Une très belle soirée se tenait le 10 décembre au studio 104 de la Maison de la Radio (et de la Musique). Le contrebassiste Michel Benita présentait son quartette ‘Looking at Sounds’ (avec lequel il a enregistré pour ECM en 2019 un CD éponyme), et l’Orchestre National de Jazz donnait, en création ‘mondiale’, son nouveau répertoire ‘Frame by Frame’, inspiré par le rock progressif et la pop expérimentale : des musiques surgies à la toute fin des années 60 et au début des années 70.

MICHEL BENITA«LOOKING AT SOUNDS»
Matthieu Michel (bugle), Jozef Dumoulin (piano électrique, électronique), Michel Benita (contrebasse), Philippe ‘Pipon’ Garcia (batterie, électronique)

Paris, Maison de la Radio, studio 104, 10 décembre 2022, 19h30

Le groupe a joué pour nous une partie du répertoire de son disque. La tonalité générale est celle d’une musique mélancolique, mais sous-tendue par une véritable effervescence musicale : un jeu de batterie qui attise les tensions, que ce soit à mains nues, aux balais ou aux baguettes ; une partie de clavier très enveloppée d’effets électroniques qui métamorphosent en permanence l’habituelle sonorité de l’instrument ; un jeu de contrebasse qui engage, expose, indique et se déploie dans certaines séquences ; et en surplomb la sonorité, l’expressivité, la profonde musicalité du bugle. Bref tous les ingrédients d’un beau moment de musique, entre intensité et infinies nuances.

ORCHESTRE NATIONAL DE JAZZ «FRAME BY FRAME»

Frédéric Maurin (direction)

Quentin Coppalle (flûte, flûte alto, piccolo), Catherine Delaunay (clarinette), Jean-Michel Couchet (saxophones alto & soprano, clarinette basse), Julien Soro (saxophone ténor, clarinette), Fabien Norbert é Sylvain Bardiau (trompettes & bugles), Daniel Zimmermann & Jessica Simon (trombones), Mathilde Fèvre & Astrid Yamada (cors), Fanny Meteier (tuba), Frédérice Maurin (guitare), Bruno Ruder (piano électrique & synthétiseur), Stéphan Caracci (vibraphone, marimba, autres percussions, synthétiseur), Sarah Murcia (contrebasse, voix, synthétiseur), Raphaël Koerner (batterie)

Airelle Besson, Sylvaine Hélary, Sarah Murcia, Frédéric Maurin (arrangements)
Paris, Maison de la Radio, studio 104, 10 décembre 2022, 20h50

Les musiques sont empruntées aux groupes King Crimson (4 titres), Henry Cow, Genesis et Pink Floyd. Pour l’amateur chenu que je suis, bercé de jazz et de musique classique depuis l’enfance, qui entre 1967 et le milieu des années 70 ne possédait, côté rock et pop expérimentale, que des disques de ces groupes (sauf Genesis, que je trouvais trop ‘pompier’ ; et je n’avais pas de disques de Yes, qui ne figure pas à ce programme, pour la même raison). Et j’avais de surcroît une passion pour Soft Machine : pour moi donc ce programme est en lui-même une promesse. Exaucée au-delà de mes attentes, par la qualité des arrangements (l’apport des cuivres, et notamment des cors, qui donnent à ces musiques une couleur renouvelée), par les formes très libres, par la verve des solistes, et l’engagement de tout l’orchestre dans cette aventure hors-norme. L’une des principales réussite des arrangements est précisément d’avoir su restituer l’expressivité massive et appuyée des certains des thèmes tout en évitant le pompiérisme auquel a parfois succombé des courants du rock qui affichaient de grandes ambitions musicales. Pur plaisir donc, pour le mélomane jazzophile (mais pas que….). Vérification pour cette partie du concert sur France Musique le 7 janvier 2023, dans l’émission ‘Jazz Club’. Une bonne partie du programme de l’ONJ y sera diffusée. Quant au groupe de Michel Benita, il sera diffusé ultérieurement sur France Musique.

