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12 octobre 2021 2 12 /10 /octobre /2021 17:24
FREDERIC ADRIAN      NINA SIMONE

FREDERIC ADRIAN

NINA SIMONE

LE MOT ET LE RESTE

Musiques (lemotetlereste.com)

Nina Simone (lemotetlereste.com)

A voir le nombre de critiques de la biographie de Frédéric Adrian, on mesure, près de vingt ans après sa disparition, survenue en avril 2003, la fascination qu’exerce toujours Nina Simone. A quel point Eunice Waymon contribua à forger sa légende, à devenir ce personnage tragique, cette figure iconique de la communauté afro-américaine, c’est ce que montre ce spécialiste de la Great Black Music, dans son Nina Simone, paru aux excellentes éditions marseillaises Le Mot et le ResteL’originalité de ce travail est de ne pas imprimer la légende justement mais de donner à lire un récit au-delà du mythe, de s’en tenir aux faits et aux dates, à toutes les parutions critiques lors des concerts, tournées, sorties de disques. Un travail d’archiviste-chercheur qui démêle le vrai du faux, raconte à partir de plus de mille cinq cents coupures de presse, la vie tragique de cette diva, extravagante, colérique, blessée par le racisme dès son plus jeune âge. Sans se laisser trop influencer par ce que l’on sait d’elle ni sur ses dernières années, navrantes à plus d’un titre. Oublier le mythe, les réactions imprévisibles d’un phénomène qu’on venait voir, attendant l’incident, la crise comme avec Judy Garland ou même l’actrice Vivien Leigh.

L’auteur s’est appuyé sur une documentation sérieuse, une bibliographie copieuse en anglais dont la propre autobiographie de Nina Simone I put a spell on you, parue en 1992, évitant l’écueil d’une vision trop personnelle privilégiant un angle particulier, musique ou vie privée avec anecdotes croustillantes, scandales et autres caprices de la diva. Il ne raconte pas la vie de Nina Simone telle qu’on l’imagine, il n’écrit pas de roman même si, par bien des aspects, sa vie fut un roman, de sa jeunesse dans le sud ségrégationniste à ses dernières années en France à Carry le Rouet, près de Marseille. On reste au plus près de la femme, pas du personnage, restituant la vitalité extraordinaire, le caractère bien trempé, les aspirations spirituelles, mais aussi la mélancolie, la déraison, la conviction que sa couleur et son sexe avaient été ses malédictions.

Les 231 pages se lisent d’un trait, pris au piège dès la première phrase, acte de (re)naissance de la musicienne: “ Nina Simone est née en juin 1954 dans un petit club d’Atlantic City, le Midtown Bar”. Un événement qui fera basculer toute sa vie, car “ce soir là, c’est toute l’histoire musicale de Nina, qui se confond à peu de chose près avec sa vie, qui coule sous ses doigts”. Tout est dit, le malentendu commence. Elle fut reconnue souvent pour une musique qu’elle méprisait. Consciente de sa valeur et de son talent, elle n’arriva jamais à se satisfaire de l’écart entre ce qu’elle aurait souhaité et ce qu’elle obtint. Signe de ce besoin éperdu de reconnaissance, elle reçut (ironie cruelle), un jour avant sa mort, le diplôme de Docteur du prestigieux Curtis Institute de Philadelphie ( Bernstein en est issu) qui décida de son sort, cinquante ans auparavant, en 1951, en la recalant au concours d’entrée, par pur racisme; elle aurait pu alors réaliser son voeu le plus cher, devenir la première pianiste concertiste noire classique, elle qui avait travaillé avec acharnement pour réussir. Cette blessure originelle, cet épisode fondateur allaient marquer sa vie professionnelle et privée. Elle n’aurait pas pris cette orientation musicale devenant une diva de la soul, une reine du blues avec une telle rage au coeur, comparable à celle de Mingus. Difficile d’avaler ces humiliations, de dire adieu au classique (elle garda toujours une place particulière pour sa triade Bach, Debussy, Chopin). Pourtant le succès vient vite sur scène et dans les festivals, elle triompha très vite à l’Apollo de Harlem, au Town Hall de Manhattan puis à Carnegie Hall, défiant les classifications faciles. Elle était inclassable en effet mais reconnaissable dès la première note comme Ray Charles ou Stevie Wonder : une voix unique, écorchée, rauque et un jeu de piano perlé, subtil, baroque avec des marches harmoniques, des trilles.

Incisif, passionnant, ce livre à l’écriture simple et fluide, est l’histoire d’une vocation contrariée qui donnera l’une des carrières les plus singulières. Clarifiant les points délicats d’une vie tourmentée toujours au bord de la chute, déjouant toute caricature, c'est une vraie entreprise de démolition de tous les clichés, au fil de pages qui dessinent le portrait en creux d’une icône du mouvement des Droits civiques autant qu’une femme en prise à sa bipolarité (qu’on ne nommait pas ainsi à l’époque) et à son alcoolisme. Si elle fait du jazz, c’est à sa manière. Reine de la soul, épinglée malgré elle par toute une époque pour son engagement qu’elle ne voulait pas non-violent, même si elle admirait Martin Luther King. Elle chantera Why? ( The King of love is dead) au lendemain de sa mort. Quant à Ain’t go, I got life, cette chanson, reprise de la comédie Hair, elle se l’appropria complètement, elle, l’Afro-américaine  toujours rebelle qui prit en main sa carrière, devenant une figure du Black Power. On ne peut écouter sans être ému son Mississipi “Goddam” censuré dans son titre même, pour le terme grossier( !) de goddam (“putain”) après l’assassinat du militant Medgar Evers à Jackson (Mississipi) et des quatre fillettes de Birmingham (Alabama) qui allait inspirer à John Coltrane, dans un autre style, son poignant Alabama.

