JJJJ JEAN-CHARLES RICHARD: “ Faces”

HERRADE 2006

Jean Charles Richard (ss, bs), Dave Liebman (dm)

 Ceux qui ne savent pas que JC Richard est un grand saxophoniste doivent impérativement écouter cet album. Car à l’égal des grands Jean Charles Richard, que ce soit au soprano ou au baryton impose un son unique à la fois net et puissant. On ne peut s’empêcher de penser ici à Antony Braxton, celui des « Saxophones improvisations Série F ».  Ici, malgré la réticence à se jeter sur un album de sax en solo dont l’austérité du principe (largement démentie dans les faits) pourrait décourager certains, il n’est jamais question d’ennui. JCR ne lasse jamais. Multiplie les couleurs au gré des titres. Un remarquable travail de mixage permet de juxtaposer et coller des pièces au soprano et au baryton donnant ainsi l’impression d’avoir deux musiciens en studio. Après une ouverture à la lame aiguisée (First sound), Jean Charles Richard impose au baryton des sonorités brutes et primales (Rainouart au Tinel). Avec la superbe pièce de Margoni (Réflexion sur le langage d’Olivier Messiaen) et avec celle qui précède (Off Birds) l’album explore aussi les voies de la musique contemporaine. Plus loin sur Boreal, JC Richard tient une note et lui donne une dimension étrange et mystérieuse. Plus loin encore son hommage à Steve Lacy sur Bone, fait tourner les têtes. Son mentor, Dave Liebman chez qui cet album a été enregistré était en studio à Saylorsburg. Il a supervisé la totalité de l’enregistrement. Il passe de l’autre côté de la vitre à deux reprises pour tenir la batterie dans la série de thème qu’il a composé en hommage à Elvin Jones. Mais dans cet album d’une grande générosité l’inspiration de JC Richard se trouve avant tout dans l’héritage de Steve Lacy. Son langage musical véhicule un  discours sans académisme et sans concession qui puise autant au classique qu’au jazz et à la musique contemporaine pour s’approcher de sa propre forme. Et alors que d’autres attendent des années avant de se lancer dans l’exercice du solo, c’est avec courage qu’il choisit cette formule sans concession. Celle qui correspond le mieux à sa conception esthétique et intellectuelle de la musique. Elle ne se partage pas. Sans jamais perdre en énergie et en puissance, il impose son jeu dans tous les formats et tous les tempos, fidèle à ses propres sonorités. Un travail de sculpteur. Parce qu’il vient surtout du classique et moins du jazz, on a le sentiment que tout y est techniquement sous contrôle. Dire qu’il manque alors cette part de lâcher prise, cette part un peu folle de l’improvisation serait mal le comprendre. Car Jean Charles Richard revendique lui-même cette exigence de perfection, ce travail de labeur quasi monacal.  C’est un travail ascétique qui mène à l’extrême pureté. C’est un des chemins qui mène au beau.

Jean Marc Gelin

JJJJ Bill Frisell, Ron Carter, Paul Motian

Nonesuch 2006

  Passé le premier round d’observation (les deux premiers titres nous laissent en effet un peu dubitatifs) on entre vite dans ce qui devient un petit chef d’œuvre. Une sorte de mécanique se met en branle avec trois musiciens exceptionnels qui semblent avoir toujours joué ensemble. L’association est évidente. Une atmosphère se crée. Une alchimie devrait on dire. Car autour d’une musique assez simple et de motifs répétitifs, quasi hypnotique, le trio joue avec une infinité de nuances subtiles.

