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3 janvier 2024 3 03 /01 /janvier /2024 11:03

   Les amateurs de la « Black Music » retiendront de Les McCann, pianiste-compositeur-chanteur décédé le 29 décembre à Los Angeles, à 88 ans, sa version de Compared to What, captée en direct au festival de Montreux en 1969 en compagnie du saxophoniste Eddie Harris, de Benny Bailey (tp), Leroy Vinnegar (b) et Donald Dean(dr) ... Un cocktail de jazz, gospel, funk, soul qui envoute le public du festival suisse, devient un « Hit » planétaire, avant d’inspirer nombre de chanteurs et de faire une deuxième carrière sous forme de sampler avec Dr.Dre et tant de stars hip-hop.

 

     L’histoire de cette composition –qui condamne la guerre, l’appât du gain- remonte à la fin des années 50 quand son auteur, le chanteur Eugene McDaniels, participe au groupe formé en Californie par un pianiste autodidacte, natif de Lexington (Kentucky), Leslie Coleman McCann.

    A 24 ans, Les McCann anime un trio avec le batteur Ron Jefferson et le bassiste Leroy Vinnegar qui obtient son premier succès discographique avec « The Truth » sorti en 1960 et décroche une tournée en France en 1961 (« Il fut sans conteste la révélation du festival d’Antibes Juan les Pins », écrit alors Jean Tronchot).
 


    La gloire viendra donc avec l’album enregistré au festival de Montreux en 1969. Affaibli par une attaque en janvier 1995 lors d’un concert en Allemagne qui paralysa son côté droit, Les McCann revint vite sur scène et guida les premiers pas d’artistes tels que Roberta Flack, Monty Alexander, Lou Rawls.

     En 2001, le pianiste avait fait une tournée européenne pour présenter un album « Pump It Up » (Cream Records) où il avait invité entre autres Marcus Miller, Maceo Parker, Billy Preston, Dianne Reeves. Un disque survitaminé, gorgé de soul, qui reprenait quatre décennies plus tard le premier « tube » de Leslie Coleman McCann, « The Truth ».


Jean-Louis Lemarchand.

 

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23 décembre 2023 6 23 /12 /décembre /2023 17:46

     Le monde du jazz pleure un documentariste d’exception avec la disparition le 23 décembre de Frank CASSENTI à La Ciotat (Bouches du Rhône).

     Réalisateur né au Maroc, Frank Cassenti obtient son premier succès avec l’AFFICHE ROUGE, prix Jean Vigo 1976, dédiée aux résistants de la région parisienne fusillés par les occupants allemands le 21 février 1944 au Mont Valérien. L’un de ses chefs, Missak Manouchian, né en Arménie, fera d’ailleurs l’objet d’un hommage national en février 2024 avec le transfert de ses cendres au Panthéon, décision du président Emmanuel Macron.
     

     Mais c’est avec le jazz que Frank Cassenti gagne une renommée internationale, bien au-delà de la sphère des jazzophiles. En 1982, il tourne dans des conditions spartiates un documentaire sur Michel Petrucciani. De courte durée (36 minutes), le film présente le jeune pianiste de 20 ans en studio à Paris et à Roissy où accompagné par sa mère, Anna, et son producteur Jean-Jacques Pussiau, il va s’envoler, en solo, pour la Californie. Projetée au festival de Cannes en mai 1983, « Lettre à Michel Petrucciani » sera diffusée la même année par TF1 (c’était avant la privatisation de la chaîne).

 

     Dès lors, Frank Cassenti va réaliser des documentaires sur des légendes (Billie Holiday, Sun Ra…) et filmer en direct quelques figures notables du jazz, Wynton Marsalis, Henri Texier, Richard Galliano et Archie Shepp auquel il consacra deux documentaires ( Je suis jazz… c’est ma vie, 1984, et Changer le monde, 2020). Avec le saxophoniste, héraut du free jazz, Frank Cassenti collaborera également au sein du festival de jazz de Porquerolles (Var) qu’il crée en 2002 et dont les deux parrains sont Archie Shepp et Aldo Romano. Amitié toujours car Aldo Romano fut avec Jean-Jacques Pussiau à l’origine de la carrière de Michel Petrucciani.

 

"Ma façon de filmer repose sur l’improvisation", confiait Frank Cassenti (cité dans 'Michel Petrucciani, le pianiste pressé'. Franck Médioni. Editions l’Archipel. A paraitre le 4 janvier 2024.) "Je filme avant tout avec le cœur. Le jazz m’a appris cette façon d’être : mettre le hasard en état de grâce et laisser transparaître l’invisible".


Jean Louis Lemarchand.

 

©photo X. (D.R.)

 

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9 décembre 2023 6 09 /12 /décembre /2023 11:15

       Un titre à lui seul, « Night Cap », résume la vie et le style de Michel Sardaby qui vient de disparaître le 6 décembre à l’âge de 88 ans.
     Cette composition donne son titre à un album enregistré en 1970 avec deux comparses aussi occasionnels que brillants, Connie Kay (batterie) et Percy Heath(contrebasse), heureux de quitter un moment la rigueur du MJQ.


     ‘Night Cap’, c’est le dernier verre avant de se mettre au lit. Le martiniquais Sardaby s’y entendait, lui l’amateur de rhum, à distiller rythme et mélodie dans ce style be-bop bien reconnaissable. Un style qui lui assura au Japon une renommée comparable à celle d’une autre icône du jazz français, Barney Wilen.

     Éternel insatisfait, Michel Sardaby, enseignant respecté, avait depuis longtemps abandonné tout travail au service des autres. Sa conception du jazz était inchangée depuis ses premières prestations dans une brasserie à Fort de France avec des musiciens américains de passage : une musique festive ! Et pour illustrer son propos, ce jour de 2008 lors d’un entretien avec l’auteur de ces lignes, Michel Sardaby s’installait à son piano, un Pleyel 1934 et interprétait une de ses compositions, « Night Blossom », une œuvre finement ciselée dans les mains de cet ancien élève de l’école Boulle.

 

 


Jean-Louis Lemarchand.

 

©photos Jean-Luc Noël et Pierre de Chocqueuse.

 

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21 novembre 2023 2 21 /11 /novembre /2023 11:03
Djazz Nevers : un final  contrasté  très féminin

Djazz Nevers : un final  contrasté très féminin

 

Astral, Leïla Olivesi et son octet

Grande salle de la Maison, 20h 30

 

 

Astral est le sixième album de la pianiste Leïla Olivesi sorti en novembre 2022 ( Attention Fragile/ L'Autre Distribution), Prix Django Reinhardt de l'Académie du jazz en 2022. La pianiste chef d’orchestre, musicologue, pédagogue fut nommée l’artiste féminine de l’année par cette même institution, la sixième femme repérée en soixante dix ans! Ce soir pour un final très suivi du D'Jazz Nevers Festival, elle présente une suite brillante qui nous propulse dans le cosmos dans la grande salle de la Maison de la Culture de Nevers (près de 800 places).

