Yolk 2007

 L’aventure solo, offrant une grande part de liberté, n’est jamais évidente pour un musicien. Pour un guitariste, elle l’est encore moins, tant l’instrument est déchiré entre deux rôles : celui d’accompagnateur et celui de soliste. Par-delà ses recherches sur le contrepoint et la superposition de voix simultanées, Alexis Thérain relève ce pari un peu fou d’enregistrer sans « re-recording ». Cet album intitulé « Temps Mosaïque », paru sur le label Yolk Records, offre un sentiment d’équilibre sonore à l’auditeur, distinguant malgré tout difficilement les parties écrites des parties improvisées. L’absence de préméditation ne s’oppose pas forcément à la construction. Au lieu d’évoquer l’improvisation, il faudrait peut-être parler de création spontanée. L’auditeur peut y reconnaître une certaine influence avec des guitaristes comme Ralph Towner, ou bien encore Egberto Gismonti. Sur la recherche du son, ce projet d’album solo est un exemple de réussite. Tout d’abord à la guitare acoustique, cordes métalliques, Alexis Thérain donne sa vision personnelle du monde où il évolue au cours des 5 premières compositions. C’est ensuite avec la guitare électrique que les idées prennent une forme différente, avec ce regard particulier sur les bizarreries du son que peut offrir cet instrument, lorsqu’il est manié dans une optique novatrice, avec parfois l’utilisation d’effets simples comme « l’auto-wah » ou bien encore le « phaser ». Il n’y a jamais un seul instant de repos, cette Musique est résolument en mouvement, à jamais dansante, apparaissant toujours sous un jour nouveau, là où on l’attend le moins. Cela est certainement le nerf de l’improvisation, une surprise permanente destinée à l’étonnement perpétuel. Toujours au manche de sa guitare, parfois électrique, parfois acoustique, Alexis Thérain parie autant sur la fraîcheur de ses idées que sur sa capacité à les distiller tout au long de ce merveilleux disque. Il faut noter aussi un travail de fond, sur le mixage et le mastering, réalisés successivement par Norbert Lucarain et Gérard De Haro, deux grands spécialistes dans ce domaine. La Musique est embaumée de telle façon que toute la profondeur du son de l’instrument est transmise à l’écoute. On notera peut-être une certaine faiblesse dans la recherche d’une plus grande dynamique de l’instrument. Ce n’est d’ailleurs pas sans rappeler tout le travail accompli par un certain Sylvain Luc, sur un album intitulé « Ambre », paru en 2003 sur le label Dreyfus. Il est par contre indiscutable d’être conquis par une telle ingéniosité, au service de l’admirable virtuosité de ce guitariste. Un disque aux reflets mélancoliques parfois trompeurs lorsque reviennent aux galops les idées touffues et sautillantes. Un disque aux sonorités Folk et boisées, toujours en hommage à l’improvisation. Ne pas omettre d’écouter la dernière piste de cet album, « Limousine », qui associe acoustique et électrique par le biais de l’overdub, uniquement sur ce morceau, divinement accompli par un musicien de grand talent. Tristan Loriaut

JJJJ Compils BD MUSIC NOCTURNE 

Noël passé, la nouvelle année 2008 ne fait que commencer, mais célébrons comme le bouquet final pour 2007 de la collection BD Music de Nocturne, la livraison de ces quatre superbes compilations Best of BDJazz,  Best of BDCiné, Best of The Girls, et Best of Christmas. Quel bonheur de redécouvrir ces pépites accumulées avec patience  par le directeur de la collection Bruno THEOL qui en assure aussi la sélection.

La thématique est claire et on retrouve les caractères propres à la série, BD-CD, notice chronologique, biographique et discographique détaillées.

Cette fois,  chacune des compils est constituée d’une BD confectionnée avec un titre et une des planches des principaux albums de la collection.