Xavier Prévost

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L’ONJ donnera à nouveau ce programme le 11 janvier à Nantes (Pannonica, Salle Paul Fort), le 10 février au Théâtre de Saint-Quentin-en-Yvelines, et le 7 mars à Paris, Théâtre du Châtelet (Festival ‘Le Châtelet fait son jazz’)

Peace ! En choisissant de jouer avec le pianiste Mario Canonge cette composition d’Horace Silver, le saxophoniste Thomas de Pourquery, tout juste couronné du prix Django Reinhardt 2021 de l’Académie du Jazz, a clairement affiché ce 3 mars au soir au Pan Piper (75011) devant la communauté du jazz réunie à cette occasion sa solidarité avec le peuple ukrainien victime de l’invasion militaire russe. Ce message humaniste au huitième jour de la guerre prit aussi la forme d’une brève déclaration en faveur de la liberté émise par un artiste atypique « tout étonné d’être là » et proposant, selon ses propres termes « une musique chelou ».

L’autre temps fort de cette cérémonie fut la lecture du message d’un autre lauréat du plus prestigieux prix de cette association fondée en 1954, Martial Solal, élu 1955 (diplôme remis alors par Jean Cocteau). Le pianiste a décroché le Grand Prix de l’Académie du Jazz (meilleur disque de l’année) pour « Coming Yesterday-Live at Salle Gaveau 2019 » (Challenge/DistrArt Musique), son tout dernier et ultime concert à 91 printemps.

« Il me faut tout de même vous dire combien cette récompense me touche, écrit le compositeur interprète dans ce texte lu par François Lacharme, président de l’Académie. Elle est la preuve que j’ai fait correctement mon travail, un travail difficile, un métier de passion mais aussi de compétition, d’embûches, de critiques, un métier que j’ai commencé dans les pires conditions avant de le terminer à Gaveau, peut-être la plus belle scène pour les pianistes, et qui se conclut par un trophée ô combien enviable, le Grand prix de notre académie ».

Diverses prestations musicales ont rythmé cette soirée, assurées notamment par Stéphane Belmondo au bugle (prix du disque français) dans un duo avec le guitariste Sylvain Luc, Laurent Mignard dans une formation réduite de son Duke Orchestra (prix du jazz classique) où brillèrent la clarinettiste Aurélie Tropez et une découverte pour beaucoup, l’harmoniciste Rachelle Plas, ou encore le trompettiste-bugliste suisse Matthieu Michel (prix du musicien européen) dans une version sensible de La Javanaise.

La surprise était aussi au rendez-vous sur scène avec un joueur de cymbalum, Marius Preda, artiste roumain installé en Californie et professant aux Pays-Bas qui présenta deux œuvres d’Oscar Peterson et Charles Mingus. Quelques notes de musique aussi dans les vidéos envoyées par les lauréat(e)s absentes sur scène : la chanteuse Veronica Swift (prix du Jazz Vocal) -promise, qui sait, à la renommée de la plateforme de messagerie bancaire éponyme- captée au Blue Note de New-York ou encore Robert Finley, vétéran sexagénaire couronné pour son troisième album (prix soul) avec un solo a cappella.

Séquence émotion et patrimoine enfin en deux temps : le prix du Livre décerné à Ludovic Florin pour une biographie de Chick Corea, disparu l’an passé et un hommage rendu par François Lacharme à son prédécesseur décédé en février 2021, Claude Carrière. Chacun pourra à ce sujet lire le texte touchant, instructif et drôle signé de son complice d’un quart de siècle à Jazz Club, Jean Delmas, et disponible sur le site de l’Académie du Jazz.