Comme Duke Ellington, l’un de ses modèles, elle a plusieurs cordes à son arc, exerçant diverses fonctions parmi les plus importantes du jazz : pianiste, compositrice, cheffe d’orchestre et de cette petite entreprise que constitue chaque projet. Elle applique d’ailleurs dans ses créations le plan de sa thèse (consacrée au maître) qui étudie cette triple fonction dans ses aspects les plus complets, en s’employant à diriger à partir du piano” qu’elle considère comme un laboratoire de création. La musique évolue sur la scène à chaque concert, une performance qui se vit avec le public. Quand elle a écrit les partitions, elle savait précisément qui allait jouer, ayant réservé à chacun de ses “all stars”, merveilleux solistes de la scène jazz actuelle, des rôles adaptés à leur timbre respectif et à leur caractère singulier. Sans se dispenser des surprises des improvisations où elle laisse filer, ravie, attendant en observatrice éclairée, prête à des ajustements si nécessaire. Sa “dream team” est composée ce soir de Baptiste Herbin (alto sax, flute) Adrien Sanchez (ténor sax) Jean Charles Richard (sax baryton et soprano) Quentin Ghomari (trompette) Yoni Zelnik (contrebasse)Donald Kontomanou (batterie) Manu Codja (guitare). En invitée, la chanteuse Chloé Cailleton intervient sur les dernières compositions, des poèmes de la féministe Lucie Taïeb (“Soustraire à la Lumière” et si je me souviens bien “Au Fil des Rêves).


Le concert s’ouvre avec la composition qui a donné son nom à l’album avec un solo tout en douceur d’Adrien Sanchez au ténor auquel se joint la guitare reconnaissable de Manu Codjia. Puis bousculant l’ordre de la set list -c’est l’un des moments les plus forts, l’hommage au grand homme de radio, producteur, créateur du Jazz Club, expert s'il en est de Duke Ellington, mon "papa de jazz" qui me fit entrer de plain-pied dans l’univers ellingtonien en 1977 dans ce formidable feuilleton radiophonique sur France Musique, la série de "Tout Duke".

La Missing CC Suite  tendre et émouvante est en deux parties “Missing CC” et “Portrait" commencées deux jours seulement après  la disparition de son ami et guide. Elle attaque au piano dans le plus bel exemple de fidélité à l’esprit de Duke Ellington, un hommage que n’aurait pas renié Claude Carrière. Et c’est Baptiste Herbin qui s’improvise en place du moelleux Johnny Hodges qu’il bouscule ensuite dans un jeu convulsif aux accélérations effrénées. Ce qui aurait intéressé l’alto d’Ellington qui savait aussi jouer velu dans certaines circonstances. Quentin Ghomari à la trompette sait aussi intervenir dans cette frénésie. Dans le Portrait de CC, Jean Charles Richard au baryton où il excelle se substitue à Harry Carney en plus tendu.  Les solistes ne sont ils pas les nouveaux acteurs d'une Cosmic suite façon Olivesi, écho réussi de The Cosmic Scene with his Space men, un octet du Duke en 1958 ?

Leïla Olivesi s’attaque aussi à une autre grande figure de la musique jazz américaine, la pianiste Mary Lou Williams, l’une de ces instrumentistes pionnières à avoir ouvert la voie pour les musiciennes d’aujourd’hui.  Leïla a composé un portrait sensible de cette femme exceptionnelle qui a traversé l’histoire du jazz, évoluant avec cette musique sur près de cinq décennies. Comme Pierre Antoine Badaroux qui vient de reconstituer la Zodiac Suite de Mary Lou avec son Umlaut Chamber Orchestra, Leïla Olivesi est allée travailler sur les archives  léguées à l’Institute of Jazz Studies de Newark (New Jersey). Elle propose ce soir le mouvement dédié au "Scorpio", qu’elle aménage à sa façon avec la flûte d’Herbin et le baryton de JC Richard en liberté. Un bon choix ( thème repris aussi par la regrettée Geri Allen, autre figure d' admiration de Leïla Olivesi) qui modifie la version initiale au Town Hall en 1945 resserrée en un trio dépouillé de toute orchestration. D’autres compositions suivent comme cette “Constellatio Draconis” très cuivrée où les musiciens suivent les signes et autres indications pour intervenir. On continue ainsi le parcours entre étoiles et lumineuses constellations  dans un alignement cohérent et raffiné.

 

Ana Carla Maza, Caribe.

Final latino-américain 

La soirée continue avec un spectacle vraiment “caliente”, un show à l’américaine d’un orchestre latino qui suit une meneuse de revue survoltée, violoncelliste, chanteuse, danseuse. C’est la jeune Ana Carla Maza (au français parfait), fille de musiciens qui débuta très jeune sur scène et fait le bonheur du public dans son “Caribe” enflammé et provocant…

C’était le final de cette édition réussie et contrastée qui continue à proposer l’aventure de tous les jazz(s) et musiques affines.

Sophie Chambon

 

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18 novembre 2023 6 18 /11 /novembre /2023 16:22
Vendredi 17 novembre, septième jour de D'Jazz Nevers.

 

 

Essor et Chute de notre civilisation

Café Charbon 12h15  Romain Baret Quintet

Il faut anticiper avec la pluie menaçante qui finit par tomber au moment où je me mets en route en direction du Café Charbon, ancien dépôt de locomotives d’une ligne SNCF locale. Transformé en scène de jazz actuelle à l’année, il accueille ce jour le concert de midi au titre quelque peu grandiloquent Essor et Chute (de notre civilisation) qui fait souvenir des considérations de Diderot sur la Grandeur et décadence de l’Empire romain, évoquant sans appel la Rome antique, ses forces politiques et ses inévitables abus d’où l’inexorable chute.

Le parallèle a quelque chose de vrai entre la situation actuelle de notre planète et le discours philosophique du grand penseur dixhuitiémiste. C’est en effet un projet éminemment politique que nous présente le leader de ce quintet jazz rock, le guitariste et chanteur Romain Baret  qui occupe le centre de la scène et qui est le narrateur de cette fresque épique : il a composé une suite en deux actes  avec prologue instrumental et épilogue,  si j'ai bien suivi, sur plus d’une heure dénonçant l’emballement vertigineux du capitalisme depuis les débuts de l’exode rural et de la première révolution industrielle jusqu’à notre course précipitée vers la catastrophe écologique, le réchauffement climatique, une plongée dans un inconnu terrifiant… La musique illustrerait un film imaginaire en un accéléré saisissant qui nous ferait revivre, même les yeux fermés, les étapes d’un désastre prévisible, la chronique de notre destruction annoncée.

Le véhicule emprunté, un quintet jazz rock prog ardent avec deux soufflants incandescents, la flûtiste Sophie Rodriguez qui se taille la part du lion avec une partition quasi ininterrompue, soutenue par le saxophoniste ténor mâconnais Eric Prost desservi par la sonorisation.

La rythmique puissante est la force de ce groupe avec une batteuse implacable Elvire Jouve qui avance avec détermination soutenue par un contrebassiste non moins solide Michel Molines qui passera sur le dernier morceau “The Rise of Hope” à la basse électrique, rappel peut être superflu après le relatif déluge de feu qui s’est abattu sur nous. Car la batteuse est un bâton de dynamite allumé quelques secondes avant explosion : quelque peu sauvage, elle allume la mèche, précise et mécanique . Ils sont cinq mais ça déménage comme un grand format et on est vite emporté dans ce flot qui nous charrie vers le vide!

 

 

Car dès le début qui acte le départ des champs, il m’a semblé entendre avec le grondement de la rythmique, l'envol des soufflants et le chant du guitariste comme un tableau précipité de notre fin. L'erreur pour le chroniqueur est de chercher dans la musique la traduction (un peu trop) littérale de cette présentation en deux parties qui suit la montée  en puissance dans l'allégresse du progrès avec le machinisme, l’exploitation intensive des travailleurs et d'attendre après un climax les guerres et crises diverses...