Bill Frisell renoue ici avec une sorte de country jazz qui trouve ses racines dans son Amérique profonde avec un style inimitable et qui ne l’a d‘ailleurs jamais vraiment quitté. Sur des thèmes comme ce magnifique thème traditionnel arrangé par Frisell Pretty Polly et qui semble tout droit sorti du folklore de son Colorado natal, il fait tourner le motif mélodique en lui imprimant avec sa pedal steel guitar des effets réverbérés au moelleux métallique. Il ne s’agit pas de longs étirements de la musique mais simplement d’une exploration juste du thème exposé. D’une déclinaisons des nuances et du son. Ron Carter et Paul Motian créent alors des formules irrésistibles, motifs à géométrie variables de profondeur et légèreté mêlées à l’image de la rondeur d’un Ron Carter qui à 70 ans fait ici un numéro époustouflant. Sa façon de décliner ses walkin bass simples mais incomparables dans leur sonorité et leur feeling crée une assisse dans laquelle Paul Motian n’a plus qu’à prendre place, déroulant alors son jeu de fin coloriste aux balais frissonnants. Montrant qu’ils sont avant tout des joueurs de jazz, les trois hommes s’attaquent aussi et avec autant de bonheur à des standards réinventés comme le Misterioso de Monk ou ce standard un peu moins joué On the street Where you live où l’occasion leur est donnée de montrer combien ils maîtrisent aussi le swing. Jamais ils ne s’y font démonstratifs. Alors Bill Frissell avec son sens inné du blues nous embarque dans une sorte de road movie où défilent ces images d’Amérique et toutes ses déclinaisons de couleurs qui vont avec. Défilent alors de grands espaces sauvages. Espaces imaginaires comme dans cet Introduction ou encore ce Misterioso joué d’une manière un peu poisseuse. Avec I’m so lonesome, I could Cry la guitare country de Bill Frisell affirme ses racines avec elegance. Pour une sorte de lazy jazz, qui traîne sa semelle dans l’Ouest américain et nous embarque avec lui.

Jean Marc Gelin

JJJ PATRICK ARTERO: “ Artero - Brel”

Nocturne 2006

 Un disque déconcertant à la première écoute qui mêle passages classiques, rythmes binaires du tcha tcha et de la samba et sur lesquels le jazz vient poser sa patte. Le tout au service de l’immense Brel. Cette affaire n’est évidemment pas simple et l’on se demande comment seront traduites les atmosphères du chanteur, si familières à beaucoup. Chaque morceau nous livre une ambiance différente et c’est une nouvelle chanson qui se ravive dans nos souvenirs.

Les musiciens embarqués dans l’aventure tirent tous leur épingle du jeu avec toutefois une mention spéciale pour Giovanni Mirabassi dont le toucher aérien au clavier, la précision et l’originalité des chorus sont un réel bonheur. Les arrangements particulièrement soignés réservent une bonne place aux solistes «  La Mort  » notamment permet d’apprécier Gildas Boclé à l’archer sur sa contrebasse, Dominique Cravic à la guitare et Daniel Garcia Bruno à la batterie. Percussions et musiciens classiques complètent le quintette de jazz mené par Patrick Artero qui réussit là une performance comme instrumentiste, soliste et arrangeur. Il nous livre un disque aux ambiances à la fois nostalgiques et romantiques, festives et enjouées qui reprennent ainsi les thèmes majeurs des inspirations de Jacques Brel.

Un disque inclassable si l’on tient absolument à ranger la musique en général et le jazz en particulier dans des boîtes hermétiques mais, sans aucun doute, un disque intéressant qui conquiert l’auditeur au fil des écoutes successives. A recommander.

Jean Pierre Foubert

JJ nicolas FOLMER: “Fluides”

 Cristal 2006

 Ce deuxième album de Nicolas Folmer, après I comme Icare nous donne assurément l’occasion d’entendre un artiste au sommet de son art. Car techniquement c’est certain, Folmer est un très grand trompettiste et il faut se faire à cette idée. A l’aise sur tous les tempos, il maîtrise un son sans vibrato avec une précision rythmique à toute épreuve. Vraiment impressionnant dans sa capacité à créer des minuscules ruptures dans son phrasé avec une  maîtrise surnaturelle du tempo. Une vraie sonorité très intéressante et chaude au cuivre latin capable d’une grande amplitude et pouvant monte très haut sans jamais donner le sentiment de coincer dans les suraigus. Un grand nombre d’influences se bousculent et on convoquerait bien des noms comme Miles bien sûr mais aussi Tom Harrell (pour le son) ou encore Kenny Wheeler parfois extrêmement présent surtout dans les tempi lents. Parfois aussi on pense à un autre Kenny, Dorham cette fois. On peut rêver pire comme références.

 Le trompettiste du Paris Jazz Big Band poursuit donc sa route somme toute très classique et l’on retrouvera ici les mêmes couleurs que celle qui prédominent dans la formation qu’il co-dirige avec Pierre Bertrand. Des compositions qui pourraient presque se concevoir pour grande formation. Portant c’est ici en quartet qu’évolue Nicolas Folmer avec des partenaires de choix. Le jeu subtil mais très présent de Pierre Alain Goualch au piano en fait un compagnon idéal, un sideman rêvé au lyrisme contenu. Idem pour Stéphane Huchard à la batterie. On est en revanche moins convaincus par l’apport des deux contrebassistes particulièrement absents de l’album.