Gardienne des valeurs du jazz, l’Académie se veut à l’écoute des tendances actuelles. Un nouveau prix, baptisé Evidence, va enrichir prochainement le palmarès, a-t-il été annoncé. Il aura pour vocation de récompenser un album français ou étranger d’un(e) artiste ou d’un groupe en développement, qui se singularise par sa charge créative, sa qualité d’exécution, sa musicalité et de sortir une « pépite » de l’anonymat .

Jean-Louis Lemarchand (membre de l’Académie du Jazz).

(1)    Le prix Django Reinhardt bénéficie du soutien de la Fondation BNP Paribas avec une allocation de trois mille euros.
(2)    Le lecteur pourra retrouver sur ce même site la chronique de l’album de Martial Solal et un entretien avec Lionel Belmondo, co-leader du Belmondo quintet.
(3)    L’intégralité du message de Martial Solal est disponible sur la page Facebook de l’Académie du Jazz.

©photo Philippe Marchin & Jean-Louis Lemarchand.

Grand Prix Jazz

Edward Perraud « Hors Temps » (Label Bleu / l'autre distribution)

Grand Prix Blues & Soul

Cedric Burnside : "I Be Trying" (Single Lock/Modulor)

Prix in honorem Jazz, Blues & Soul

Bruce Iglauer, fondateur d'Alligator, le label indépendant qui porte haut les couleurs du blues depuis 50 ans, à l'occasion de la parution de "50 Years of Genuine Houserockin' Music" (Alligator/Socadisc)

Coups de cœur Jazz

Airelle Besson « Try » (Papillon Jaune / l'autre distribution)

Vijay Iyer-Linda May Han Oh-Tyshawn Sorey « Uneasy » (ECM / Universal)

Samara Joy « Samara Joy » (Whirlwind Recordings / Bertus )

Vincent Lê Quang « Everlasting » (La Buissonne / PIAS)

Pierrick Pédron « Fifty-Fifty » (Gazebo / l'autre distribution)

Edward Perraud « Hors Temps » (Label Bleu / l'autre distribution)

Léon Phal « Dust to Stars » (Kyudo Records / l'autre distribution)

Veronica Swift « This Bitter Earth » (Mack Avenue / PIAS)

Umlaut Big Band « Mary’s Ideas » (Umlaut Records / l'autre distribution)

Louis Winsberg Trio « Temps réel » (Gemini Records / Absilone)

Coups de cœur Blues & Soul

Cedric Burnside : "I Be Trying" (Single Lock / Modulor)

Eddie 9V : "Little Black Flies" (Ruf / Socadisc)

Robert Finley : "Sharecropper's Son" (Easy Eye Sound / Bertus)

Ont participé aux votes

Commission Blues & Soul

Joe Farmer, Stéphane Koechlin, Jacques Périn, Jean-Michel Proust & Nicolas Teurnier

Commission Jazz

Philippe Carles, Alex Dutilh, Alice Leclercq, Arnaud Merlin, Nathalie Piolé, Xavier Prévost, Jean-Michel Proust & Daniel Yvinek

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Sur le site de l'Académie Charles Cros, le palmarès Jazz, Blues & Soul 2021, avec présentation des disques par les membres du groupe Jazz, Blues & Soul

http://www.charlescros.org/Palmares-2021

http://www.charlescros.org/Selection-Jazz-Blues-Soul-2021 

http://www.charlescros.org/Selection-Jazz-Blues-Soul-2021

Avec un peu d’avance sur le calendrier, le Sunset engagera ce 17 décembre les festivités de son 40 ème anniversaire avec une programmation ouverte et diverse, signature de la ligne artistique du club de la Rue des Lombards, devenue au fil des ans l’équivalent parisien de la 52 ème rue de New York à la belle époque.

La date de naissance exacte de ce temple du jazz reste inconnue mais c’était bien en 1982, assurent Stéphane Portet, actuel « boss » du club, et son père, le fondateur, Jean-Marc. Pianiste renommé, spécialement apprécié des vocalistes, Olivier Hutman, fut l’un des premiers à se produire au Sunset, alors réputé pour promouvoir le jazz-rock et la fusion.
 