Le groupe qui sort un très bel objet CD numéroté avec le collectif Perce-oreilles chez Inouïe Distribution reçoit le soutien du  CRJ nouvelle mouture de 2016 (Centre Régional de Bourgogne Franche Comté). Cet outil de structuration du jazz, initialement créé  en 2000 pour la seule région Bourgogne accompagne le développement du jazz et des musiques improvisées par la mise en réseau des acteurs sur le terrain. Favoriser la création “au pays”, aurait-on dit avant, aider au développement “durable” du territoire. Ce qui va à merveille avec le sens de la marche du groupe qui croit à son projet. 

Cette bande soudée à six  car il faut compter avec les lumières stroboscopiques, les feux et fumées de Romain Bouez qui prédit l’apocalypse, en met plein les yeux dès le départ. Le titre du programme  peut se comprendre dans le désir de laisser affleurer les différents champs possibles, de réunir les contraires, de se déplacer, superposer les strates de sens, dérégler quand cela sonne trop juste, détourner, faire exploser les idées reçues.

Il ne laisse pas sa machine infernale assez respirer, certains thèmes semblent revenir, à moins que le traitement de chaque partie ne soit pas assez différencié mais ces musiciens vivent leur concert avec un engagement impressionnant qui plaît au public. C’est peut être cela l’essentiel après tout...

 

Emmanuel Borghi Trio

Théâtre 18h 30.

 

Changement radical avec le trio d’Emmanuel Borghi. Retour au théâtre municipal pour une  conversation triangulaire subtile sans le moindre cliché, avec cette élégance dans la persistance même de l’échange, toujours rebattu. Chacun donne la pleine mesure de son talent, dans une clarté d’articulation, de phrasé. Avec une confondante aisance, le trio navigue d’atmosphères feutrées à d’autres plus éclatantes parfois au sein de la même composition.

Tous trois n’ont cessé de jouer collectif tout en s’aménageant un parcours individuel original. C’est un trio tout neuf dont les personnalités semblent fonctionner pour essayer ensemble  autre chose. Leur univers a priori semblait éloigné, la rythmique étant composée de musiciens plus jeunes et prometteurs choisis par le sorcier des machines de Magma, Emmanuel Borghi  dont  le Watering The Good Seeds annonce un changement de cap dans la carrière. On entend une succession de thèmes prétextes à une expérimentation sur scène en constante évolution. Se remettre en question est la clé de la démarche du leader, il est vrai qu’on le voit chercher, presque hésiter avant de poser ses doigts sur le clavier, se laissant aller avec son expérience acquise au sein de multiples formations à jouer sans repères, sortir des passages balisés, refuser la facilité. Se mettre en danger avec des partenaires que l’on ne connaît pas. Ce goût du risque s’avère payant, le concert est une découverte formidablement excitante d’autant que ni le titre des morceaux ni le titre du Cd n’est annoncé par le leader  qui n'a pas la même aisance pour communiquer. Rien de grave, jouer suffit : ses compositions entêtantes font monter la tension avec une rythmique diabolique, d’une précision stupéfiante, les morceaux s’arrêtant brutalement dans un accord parfait.

Le remarquable batteur Ariel Tessier que j’entends trop rarement, même s’il est passé dans deux groupes différents à l’Ajmi me stupéfie à chaque fois par sa mécanique d’horlogerie jurassienne. 

 

Un trio sans recherche d’effets d’amplification, de machine qui produit un jazz vibrant, qui vit tout simplement. Penser jazz en trio en oubliant la tonalité” dit fort justement Xavier Prévost dans sa chronique du disque sur ce site même. Du bruitisme parfois sur les traces du dodécaphonisme... un programme qui passe très bien. L’adhésion du public est immédiate, aucun risque avec ce trio que la formule reine en jazz, piano-basse-batterie tourne à l'académisme. Audacieuse est leur musique et pourtant accessible, du grand art. Une heure ne suffirait pas mais l’important est d’avoir découvert  ce groupe qui doit absolument persister dans sa démarche.

 

 

Duo Giovanni Guidi et Luca Aquino

Grande salle de la Maison, 20h 30

 

Sans avoir vu le titre du programme Amore bello, chez Musica Jazz en 2021, on pouvait presque s’en douter à l’écoute de ce duo italien. Un jazz transalpin que l’on a peu d’occasion d’entendre en France alors que nous sommes si proches.

Installée confortablement en hauteur dans la grande salle de la Maison de la Culture, si bien que je ne vois pas grand chose du couple sur la scène immense, j’essaie de deviner sans y arriver d’ailleurs quel est le leader et lequel est le  plus jeune. Je suis tout de suite attirée par les variations de jeu du trompetttiste qui capte toute mon attention. Il commence par siffler dans le micro . Connaîtrait-il la technique du "silbo" canarien de la Gomora pour communiquer en sifflant d’un village ou d’une île à l’autre? A moins tout simplement qu’il ne s’inspire de Morricone dans les films de Leone…Il fait encore bruiter sa sourdine dans le pavillon puis il se mettra à chanter, pratique aussi la respiration continue -c’est un autodidacte élève du Sarde Paolo Fresu. Une théâtralité dans la posture et les gestes, une technique et un son des plus captivants pour ce musicien adoubé par le maître Enrico Rava, et qui se dit amoureux de Chet Baker… La filiation est assumée. Sans connaître le titre de leur premier CD, je commence à me dire que le duo part en roue libre sans direction vers "l'art mineur" selon Gainsbourg, pourtant passé maître en la matière, du cantabile, de la canzonetta que les Italiens privilégient, puisqu' inscrite dans la forme même de leur langue.

 

Et quand il prend la parole pour présenter ce duo, le pianiste Giovanni Guidi confirme que leur unique objectif est de faire chanter leur instrument, qu’ils ne cherchent qu’à faire jazzer des chansons pop de leur patrimoine, méconnu ici. Selon le principe jazz de reprendre des thèmes “fossilisés” quelque peu dans leur version princeps et de les renouveller. “Amore bello” est par exemple un titre de Claudio Baglione. “Un giorno dopo l’altro” du grand Luigi Tenco . Mais ils reprennent aussi les standards de l’American Songbook gardant la ligne mélodique comme dans l’inoxydable “Over the Rainbow” d’Harold Arlen et E.Y. Harburg. Ils se saisissent aussi de “What a Wonderful World” ce qui constitue un défi pour un trompettiste, car les solos et les aigus d’Armstrong ont une force insurpassable. La fatigue me gagne car je n’ai pas reconnu le thème “I fall in love too easily”( Styne/ Cahn) qui serait logique dans la thématique de leur programme.

 

 

African Jazz Roots Seetu

Grande Salle 21h 30.

 

Si les Italiens ont charmé le public toujours aussi nombreux dans cette "cathédrale" des temps modernes qu'est une maison de la culture, il y aura du spirituel dans l'art avec le groupe suivant. Que dire aussi de la connivence immédiate du public avec cette formation mixte due à la rencontre de Simon Goubert avec le joueur de kora Ablaye Sissoko? Le jazz à la rencontre de l’Afrique occidentale. Un long compagnonnage de trois albums qui remonte à 2009, scellé lors du festival de St Louis du Sénégal d’ailleurs évoqué dans une composition “De Dakar à St Louis”.

Une complicité absolue, un plaisir de jouer ensemble, de vivre au Sénégal une aventure en terre africaine tout en remontant aux racines du jazz, entre des rythmiques issues du jazz américain et d’autres plus traditionnelles emmenées par les sabars (qui peuvent être percussions, style de musique et danse).