A la fin du livre, on comprend mieux les errances d’une formidable artiste qui ne fut jamais heureuse dans sa vie personnelle, jamais satisfaite de son parcours artistique. La colère caractérise sa personnalité, la plupart des chansons qu’elle a écrites ou reprises expriment sans ambiguïté ce sentiment d’injustice intolérable quand on est “young, gifted and black”, titre qui aurait dû devenir l’hymne noir américain, d’après l’ amie, écrivaine et activiste Lorraine Hansberry, morte prématurément. Cette composition deviendra néanmoins le premier classique de la chanteuse. Autre titre révélateur Don’t let me be misunderstood

Si elle attaqua régulièrement l’industrie musicale, les maisons de disques qui la spoliaient (“J’ai fait trente cinq albums, ils en ont piraté soixante dix), si elle découragea souvent les bonnes volontés autour d’elle, le public lui conserva une certaine affection jusqu’à la fin. Alors que son répertoire fut peu repris de son vivant, la jeune génération s’est emparée des chansons de la grande "prêtresse de la soul", lui rendant des hommages sur scène ou en disques. Peut être serait elle apaisée de savoir que l’on parle toujours d’elle et que l’on joue sa musique.

Dernier point, non négligeable, elle peut figurer dans une histoire du jazz, auprès de Billie Holiday qu'elle rejetait tout en l’admirant sans doute. Michel-Claude Jalard ne s’y était pas trompé, au festival d’Antibes Juan-les-Pins en 1965 : Nul ne pourrait nier pourtant que Nina n’ait créé le plus grand choc émotif du festival : c’est que depuis Billie Holiday, dont elle reprit, le fameux Strange fruit, Nina Simone est sans doute la chanteuse la plus bouleversante de l’histoire du jazz, une de celles chez qui l’art se confond le plus naturellement avec un expressionnisme tragique, résigné chez Lady Day, révolté chez Nina.”

Ce n’est pas l’un des moindres mérites de la biographie de Frédéric Adrian que de citer de larges extraits des grandes plumes de l’époque, les Lucien Malson, Maurice Cullaz et autres chroniqueurs au Monde, Jazz Magazine ou Jazz Hot, secouant présent et passé dans notre mémoire à la façon d’un shaker.

 

Sophie Chambon

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15 juin 2021 2 15 /06 /juin /2021 17:28
STEVEN JEZO-VANNIER  ELLA FITZGERALD  Il était une voix en Amérique

STEVEN JEZO-VANNIER

ELLA FITZGERALD

Il était une voix en Amérique

 

LE MOT ET LE RESTE

Musiques (lemotetlereste.com)

 

Steven Jezo-Vannier, spécialiste rock et contre-culture (wixsite.com)

 

C'est l'une des premières biographies en français de la chanteuse Ella Fitzgerald, à coup sûr un événement, même si Alain Lacombe lui avait consacré un livre aux éditions du Limon, en 1988. On va enfin en savoir plus sur cette extraordinaire chanteuse, la Voix du Swing, la Première Dame du Jazz, celle qui parvint “au jazz total” selon Duke Ellington qui lui écrivit un portrait en quatre mouvements dont l’insurpassable “Beyond Category”.

C’est le premier intérêt du nouveau livre de Steve Jezo-Vannier pour  Le Mot et le Reste, l’excellente maison d’édition marseillaise qui a publié tous les écrits de ce passionné de musiques, de rock, de contreculture. Mais pas seulement, puisqu’après une biographie définitive de Frank Sinatra, soulignant la force du mythe, l'auteur s’intéresse à Ella Fitzgerald, l’autre  grande star vocale qui réussit à fabriquer son image, à incarner la musique américaine du XXème siècle.

Frank Sinatra et Ella Fitzgerald ont contribué tous deux à changer le statut des chanteurs de Big Band : arrivés au bon moment, ils ont profité de l’évolution du paysage sonore, de l’arrivée des micros qui créèrent une relation plus intime entre le chanteur et son public.

Steven Jezo-Vannier nous livre une nouvelle biographie précise, extrêmement documentée qui suit la chronologie des enregistrements comme des concerts. Comme la chanteuse s’est produite pendant près de soixante ans, dédiant sa vie à la scène, au rythme de 50 semaines par an, avec un peu plus de 200 albums dont 70 vendus à plusieurs millions d’exemplaires, cela représente une matière considérable à exploiter, un travail d’historien que réussit l’auteur en écrivant un récit passionnant, structuré en deux parties consistantes, la première de 1917 à 1955 et la seconde de 1955 à 1995, après un avant-goût impeccable, En coulisses. On suit Ella  dès ses débuts difficiles : jeune orpheline, elle connut la maison de redressement, fit des fugues, vécut dans la rue avant de connaître ses premiers succès (elle remporte un concours amateur de chant à l’Apollo Theater en 1934). La rencontre qui va changer sa vie est celle du batteur chef d’orchestre Chick Webb, “le petit géant” qui eut l’intelligence de la recruter. S’ensuivit une  ascension et une longévité inégalées dans le monde du jazz! La date charnière dans la vie d’Ella est 1955 : le génial producteur Norman Granz ( l’organisateur dès 1946 des mémorables tournées de Jazz at The Philharmonic ) prit en main sa carrière, créa le label Verve Records pour  enregistrer le Great American Song Book, donnant ainsi une dimension patrimoniale au jazz. En manager avisé, il lui fit enregistrer  le double album consacré à Cole Porter (admiratif de la diction de la chanteuse) et encouragea la collaboration fructueuse avec Louis Armstrong dans Ella & Louis avec Oscar Peterson au piano, puis le célèbre Porgy and Bess d’après Gershwin.

Ella Fitzgerald fut l’une des premières à se produire en Europe : à Berlin, elle donna en 1960 une version d’anthologie de “Mack The Knife” d’après l’Opéra de Quat’ Sous. Avec son producteur, ils réussirent enfin, et ce n’est pas la moindre de leurs contributions, à porter le jazz dans des lieux où il n’avait pas sa place, oeuvrant pour de meilleures conditions en tournées, des cachets plus importants et des contrats exigeant un public mixte.

Ella vivait la musique comme un sacerdoce : très secrète, elle a sacrifié sa vie amoureuse et sa seule famille fut son public. Celle que Pascal Anquetil, dans ses Portraits légendaires du jazz, nomme "l’éternelle jeune fille du swing" n’en resta pas là, sut évoluer constamment avec la musique: du swing, elle passa au bop sous l’influence de Dizzy Gillespie et continua sa vie durant à incarner le jazz, dans toute sa diversité. Elle qui était née en 1917 avec le jazz, a grandi et s‘est épanouie avec lui, en même temps que lui.