Avec l’arrivée en 1993 à la direction artistique de Stéphane Portet, l’offre musicale s’élargit à tous les courants du jazz, désormais proposés sur deux scènes à la même adresse (60, rue des Lombards) Aujourd’hui, ce sont plus de 750 concerts qui sont programmés par an pour une fréquentation  évaluée à plus de 60.000 passionnés.

Quand on l’interroge, Stéphane Portet cite d’entrée de jeu Didier Lockwood (1956-2018) comme « le musicien qui a le plus marqué l’histoire du club », tenant la scène jusqu’à un mois d’affilée dans des formations et des styles différents. Mais le Sunset-Sunside tire aussi sa fierté de consacrer 80 % de sa programmation à des artistes français. Des jazz(wo)men qui seront à l’affiche dès le 17 décembre pour souffler avec anticipation les 40 bougies du club que ce soit des habitués des lieux (les frères Belmondo, Aldo Romano, Géraldine Laurent, Pierrick Pedron, Laurent de Wilde…) ou des nouvelles voix du jazz vocal (Camille Bertault, Cécile Recchia, Estelle Perrault…), aux côtés de confrères européens (Stefano di Battista, Giovanni Mirabassi) ou américains (Eddie Henderson, Jorge Rossy, Leon Parker…).

Le Sunset-Sunside, qui a comme beaucoup de clubs subi le choc du Covid 19 (une année de fermeture), se prépare à fêter comme il se doit ses 40 ans en 2022 avec un concert au voisin Théâtre du Châtelet (le 28 janvier) proposant quelques pointures : David El Malek, Etienne MBappé, Rhoda Scott et son Lady All stars, Jacky Terrasson, Jean-Jacques Milteau, Yaron Herman, Sylvain Luc et Stéphane Belmondo.

Jean-Louis Lemarchand

Sunset

©shot Jean-Baptiste Millot

DJAZZ NEVERS : entrons dans la danse

Lundi 8 novembre, une folle journée

Les choses sérieuses commencent : trois concerts aujourd’hui, soit le rythme habituel du festival qui dure une semaine du 6 au 13 novembre. Le public est présent, répondant à l’appel, heureux de cette reprise après l’année blanche de la pandémie.

Commencer un concert à midi un lundi, ça il ne l’avait jamais fait, nous confie le vibraphoniste Franck Tortiller en présentant son duo avec le guitariste Misja Fitzgerald Michel. Les Heures propices  est un titre tout à fait indiqué, référence à Lamartine qu’il cite en Bourguignon chauvin et ...sudiste, lui qui vient de Saône et Loire, titillant volontiers les Nivernais ou Neversois.

C’est en effet l’heure exquise pour nous griser de mélodies folk et pop des seventies, période qu’affectionne l’ ancien directeur de l’ONJ 2005, au programme provocateur : rien moins qu’ un hommage au flamboyant Led Zep, l’apocalypse en neuf disques qui avait fait bondir les puristes, mais aussi les adorateurs du culte qui voyaient d’un oeil noir les jazzmen venir troubler leur grand messe, oubliant que la musique du Zeppelin est un alliage absolu de blues irrigué de sauvages envolées free sonnantes. On rappellera une fois encore que le jazz n’est pas lié à un matériau spécifique, mais qu’il réside surtout dans la manière de jouer. Démonstration réussie avec le duo, un “sans faute” avec un son naturel, qui plus est.