Seetu” en wolof est le reflet, miroir de l’autre dans lequel on se mire et se réfléchit? Mélodique, rythmée, percussive cette musique a toutes les qualités et révère la tradition. Le joueur de kora, cette harpe à 21 cordes et très long manche explique posément avec toute la sagesse des griots mandingues le sens de la vie, le respect de la famille et des ancêtres. Savoir reconnaître et accepter d’où l’on vient est une notion essentielle, souvent rejetée ici. Il prend le temps de décrire la leçon révélée dans les  traditionnels comme “Manssani Cisse” qu’il jouera avec Ibrahim Ibou Ndir, virtuose des calebasses qu'il manipule avec un doigté exceptionnel. On croirait parfois entendre  un cliquetis de claquettes sur ces gros bols au plat.

 

 

La complicité entre le piano de Sophia Domancich et la kora d' Ablaye Sissoko est manifeste : proches sur scène et dans la vie, le son du piano se confond même avec celui de la harpe.

Jean-Philippe Viret vieux complice du batteur est le pilier du quintet, le mât auquel ils se raccrochent tous et l’écriture de Simon Goubert met en valeur chacun de ses amis dans des duos basse-percussions, piano-harpe sans oublier de driver l'ensemble avec sa frappe toujours exceptionnelle .

Il me fait penser à un page, un gentil troubadour quand il présente avec humour et allégresse cette nouvelle aventure leur aventure dans des ballades émouvantes («La Langue de Barbarie», «Réflexions du jour»). Il n’oublie pas enfin de rappeler qu’African Jazz Roots (Cristal Records – 2022) fut enregistré à l’Institut Français de Dakar en compagnie de l’ami de toujours le contrebassiste Jean-Jacques Avenel et des musiciens sénégalais Ousmane Bâ - flûtiste peuhl - et Babou Ngom – percussionniste - tous trois disparus aujourd’hui…

 

A suivre….. le final du festival demain.

NB : Les photos des artistes sont de Maxime François.

Sophie Chambon

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17 novembre 2023 5 17 /11 /novembre /2023 17:13
D’jazz Nevers 37ème édition du 11 au 18 novembre

D’jazz Nevers,  37ème édition du 11 au 18 novembre

 

 

De retour sur les bords de Loire avec un temps instable, une petite pluie qui crachine mais surtout en ce jeudi 16 novembre, 6ème jour du festival, un vent violent avec des bourrasques qui n’ébranlent ni la solidité du barnum du festival D’jazz Nevers planté solidement devant le théâtre et le Palais Ducal ni la bonne humeur du public fidèle et passionné .

Pour cette 37 ème édition, le programme est majestueux, 37 concerts en 8 jours -pas moins de quatre concerts par jour dont deux en soirée à la Maison de la Culture. La durée d’une heure environ est suffisante pour rendre compte du style de chaque concert, de l’éclectisme musical de toutes ces esthétiques des jazzs et musiques actuelles. C'est le choix du président du Festival Roger Fontanel qui tient à prouver que le jazz vif qu’on entend ici est tout sauf une musique élitiste, de la tradition quelque peu bousculée à l’improvisation la plus débridée, sans oublier les incursions en musique contemporaine aux sons plus ou moins "machiniques".

 

Jeudi 16 Novembre

Petite salle de la Maison, 12h 30

(Sur les bords de Loire).

DANDY, DANDIE

 

Un nom curieux que n’explicite pas immédiatement le sous-titre Hypnos et Morphée pour le quartet du saxophoniste Alban Darche qui pratique un jazz de chambre élégant, pas "blasé" pour un sou, même s'il se réfère au dandy incarné, Baudelaire dont Alban Darche a mis en musique “Brumes et Pluie”. Le quartet se réclame d’une certaine parité avec un duo de soufflants à la trompette (Olivier Laisné qui remplace ici Geoffroy Tamisier) et au saxophone (Alban Darche) et une pianiste (Nathalie Darche) qu’accompagne une chanteuse Chloe Cailleton. Des poésies symbolistes, d'autres comme cet "Opium" inspiré de Poe ou encore ce “Snake” de l’Américain Theodore Roethke transposent en jazz ces clairs-obscurs, couleurs en demi-teintes, assonances et autres rythmes impairs. Un titre curieux " Encyclies" nous a fait réfléchir... Voulez vous une devinette? Le titre a un rapport avec un tube de Michel Legrand.... où il est question d'eau...

C'est en effet l'heure exquise, apéritive, de nous laisser griser par ces mélodies langoureuses, légèrement inquiétantes: il n’est pas question de se laisser distraire ni de s'abandonner au sommeil, seulement à des visions oniriques où il serait question de figures du tarot de Marseille ou du "Printemps" de Verlaine. La petite salle est un écrin parfait pour cette musique de l'instant grave et doucement élégiaque quand on voit échapper ce qu'on ne reverra plus. Les poèmes choisis ne seraient que prétextes à une recréation jazz de ces belles mélodies du début du XXème. On pense à "l’Invitation au Voyage" de Duparc  me souffle fort à propos l’ami Prévost. Une musique qui glisse délicatement, soyeusement autour de la voix fraîche, bien timbrée de la jeune chanteuse.

 

NOCE

Théâtre municipal, 18h.30

 

C'est la première création du festival en collaboration avec le festival de Grenoble et Césarée de Reims.

Un dispositif esthétique et audacieux dans le délicieux petit théâtre à l’italienne. Deux “tables” dont celle surélevée des deux clusters de batterie (on ne peut plus vraiment parler de “set” à ce niveau) dominant deux pianos à queue qui se font face, soit cinq cents cordes frappées par 176 marteaux ( selon le dossier de presse ). Amusante précision qui n’est pas inutile car tout dans ce projet est cadré soigneusement semble-t-il et tient de la performance, voire du happening devant un public recueilli qui écoute religieusement, dodelinant de la tête, entrant très vite dans la transe que déclenche et entretient cette musique bruitiste, ni tout à fait"machinique"  puisqu'elle utilise surtout des objets et ustensiles divers, voire des outils, ni vraiment répétitive mais qui en variant les effets, en réglant volume et intensité de tous ces bruits chics émis, entretient un relatif mystère et des interrogations sur ce qui va advenir. C’est admirablement conçu, joué avec intelligence de toutes les façons possibles dans cette partie carrée, en symétrie, en opposition, en parallèle, en continuation… Les quatre musiciens concentrés et visiblement heureux ( du moins en ce qui concerne  Roberto Negro qui est dans mon champ de vision plus que son complice pianiste Denis Chouillet) connaissent et maîtrisent le programme sur le bout des doigts. L’ennui avec ce type de musique est qu’elle pourrait durer des heures, une nuit même, dans la douce et enveloppante ténèbre qui envahit le parterre. Un éclairage subtil délicat et bleuté, le son impeccable enregistré par l’orfèvre Boris Darley très à son affaire (que je retrouve ici après un long séjour en Provence ).

Un quadrilatère impeccable pour cette noce singulière (et au singulier) qui doit éviter tout excès de table qui guette pareille fête. Avec leur “cluster table” le duo de Sylvain Lemêtre et Benjamin Flament déploie un ensemble de percussions impressionnant (série de bols tibétains, gongs de toute taille, cymbales qui sembleraient presque banales, tambours et autres fûts) faisant la joie des photographes qui ne vont cesser d’évoluer au sein du théâtre, de grimper dans les loges jusqu’au paradis pour mitrailler, zoomer cet impressionnant attirail.