Ainsi, ce bel objet qu’est Best of BD Jazz que l’on aime feuilleter tout en écoutant Don Byas dans le ravageur « The man I love » a aussi  une vocation ludique et  pédagogique. Prenons le, il est parfait pour exercer ses talents en société dans  un classieux « blindfold test » avec des incontournables qui jalonnent l’histoire du jazz comme l’irrésistible « entrain » de  « Take the A train » de Duke Ellington, le velours incomparable de Coleman  Hawkins dans « How high the Moon » la version magistrale de « My funny Valentine » par Chet Baker, mais des outsiders se sont glissés pour piéger même les plus érudits : la version des Frères Moutin de « Stomping at  the Savoy » en surprendra plus d’un …

On aime se laisser séduire par  les « morceaux choisis » de Best of THE GIRLS, car il s’agit bien d’une  anthologie  des chanteuses,  un panorama de ces Ladies du jazz où figurent aux côtés des grandes prêtresses du culte, la triade d’ Ella, Sarah, et Billie, d’autres figures tout aussi « royales » comme Anita O’Day ( « Tea For Two »), Betty Carter (« I could write a book »), Peggy Lee (« How deep is the ocean »), Julie London (« I’m glad there’s you »), Annie Ross (« I love Paris ». Quel plaisir d’entendre sur plus d’une heure, ce palmarès des chansons de la belle époque du jazz,  florilège enchanteur de ce qui comptait alors, entre 1933 (Mae West in « Easy rider ») et 1959 (Marylin Monroe in « I wanna be loved by you ») avec une décennie de rêve, celle des années cinquante : voilà une formidable concentration de talents June Christie, Chris Connor , Blossom Dearie, Jo Ann Greer, Helen Merrill…

Ajoutons que les planches donnent un autre aperçu, complétant la lecture sonore,  des sensibilités des  graphistes d’aujourd’hui qui ont illustré à leur manière l’univers choisi.

Le Best of BDCiné est plutôt exemplaire de l’âge d’or de Broadway,  des comédies musicales de Gene Kelly et de Fred Astaire :  on se souvient de l’extraordinaire « Singing in the rain » ou de l’entraînant  « On the town » (musique de Bernstein) , du cultissime « Wizard of OZ » avec le thème immortel d’ « Over the rainbow » interprété par la toute jeune Judy Garland.
Les grandes icônes de l’ écran, Marylin (“My heart belongs to Daddy”), Mae West (“I’m in the mood for love »), Marlene Dietrich (“La vie en rose”) ne sont pas oubliées et on est même tout étonné d’apprendre que ce n’est pas Rita Hayworth, la bombe Gilda , qui chante, en ôtant son long gant de satin noir « Put the blame on Mame’ mais Anita Ellis, tant Margarita Cansino était une artiste complète.

On ne dira jamais assez à quel point Woody Allen est précieux pour entretenir la mémoire de ce patrimoine musical, puisque la BO de chacun de ses films est un trésor pour les amateurs de jazz classique : dans « Hannah et ses sœurs », le trompettiste Harry James joue un entraînant « I have heard that song before » et dans « Play it again, Sam », le bon génie Woody ressort l’extrait  du film de Michael Curtiz Casablanca où le pianiste Dooley Wilson devant une Ingrid Bergman frémissante  joue « As time goes by » . Mythique !

Comment choisir parmi tant de souvenirs ? Bruno Théol le directeur de la collection  a fait ses choix et c’est ainsi que « Johnny Guitar » ou  « The Third man »   figurent dans la liste des musiques de films inoubliables…   