Dotée d’une voix exceptionnelle ( trois octaves) qu’elle garda jusqu’au bout, même quand son corps lâchait, elle créa aussi  un art vocal qui épousait la mélodie tout en se libérant du sens des mots, le scat. Elle ne faisait rien qui ne soit très musical, avec une exceptionnelle plasticité, alors qu’elle ne savait pas lire la musique. Toujours avec détermination et joie de vivre. Une “belle personne” solaire et pourtant humble, doutant d’elle même, dévorée par le trac avant les concerts “ J’espère qu’ils vont m’aimer”, répétait-elle.

On peut lire ce livre dans l’ordre, l’histoire d’une vie dédiée à la musique ou revenir sur un chapitre particulier au titre de chanson ( l’une des marques de fabrique de la maison d’édition) qui renvoie à un album précis, un enregistrement, ou un concert d’anthologie.

Saluons une nouvelle réussite pour cet auteur fasciné par son formidable sujet.

 

Sophie Chambon

 

 

 

 

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21 avril 2021 3 21 /04 /avril /2021 13:34
 MY CAT IS AN ALIEN/ PHILIPPE ROBERT     FREE JAZZ MANIFESTO

 

 

MY CAT IS AN ALIEN/ PHILIPPE ROBERT

FREE JAZZ MANIFESTO

 

Editions Lenka Lente Home / Editions Lenka lente

 

Free Jazz Manifesto de My Cat Is An Alien & Philippe Robert / Editions Lenka lente

 

En couverture de ce tout petit livre qui se glissera partout, SUN RA est une figure idéale pour évoquer une liste de 169 disques de free jazz, établie à trois voix, en anglais et français, par des connaisseurs de ces musiques libres, engagées, expérimentales. Le Français Philippe Robert (Agitation frites chez Lenka lente), animateur entre autre du blog Merzbo-Derek, a déjà publié des anthologies essentielles sur la Great Black Music. Derrière le mystérieux My Cat Is An Alien, se cache un tandem italien, Maurizio et Roberto Opalo, deux frères musiciens, artistes visuels et expérimentateurs de “Spiritual Noise” Même si nos trois complices font reposer leur choix, forcément subjectifs, sur la sensibilité, leur expertise n’est pas à mettre en doute.

Sélectionner autant de titres était une mission acceptée, tout à fait possible pour nos auteurs, dont l’angle d’attaque dresse une fresque originale en empruntant des chemins de traverse, des voies plus marginales, plus “underground”. Une autre histoire, moins glorieuse et surtout moins récupérée par le business des labels.

L’intérêt de cette liste alphabétique et non chronologique est de définir en quelques phrases l’essence de la musique du groupe choisi. Exercice périlleux mais impeccablement réalisé, le texte en français étant complété par la version anglaise!

C’est que les “grands” disques ont souvent une histoire, quand la musique était au centre d’une aventure intense, souvent personnelle et surtout rebelle. Certaines décennies comptent plus que d’autres : sur les cent soixante neuf références, les années soixante et soixante-dix surtout sont prédominantes, «parenthèse enchantée» sur le plan artistique, époque brûlante, très dure socialement et politiquement. L’un des plaisirs de ce livre est donc de réveiller une nostalgie latente. La réalité et les préoccupations de l’époque envahissent le décor : lutte pour les droits civiques, sexe, drogues mais par dessus tout, créativité intense.

Les auteurs replacent les pièces souvent manquantes, voire oubliées, explorant le spectre de la musique Free. Un parcours atypique pour une musique qui ne l’est pas moins. Une fois ce postulat de départ admis, on se laisse conduire, même si on est loin de connaître tous les musiciens cités. Se détachent des "bizarres" qui firent  parler d’eux depuis les lisières où ils s’étaient réfugiés. Des pistes nouvelles sont ainsi ouvertes à notre curiosité : Hartmut Geerken Amanita,  William Hooker Sextet, Stephen Horenstein, Griot Galaxy, G.L. Unit du free jazz suédois, Orangutang, Kaoru Abe Trio.

Il n’y a tout de même pas que des inconnus, puisque l'on retrouve  l'Art Ensemble, Albert Ayler (Holy Ghost ), Amiri Baraka, Gato Barbieri/Dollar Brand, Anthony Braxton,, Willem Breuker, Han Bennink, Marion Brown, Dave Burrell…Il y a même des évidences comme Carla Bley/Paul Haines ( le pharaonique Escalator over the Hill, évidemment, 1971) et des attendus, mais pas forcément avec le disque le plus connu : Coltrane figure avec Interstellar Space, ABC Impulse, enregistré cinq mois avant sa mort en 1967. Pour Sonny Rollins, c’est le Complete live at the Village Gate, de 1962, réédité en 2015, essentiel pour marquer la naissance du free jazz. Un jeune Joe Mc Phee autoproduit Trinity en 1972, alors qu’un autre de ses disques a été refusé par Blue Note! D’Ornette Coleman, nos amis retiennent Body Meta, en 1978, invention du free funk. Pour Archie Shepp/Philly Jo Jones, ils choisissent America, 1970, avec ce commentaire très juste “Aussi free soit-il, Archie Shepp n’oublie jamais blues et spiritual, seule manière d’honorer, entier, le chant originel afro-américain”. Michel Portal n’est pas oublié, pas pour le Châteauvallon 1972,  mais pour Our Meanings and Our Feelings, Pathé, 1969.

Quelques femmes tout de même sont dans la liste : Annette Peacock, Linda Sharrock (avec son mari!), Alice Coltrane with strings et la seule Française, Colette Magny (Répression au Chant du Monde, 1972) . Deux curiosités, les disques de François Tusques Alors Nosferatu combina un plan ingénieux et Occupé de Michel Potage, enregistrés respectivement en 1969 et en 1977, referont surface (tout arrive) en 2019 et 2011!

Ce petit guide éclaire ainsi assez précisément l’un des formidables mouvements musicaux du XXème siècle. Et les marges finissent par rejoindre leur centre, puisque dans cette musique free, on finira par relier  paritairement les électrons libres aux groupes plus connus qui ont marqué l’histoire de cette musique.