Je les envie d’ailleurs car même si je suis très bien placée, je me retrouve encastrée au milieu d’une rangée, et ce n’est pas la moindre des raisons qui me fait trouver le temps long... à 19h02 très exactement. Soyons précise et rendons hommage à la minutie du projet. Moi qui étais entrée très facilement dans cette transe, saisie par le vertige d’une cohérence que je pensais avoir comprise, je perds soudain les pédales ( façon de parler) et me met à penser à certaine pièce de John Cage inspirée des "Vexations" de Satie qui fait environ 7 heures en répétant la même phrase musicale 840 fois…Une performance musicale qui s’apparente aux longues nuits théâtrales du festival d’Avignon. Et dès lors il m’est impossible d' entrer en méditation.

 

La Maison de la Culture, Grande Salle, 20h 30

Full Solo Paul Lay

 

Juste à temps. Le pianiste, parti de Nantes le matin, arrive quelques minutes seulement avant d’entrer en scène, le train ne s’étant pas arrêté à Nevers mais à Bourges! Une voiture du festival  est dépêchée dans l’après midi pour “l’exfiltrer”. Ah la SNCF!

Encore toute au souvenir de son concert d’août dernier à Cluny sur Deep Rivers, j’attendais avec quelque inquiétude sa version solo de tubes de Beethoven. Mais qu’allait-il donc faire dans cette galère? Voulait-il s’attirer les foudres des classiques aussi puristes parfois que certains jazzeux? Bach remporte le pompon des reprises jazz depuis Jacques Loussier, on le sait. Paul Lay non seulement a évité l’ écueil mais il s’en tire à son avantage, faisant swinguer Ludwig van B. A moins que le compositeur n'ait jazzé avant l'heure sans le savoir. 

Et puis rejouer même en rappel “La lettre à Elise” massacrée par des générations de jeunes apprenants  ne fait pas peur au "Marvel du piano" selon la très juste formule du producteur du label Gazebo? Laurent de Wilde qui s’y connaît en claviers. S’attaquer à l’Annapurna du romantisme “L’hymne (européen) à la joie" de la 9ème Symphonie ou à la "Sonate au Clair de Lune" (dont les premières notes me font irrésistiblement penser à l’humoriste Bernard Haller dans son sketch le Concertiste) constituent sans doute un nouveau challenge. Ce n’est peut être pas fortuit car Paul Lay seul à son piano dans le halo lumineux de la grande salle est un concertiste ...de jazz. Cette musique peut être considérée comme un standard. Et en matière de standard, Paul Lay est insurpassable. Il sait faire! Sa technique et son imagination harmonique lui permettent de faire jaillir dans l’instant de nouvelles idées.

Un solo avec lui c’est un récital qui ne tombe pas dans l' exercice de style, plutôt dans la démonstration évidente qu’il sait phraser jazz, que la musique et la danse le traversent, qu’il sait tourner et retourner chaque pièce dans tous les sens avec un plaisir non feint, qu'il aime rompre la mélodie, se lancer dans des éclats vifs d’impro, lui qui a dans les doigts tous les trucs des grands ayant bossé sérieusement toute l’histoire du jazz. Paul Lay connaît ses classiques, attiré aussi bien par Jelly Roll et Earl Hines que Mc Coy Tyner.

Tout ce qu'il joue est recomposé à un point difficilement concevable. Le processus de démolition ou de déconstruction, les grands pianistes savent faire, à commencer par Martial Solal qui a adoubé le jeune Paul Lay qui sait irriguer d’airs de blues et jazz, lieder, sonates, symphonies. Il se lance dans ses propres réflexions musicales sur la musique du maître, pas pour se comparer au compositeur mais pour  lui rendre un hommage particulier à “Heiligenstadt”, quartier viennois où vécut Beethoven, puis dans ce “Blues in Vienna”, en somme son carnet de voyage en Beethovenland.

Une performance à savourer "live" évidemment. Merci à D’jazz Nevers de savoir aussi s’ouvrir à plus “classique”, à une musique populaire et exigeante.

 

L'autre Avishai Cohen, the trumpet player!

21h 30 Grande Salle.

 


Encore un moment exceptionnel dans un programme tellement nouveau qu’il n’existe pas encore! Cette bizarrerie est due à l'autre Avishai Cohen, the trumpet Player! C’est cet autre "Avishai Cohen" qui se présente ainsi non sans humour pour que l’on ne fasse pas erreur avec son homonyme contrebassiste. 

Musicien exceptionnel, né à Tel-Aviv dans une fratrie de musiciens qui a migré à New York, voilà un exilé qui ne s’est pas coupé de ses racines mais sait  prolonger en la vivifiant la tradition. Avishai Cohen, sa soeur Anat, clarinettiste et son frère Yuval, saxophoniste ont d’abord entretenu la tradition familiale au sein du trio des 3 Cohens. Mais le trompettiste tourne à présent avec son propre quartet que l’on sent encore plus soudé en ces temps dramatiques, une autre "famille" qu’il s’est constituée avec Yonathan Avishai au piano, Barak Mori à la contrebasse et Ziv Ravitz à la batterie.

Son approche singulière de l'espace musical est difficile à décrire, un jazz post-bop inspiré de Miles Davis certes. Mais il s'en détache par un phrasé différent, d'une douceur presqu’effrayante, tenue et même retenue, avant d’être proposée en offrande, ode à la liberté qui résonne étrangement après le jeu heureux de Paul Lay dans sa recréation de l’ode à la joie.

Tout tient peut être dans la clarté épurée d'un jeu qui intègre silence et vide -ce n’est pas pour rien qu’il a été repéré et signé chez ECM, le prestigieux et classieux label de Manfred Eicher.


 

Après son dernier album Naked Truth en 2022, nous avons la primeur ce soir du treizième opus à venir qui sera enregistré la semaine prochaine à La Buissonne de Pernes-les-Fontaines par Gérard de Haro, à la fin de ce tour européen commencé en Roumanie qui va ensuite de Cannes à Paris via Nevers qu’il affectionne particulièrement, Barcelone et Madrid...  Le trompettiste se plaît en quelque sorte à créer une musique nouvelle  sans prendre beaucoup de temps de préparation. Une prise de risque atténuée par le rodage de cette mini-tournée.

Bouleversé par les récents événements, il évoquera pendant un long préambule sa décision de continuer à jouer en dépit de tout une musique, alors qu’il pensait annuler sa tournée. Nous aurions perdu une longue suite à la mystérieuse beauté qui sans nul doute découle de son ressenti actuel. Quand il téléphone à ses enfants, il dit entendre le bruit des bombes et rockets... Il a choisi aussi de nous faire écouter sa composition de l’adagio du concerto en sol de Ravel, inspiré de “la plus belle musique qui soit”. Décontracté mais sérieux, il nous révèle pour finir qu’il a enregistré une composition de sa fille à son insu (décidément la musique est affaire de transmission dans cette famille) et que si le morceau plaît au public, il sera enregistré dans le Cd à venir. Si ce n'est pas le morceau le plus brillant, restera  gravé un formidable témoignage d'amour et de tendresse.

Comment ne pas être séduit par ce quartet qui sait d’entrée de jeu éveiller notre curiosité avec un pianiste hors catégorie qui touche en blues, un batteur à la gestuelle incroyablement plastique, voire élastique. Le contrebassiste aura son "moment" plus tard dans la suite, quand il se prend à chanter à la façon d’un Paul Chambers. 

Quant au trompettiste, il garde un son droit dépourvu de vibrato, phrase avec un lyrisme  mesuré, le pavillon pointé vers le sol, malgré des effets de sourdine, de wah wah essentiellement, peut être dispensables, l'espace musical étant suffisamment ouvert à la circulation et aux échanges. 

Gageons que pour beaucoup, ce concert aura ouvert d’autres portes de la perception.