Enfin , tout à fait de circonstance, la dernière compilation,  Best of Christmas, consacrée aux fêtes de Noel est tout à fait étonnante pour un public non anglosaxon. Si on connaît « Jingle Bells » ou  « White Christmas » par Bing Crosby, on l’entendra ici dans  deux versions, par  the Ravens et par Clyde McPhatter& the Drifters,  si on se souvient de « The Christmas Song », chanson de Mel Tormé, interprétée ici par  Doris Day en 1946 et Nat King Cole en 1953, et si Dean Martin dans “The Christmas Blues” nous enchante comme d’habitude,  on découvrira “Let it snow, Let it snow, Let it snow” “”de Woody Herman en 1945 ; ou « Santa Claus got stuck in my chimney » par Ella avec l’orchestre de  Ray Brown en septembre 50. Et l’on comprendra à quel point le folklore de Noel est fort dans tous les pays  qui célèbrent  Santa Claus avec l’incontournable Bing Crosby  dans  « Rudolph the red-nosed reindeer”. Tandis que Eartha Kitt chante « Santa Baby » et Lightning Hopkins nous souhaite une « Happy New Year » en 1953, on se réjouira d’entendre l’inusable Satchmo qui comme toujours, se prête avec entrain, à la fête la même année, avec « Christmas in New Orleans » et « Christmas Night in Harlem » accompagné de l’excellent

orchestre de Benny Carter.  Rafraîchissant !                                                                                        Sophie Chambon

La pianiste et ancienne épouse de Randy Brecker vit depuis 25 ans avec le contrebassiste des derniers temps de Bill Evans. Ensemble ils ont exploré le catalogue du géant des années 50 à ses oeuvres ultimes. Un trésor à la clé : peu avant sa mort le pianiste avait remis à son accompagnateur, une cassette d’œuvres ébauchées .

INTERVIEW CROISEE AU TERRASS HÔTEL, A LA MI-NOVEMBRE, ALORS QUE LA GRÊVE DES TRANSPORTS FIGE PARIS.

Propos recueillis par Bruno Pfeiffer

DNJ : Pourquoi ce projet ?

EE J'ai souhaité partager l'émotion ressentie à  l'écoute de ce grand pianiste avec le public. Vous ne pouvez pas imaginer dans quel état m'a plongée l'écoute de la bande. Je suis dans la musique depuis trente ans. J'en ai vu passer des chefs d'oeuvre. Quand j'ai retranscrite la cassette qu'il avait léguée à  Marc, je me suis trouvée dans un état jamais éprouvé, indescriptible. Il y avait mélangées de la joie, de la profondeur, de la nostalgie, de la solitude ; autant d'états traversés sans doute par Bill au moment d'écrire ces notes. Le sentiment, enfin, qu'il était parmi nous. J'ai voulu que tout le monde puisse en profiter.

DNJ : Quand exactement vous a-t-il remis a cassette ?

MJ : Il me l’a remise une semaine avant de mourir

DNJ :En combien de temps avez-vous enregistré ce disque ?

MJ : En quatre jours seulement. Rien de plus normal. Bill Evans c’est toute notre vie. La première prise suffisait à chaque fois. Nous n’avons eu besoin ni de préparer ni de forcer notre talent. L’enregistrement était quasi spontané, tout venait naturellement.

EE : L’ingénieur, Al Schmitt nous a offert un son sans pareil. Quelque chose a maturé en moi. Mon âme est ressortie sur le champ. Les parties vocales surgissaient d’un jet. Je re nnais que la section rythmique y est pour beaucoup. Et puis Marc avait déjà joué avec Joey Baron.

DNJ : Quelles sont les particularités de la musique de Bill Evans ?

EE : Personnellement j’ai démarré le piano en étudiant les maîtres. Bill Evans faisait partie de ce Panthéon.  Sur les vidéos le mouvement de ses mains me captivait. Le son est d’une clarté de rivière. Les harmonies sont également merveilleuses. M’ont également frappés la beauté des accords, leurs structures et leurs enchaînements ; une sorte de voix intérieure (Inner voice) qui émerge, se laisse captiver puis s’évanouit. Le fait aussi qu’au sein même de la mélodie des évènements surprennent, prenant la mélodie à contre-pied ( Counter mélodies). En fin l’interaction (Interplay) de son trio m’ahurit à chaque fois. Son piano dirige et accompagne simultanément. C’est fascinant.