 

Sophie Chambon

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11 avril 2021 7 11 /04 /avril /2021 18:50
Jonathan Gaudet   La ballade de Robert Johnson

 

Jonathan Gaudet

La ballade de Robert Johnson

Le Mot et le Reste 384 pages

Le mot et le reste

On sait depuis Alain Gerber que le jazz est un roman. Le Québécois Jonathan Gaudet suit cette piste en écrivant une histoire romancée absolument passionnante de la vie du bluesman Robert Johnson dont on ne sait presque rien, si ce n’est qu’il mourut à 27 ans, en 1938, dans des circonstances mystérieuses, après avoir écrit 29 chansons dont “Sweet home Chicago”, “Hellhound on my trail”, “Love in vain”. Le mythe s’est emparé de cette figure mystérieuse et tragique : en échange du succès, il aurait vendu son âme au diable, scellant son pacte à un lieu culte, un carrefour devenu mythique, qui lui aurait inspiré une chanson célèbre “Crossroads”. Deux images seules donnent corps à Robert Johnson que l’on ne connaît que par sa silhouette mince et ses longues mains fines. C’est peu pour raconter la vie d’un jeune homme ne vivant que pour la musique, un chanteur qui s’accompagnait à la guitare, jouant à la demande, dans la rue ou dans des juke joints, car dans le sud, pour entendre de la musique, il fallait souvent un musicien en chair et en os. La route et l’errance firent partie de son apprentissage du blues rural, roi du delta.

Obéissant à une contrainte qui se révèle astucieuse, l’auteur structure son récit en 29 chapitres dont les titres sont tout trouvés, puisqu’ils correspondent aux chansons composées par Robert Johnson. Ce qui n’est pas un mince avantage pour le lecteur néophyte mais aussi pour l’amateur de blues qui découvrent ainsi les chansons de Robert Johnson et peuvent plonger dans la musique de cet auteur-compositeur fécond. Objectif atteint et coup double puisque La ballade de Robert Johnson fait partie de la collection Musiques de la maison d’éditions marseillaise Le Mot et Le Reste.

Les écrits de Jonathan Gaudet balancent selon un mouvement imprévisible et implacable, au fil de ce qui semble une minutieuse enquête dans la mémoire des témoins survivants. Chaque chapitre donne en effet la parole à un personnage qui a connu Robert Johnson, de l’adolescence à sa mort, a partagé un épisode marquant à ses côtés. Et par leur regard et leur voix, se constitue un portrait fragmenté mais complet, recomposé au plus juste.

Paraphrasant Boris Vian dans l’avant-propos de L’écume des jours, “Cette histoire est entièrement vraie puisque je l’ai imaginée d’un bout à l’autre”, le tour de force est de réussir à faire revivre ce personnage qui a existé et dont on ne connaît rien. Même dans la série des sept films documentaires produits par Martin Scorsese sur le blues, en 2003, pour le centenaire de la naissance de cette musique, Robert Johnson est rapidement évoqué. L’auteur offre une nouvelle existence au musicien, dont on découvre le caractère complexe, vif et tourmenté, rebelle intelligent, mû par un désir d’émancipation.

La musique occupe une place prépondérante du premier au dernier chapitre qui racontent l’organisation du concert à Carnegie Hall, en 1938, sur une idée du producteur John Hammond qui avait programmé Robert Johnson. Intitulé “From spirituals to swing”, ce concert devait faire le lien entre gospel et jazz, chants traditionnels et swing des grands orchestres modernes, avec des musiciens blancs et noirs sur scène, dans ce temple de la musique classique. Ce qui était loin d’être évident comme le montre le prêche rageur du Révérend Whitfield, opposant le gospel au blues profane et obscène, musique du diable, dans If I had possession of The Judgment Day. Certains chapitres introduisent des musiciens contemporains du guitariste comme Willie Brown, Son House dans Preachin’ blues ( Up jumped the devil) qui évoque la naissance du mythe . L’idée du pacte avec le diable est forgée par un journaliste dans Cross Road blues. On assiste à l’enregistrement d’une maquette en 1936 par H.C. Speir, découvreur de talents depuis son magasin de disques de Jackson ( Mississipi), dans Stones in my passway. Mais c’est Ernie Oertle qui fit graver à Robert Johnson, sa première galette pour Brunswick à San Antonio (Walkin’ Blues). On découvre enfin le récit haletant du traquenard dans lequel tombe Johnson, victime d’un mari jaloux, raconté par l’harmoniciste Sonny Boy Williamson (Malted Milk).

Avec cette construction savamment tissée à partir de rares éléments d’une vie qui s’est achevée trop vite, l’auteur donne à ce personnage imaginé une vérité historique et une certaine innocence. Il signe un roman très visuel, façon road movie. Un biopic potentiel dont les épisodes accrocheurs devraient inspirer des cinéastes. Ses inventions romanesques sont si plausibles qu’elles pourraient être authentiques. Ce récit plein de vivacité est aussi prétexte à une réflexion désenchantée sur la situation des Noirs dans le Sud, la vie épuisante sur les plantations. La condition dramatique des femmes donne lieu à des descriptions pleine de compassion de la mère, la soeur et de la femme de Robert Johnson morte en couches.

Faisant preuve d’une audace formelle des plus convaincantes pour retracer l’itinéraire trop vite interrompu d’un être doué, “un garçon qui voulait avaler le monde” et qui devint une légende, Jonathan Gaudet a réussi un livre inspiré et créatif que l’on abandonnera à regret, une fois terminé.

 

Sophie Chambon

 

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21 mars 2021 7 21 /03 /mars /2021 16:24
Jean BUZELIN  Sister Rosetta Tharpe la femme qui inventa le rock and roll

 

 

Jean BUZELIN

Sister Rosetta Tharpe la femme qui inventa le rock and roll

Preface de Philippe Bas-Rabérin

Editions AMPELOS éditions Ampelos | éditeur de combats (editionsampelos.com)

 

Sister Rosetta tharpe Gospel Complete sister rosetta tharpe vol 7 1960 - 1961 - dernier volume - Frémeaux & Associés éditeur , La Librairie Sonore (fremeaux.com)

 

Grâce à l’ami Jean Buzelin, fin connaisseur de toutes sortes de musiques dont le jazz, le gospel, le blues et la chanson française, Rosetta Tharpe a enfin sa biographie en français.

Voilà un petit livre formidable, sorti chez les éditions Ampelos qui réhabilite Sister Rosetta Tharpe (1915-1973) qui a subi une traversée du désert de plus d’un quart de siècle. Enfin intronisée au Rock And Hall of Fame en 2018, les sept volumes de son intégrale sont parus chez Frémeaux& Associés qui fait un travail remarquable dans la conservation du patrimoine musical.