Misja Fitzgerald Michel tourne dans des contextes différents, des formations qui lui permettent de pratiquer avec aisance une gymnastique totalement acrobatique, un grand écart des formes. Tout réside souvent dans des changements d’accords, de tons, avec des phrases complexes, de longs développements quand il choruse. Ce qui n’enlève rien à la finesse de l’ensemble. Misja célèbre la guitare plurielle sur sa guitare folk. Avec Franck Tortiller, il connaissent les chansons, les reprennent parce qu’ils les aiment tous deux et nous les font découvrir autrement. C’est en entendant son album Time of no reply, une reprise du chanteur poète Nick Drake, troubadour disparu trop tôt en 1974 que Franck Tortiller eut l’idée d’un projet commun. Le vibraphoniste a fait un travail remarquablement affûté sur les arrangements de “standards”. On ne dira jamais assez à quel point il est intéressant d’exercer son talent sur des mélodies qui ont fait leur preuve. Il privilégie une recherche constante de dynamiques, adaptant les couleurs et timbres de la guitare et du vibraphone, un alliage inusité, fusion des cordes et du métal teintée d’un éclat particulier.

Le duo donne ainsi des versions inattendues de thèmes venus d’univers musicaux pour le moins séparés, les chevaux de bataille de “Bemsha Swing” (T.S Monk) et “Segment” (Charlie Parker), “Redemption Song” de Marley, “Little Wing” d’Hendrix, ou le délicat “Guinnevere” du trio aux harmonies vocales cristallines, Crosby Stills Nash (sans Young ) à Woodstock. Il ajoute “Air Love and Vitamins” d’ Harry Pepl, devenu un hymne pour les musiciens autrichiens, se souvenant de son passage au sein du Vienna Art Orchestra, exhume Jim Pepper, pionnier du jazz fusion, saxophoniste “native” de la tribu des Kaw dans l’Oregon avec sa composition “Witchi Tai”, maintes fois reprise.

Comment rendre le ballet des mailloches sur les lames, la fluidité virtuose, la vitalité bluffante de  Tortiller? Son enthousiasme à jouer n’a d’égal que son expertise sur le vin et les cépages bourguignons du chardonnay et de l’aligoté qu’il aime à célébrer alors que nous sommes ici en terre de sauvignon! D’ailleurs, le duo termine sur une composition de son cru, “le Clos des Corvées” élevé à Couches, à la maison! A ses côtés, flegmatique, ce grand escogriffe de guitariste joue rythmique avec le plus grand sérieux quand il faut soutenir les envolées rebondissantes de son partenaire mais sait aussi changer de rôle et mener la danse dans de longues échappées.

L’esprit de ses musiques est conservé, mais transposé et le duo parvient à unifier l’ensemble et à le jazzifier quelque peu. Un répertoire rendu original en quelque sorte et qui pourtant réveille une nostalgie bienheureuse. C’est toute la grâce de ce festival pointu du réseau AJC, que de faire découvrir des choses rares, de programmer des concerts que l’on n’ entendra plus dans les grosses machines estivales.

Changement de décor et de style avec le deuxième concert à 18h30, au Café Charbon, salle de musiques actuelles qui fête son inauguration après de grandes transformations, en accueillant le quartet du tromboniste Daniel Zimmermann dans Dichotomie’s. J’ai toujours suivi ce musicien dans ses aventures, ne pouvant oublier que j’ai assisté à l’émergence du jeune tromboniste, dès son premier album plutôt déjanté des Spicebones, il y a vingt ans.

Ce concert est absolument stupéfiant dans l’instrumentation mais aussi dans le choix de chacun des musiciens de cette bande. Ils ne sont que quatre mais ils déménagent comme un grand orchestre. Le batteur Franck Vaillant au look improbable est un bâton de dynamite allumé quelques secondes avant explosion, imprévisible et étonnamment fiable, toujours juste dans sa recherche de sons et textures. Démentiel dans sa découpe rythmique, il allume la mèche  (Benzin était son nom), totalement réglé dans son dérèglement, droit sur son tabouret, aux commandes d’un set de batterie monstrueux qu’il doit démonter en un temps aussi long que le concert. Une folie certaine en un sens, une force comique irrésistible, cartoonesque, quand il est lancé à un train d’enfer. Personne ne se regarde dans ce groupe  mais chacun sait ce qu’il a à faire.