MJ : Je reconnais, parmi toutes ces forces de Bill, qu'Éliane maîtrise avant tout l'art des harmonies. Elle a intégré cette approche dans son vocabulaire, et en maîtrisé la conception du début à  la fin. Ses expressions ("Statements") sont limpides. Bill insistait ("focussed") sur point. Elle possède un sens du temps qui trouve sa source dans le Rythm'n blues des années cinquante. Du coup ses choix sonnent clairement, comme des déclarations.

DNJ : quelles sont les autres influences qui vous ont rendue sensible à l’art de Bill Evans

EE : Sans hésiter : Jobim ! Je ne vois pas d'autre créateur du niveau d'Evans. Notez qu'on se rappelle d'une mélodie de Jobim, aussi bien que celles de Bill vous imprègnent complètement. Je dois aussi citer comme source la musique classique. Le jazz, je le connais par coeur parce que ma mère en était folle.

DNJ : Vous chantez des mélodies de Bil Evans, comment l’idée vous en est elle venue ?

EE :  Oh, il adorait les chanteurs. Voyez Tony Bennett. Je me suis d'ailleurs inspirée de ce dernier pour But Beautiful. J'ai également été sensible à la version de Waltz for Debby par Jeanne Lee. J'ai mis mon coeur à nu. Tant mieux si cela contribue à sensibiliser le public à sa musique en chantant les morceaux. Mais tel n'était pas mon but premier. Mon obsession, c'était de sentir ces pièces. Pour Here's something for you, un des morceaux inédits, j'ai écrit les paroles que les notes me faisaient ressentir. J'ai testé les paroles autour de moi : ça fonctionnait! Si vous saviez le plaisir et les émotions qui m'ont fait transcrire My Romance, par exemple... Je courais au piano dès qu'une idée me venait. Les mains de Bill m'ont guidée, car je pensais à  ses mains sans arrêt. Je pleurais du matin au soir.

MJ J'ajoute que Minha était dans le répertoire du trio de Bill. Nous le jouions tous les soirs. Il tenait à  garder le lien avec la tradition brésilienne. Enfin, retenez que Bill adorait le répertoire de Broadway. Il s'en inspirait énormément.

DNJ : Pourquoi tel morceau plutôt que tel autre ?

MJ Cela s'est avéré une épreuve de sélectionner. Je produisais le disque et j'aurais voulu que l'on grave un triple CD. En définitive, l'on s'est tenu au concept suivant. Nous ne retenions que des chansons ("Songs").

DNJ : Le concept a-t-il été d’emblée accepté par les maisons de disques ?

EE : Pensez-vous ! A l'époque j'étais à BMG. Je ne faisais pas que du jazz. Nous leur avons présenté la cassette dans un état d'excitation surnaturelle. Le projet les a laissés de marbre. J'ai failli leur claquer la porte au nez! Nous sommes allés voir le label le plus prestigieux du jazz, Blue Note. Entre temps, BMG m'avait transféré sur la filiale RCA, plus jazz; ils voulaient récupérer le disque. Mais je suis restée à  Blue Note. De toutes façons, leur marketing est meilleur!

DNJ : Eliane, vous définissez vous comme pianiste ou comme chanteuse ?

EE Je suis pianiste, mais j'ai commencé la voix à quatre ans. Puis j'ai perdu. J'ai pris il y a quelques années un coach de voix, William Riley. Il a notamment entraîné Stevie Wonder, Pavarotti,  Bill Clinton et Céline Dion. Il vous fait intégrer les différentes fonctions du son avant de raconter une histoire. L'échauffement de la voix induit tout le reste. Vous ne préparez pas la gorge de la même façon pour un concert ou pour une interview

DNJ : Marc, quelle relation aviez vous avec Bill Evans ?