Qui était Sister Rosetta Tharpe? L’une des plus grandes chanteuses de gospel, rivale de la grande Mahalia Jackson, qui débuta, en pure autodidacte, aux côtés de sa mère dans des tournées d’évangélisation, en s’accompagnant de sa guitare.

Son originalité est d’avoir su relier le gospel au blues et au jazz puisqu’elle se lança un temps dans une carrière profane, débutant au Cotton Club avec Cab Calloway, ou sur la scène de l’Apollo de Harlem où elle introduisit des chants sacrés. Elle rejoint un temps l’orchestre de Count Basie et tourne aux côtés de Benny Goodman! Elle accompagne son chant d’un jeu de guitare mordant, très rythmique et à la sonorité presque rock and roll avant la lettre. En 1939, le magazine Life titre “la chanteuse qui swingue les mêmes chansons à l’église et au cabaret”.

Sister Rosetta Tharpe - Lonesome Road (1941) | Soundie - YouTube

Elle parvient en effet à swinguer le gospel mettant à profit son expérience sur la scène jazz. Elle devient très vite la première vedette du disque de gospel et enregistrera pour Decca, Verve, Mercury, connaissant une célébrité nationale.

Bien que créatrice d’une nouvelle expression vocale populaire, issue de ce double apport religieux et profane “a secular gospel music”, elle sera obligée d'abandonner sa carrière profane mais elle réussit cependant à garder son autonomie de holly roller singer et parvient à ne pas changer son style bluesy et swingant. Au sommet de sa gloire entre 47 et 51, l’âge d’or du gospel, elle tourne avec son quartet de Rosettes dans le sud ségrégationniste avec un chauffeur blanc pour contrer les lois Jim Crow ( on se croirait dans le film Green Book). Ambassadrice du gospel en Europe, elle vit une aventure triomphale et en France, chante même en première partie de Trenet en 1958! Son influence sur les chanteurs de rock des années cinquante (blancs et noirs ) et sur la génération des groupes de rock britanniques des années soixante, passionnés de blues, explique sa réputation de “marraine du rock and roll”.

Jean Buzelin donne à voir en quoi une communauté s’est inventée un mode de vie dont la religion est essentielle dans la construction de soi. Femme noire et chanteuse dans une de ces églises noires, souvent très conservatrices et puritaines, n’était pas une position facile. Elle fut souvent tiraillée entre ses racines, sa foi évangélisatrice et une nature très spontanée, la chair (trois mariages) et l’esprit, la lutte collective et une carrière indépendante. Sa quête demeura cependant spirituelle, guidée par un chant lumineux et des qualités réelles de musicienne.

Appuyant sa recherche sur une documentation précise dont une interview de François Postif pour Jazz Magazinen°35 et le travail de Jacques Demêtre pour Jazz Hot, Jean Buzelin réussit un portrait saisissant de vitalité et rend justice au talent de cette femme forte, déterminée, à la personnalité solaire. On croit entendre la voix de cette Sister “admirablement placée”, soprano légère, entre foi, enthousiasme et vigilance.

Un livre absolument recommandé  pour pénétrer la complexité des musiques noires et se familiariser avec le gospel en particulier.

 

Sophie Chambon

 

 

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20 janvier 2021 3 20 /01 /janvier /2021 17:21
FRANK MEDIONI- LOUIS JOOS  UNE HISTOIRE DU BEBOP

FRANK MEDIONI- LOUIS JOOS

UNE HISTOIRE DU BEBOP

Charlie. Dizzy. Miles. Kenny. Bud. Monk. Et les autres.

Editions du Layeur 2020

Nouveautés | Éditions du layeur (edtionsdulayeur.com)

Éditions Du Layeur | Beaux livres | France (edtionsdulayeur.com)

 

Noël est passé mais il est toujours temps de se faire plaisir et/ou d’offrir un beau livre sur un sujet passionnant, l’irruption d’un style musical qui révolutionna l’histoire de la musique aux Etats-Unis. Le bebop a donné au jazz ses lettres de noblesse, il semble revenu à la mode, question de cycle. Dizzy Gillespie aurait eu cent ans en 2017, Charlie Parker en août 2020.

Une histoire du bebop sortie aux Editions Du Layeur se déploie dans un livre élégant et aéré, entre respect des faits, chronologie souple et espace poétique de la peinture. Un grand plaisir de lecture, 268 pages de texte et d’images rares, agencées de façon surprenante, mettant en avant le regard d’un peintre autant que l’histoire d'un mouvement et de ses figures créatives. Le jazz, dans les livres d’art, c’est du noir et blanc et souvent de belles photos au cadrage précis. A moins que ce ne soient comme ici, de sublimes planches encrées qui mettent en musique le texte dans un écrin unique. Une très belle conception graphique (Eloïse Veaute), un design qui joue avec la typographie, le blanc et le noir et les pleines pages de Louis Joos, peintre et pianiste de jazz qui résume à lui seul les affinités sélectives entre expressions graphiques et musicales.

Attardons-nous sur ses encres, faites de soupirs, de silences, jamais de repentirs, qui n’illustrent pas au sens classique, le texte vif et documenté de Frank Medioni sur la révolution musicale, à New York, dans les années 40, qui traça une ligne de partage entre jazz classique (la Swing era et ses big bands, une musique de danse et d’entertainment) et le jazz moderne.

Comme dans une vraie association, des complicités se créent entre deux disciplines différentes. Alors que Frank Medioni rend compte de la complexité de cette révolution mélodique, harmonique, rythmique, les aplats sombres, les traits à vif, le geste continu, le surgissement du travail conçu sans vrai scénario de Louis Joos restituent la vie des boppers. Tous deux font revivre au fil des pages, les figures majeures, la puissance de  jazzmen que l’on reconnaît à des accessoires ou détails : le météore Charlie Christian, Bud et Monk, les pianistes phare du bop, Kenny Clark le batteur qui ouvrit la voie à toute une génération, Mingus, et une mention spéciale pour Charlie Parker, un aventurier au sens de Debord, à savoir “celui qui fait arriver l’aventure”. Peu de femmes, le nom de Sarah Vaughan apparaît astucieusement sur les marquises des clubs.

