernard à la contrebasse et Mino Cinelu est parfaite.   « Je demande que l’on me considère à partir de mon désir », c’est ainsi que Coursil conclut cet album-ovni !

Régine Coqueran

JJJJ Jean Marc Foltz, Stephan Oliva, Bruno Chevillon

« Soffio di Scelsi »

Harmonia mundi  2007

Philippe Ghielmetti (Illusionsmusic)  et le studio La Buissonne  peuvent se vanter d’être de formidables « porteurs de projet » : ils sortent en cette fin de mois de juin un album étrange, qui a tout d’un specimen, futur « collector » peut-être ! C’est qu’ils ont encouragé l’enregistrement d’un projet étonnant, déconcertant même pour qui n’est pas familier avec le  travail du compositeur italien, Giacinto Scelsi, mort en 1988.

Les puristes  ne seront pas satisfaits : ce n’est pas à proprement parler du contemporain (le trio ne JOUE pas du Scelsi) et encore moins du jazz, au sens de swing et cha-ba-da. Mais la question ne devrait même plus se poser, puisque ce Soffio di Scelsi qui porte admirablement son titre, flirte avec les marges, soulignant le rapport plus qu’étroit entre musiques improvisées et contemporaines.

 ‘Scelsi touche en plein centre le musicien qui improvise ; c’est à l’intérieur du son que naît sa musique’, avoue Jean Marc Foltz, qui, encore clarinettiste au sein de l’Intercontemporain,

a découvert puis joué dès 1992, la musique du compositeur italien. Jusqu’à son dernier souffle,  Scelsi a cherché à transposer dans une démarche visionnaire, l’univers en sons, qu’il

voyait même colorés en jaune et rose.

Le trio, constitué de Stephan Oliva  au piano, Bruno Chevillon à la contrebasse et Jean-Marc Foltz aux clarinettes, est idéal pour interpréter librement et poétiquement une suite de quatorze petites pièces, incluant, dans le Sogno XIII, des citations originales, dites par Bruno Chevillon,  pour éclairer cette vision « cosmologique » ? de « rythmes profonds surgissant du dynamisme vital ».

L’écoute de cet ensemble si peu académique, suppose donc un engagement complice :  le souvenir de la création au théâtre de la Minoterie, en mai 2005, à Marseille, puis une seconde version , toujours la même année,  au Bordeaux Jazz festival cette fois, confirme tout l’intérêt de cette réinterprétation par un trio de musiciens chevronnés.

La prise de son est essentielle dans un tel projet : le « quatrième homme », Gérard de Haro, le maître de la Buissonne, était tout indiqué pour capter cette aventure, car non seulement il connaît ces musiciens, mais il sait aussi anticiper leurs désirs, et les guider de sa parfaite connaissance du son.

Cet album se découvre lentement au fil d’une traversée initiatique, d’une plongée au cœur du son et de la musique des sphères. Une musique de rêve éveillé, où résonnent des accords mystérieux et troublants, des sonorités étrangères à nos perceptions ordinaires. De climats nettement percussifs  en moments de plus intense méditation, on se laisse guider par une musique sans nostalgie, ouverte au monde.  Un album à recommander fortement.

Sophie Chambon

JJJJ ONJ : « Electrique »

Le Chant du Monde/ Harmonia mundi

Electrique est le nom du dernier album de l’ONJ Franck Tortiller et il est  réussi, plus électrisant encore qu’électrique. Après le succès mérité de  Close to Heaven, dédié au flamboyant et mythique Led Zep

anglais, Franck Tortiller et ses hommes ne délaissent pas la période des seventies (« décade prodigieuse »  qui court de 1967 à 1976 ) et reviennent au jazz . Coltrane allait disparaître en juillet 67,  et son influence ne cesserait  de s’étendre-certains ne s’en sont toujours pas remis quarante ans plus tard-  et avec le free jazz, la « New Thing » s’imposait comme un courant musical très affirmé qui répondait avec éclat aux préoccupations politiques et sociales des Noirs américains en lutte pour leurs « Civil Rights ». Se développait parallèlement  le style prénommé « fusion » avec des groupes qui allaient s’incrire dans l’histoire de cette musique :  Hancock and The Headhunters, Weather Report et le Miles électrique  ( des albums  Miles in the sky,  Filles de Kilimandjaro, In a silent way, ou Bitches Brew, tous issus entre 68 et 69 !).