Exercice de style particulièrement élégant et raffiné qui, par son très grand classicisme ne bouleversera certes pas le genre des trompettistes de jazz. On n’est pas dans l’underground New Yorkais mais une scène pbien plus léchée. On croit parfois entendre certains albums du catalogue Criss Cross des années 90. Pas révolutionnaire, rien qui fâche, rien d’incorrect donc mais avec un goût suffisamment délicieux pour nous donner envie d’y revenir beaucoup.

Jean Marc Gelin

JJJ KenNY GARRETT: “Beyond the wall”

Nonesuch 2006

 A la première écoute de « Beyond the Wall », on reste coi.

On reste coi car, en première réaction, cet opus suscite quelques interrogations: Kenny Garrett en quête de vénérabilité ? Kenny Garrett mystique? C’est quoi cette mièvrerie dégoulinante ? Pourquoi faire appel à Pharoah Sanders autrement que pour trouver une quelconque légitimité dans la démarche? On sait l’homme très intéressé par l’Asie, il parle même japonais. On connaît l’artiste très influencé par John Coltrane, il avait d’ailleurs consacré un album magnifique (« Pursuance ») à sa musique. Pour certains : quoi de plus normal que d’emprunter les mêmes chemins de son maître ? Pour d’autres, la question serait plus : quel tropisme a piqué Garrett à faire dans le mystique bouddhisant après un voyage en Chine ?

A l’origine, cette œuvre était dédiée à Mc Coy Tyner, qui devait jouer sur cet album. Mais c’est Mulgrew Miller qui pose ses mains sur les touches d’un piano inspiré. En fait, il ne faut pas seulement considérer cette œuvre comme un disque de jazz. Il faut aussi  se rappeler des deniers galas de Garrett en festivals et de la musique qu’il y présente. "Beyond the Wall » est un amalgame de passion pour l’Asie, de sujets à la mode, de tonalités et figures tirées de la World Music , de tournerie jazz féroce et d’un peu de mauvais goût. Grosso modo, l’ensemble est inégal. On peut distinguer quatre pièces qui dérangent. « Tsunami Song » (ne serait ce que le titre…) est une chinoiserie ennuyeuse, jouée sur un erhu, qui mêle mauvais goût et faux-semblant. « Realization » parait sans intérêt et superficiel : il s’agit de mantras tibétains répétés à l’infini et chantés en studio par un chœur !

« Qing Wen »  et « Kiss the skies »: si on s’arrête aux chœurs « world », ces deux pièces font penser à de la mauvaise musique d’ascenseur…  Voilà ! Vous vous dites  que vous avez une idée, même superficielle, de la chose et que cela vous suffit. Permettez-moi de vous contredire … L’ensemble n’est finalement pas si mal ficelé, malgré ce qu’on vient de vous en dire. Il apporte des plaisirs simples comme celui de respirer l’herbe fraichement coupée : odeur ultra connue mais toujours agréable quand elle arrive a nos naseaux. Il faut dire qu’avec un tel line-up, le groupe joue terrible ! On ne peut pas reprocher grand-chose à l’interprétation. Bobby Hutcherson est particulièrement surprenant d’imagination et la combinaison Garrett / Sanders est inspirée et nous délivre de précieux et intenses moments. Sans compter la section rythmique percutante avec Brian Blade et les interventions habitées de Mulgrew Miller sur la belle et puissante composition « Beyond the Wall », dont on siffle immédiatement le thème, par exemple. Après quelques écoutes, on découvre d’autres délices comme « Now » qui est une pièce de jazz modal tout ce qui a de plus somptueuse, ou même « Gwo Ka », malgré les chœurs « houhouuuuu », ou la ballade « May Peace Be Upon Them » avec une mention spéciale à … tout le monde, car vraiment personne n’est en reste.

L’atmosphère de l’album est très coltranienne, parfois même très solennel et emphatique comme sur « Calling ».  Le pire dans tout ça, c’est qu’on y prend goût, une fois l’effet de surprise évoquée au début de cette chronique. Justement, c’est un coup de cœur, un flash : on l’écoute en boucle…

Mais, dans notre cdthèque, quel place aura ce cd dans six mois ? En tout cas, pas sûr qu’il reste graver dans nos mémoires ad vitam aeternam.

Jerome Gransac