Louis Joos livre ses encres d’un noir profond où les contours ne sont pas cernés, où le noir et blanc s’affrontent sans cesse sur le champ de la page. Une juste traduction, soulignée par le texte, de la vie des musiciens en club, du rythme épuisant des concerts (Sex, drugs & bebop), de la force du collectif à l’oeuvre de l’intensité, la violence douloureuse de la vie de  musiciens en proie au racisme et à une farouche ségrégation (le bruit de la matraque du flic … sur le crâne de Bud Powell). On partage la vision du Harlem de ces années-là, la vibrante évocation des rues (la 52ème), les clubs, le Minton’s Play house crée l’événement, avant que l’histoire ne se fasse à l’Onyx (l’acte de naissance du bop) avec Dizzy dont le titre de l’autobiographie joue avec le rebond To be or not to bop. Il est vrai qu’il est insurpassable quand il s’agit de “Groovin high”, de “Salt peanuts”, chevaux de bataille du bebop. Bird et Dizzy sont liés à jamais, musicalement, mais le bebop est oeuvre collective. S’il s’attarde bien volontiers sur ses singuliers chefs de file, Frank Medioni cite tous les autres, la liste est longue et ne passe pas sous silence les seconds couteaux. (p.148).

Première expression d’une musique libérée, expérimentée lors de jazz sessions redoutables, cette “musique pour musiciens” est allée de pair avec les créations de la Beat Generation de Ginsberg, Ferlinghetti et évidemment Kerouac. Frank Medioni, en hommage à cette musique inouïe, au sens premier, d’homme en quête de liberté, a la bonne idée de citer le 239 ème chorus du Mexico City Blues, mais aussi “Rentrant à pied avec Charlie Parker” de Bob Kaufman.

La France n’est pas oubliée dans la dernière partie du livre, avec la guerre fratricide du jazz entre figues moisies et raisins verts, la naissance du schisme entre Delaunay et le pape Panassié. Le livre se termine d’ailleurs sur les bulles du pape, signées par les faux prophètes du jazz, à savoir Delaunay, Hodeir, Vian, dans le numéro de Jazz Hot de 1950. Le jazz à Saint Germain des Prés, toute une époque qu’anime le très actif Boris Vian, chantre du be bop.

Frank Medioni a réalisé un travail précis et précieux qui conviendra aux amateurs éclairés mais constituera une vraie découverte pour les non initiés comme le souligne judicieusement dans sa préface le roi René, notre René Urtreger. Le lyrisme de Louis Joos épouse parfaitement le sujet, la vie d’êtres passionnés, tendus vers la réalisation d’un objectif essentiel, la création de leur musique.

Il n’est pas superflu en ces temps d’inquiétude de se faire plaisir, de s’évader à travers un regard double, même tourné vers le passé.

Sophie Chambon

ÉDITIONS DU LAYEUR - BEBOP ♫ - YouTube

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7 janvier 2021 4 07 /01 /janvier /2021 17:47
  MAXINE GORDON    DEXTER GORDON SOPHISTICATED GIANT

MAXINE GORDON

DEXTER GORDON SOPHISTICATED GIANT

 

EDITIONS  LENKA LENTE

Traduction de Philippe Carrard

Photographie de couverture de Joseph.E. Norman

 

Dexter Gordon de Maxine Gordon / Editions Lenka lente

 

Connaît-on vraiment Dexter Gordon?

L’histoire d’un phénix qui renaît de ses cendres, d’un homme d’un mètre quatre-vingt-quinze, incarnation du cool, qui a adapté le langage du bebop au saxophone ténor, est tombé dans la drogue, a passé presqu’une décennie en prison, a refait surface , pour jouer mieux que jamais. Et a été dirigé par le metteur en scène Bertrand Tavernier en 1986 dans Round Midnight, ce qui lui a valu une nomination à l’oscar!

Maxine Gordon, la veuve du saxophoniste, historienne et archiviste était la personne la plus indiquée pour raconter le récit d’une vie, une histoire humaine et professionnelle. Elle comble ainsi le vide, faisant preuve d’une tendresse réelle pour tous les défricheurs, pas toujours reconnus.

Merci aux éditions Lenka Lente de publier la traduction française de cette biographie, empathique forcément, mais qui a le mérite d’une intime et inégalable connaissance du personnage et de sa musique. Elle remet Dexter à sa juste place, l’inscrit au mieux dans l’histoire du jazz, en insistant sur sa personnalité, celle d’un individu qui tente de s’affirmer dans un monde peu enclin à lui faire place, en citant ses propos, reproduisant des fragments de ses textes fort bien écrits: la musique prend corps, le livre d’histoire devient un précieux document qui dépeint cinq décennies de la vie du jazz, l’économie du bebop, le rôle des syndicats, l’emprise de la drogue et l’acharnement de la police envers les consommateurs (plus encore que les dealers), le manque de sécurité dû à la ségrégation.

Plus qu’une somme érudite ou un travail de musicologue, au fil des vingt chapitres qui structurent son évocation qui file comme un roman et se lit comme tel, elle fait la part belle aux anecdotes, aux entretiens et aux souvenirs de nombreux musiciens. Car la vie de Dexter Gordon est exemplaire d’une époque, de sa communauté de musiciens, de tous ces grands jazzmen du passé dont Sonny Rollins dit qu’ils sont toujours là. 

Un éclairage passionnant pour tout amateur de jazz, car elle parvient à rendre ce qui constitue l’essence de la musique de ce saxophoniste, compositeur fécond. Le suivant pas à pas, elle retrace son parcours de “La saga de Society Red” ("Society Red" était son surnom), de sa famille peu commune (son père, docteur, recevait Duke Ellington et Lionel Hampton, son premier employeur quand il quitte à dix-sept ans son foyer de Los Angeles) puis cite ses débuts, engagé par Armstrong, Billy Eckstine…D’un jeune ténor très prometteur dans le style de Lester Young (il allait jusqu’à poser en tenant son sax incliné de la même manière), il deviendra le premier bopper du ténor, même si le premier solo lui est disputé par Teddy Edwards. Il devient l’un des représentants de ce nouveau style et on se souvient de duels acharnés, de poursuite héroïque The Chase ( 12 juin 1947 enregistré sur Dial) avec Wardell Gray qui disparut tragiquement peu après.