A suivre... le marathon continue jusqu'à samedi soir.

Sophie Chambon

 

Un grand merci à Maxime François, le photographe attitré du festival!

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19 octobre 2023 4 19 /10 /octobre /2023 16:02

 Voix majestueuse du jazz contemporain, cheffe d’orchestre-compositrice, pianiste, Carla Bley s’est éteinte le 17 octobre à Willow (état de New-York) à l’âge de 85 ans.

     Une seule œuvre, monumentale (et pas seulement par sa durée, supérieure à 100 minutes), aura suffi pour la faire entrer dans l’histoire du jazz : ESCALATOR OVER THE HILL (EOTH).


     Basée sur une poésie de Paul Haines, cette composition qualifiée parfois d’opéra-jazz, aura nécessité trois ans de travail en studio de Carla Bley entre 1968 et 1971. Mobilisant près de 60 musiciens américains et européens venus du jazz, de la pop, du rock (Don Cherry, Linda Ronstadt, Enrico Rava, Gato Barbieri…), EOTH se présente comme une mosaïque musicale reflétant la liberté d’expression de cette période « post soixante huitarde ». L’Académie du Jazz lui attribua en 1972 « l’Oscar du meilleur disque de jazz moderne ».

 

     Sa contribution à la « plus savante des musiques populaires » était saluée dès 1971 par Philippe Carles (disparu le 14 octobre dernier) et Jean-Louis Comolli dans Free Jazz/Black Power : « des œuvres qui comptent, remarquables par la richesse de leur imagination mélodique ».

     Née en Californie (Oakland) le 11 mai 1938 dans une famille d’origine suédoise, Karen Borg devenue Carla Bley après son mariage à 19 ans avec le pianiste canadien Paul Bley (1932-2016) s’était déjà illustrée par son travail dans la communauté new-yorkaise avec George Russell, Jimmy Giuffre, Charlie Haden (et le Liberation Music Orchestra) ou encore Mike Mantler avec lequel elle fondera le Jazz Composer’s Orchestra Asssociation et qu’elle épousera en 1968.

     En plus d’un demi-siècle d’activité artistique, Carla Bley aura alterné les projets en big band et en petite formation notamment avec le bassiste électrique Steve Swallow -son compagnon sur scène et à la ville depuis le milieu des années 70- ou en trio avec le saxophoniste britannique Andy Sheppard.

     Dans sa production foisonnante, réalisée pour l’essentiel sur le label Watt (fondé en 1973 avec Michael Mantler) et distribué par ECM, figure également un des grands classiques de la musique populaire nord-américaine, les chants de Noël (« Carla’s Christmas Carols », avec Steve Swallow et le quintet Partyka brass. Watt-ECM. Décembre 2009) ... Un souvenir, confiait Carla, de ses jeunes années en Californie et de son père, professeur de piano qui tenait l’orgue à l’église ce jour de fête chrétienne.  


     Cet orgue (un Hammond ce soir-là), dont jouait Carla le 13 novembre 2014 au D’Jazz Nevers Festival à la tête d’un quintet … après une relecture de Escalator Over The Hill par un nonette français co-conduit par Bruno Tocanne et Bernard Santacruz.

 

Jean-Louis Lemarchand.

 

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6 août 2023 7 06 /08 /août /2023 18:36
31 ème édition du Tremplin Jazz d'Avignon au Cloître des Carmes (3 et 4 août)
Grand Prix du Jury  Cosmic Key  ( Delphine DEAU et Axel NOUVEAU)

Grand Prix du Jury Cosmic Key ( Delphine DEAU et Axel NOUVEAU)

Prix du Public    Hugo Diaz Quartet

Prix du Public Hugo Diaz Quartet

Prix de composition   Mojo Jojo Quartet  (Emanuel Van Mieghem)

Prix de composition Mojo Jojo Quartet (Emanuel Van Mieghem)

Prix du Meilleur Instrumentiste  DUO A + B  ( Simon Riou et Sebastian Sarasa )

Prix du Meilleur Instrumentiste DUO A + B ( Simon Riou et Sebastian Sarasa )

 

31 ème édition du Tremplin Jazz d'Avignon

Jeudi 3 et vendredi 4 août 2023, Cloître des Carmes.

www.tremplinjazzavignon.fr

 

Un rendez-vous annuel incontournable (pour moi) qui présente l’originalité d’un festival et d’un tremplin européen.

Début du mois d'août. Les murs grattent leurs peaux d’affiches, la ville tente de revenir à elle-même après le marathon théâtral de juillet. Avignon est alors une destination jazz tout indiquée.

Après la première soirée gratuite au Square Agricol Perdiguier avec les Yellbows, un quartet New Orleans, commence le Tremplin européen pour deux soirées très suivies par un public local, fidèle et ouvert au jazz. D'où un Prix du Public, très attendu qui, certaines années, rejoint le choix du jury . Public et jury partagent ainsi convivialement ce qui traverse le paysage musical de ces soirées estivales provençales, lieu d’ouvertures, de passages, toutes frontières abolies…

Retour donc au cloître des Carmes pour suivre l'aventure de ce concours initié en 1992 par des passionnés de musiques, Michel Eymenier, Jean Paul Ricard, fondateur de l’AJMI, la scène locale de jazz et Alain Pasquier. Le concours a commencé dans le quartier difficile de la Barbière puis dans le square Agricol Perdiguier avant de se fixer aux Carmes. Plus largement reconnu depuis 2000 qui consacra Avignon «Ville européenne de la Culture », le Tremplin Jazz s’est étoffé, le concours européen s’insérant dans un festival de Jazz.

Le Tremplin c’est aussi une équipe épatante de bénévoles qui se déploient sur tous les fronts, catering, technique, chauffeurs, photographes. Tous fidèles et depuis longtemps, en dépit des fragilités inhérentes aux associations organisatrices d'événements, dépendantes de subventions et de la générosité de mécènes. S’il est une chose qui ne change pas, c’est la qualité de l’accueil de cette belle équipe qui, avec le temps a su surmonter le difficile exercice de gestion de groupe.

La vocation du Tremplin est d'aider à l'émergence de groupes pré-sélectionnés qui pourront mettre à profit cette expérience unique, jouer sur cette scène rêvée, à l'acoustique exceptionnelle. L’un des atouts du tremplin est en effet ce lieu mythique du cloître des Carmes. Restant à taille humaine, l’architecture de pierre et de gargouilles est mise en valeur par Mathieu, artiste des lumières, des découpes et de l'éclairage. Ce plaisir de l'oeil décuple l'écoute, surtout quand le son est assuré par Gaetan Ortega sur la terrasse, un maître de l'espace sonore.

Les six groupes de jeunes musiciens européens qui entrent en lice trouvent un espace d’expression pour s’affronter amicalement au cœur de la cité papale dans l'un des rares tremplins européens. Rappelons que le Grand Prix consiste en un enregistrement et mixage au Studio de la Buissonne et un concert en première partie d'une des soirées du festival de l'année suivante. Les autres prix (Soliste, Meilleure Composition) sont récompensés d'un chèque de 500 euros offerts par les divers partenaires, sans oublier le Prix du Public et des cadeaux offerts sur tirage au sort des votants.  

 

2023 : Trente et unième édition et  trente et unième année du Tremplin.

Sur les si x groupes retenus cette année, on compte quatre français, un belge et un néerlandais. Soit 21 jeunes instrumentistes (dont 3 femmes) sur 390 participants (40 femmes), 10 pays représentés. Vision assez précise du jazz actuel, reflétant le spectre d’une musique qui continue de s’inventer sans perdre ses repères historiques. Et où les femmes doivent lutter plus durement pour se faire une place quand elles ne sont pas chanteuses.

