Après « Invitation » voici le deuxième album de ce séduisant duo vocal constitué il y a quelques années entre Caroline Arène et Isabelle Gueldry. Entre les deux albums les deux femmes n’avaient pas disparu de la circulation mais s’étaient donné le temps de peaufiner un nouveau répertoire fait de nouvelles couleurs entre jazz et Brésil mêlé, à la recherche d’arrangements subtils où les mises en place harmoniques et rythmiques sont périlleuses. Tenez par exemple, aller s’attaquer à un Speak no Evil de Wayne Shorter ! Ou cette samba Frevo de Orfeu du genre à s’arracher les cheveux su le doublement de tempo.

Car le truc est là ! Caroline et Isabelle n’hésitent pas à prendre des risques et à se mettre en danger, refusant les « voix » d’un jazz vocal par trop formaté et souvent nombriliste. Elles, ne sont pas des chanteuses égocentriques, pas du genre à faire des filaments poético-filandreux. Pas de ça ici ! Ici seul le plaisir de chanter. Ici la seule et belle musicalité des voix qui n’ont pour d’autres buts que d’explorer un jazz vocal que visiblement elles adorent. Ici on y entend leur profond respect pour Mimi Perrin, si présente entre les lignes au travers de Feeling minor et surtout de Naïma qui renvoie inévitablement à l’inoubliable version des Double Six. Carine Bonnefoy est de l’aventure qui signe là des sublimes arrangements comme pour ce Portrait en Noir et Blanc de Jobim où elle réalise un travail d’écriture surprenant et poignant.

Les voix de Caroline Arène et Isabelle Gueldry ne sont pas celles de deux solistes. Elles se font surtout intrumentistes. Elles se font chanteuses qui s’unissent se séparent, contre chantent et mêlent leur voix si complémentaires comme deux tisserands tramant sous nos yeux des textures pastel. Des textures sur lesquelles les textes de Gill Gladstone (que l’on connaît pour en avoir signé pour Thierry Peala) apportent un surcroît de poésie. Sans pour autant jamais oublier la pulse celle qui fait le terrain de jeu des amoureux du jazz. De ceux qui savent faire swinguer les clubs de jazz (Nica ‘s dream). Certes tout n’est pas parfait et les deux chanteuses ne sont pas hyper à l’aise sur le phrasé du Brésilien  et certaines pistes auraient peut être mérité une ou deux nouvelle prise. Mais peu importe. Cet album est celui de l’enthousiasme, de l’amour du chant, de la passion de « chanter ensemble », de se situer dans l’instant du chant, dans l’écoute mutuelle et l’attention à poser sa voix en harmonie avec celle de l’autre. Nous en devenons alors les spectateurs attentifs, séduits par un paysage au charme fou. On l’a dit la réussite de cet album tient aussi en partie à la qualité de tous les arrangements. Le guitariste Serge Merlaud qui en signe quelques-uns uns, se fond, tel un caméléon dans l’univers des deux filles, y apportant autant de profondeur que de swing.  Guitariste remarquable d’intelligence du jeu et d’écoute dont le phrasé apporte non pas un supplément d’âme mais plutôt une âme en plus. Les chanteuses avec élégance, lui laisse même une plage Laps de temps où il s’exprime en trio avec autant de grâce que de sensibilité. Et puisque l’on parle de sensibilité, autant vous le dire tout de suite, les « cordes sensibles » c’est sûr ne sont plus deux, elles sont 8 !                 

Jean-Marc Gelin

Enja 2008

Franco Ambrosetti (tp), Uri Caine (p), Drew Gress (cb), Clarence Penn (dm)