Certains chapitres sont forts comme celui où le piège de la drogue se referme sur Dexter ; il disparaît près d'une décennie et c'est son retour avec l’enregistrement du bien nommé “The Resurgence of Dexter Gordon”, l’écriture de la bande son de la version californienne de la pièce The Connection, où entre les scènes, les musiciens jouent live. 1962 est l’année où il passe le cap, monte son quartet et enregistre pour Blue Note avec Rudy Van Gelder le mémorable Go! Avec “Cheese cake”, une des compositions-test pour tout sax ténor (1). Après un exil en Europe, en France et surtout au Danemark où il s’installe (une rue de Copenhague porte son nom), il fait son grand retour au Village Vanguard de New York en 1976, avec les enregistrements pour le producteur Michael Cuscuna de Home coming!

La dernière partie de sa vie serait plus morne si elle n’était marquée par son rôle dans le film de Bertrand Tavernier Round Midnight, en 1986 : s’inspirant de la vie agitée de Bud Powell à Paris, aidé par Francis Paudras, le scénario évolue vers une fiction autour d’un saxophoniste créé de toutes pièces, Dale Turner qu’incarne Dexter avec talent car il se souvient de son séjour à Paris en 1962, où il joua au Blue Note et enregistra avec Bud. Sa performance lui vaudra d’ailleurs une nomination aux oscars, prédite par Martin Scorsese. Film d’autant plus remarquable que toute la musique fut enregistrée live pendant le tournage! Dexter eut donc sa nuit aux oscars mais il se fit doubler par Paul Newman pour La Couleur de l’argent du même Scorsese!

Remarquable  est donc cet essai pour rétablir une vérité : l’histoire de Gordon serait incomplète, se résumant à des instantanés éparpillés, des clichés comme celui iconique d’Herman Leonard qui le saisit dans une volute de fumée. D’autant que la nonchalance naturelle du personnage, sa philosophie particulière de la vie ne le poussaient pas à la concurrence. C’était un "brave type" peu envieux, appréciant les coups heureux du sort, il ne revendiquait rien, avait une élégance naturelle physique et morale. Maxine Gordon rétablit la continuité d’une existence originale, dédiée au jazz et remet en lumière un sacré musicien, géant du jazz. Jamais le terme ne fut mieux choisi… Un livre que l’on découvre avec bonheur et que l’on vous recommande, vous l’aurez compris!

 

NB: Ajoutons des photos originales et toujours saisies sur le vif comme celle avec la copine d’enfance, la tromboniste Melba Liston... et une bibliographie précise d’auteurs anglophones évidemment!

(1) Encore qu’un saxophoniste de mes amis précise que le vrai piège  pour un saxophoniste est dans le “Fried bananas” de l’album éponyme de Prestige, en 1969.

 

Sophie Chambon

 

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22 décembre 2020 2 22 /12 /décembre /2020 01:49

Folio/Gallimard.448 pages. 11,50€
 

 

C’est un grand classique et comme tel, toujours d’actualité. Free Jazz, Black Power, l’étude de Philippe Carles et Jean-Louis Comolli, publiée en 1971 (Editions Champ Libre *) fait l’objet d’une nouvelle publication en version poche, avec le saxophoniste Marion Brown (1931 ou 1935-2010) en première de couverture, saisi par le photographe Philippe Gras.


Le texte présenté dans cet ouvrage de 448 pages date de l’édition de 2000 (avec Julius Hemphill, autre saxophoniste, 1938-1995, en couverture, photo de Giuseppe Pino), alors actualisée par ses auteurs, Philippe Carles, à l’époque rédacteur en chef de Jazz Magazine et Jean-Louis Comolli, chroniqueur de jazz et de cinéma et cinéaste.


Il est vrai que le free jazz dans sa version abrupte et protestataire a quelque peu disparu de l’expression jazzique depuis le début de ce XXI ème siècle même si son influence demeure sur les jazzmen de la jeune génération. Il n’empêche que l’analyse effectuée alors garde toute sa pertinence. Free Jazz, Black Power, selon leurs auteurs, « reconsidère l’histoire du jazz dans son articulation avec l’histoire sociale et politique des Noirs américains ».

 


Dans leur introduction, Philippe Carles et Jean-Louis Comolli écrivaient : « Il est remarquable que l’un des principaux problèmes auxquels soient affrontés aujourd’hui les militants politiques noirs américains soit celui de l’idéologie dominante dans les élites et une partie des masses noires ». C’était en 1971.

 

(*). Le livre avait aussi frappé les esprits par le dessin de couverture signé Reiser, figure mythique de Hara-Kiri, représentant un noir tirant la langue et levant le poing.

 

Jean-Louis Lemarchand.

 

©photo et dessin : Philippe Gras et Reiser.

 

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20 novembre 2020 5 20 /11 /novembre /2020 10:35
Henri et Pablo CUECO  DOUBLE VUE

 

Henri et Pablo CUECO

DOUBLE VUE

VOL DANS LA NUIT/LE GANG DES PETITS VELOS

 

https://www.qupe.eu

https://www.qupe.eu/livres/double-vue/

 

Après son savoureux Pour la route qui comptait et racontait les bistrots du 3ème arrondissement, fréquentés par le musicien Zarbiste Pablo Cueco, voici que sort, toujours dans la petite mais excellente maison d’édition Qupe, ce Double vue qui change radicalement de thématique et nous emmène, pas loin d’Epinay, Villetaneuse, Deuil, Sarcelles et autres délicieuses bourgades de la banlieue nord, lors d’une soirée d’été de 2001 qui aurait pu mal finir, style Le Bûcher des Vanités.

Une présentation originale, ludique et inspirée, qui narre selon la technique du double point de vue, le vol à l’italienne ou à l’arraché survenue à la famille de Pablo Cueco, un soir d'été caniculaire, en rentrant dans leur banlieue. Il suffit de retourner le livre pour retrouver, en miroir, après celle de Pablo, Vol de nuit,  l’autre version des faits, celle de son père Henri (écrivain, militant, peintre de la figuration narrative), intitulée Le gang des petits vélos. Le père et le fils font un compte-rendu, sensiblement différent, de ce fait divers qui  se termine bien somme toute…

Puis père et fils remontent le temps ou le poursuivent, à partir de cette fin août 2001, avec les souvenirs de certains événements décisifs comme la journée du 11 septembre 2011 ou des anecdotes plutôt nostalgiques de manifs.