 

Première soirée : Jeudi 3 août

 

Peaks (France)

Florent Marques saxophone, Florent Souchet guitare, Mathieu Scala contrebasse, Corentin Rio batterie

Un quartet que présente avec soin Florian Marques, le saxophoniste ténor originaire d’Orthez, leader et compositeur après un  long solo  d'altitude  sans accompagnement  pour “Anglas” ( vallée d'Ossau ?). C’est le programme de leur premier album A Deep Color inspiré de la série et de l’univers de David Lynch, Twin Peaks. Le nom du groupe, le titre de certaines compos, “The Log Lady”, “A Deep Color”l (anagramme du personnage de Dale Cooper ), "A Fat Cat's Diary" trouvent ainsi leur justification. Chacun prend un solo, le guitariste Florent Souchet introduisant des nuances pop. Le contrebassiste Mathieu Scala remplaçant au pied levé Arthur Henn, assure vaillamment sa partie lors d’un solo ponctué de neuf coups en rythme du clocher voisin.Une écriture épurée, agile sans être vraiment labyrinthique aux influences bien assumées (fusion).

 

 

Mojo Jojo (Belgique)

 

Emanuel Van Mieghem contrebasse, Warre Van de Putte saxophone, Roeland Celis guitare, Umberto Odone batterie. 

Le groupe qui suit est un autre quartet venu de Belgique (Bruxelles):  avec la même configuration, la différence est immédiatement perceptible, l’énergie du collectif circule, soulignant une certaine dramaturgie dans une dynamique de groupe. Des récits structurés, oniriques aux ruptures de rythme imposées par un batteur subtil Umberto OdoneLes compositions astucieuses sont du contrebassiste leader Emanuel Van Mieghem qui jouera avec tant d’ardeur qu’il se fera des ampoules sur la basse prêtée par le Tremplin. [Les problèmes de transport SNCF pour les contrebassistes ne sont toujours pas résolus]. Avant un dernier titre plus rock que pop, plutôt connoté, “Another Day in the life” même si la ressemblance s’arrête là, une composition magnifique retient l’attention : c'est “Glee” (que l’on pourrait traduire par jubilation) où la musique trahit une certaine ambiguïté. Une allégresse nuancée d’un voile soudain de mélancolie que traduisent les éclats sensibles de la guitare de Roeland Celis.

 

DUO A+B (France)

Simon Riou saxophone alto, Sebastian Sarasa sax alto et baryton

Un titre simple pour un duo créé en 2018 qui ne l’est pas. Un choc musical avec une formule resserrée, un sax alto Simon Riou et un sax baryton Sebastian Sarasa (que j'imagine volontiers Argentin, Sud-américain en tous les cas, l’une de leurs compositions est d’ailleurs “Aleph Milonga” à couper le souffle). Une musique pas du tout hermétique mais qui demande une sacrée attention pour comprendre cette “fabricason”, une réflexion pour décrypter  langage et  codes. Sacrés “Birds” que ces zozios là, surtout quand ils s’expriment à l’alto, car ils jouent du même instrument par moment, faisant ressortir de façon poétique ce qui les différencie, comment ils rebondissent ou répondent dans ce qu’ils entendent de différences dans l’autre. Si “Je est un autre” justement, voilà un bel exemple de métamorphose, de ramifications qui se rejoignent pour ces Philémon et Baucis des sax.

Un duo envoûtant qui a tenu son formidable pari. Avec une rigueur toute classique, leur ensemble est parfait, parfaitement en place, un miracle d’équilibre dans ces deux voix qui s’éloignent pour mieux se retrouver, échangent aussi les rôles, même si le baryton ( slaps, souffle continu) assume sa fonction de basse, engendrant un rythme souple et groovy alors que l’alto s'échappe de temps à autre dans les  Balkans. Leur habileté technique, différente est évidente.  Ils ont sorti un CD Dédale avec des compositions aux titres expressifs “Zinc”, “Terre Neuvas”. De la matière à tordre, des sons à fondre qu'ils confondent, des idées neuves aussi. Des influences très diverses parfaitement assimilées dans leur polyphonie métisse. On ne sait jamais trop bien quand ils improvisent ou suivent leur écriture commune tant ils partagent tout, compositions et saxophones. Leur performance tient la route sur les quarante minutes imposées.

Le public est enthousiaste, le jury sereinement pourra échanger rapidement sur cette première soirée, heureux des propositions entendues. Même si  le président Stéphane Kochoyan, pianiste venu de sa Nîmes voisine, a comme l’intuition que cela pourrait ne pas durer.

 

Deuxième partie : la nuit du 4 Août

 

Quelque chose me dit que cette dernière soirée du tremplin ne  sera pas sans anicroche; il fait franchement froid, le mistral glacial est de sortie.

 

Nohmi (Pays-Bas)

Miran Noh piano, Aude de Vries batterie, Patricia Mancheno contrebasse, Claudio Jr De Rosa, Daniel Carson, trompette.

Trio à l’origine, la jeune formation devenue quintet européen (Pays Bas, Italie, Espagne ) sans oublier la Corée du Sud de la pianiste leader, compositrice des pièces présentées, fait entendre dès “Storm”des influences revendiquées, couleurs et atmosphères ravéliennes dans une esthétique hard bop, façon Blue Note années 60 avec des soufflants vraiment élégants aux unissons ( les trompettiste Daniel Clason et saxophoniste ténor Claudio Jr de Rosa). On est en terre connue, une écriture classique, dense, au déroulé un peu trop mécanique peut-être. Mais  telle est la loi de ce genre.

 

 

Hugo Diaz Quartet (France)

Hugo Diaz saxophone, Alexandre Cahen piano, Louis Cahen batterie, Vladimir Torres contrebasse.

Ce nouveau quartet présente une suite de compositions singulières, au fil de l’eau, du leader Hugo Diaz au soprano : de “Confluence” à “Electrolyse” en passant par unAiguo” à la provençale, le courant suit les inflexions du saxophoniste qui joint improvisation souvent free à son écriture raffinée, agrémentée de quelques effets électroniques dispensables. Le plaisir vient aussi du trio qui l’accompagne et le soutient habilement, une rythmique parfaite Alexandre et Louis Cahen, respectivement au piano et à la batterie, sans oublier Vladimir Torres, contrebassiste qui a du métier (et déjà une carrière) qui sculpte un solo mémorable sur sa propre contrebasse. Le public trépigne.

 

 

Cosmic Key (France)

Delphine Deau piano, effets, Alex Nouveau piano, effets.

La soirée va se terminer comme la précédente par un duo aussi inattendu qu'extravagant, créé il y a un an seulement, avec un unique concert au compteur avant ce soir,  à Dunkerque : deux pianistes Delphine Deau et Axel Nouveau sur un seul piano, un beau Steinway évidemment "préparé"  pour ce genre de recherches sonores avec pinces à linge et patafix auquel s'ajoute tout un set de “jouets” électroniques : un Moog, un synthé analogique, une boîte à rythmes, un métallophone intratonal  expliquera Franck Bergerot! C’est parti pour un festival de “sons machiniques”... Là, je cite Laurent De Wilde, connaisseur de ces “fous du son”, dans un petit bouquin formidable sur Robert Moog aux éditions de la Philharmonie.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

On se croirait sur un dance floor-l’un des titres rend d'ailleurs hommage à Giorgio Moroder, sorcier du disco, grand producteur de disques et de musiques de films qui a enregistré autant Bowie (“Putting out Fire” in La Féline ) que Daft Punk, Blondie qu’Arcade Fire, Nina Hagen que Queen…Pas que du "boum boum electro disco" donc.