 Il y a de la rogne et de la gouaille dans cet album là !  Visiblement le trompettiste italien en génie virtuose qu’il est, n’est certainement pas venu en studio pour faire dans l’apathique, dans le fade et le sans goût. Lorsque l’on a à ses côtés une rythmique de rêve comme celle que constitue le trio de haute volée de Uri Caine avec Drew Gress et Clarence Penn, cela n’incite pas à la mièvrerie. Du coup aucun de ces quatre grands musiciens ne veut rester en reste et aucun n’est le dernier à se jeter allègrement dans la bataille, celle du rythme, celle du son et enfin la bataille de l’énergie sans laquelle, on ne le répètera jamais assez, il ne peut pas y avoir de jazz. Quelques standards comme Doxy de Rollins ou I’ve never been in love before côtoient des thèmes signé Ambrosetti ainsi que deux magnifiques compositions du pianiste Uri Caine dont un Stiletto de feu qui fait sensation. A 66 ans, le trompettiste italien n’a jamais paru aussi en forme et en telle possession de ses moyens. Qu’il utilise la trompette bouchée ou non, Franco Ambrosetti assure, laisse éclater le brillant du cuivre et la chaleur de ses timbres gorgés de soleil. Son mordant et son sens inné du rythme, du contretemps, sa puissance et son sens du jaillissement ont évoqué pour certains commentateurs le style de Clifford Brown. Nous préférons pour notre part invoquer ici Dizzy Gillespie dont on sent bien que Ambrosetti pourrait être le continuateur. Prolongeant ainsi le jeu gai, le jeu incisif, le jeu virtuose au lyrisme acéré. Son inspiration est évidemment boppienne et il trouve sur ce terrain là de formidables camarades de jeu, un peu inattendus dans ce registre là mais qui incontestablement contribuent avec force à la gniaque terrible de cet album. Comment alors ne pas être séduits par la grande inventivité du jeu de Ambrosetti à laquelle fait écho celle de Uri Caine. Ce dernier, comme toujours n’est jamais vraiment dans l’abnégation de l’accompagnement mais surtout dans l’inventivité rare dans ses chorus qui recèlent toujours quelques pépites étonnantes. Rarement linéaires et toujours surprenants. Deux duos dans cet album. L’un, avec le pianiste (lyrical sketches) et l’autre avec le batteur Clarence Penn sur un riff africain vient conclure sur une note exotique. L’exercice est parfait, stimulant et sonne là comme une sorte de leçon de maestria, un peu comme un cours magistral (un magistral cours) pour tous les apprentis de l’instrument qui ne manqueront pas de s’esbaudir devant la prouesse technique du virtuose. Il ne manquerait pas grand chos à cet album pour en faire un très grand cru sinon peut être un jeu un peu moins fermé, un peu d’espace, un peu d’aération dans le propos dont on reprochera simplement d’être assez serré et de nous laisser sans répit. Admiratifs mais un peu épuisés. Jean-Marc Gelin

Marie Buscatto

Éditeur : CNRS (28 juin 2007)

Collection : SOCIO.ETHN.ANTH

Marie Buscatto est chercheur en Sciences Sociales. Elle travaille comme Maître de conférences en Sociologie à l’Université de Paris I et au sein du laboratoire de George Friedmann au CNRS. C’est donc à ce titre et comme travail de recherche qu’elle a déterminé comme sujet de son étude la place des femmes dans le jazz. Entendez par là qu’il s’agit d’un champ plutôt restreint puisque non seulement les femmes restent peu nombreuses dans le jazz d’une manière générale mais qu’en plus Marie Buscatto confine son étude aux femmes dans le jazz hexagonal. C’est dire qu’elles se comptent sur le doigt de la main.

Son angle d’attaque consiste à travailler sur ce que nous observons dans le jazz comme miroir très grossissant de ce qui se passe dans d’autres secteurs de la société. Dans le jazz (comme ailleurs)  le rôle et la place des femmes dans un univers aux codes hyper masculinisés et, lâchons le mot, très machiste est en effet limité à des représentations globalement très sexuées. Apparaissent ainsi au cours des entretiens menées par la chercheuse, des barrières « non écrites » infranchissables. Les femmes sont en majorité cantonnées au rôle de chanteuses, contraintes de jouer avant tout sur les caractéristiques de leur féminité. Le clivage entre la chanteuse et les musiciens apparaît clairement et les chanteuses font un travail qui est ainsi très dévalorisé par les instrumentistes (hommes) qui dénient souvent à ces chanteuses le qualificatif de « musicien ». La pratique du jazz vocal est encore considérée pour grand nombre d’instrumentiste comme une voie mineure du jazz qui ne demande que peu de qualités musicales. Une sorte de sous -musique de laquelle émerge des figures de chanteuses souvent dévalorisées et abordées sur d’autres caractéristiques que celle que l’on utiliserait pour qualifier des musiciens.