C’est l’esprit de cette époque que Franck Tortiller, dans ses compositions et arrangements, s’est attaché à évoquer plutôt que de plonger le revival d’une musique très connotée aujourd’hui. Ce n’est donc pas vraiment une relecture d’un répertoire précis, mais une interprétation très libre avec un  programme original qui  fonctionne parfaitement, avec ces dix musiciens soudés autour de leur chef : deux vibraphonistes, un batteur, une contrebasse, et cinq souffleurs ( 2 trompette-bugle, 1 tuba, 1 trombone et 1 saxophone). Sans oublier des effets électroniques et des samples utilisés avec pertinence, sans insistance (remix final de « Last Call before midnight »).

La référence (plus que l’hommage à Miles) est explicite dans la mini-suite  « Electrique » ou dans « The Move » servi par deux trompettistes Jean Gobinet et Joel Chausse qui se font l’écho de « l’ange noir »,  mais comment faire autrement sur un programme qui se revendique de cette période ?

Néanmoins, il ne nous semble pas que ce soit pas là-dessus qu’il faille « évaluer » l’album, paradoxalement.  D’une façon très personnelle, le chef de l’Onj réussit à faire revivre une époque définitivement  révolue,  qui réveille la nostalgie,  une certaine envie (« doux oiseau de jeunesse » ou simplement insouciance des « Trente Glorieuses »). Mais cette musique est ancrée dans notre époque et c’est moins dans la rock attitude ou les fulgurances davisiennes que dans une certaine image fantasmée, qu’elle se réapproprie un climat, s’en jouant et déjouant  par un bel effort sur des rythmiques qui changent tout :  ainsi, les moments de grâce sont  nombreux, mais ils ne reposent jamais  sur l’énergie pure, la puissance électrique.

Avec cet album, les solistes de l’ ONJ chantent, planant au-dessus de mélodies délicates, avec des crescendos très purs (« Les Angles » ou « Last call ») ou le chant sacré des soufflants dans « In April » que survole le solo « breckerien » d’Eric Séva. Tous ces traits concourent à une beauté apaisée, avec ce grain de nostalgie, cette légère mélancolie qu’éveille le tuba de Michel Marre dans la composition de Prince « Sometimes it snows in spring ».

Electrique souligne que cet ONJ, malgré son engagement éphémère, ne ressemble à aucune autre formation, il est parvenu à créer une alchimie qui lui est propre,  un son, une couleur  qui resteront  liés à l’Onj Tortiller.

Sophie Chambon

MILES DAVIS

Jean-Pierre Jackson

Actes Sud

Collection Classica

 On ne saurait que féliciter la belle Arlésienne (Actes Sud) d’ouvrir sa collection « Classica » au jazz.

Après un Charlie Parker paru en 2005 voilà donc sous la houlette de Jean-Pierre Jackson un Miles Davis assez salutaire. Les contraintes du genre ont imposé un  format assez léger à l’auteur (180 pages pour un sujet qui en mériterait le quintuple) et il a donc fallu à Jean Pierre Jackson faire des choix drastiques, privilégier certaines périodes et en survoler d’autres.

On sait bien que l’ouvrage de référence reste à ce jour celui que notre ami Franck Bergerot a consacré au trompettiste (Le seuil 1998) et surtout la fameuse autobiographie de Miles préfacée par Quincy Troup.

Mais il ne faudrait pas bouder l’ouvrage de Jean Pierre Jackson qui a l’immense mérite pour un public plus néophyte de permettre un rapide survol sur la vie et l’œuvre de Miles en un rapide tour d’horizon de la vie du génial trompettiste.

Ce genre d’exercice comporte néanmoins le risque de balayer trop large et donc de balayer peu. Et c’est effectivement le reproche que l’on peut faire à cet ouvrage où l’auteur affiche nettement ses préférences pour la première partie de la discographie de Miles, celle qui va de ses débuts aux côtés de Charlie Parker jusqu’à la dissolution du quintet avec Coltrane et Cannonball Adderley. L’auteur, à juste titre insiste sur les chefs d’œuvre publiés sous la direction de Gil Evans ( Birth Of the Cool, Miles Ahead, Sketches of Spain….) mais en revanche semble bouder toute la partie électrique de Miles jetée ainsi aux orties sans autre forme de procès.

Les appréciations deviennent vite très subjectives et l’on comprend que l’auteur goûte peu les incursions urbaines d’un Miles période Tutu.

Du coup dans la deuxième partie l’ouvrage s’accélère et prend alors la forme d’un rapide survol de la discographie du trompettiste sous un angle qui ne satisfera pas les afficionados et perdra un peu les néophytes.

Il aura au moins eu le mérite de réveiller quelques uns des indispensables assoupis dans nos discothèques. Jean Pierre Jackson en note de bas de page nous invite à réécouter Miles Ahead, au casque avec un volume convenable : « Une expérience esthétique inoubliable ». Dit il. Je confirme !

Jean-Marc Gelin