Tous ces fragments, a priori disparates, liés par une certaine chronologie, qui tient du journal, finissent par créer, sinon un récit, du moins des moments forts, des traces indélébiles liées à la mémoire du père. Une complicité partagée, encouragée même par le père, des souvenirs sans pathos ni déballage, sans photos, plutôt un retour sensible, émouvant, un devoir de mémoire envers des notes non publiées du père qui ne resteront pas dans un tiroir.

Pulsions de vie et émotions fortes : à la mort d’un être aimé, on s’accroche, on donne du sens à tout ce qui fait retour. L’intérêt supplémentaire de ce petit opus est de donner une relecture, une réécriture à quatre mains. De partager encore, au delà de la mort.

Ecrire dans la foulée ce que ces mêmes faits vous inspirent est une formidable idée qu' a saisie Pablo Cueco. En fracturant la narration, court le fil de la vie et ainsi s’aménage, à coeur ouvert, la continuité de la famille. Et ce n’est pas un hasard de retrouver ainsi gravés à jamais, les derniers mots de la version paternelle :

Je me soigne aux histoires. Ça fait trois fois au moins que j’écris ces conneries de la maison. C’est comme les frères. C’était sinistre, épouvantable, mais ça nous faisait rigoler. Dans les réunions de famille, quand on a bu un peu, on se les raconte encore et ça fait rire à tous les étages des générations encore en vie. Bientôt ce sera notre tour, on nous racontera et ça sera toujours ça de vie qui nous restera...

Sophie Chambon

Henri et Pablo CUECO  DOUBLE VUE
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1 novembre 2020 7 01 /11 /novembre /2020 15:27


Pierre FARGETON, « Mi-Figue, Mi-Raisin, Hugues Panassié - André Hodeir, correspondance de deux frères ennemis (1940-1948) suivi de Exégèse d’un théologien du jazz, la pensée d’Hugues Panassié en son temps ».

Editions Outre Mesure. Collection Jazz en France.
Septembre 2020. 540 pages.


Le titre fait évidemment référence au conflit idéologique qui déchira la jazzosphère française de l’après-guerre 39-45 lors de l’avènement du be-bop entre les « figues moisies », traditionnalistes avec Hugues Panassié en chef de file, et les « raisins aigres », progressistes comptant parmi leurs leaders, Charles Delaunay, Frank Ténot, Boris Vian, mais aussi André Hodeir.

 

Les échanges de lettres entre Panassié et Hodeir nous étaient connus. Le jeune Hodeir (19 ans) avait dès 1940 contacté son aîné de neuf ans, auteur de Le Jazz Hot en 1934 et pilier du Hot Club de France pour lui demander conseils et avis.Mais leur teneur exacte nous en restait jusqu’à présent inconnue. Une partie du voile est aujourd’hui levée grâce à l’universitaire Pierre Fargeton, auteur d’une biographie d’André Hodeir (André Hodeir, le jazz et son double. Ed Symétrie. 2017.), couronnée par l’Académie du Jazz. Au décès d’André Hodeir (1921-2011), Fargeton a retrouvé dans les archives de ce dernier les lettres d’Hugues Panassié (1912-1974), exactement 43, dont 38 échangées entre 1940 et 1942 et 5 pour la période 1947-1948 quand faisait rage « la guerre du jazz ».


Certes, il manque les écrits d’André Hodeir sur lesquels le mystère reste entier (ont-ils été jetés, brulés ou simplement égarés ?). Cette « moitié de correspondance » selon les termes de Pierre Fargeton n’en reste pas moins un document rare et éclairant sur la relation entre deux hommes qui passera d’une « complicité de jeunesse » à un affrontement idéologique « farouche et définitif » en 1948 quand André Hodeir assure la rédaction en chef de Jazz Hot.


Chacune des lettres présentées bénéficie en effet de notes riches de l’auteur permettant de mettre en situation les propos d’Hugues Panassié. Globalement, la teneur de ces lettres passe d’annotations minutieuses et argumentées de disques, en réponse aux questions d’André Hodeir, dans la première période (1940-42) à des propos virulents, voire insultants à l’égard des « progressistes » que sont Delaunay, Ténot, Vian (qualifiés entre autres noms d’oiseau de « nullités ») dans les années 47-48.
Après qu’Hodeir ait mis en doute la sincérité de Panassié dans cette guérilla bourbeuse voire fangeuse, la correspondance s’arrête au printemps 1948 (« Puisque vous désirez interrompre là notre correspondance, interrompons », écrit le 17 mars Panassié).  

 

 Dans cette « brique » de plus de 540 pages, plus des deux tiers sont consacrées à une « exégèse d’un théologien du jazz ». Sur la base des écrits d’Hugues Panassié, Pierre Fargeton se livre à une analyse à partir du questionnement suivant : « quels principes préexistants, dans un esprit profondément religieux, vont pousser le jeune homme de 18 ans qui entre en critique musicale à plaquer sur son objet une vision du monde  qui n’avait nullement besoin du jazz pour exister et qui pourtant, au prix de contorsions intellectuelles plus ou moins paradoxales, va faire de celui-ci (le jazz) le symbole par excellence de la contestation du monde moderne ».


L’ouvrage, une somme d’informations, s’achève par un coup de projecteur sur la vie personnelle d’Hugues Panassié entre 1936 et 1947 (date de la scission dans le jazz français entre conservateurs et progressistes). « Alors que la catholicité exemplaire dont se réclame Panassié pourrait laisser supposer une vie aussi exemplaire sur le plan de la morale chrétienne du temps, sa vie privée, note l’auteur, regorge au contraire de turpitudes, d’opprobres et de scandales successifs ». Le lecteur est ainsi conduit à suivre par le menu une chronique de la vie sentimentale agitée du « Pape de Montauban », ses relations orageuses avec son épouse, Lucienne qui mènent à un divorce en 1947, sa passion pour Madeleine Gautier, sa maîtresse depuis les années 30, épousée en 1949.

 

De la chronique musicale à la rubrique des faits divers avec une incursion dans la religion et la politique, cette immersion dans la vie d’Hugues Panassié vous saisit, vous irrite, vous révolte, vous intrigue. Pierre Fargeton nous livre une étude qui fera date dans l’histoire du jazz en France.

 

Jean-Louis Lemarchand.

 


 

 

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