Le saxophoniste basse, en charge d’un engin impressionnant, Gérard Chevillon qui remplace magnifiquement Rémi Sciutto, fait entendre son chant obstiné, ostinato qui enclenche à lui seul une transe. Daniel Zimmermann eut d’abord l’idée de remplacer la basse par un tuba puis se ravisant, pensa au saxophone basse. L’effet est plus que concluant: soutien du groupe, il est sa colonne vertébrale, mais reste très musical quand il prend un solo.

Le pianiste Benoît Delbecq vit sa vie de son côté, sound designer sur tous ses dispositifs, ses pads de batterie ne marchant pas toujours au démarrage, un dérèglement toujours possible dans l’horlogerie de ses machines.

Ce serait Daniel Zimmermann qui jouerait de la façon la plus sobre, si ce qualificatif ne paraissait déplacé pour ce groupe, avec les sourdines habituelles, la plunger et la mute qu’il colle au micro pour absorber au mieux le son et une pédale wah wah du meilleur effet. Quand on aime le trombone souple, gouleyant, moelleux même, si proche de la voix, aux graves profonds, on apprécie son jeu mélodique.

Comment comprendre le titre du programme ? Désir de laisser affleurer les champs du possible, de réunir les contraires, de se déplacer dans l’hyper texte de la musique en traversant les strates de sens, dérégler quand cela sonne trop juste, détourner, faire exploser les idées reçues. Mettre un peu de trouble…

Le leader présente chaque compo, annonçant avec un humour ravageur la fin du monde, de notre monde, et son ironie fustige les méfaits de notre société, cherchant à réveiller notre culpabilité. Le jour d’après” est un titre trouvé avant le confinement, “My Sweet New Zealand Bunker” ou l’évasion des plus riches, “Toad Buffalo Courtship Dance”, la danse grotesque du crapaud buffle amoureux, “Vieux Robot” ou comment on finit totalement déglingué. Et dans ce monde qui a perdu la raison, un miracle se produit, une chanson d’amour, "Little Sun”, le groupe se calme à notre plus grande surprise et cela sonne drôlement beau, juste et doux. Delbecq joue seulement du piano, Zimmermann veille sur son équipage et nous berce voluptueusement, le sax basse  ronronne d’aise et Vaillant se cale et ralentit le tempo.

Pour le dernier spectacle de la soirée, on revient au Théâtre avec la troupe de la pianiste Eve Risser qui présente son projet Eurytmia. Ce soir l’africanité a débarqué dans les ors et les rouges du théâtre classique à l’italienne. Le jazz venu d’Amérique, s’il revendiquait ses racines africaines, n’a pas grand chose à voir avec la musique malienne. Mais la compositrice chef de troupe endosse la responsabilité et tente la rencontre musicale, en une fusion fertile.

Eve Risser que l’on a découvert avec l’ONJ de Daniel Yvinec (2009-2013) a multiplié les projets les plus innovants depuis cette rampe de lancement. Des projets mixtes à tous les sens, dans la composition des formations et dans l’exploration de terres à défricher. Le choc sismique, elle l’ a ressenti en voyageant en Afrique de l’ouest et en découvrant des musiques, une manière d'être et de jouer, un autre temps et tempo.

Après le White Desert Orchestra qui entraînait vers les déserts blancs, les étendues de neige, de glace et de roches du Grand Nord, souvenir de la Norvège où elle a vécu, avec des paysages qui continuent à la poursuivre, puisqu’elle s’est installée dans les Vosges dans un coin qui les lui rappelle, nous confiera t-elle. Une abstraction blanche, une exploration géomorphologique où le jazz, le contemporain, le classique se glissaient dans les failles et autres anfractuosités de la roche. Une partition exigeante pour des musiciens aguerris qui peuvent aller du swing au hip hop sans crainte de l’écart.

Le deuxième volet, en miroir, Red Desert Orchestra, voit défiler d’autres déserts, les rouges étendues de latérite de l’Afrique de l’Ouest, du pays mandingue. Une introspection au coeur de ces terres qu’Eve Risser entend explorer, ces strates qu’elle dégage et fait surgir, obsédée par le “creusement”. 