MJ Je me souviens une personne merveilleuse. Il m'encourageait beaucoup. Il m'a permis de me débarrasser de mes défauts, mais ne me critiquait jamais. J'ai pu m'améliorer sous sa houlette. Un soir Bill s'est levé. A enlevé la partition devant moi et a dit : "maintenant tu es en mesure de faire ce duo sans les notes". Il se plaignait que je ne prenne pas suffisamment de risques. Il disait du choix d'un accord ou d'une clé : "une fois que la décision est prise dans ton esprit, elle est solide". Un soir, je faisais un duo avec Bill. Je prenais soin d'avoir la partition sous le nez.
J'aurais voulu que l'aventure dure plus longtemps. J'étais si jeune (24 ans, en 1978) quand j'ai commencé avec lui. Quand il est mort, j'ai dû tout revoir. J'étais anéanti ("devastated").

DNJ : Racontez nous une anecdote

MJ : Je me souviens d'une boîte attenante à  un Holiday Innn, le Riggs Café America, à  Chicago. Le public était composé d'éleveurs descendus à  l'hôtel. Un soir, après le set, un de ces paysans est venu s'appuyer à  côté de moi, au bar. Il m'a dit texto : "je suis venu pour du business. Je viens de vous écouter par hasard, les gars. Quelle expérience ! Je vous bénis. J'ai l'impression de sortir d'une église. Votre musique est divine."

Eliane Elias sings and plays Bill Evans
"SOMETHING FOR YOU"

Fresh Sound new talent 2007

 Cela fait déjà près d’une dizaine d’année que  Roger Mas, jeune joueur de Fender, écume les clubs de Barcelone. Au départ il s’agit d’une banale histoire de copains qui se sont rencontrés à l’Ecole Supérieure de musique de catalogne à Barcelone. Un trio de base auquel sont venus s’ajouter  le ténor Jon Robles, le guitariste  Jaume Llombart et le non moins ténor Enrique Oliver. Les thèmes sont tous signés Roger mas à l’exception d’un thème de Coltrane (Moment notice) et d’un autre de Jobim (God and devil in the land of the sun). Parce que leur culture n’est pas exactement la même, les musiciens évoluent alors entre deux styles opposés, d’un côté un jazz très ancré dans la tradition, axée sur un bop assez classique où la reprise de Coltrane sonne très bien  ainsi que sur un blues de J. Kern réarrangé par Roger Mas dans un genre très old style où le ténor cherche à sonner comme Lester. Ils abordent alors cette musique sans complexe et se jettent avec beaucoup de talent dans l’histoire du jazz qu’ils n’ont pas besoin de beaucoup dépoussiérer. Ils lui rendent vie. Lorsqu’ils s’attaquent au répertoire de Roger Mas, les jeunes musiciens semblent chercher à tout prix à se démarquer de l’esthétique post Rosenwinkel chère au manager du label tout en en conservant la patte, évidemment ; Du coup tout se passe comme s’ils n’allaient pas au bout de l’émancipation qui à l’évidence bouillonne sous leurs doigts. La musique est de qualité et les solistes sont remarquables. On retiendra le lyrisme très doux de Roger Mas qui évoque parfois Larry Golding (comme dans ce God and Devil). On aime aussi le jeu des ténors qui se livrent sans forcer à une joute  sympathique sur Mason ou encore les belles sinuosités tranchantes de Jon Robles lorsqu’il conclut l’album au soprano  (Millenium Park). La redondance du guitariste et du fender peut parfois donner une impression de ronde mollesse mais l’équilibre est néanmoins parfaitement trouvé avec les saxophonistes. Sympathique album en somme mais néanmoins un peu jeune ou prématuré pour sortir dans les bacs. Gageons pourtant que la notoriété de Roger Mas

Devrait rapidement franchir les pyrénées. Sa belle sensibilité devrait être légitimement reconnue.