La surprise est de taille, d’autant que l’on a accueilli Delphine Deau à Avignon dans un tout autre contexte, avec le quartet Nefertiti, dans le festival pour la cuvée 2019. J’ai d'autant plus hâte de l’entendre revoir à sa manière Dowland  à Parfum de jazz, le 16 août prochain. Pourquoi pas, après cette incursion “Far far away” dans le “vertige analogique” en se souvenant de Jean Sébastien, annonce son complice. Il y aurait même une certaine logique...attendons son "Prepare for Dowland".

 Que dire de cette performance au rythme très soutenu qui évoque une fougueuse techno sur des séquences pour la plupart enregistrées avec ( trop ) peu de chorus à mon goût? Une musique festive, plus dans le rythme que le sentiment?  Le concert étant un laboratoire vivant, gageons que d’ici un an leur projet aura évolué...remodelant leur écriture de performance en performance selon le principe même du jazz.

 

CODA

Les jeux étant faits, le jury va longuement délibérer et leur choix se partager entre les groupes les plus saisissants, remplissant le contrat du tremplin. Nous ne sommes pas au bout de nos surprises puisque la palme ira au dernier duo où l’alliage jazz et électro fonctionne, après un match très disputé où la voix du président qui a su mener l'affaire sera déterminante. Avec autorité Stéphane Kochoyan annonce ce palmarès qui confirme que le jazz essaie d’intégrer les styles les plus divers, d’évoluer tout en s’adaptant. Je crois comprendre ce qui a pu plaire à une partie du jury dans la tentation de Cosmic Key d' absorber et réinventer un autre style qui a fait ses preuves. Mais il faudrait que la part de jazz sorte davantage de l’ombre ou plutôt des nuages flottant dans la nuit qui remuait  ce vendredi.

 

Palmarès :

 Cosmic Key obtint le Grand Prix du Jury (enregistrement et mixage au studio de la Buissonne et première partie d’un concert du festival).

Delphine Deau piano, effets, Alex Nouveau piano, effets.

Prix de composition : Emanuel Van Mieghem, le contrebassiste de Mojo Jojo.

Emanuel Van Mieghem contrebasse, Warre Van de Putte saxophone, Roeland Celis guitare, Umberto Odone batterie. 

Prix du meilleur instrumentiste :  la paire inséparable d’ A+B.

Simon Riou saxophone alto, Sebastian Sarasa sax alto et baryton.

Prix du public : Hugo Diaz quartet.

Hugo Diaz saxophone, Alexandre Cahen piano, Louis Cahen batterie, Vladimir Torres contrebasse

 

Ainsi s’achève une bien belle édition avec des groupes de qualité habilement sélectionnés, des jeunes formations qui mixent nationalités, styles et cultures. Un vrai rêve de jazz qui confirme que ce Tremplin a toutes les bonnes raisons pour compter dans mon paysage musical.

 

Je me souviens de Sylvie Azam, l’une des photographes du Tremplin qui nous a quitté cette année. Et je n’oublie pas Pascal Anquetil, compagnon de jury qui nous manque à qui j’adresse une pensée affectueuse.

 

Un grand merci à mes photographes habituels du Tremplin Claude Dinhut et Marianne Mayen.

 

Sophie Chambon

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23 juillet 2023 7 23 /07 /juillet /2023 09:50

    

     Grand crooner devant l’éternel, Tony Bennett, disparu le 21 juillet à New York a 96 ans, aura réussi à réconcilier toutes les générations. Le créateur de ’’The Good Life’’ en 1963, adulé depuis par les anciens, séduira quatre décennies plus tard les fans de hip-hop par ses duos (acoustiques) avec Amy Winehouse, Diana Krall, Norah Jones, et surtout Lady Gaga.

 

        Vingt Grammy Awards sont venus saluer une carrière engagée à la fin des années 40 pour ce New yorkais issu d’une famille italienne originaire de Calabre.
     Anthony Benedetto devient alors Tony Bennett. Sa voix feutrée, son art du placement, sa nonchalance élégante lui assurent une place de choix dans la galaxie des crooners aux côtés des Franck Sinatra, Mel Tormé, Dean Martin…

     Il prend son inspiration dans le jeu de Stan Getz et Dizzy Gillespie vante ses qualités. Sa carrière décolle au début des années 60 avec deux chansons ’’I left my heart in San Francisco’’ et ’’The Good Life’’, adaptation d’une composition de Sacha Distel.

 

    

     Après une traversée du désert de quelques années -où il continue à se produire dans les casinos de Las Vegas et de Reno- Tony Bennett retrouve la faveur du grand public peu avant le tournant du siècle, à la faveur de duos avec des chanteuses de la jeune génération. Sa collaboration avec Lady Gaga donnera lieu à deux albums dont le dernier, ’’Love For Sale’’, sorti en 2021.

     Entre temps, il aura poursuivi son hommage au Great American Song Book avec un disque dédié à Jérôme Kern en compagnie du trio du pianiste Bill Charlap, qui lui vaudra un nouveau Grammy en 2016.

     Diagnostiqué la même année de la maladie d’Alzheimer, Tony Bennett continuera de se produire sur scène jusqu’en 2021.

 

 

     De ses quelque 80 albums, une attention particulière doit être portée aux deux disques enregistrés en duo en 1975 et 1977 avec Bill Evans.

 


Jean-Louis Lemarchand.

 


©photo by Andy Witchger & Dane Moon.

 

 

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13 juillet 2023 4 13 /07 /juillet /2023 14:58

     Figure familière des clubs et festivals pendant plus de six décennies, fidèle à son Nikon F1, Christian Rose, reporter-photographe, nous a quittés le 11 juillet.

     Sa première photo publiée en 1965 dans Pariscope, hebdomadaire de spectacles, était consacrée au trio de Martial Solal. Il avait 19 ans. Depuis, le jazz était sa passion et il apporta sa contribution à Jazz Magazine avec régularité, mais sans exclusivité, tenant à son statut de photographe indépendant.

 

     Si le jazz fut son terrain d’exercice majeur, Christian Rose sut saisir aussi les moments forts et les expressions de toutes les scènes de la musique (pop, rock, blues, classique). Pour s’en rendre compte, il suffit de consulter les quelque dix mille références de son site (Christian-rose-photo.com). Ou de compulser ses cinq livres, ‘Instants de jazz’ (1996), ‘Jazz Meetings’ (2003), ‘Zappa en France’ (2003), ‘Black and Soul’ (2004), ‘Guitares : 60 portraits de légende’ (2005).

 

 

     Christian  avait les qualités maîtresses du photographe : il savait s’imposer pour être au bon endroit au bon instant et se faire oublier pour capter une expression sans troubler l’artiste au travail. Membre de l’Académie du Jazz, il participait très activement à ses manifestations, toujours présent lors de l’assemblée générale votant le palmarès et à la cérémonie de remise des prix, même en mars dernier, se refusant à baisser les bras face au cancer qui finira par l’emporter.

 

 

     Discret, élégant, doté d’un réel sens de l’humour, Christian Rose nous laisse l’image d’un observateur engagé de la scène musicale.

 

      Nous perdons un ami, un pilier, et présentons nos plus sincères condoléances à sa famille et à ses proches.

 

     Une cérémonie se tiendra au cimetière parisien du Père Lachaise le 19 juillet à 11h30.

 

     Jean Louis Lemarchand.

 

©photo Philippe Baudoin

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