Le Red Desert Orchestra a deux programmes: Kogoba Basigui, grand format de seize musiciens et musiciennes, neuf instrumentistes européens et les sept musiciennes très engagées du Kaladjula Band de la griotte Naïny Diabaté, militante de la cause des femmes au coeur de la musique malienne, traditionnellement aux mains des hommes. Pour aller à leur rencontre, Eve Risser a décidé de monter son propre groupe de douze musiciens en parfaite parité homme-femme, à l’instrumentation mixte: diverses percussions (deux balafons, deux djembes, un dun, un ngoni ) des cuivres ( un trombone, une trompette, trois saxophones), un piano, une guitare et basse. Une belle énergie pour cet ensemble faisant front, tous serrés sur la scène, les soufflants vent debout. Un effet de tribu pour jouer un spectacle à partir d’une écriture travaillée, irriguée d’improvisations.

Ce répertoire qui semble plus simple, basé sur la puissance des rythmes, enchaîne une suite en quatre parties, une composition qui s’achève sur un solo du sax baryton Benjamin Dousteyssier qui a une façon très expressive de souffler en gonflant les joues avec une force et une amplitude, qui évoquent Dizzy et sa manière si peu orthodoxe de jouer. Avec Antonin Tri Hoang, le saxophoniste baryton fait partie du remarquable projet de l’Umlaut Big Band, Mary Lou’s Ideas, preuve de l’ éclectisme du meilleur goût de ces musiciens, des jeunes qui aiment se frotter à tous les univers, se fichent bien des frontières stylistiques et semblent parfaitement à l’aise dans cette musique festive qui sonne bien. On est passé du swing le plus jubilatoire au groove euphorisant, musique pacifiée qui emplit d’aise.

Cela débute par des effets de souffle, de frottements bizarres qui envahissent l’espace. Avant que ne démarre le chant des tambours, progressif et bientôt continu, de doux unissons des cuivres qui ne sont jamais déchaînés quand ils font corps sauf dans les solos qu’ils prendront par la suite. Puis les rythmes africains en 6/8 des balafons s’en mêlent et c’est parti pour une tournerie qui semble ne jamais vouloir finir. Un équilibre fragile s’établit entre les riches harmoniques de la pianiste et la mélopée cyclique des tambours, mais l’échange fonctionne, ça circule entre les masses orchestrales qui se fertilisent.

Eve Risser fera une pause pour commenter son travail laissant ainsi le groupe et la musique respirer avant d’attaquer le final. Le public s’est chauffé et en redemande. Que faire comme rappel? D’habitude, dira la guitariste Tatiana Paris, toute petite, cachée derrière les soufflants, alors que sa collègue bassiste Fanny Lasfargues ( trio Q) qui manie une énorme guitare basse électro acoustique s’est hissée sur un praticable, on rejouerait des segments de la suite. Mais là ce sera une composition du percussionniste Oumarou Bambara qui fait se dresser le public, tout à fait volontaire pour entrer dans la danse, pris dans une douce transe, une euphorie contagieuse. Spectacle pour le moins insolite, une standing ovation du parterre et des balcons, tout finit dans la liesse et la danse.

 Le succès est total, la chef aux anges. Le groupe n’a pas encore enregistré, mais cela ne saurait tarder, Eve Risser qui ne manque pas de projets est confiante, ravie d’avoir pu jouer deux jours d’affilée ce programme, ce qui a permis à la musique d’avancer, de se développer. Elle pense même à créer sa propre structure pour aider à la diffusion, imaginant des salles, de lieux gérés par les musiciens qui pourraient accueillir les groupes plusieurs jours d’affilée.  Qu'il est doux de rêver dans la nuit nivernaise.

MERCI à MAXIM FRANCOIS une fois encore pour les photos!

Sophie Chambon