L’auteur n’oublie pas cependant qu’il existe des femmes instrumentistes. Elles sont peu nombreuses (même si Buscatto oublie de mentionner leur part croissante). Mais Buscatto n’oublie pas en revanche de signaler la part très secondaire qu’il leur est réservé. D’abord parce que l’intégration au réseau des musiciens passe souvent chez les femmes par une stratégie matrimoniale, la part des musiciennes vivant en couple avec un homme du même sérail musical étant très fréquente (Ce qui au passage pourrait s’appliquer à un grand nombre de milieux socioprofessionnels fermés). Si la part des femmes instrumentistes leader est très faible, celles qui sont appelées comme pour jouer en sidewoman avec un autre groupe y est exceptionnellement rare. A partir de ces deux constats Marie Buscatto semble un peu tourner autour de son sujet. Elle enchaîne des chapitres fort intéressants qui tournent autour de quelques idées fortes mais néanmoins un peu simples si elles ne dépassent la simple approche anthropologique.

Dès lors deux réserves s’imposent à la lecture de l’ouvrage. En premier lieu le fait que sur une étude portant sur un champ d’investigation aussi restreint il n’y ait pas d’approche quantitative. On serait en effet en droit d’attendre d’une étude scientifique quantifiée. Qu’elle aille au-delà de la simple approche anthropologique faite de constatation et d’entretiens avec musiciens et chanteurs pour en livrer une approche quantitative. Car dans cet espace restreint et étroit un travail statistique aurait été utile. Nous aurions ainsi aimé dénombrer les musiciennes dans le paysage, la part des chanteuses, celle des instrumentistes, leur progression, leur nombre dans les écoles, leur place dans les programmations, les enregistrements en leader ou en sidewomen.

L’autre réserve tient à la forme de l’enquête réalisée. En effet les différents intervenants ne sont pas nommés. Toutes les citations sont attribuées non nominativement (de type : «  selon une instrumentiste femme de 45 ans »). Ce qui soulève un problème réel. Non pas que l’on puisse mettre en doute l’intégrité de son travail. Mais plus parce que en refusant de nommer ses intervenants, elle a certes obtenue une parole plus libre mais apporte un bien involontaire caution d’une certaine manière à un système très fermé et dans lequel les pressions sociales existent bel et bien au point d’en être parfois insupportable. L’auteur soulève de manière très discrète la question de la discrimination positive en jazz. Cette question qui peut faire sourire mérite néanmoins d’être posée. Dans son introduction elle rappelle la pratique au États-Unis qui consiste lors des recrutements de chefs d’orchestre à les faire additionner derrière un rideau de manière à ce que les jurys ignorent le sexe du postulant. Les résultats en sont étonnants et démontrent si besoin en était le chemin qui reste à faire pour parvenir à la parité ici comme ailleurs. Pour que le jazz se féminise enfin.                                                                          Jean-Marc Gelin

La Buissonne/ Harmonia mundi 2008

 Gérard de Haro est actuellement  aux commandes d’un formidable studio d’enregistrement, La Buissonne. Il a fini par céder à la tentation de créer son propre label et sa  première livraison  « maison » en 2003, fut  un coup double : un premier solo de  Jean François Jenny Clark, capté sur le vif, au Bass festival d’Avignon 1994 et  le second solo, intitulé Vents et Marées, du pianiste Jean Sébastien Simonoviez.