Jean-Marc Gelin

JJJJ Manuel Hermia : «  Rajazz »

Igloo 2007

Pour son album « Rajazz », alliance du ragga et du jazz, le saxophoniste belge Manuel Hermia  célèbre ses inspirations sous couvert d'un jazz classique, vigoureux et subtil à la fois. Autour d'un coltranisme non clairement revendiqué mais réel, Manuel Hermia construit. Il construit sa musique  autour de structures musicales empruntés aux musiques traditionnelles d'Asie, allant de la Chine à l'Inde, sur les fondements du jazz modal fortement développé sous l'ère Coltrane.

Pour  autant il ne s'agit pas de tentatives de fusion plus ou moins adroites de sonorités traditionnelles avec du jazz. Non, l'assimilation des structures ragga et l'utilisation des gammes pentatoniques est entières dans la musique d’Hermia. Cette assimilation lui sert à enrichir un jazz modal sur les morceaux coltraniens et un jazz tonal, chronologiquement plus classique, qu'on rencontre chez Dolphy, Mingus et consorts. D'où le rajazz.

Tout ce travail est très réussi avec inspiration, cultures et intelligence artistique.

Cet album est muni d' « objets » hétérogènes qui vivent en osmose et qui sont liés par des vertigineuses montées en tension qui ne connaissent ni essoufflement ni verbiage. Enfin, à part une, toutes les compositions sont écrites par le saxophoniste, ce qui confère à l’œuvre un côté authentique.

Le premier morceau « It's Just Me » est un rajazz très coltranien où Hermia nous démontre sa grande maitrise du soprano. « Internal Sigh » est toujours d'obédience coltranienne mais est plus personnel que le précédent. Curieusement « Rajazz #1 » a des sonorités hendersoniennes et se constitue de trois parties dont la première, plus libre que les deux autres, est véritablement un enchantement. Si « Contemplations » par McCoy Tyner est moins convaincant, « Awakening » et « Always Smiling » sont des réussites dans le travail d’Hermia dans un contexte hardbop. « Indian Suite », qui met clairement en exergue l'Inde et ses traditions musicales, et « Little Sonate for el Mundo » sont des pièces intérieures, graves et méditatives et rappellent Coltrane et Dolphy par l’utilisation de la flûte. Ces deux pièces lyriques sont probablement les deux pièces les plus abouties de l'opus.

Une fois n’est pas coutume, nous émettons une opinion d’auditeur affable.

De nouveau, nous avons à faire avec une musique dont John Coltrane est source d’inspirations. Ce type d'approche musicale est usuelle et ne surprend pas. On ne reproche pas à des musiciens d’honorer leurs inspirations et de leur rendre hommage. Non, il ne s’agit pas de cela.

Ce qui est dommageable, pour la musique et pour certains musiciens eux-mêmes, est que beaucoup d’entre eux créent leur musique autour de leurs influences en tentant de reproduire ce qui est, toutefois aujourd'hui, du passé.

Certes le résultat est le plus souvent de bon goût, quand les exécutants ont du talent, mais si peu novateur que l’œuvre en devient rapidement ennuyeuse. Il est courant que ces inspirations, nécessaires il faut le rappeler, étouffent la création de certains artistes et les empêchent de faire « leur » musique. Las d'entendre des beautés sans surprise, il serait temps que ces musiciens sachent, à l’instar d’Hermia, faire un travail d’assimilation puis d’intégration de leurs propres ressources afin qu’il serve leur musique.

Citons ces quelques mots de Jean Louis Chautemps dans le bel ouvrage de Franck Médioni («John Coltrane – 80 musiciens de jazz témoignent » chez Actes Sud): « ... il est on ne peut plus nécessaire et de toute urgence de sortir d'un tel coltranisme. L'avenir du jazz est à ce prix ».                                                                                                Jérôme Gransac