Quatre ans plus tard, Gérard de Haro retrouve le pianiste pour un projet terriblement ambitieux mais parfaitement abouti : jouer des cordes, avec elles, dans toutes les combinaisons possibles. Ce sera  « Crossing life and strings » où il réunit trois des meilleurs contrebassistes de jazz actuels, Barre Philips, Riccardo del Fra et Jean Jacques Avenel, celui qui introduisit la basse électrique dans le jazz, Steve Swallow,  et pour continuer à se faire plaisir, il ajoute un quatuor à cordes Opus 33 pour exécuter certains arrangements raffinés du pianiste, auteur de nombreux thèmes. De quoi  créer des formules à géométrie variables, toutes sortes de duos autour des thèmes, comme cet « Om » co-écrit avec Riccardo del Fra, qui est ainsi revisité trois fois.

Un festival de cordes où techniques et manières diffèrent mais malgré les différences, c’est l’unité de l’album qui nous frappe, sa cohérence.

Coltrane est présent dès le superbe thème inaugural « Welcome » avec Barre Philips; le répertoire est subtilement construit, alliant à la ferveur quasi mystique de certaines mélodies,  la rêverie romanesque (« My ship » de Kurt Weil/ Gerswhin), des climats sereins, presque tendres Leo Ferré (« A une passante » ), d’autres plus méditatifs « Cavatina »

Le résultat est un album lumineux, comme le prouve cette dernière composition qui rassemble tous les musiciens du projet autour d’une suite en trois parties intitulée « Cosmos ».

 JS Simonoviez exprime une sensibilité accordée à une certaine idée de l’instrument : pas de cascades de notes, de recherche de performance, on « entend » pourtant parfaitement  sa sonorité cristalline et tendre, tranchante aussi, un phrasé si clair qu’il en est presque limpide.

Un intimisme exacerbé était la marque de l’univers du pianiste dans l’exercice du solo. En accompagnateur humble et fidèle d’autres cordes, il laisse les développements prendre leur temps, s’abandonnant à la petite « musique des sphères. » Sophie Chambon

Le Chant du Monde 2007

Antoine Hervier (p), Costel Nitescu (vl), Yves Rousseau (cb), Yoann Serra (dm), Adrien Moignard (g)

Il faut s’attendre en cette année 2008  à ce que les albums en hommage à Stéphane Grappelli fassent florès dans la mesure où nous célébrons cette année les 100 ans de sa naissance et les 10 ans de sa disparition (1908-1998). C’est le violoniste roumain Costel Nicescu qui ouvre ce bal swing de bien belle façon avec un album qui balance entre compositions originales, mélodies à la manière de Grappelli (Remembering Stéphane, It’s allright with me) et standards de jazz (Nightingale song in Berkeley square ou Nature Boy).

Pas forcément très connu de ce côté-ci de l’Europe où il réside depuis plus de 10 ans, Costel Nicescu est un violoniste qui a évolué en Roumanie auprès des plus grands musiciens de son pays notamment comme premier violon au sein de l’orchestre de Radio de Bucarest ce qui, avouons-le n’est pas rien dans un pays où l’on apprend aux enfants à jouer de  cet instrument en même temps qu’à se servir d’un hochet. Et ce qu’il y a de remarquable chez celui qui tint l’archet dans le groupe de jazz manouche de Tavolo Schmitt ou de Marcel Loeffer c’est qu’il réalise véritablement cette synthèse entre le swing d’inspiration manouche et le lyrisme tsigane dont il ne se départit jamais (pourquoi le ferait il d’ailleurs ?) et qui pointe toujours derrière l’envolée d’une phrase ou dans l’ultime conclusion d’une coda (écoutez la belle ballad for Lleana).  Sur les traces de Grappelli bien sûr ce son si chaleureux et porteur d’émotion, cet art de l’improvisation à la fois virtuose mais jamais dans la précipitation (ce qui est rare chez les violonistes manouches qui tendent souvent à se vautrer dans l’avalanche des triples croches). Sur les traces de Grappelli cette volonté de faire swinguer en diable le moindre bout de phrase sans jamais trop en faire. Prolongement d’un sentiment au bout des doigts agiles. Mais plus que tout il y a le trésor partagé avec le maître Grappelli, cette passion des belles mélodies presque chantantes pour lesquelles chez l’un comme chez l’autre l’on sent effleurer à vif, à fleur de peau en somme, une réelle tendresse.                                               

Jean-marc Gelin