Vendredi 15 Novembre,  ma quatrième journée

Duo Ducret Monniot 

La Maison, 12h 30

On les attendait avec impatience ces deux maîtres de l’improvisation et une fois encore, on se laisse prendre… tout comme le public, conquis d’avance. Un titre qui tease évidemment...Vont-ils nous danser un tango à Nevers? Ils en sont bien capables….

A l’ouverture, Christophe Monniot sort son baryton, plus de cinq kilos pour seulement 2,5 cm d’anches ce qui classe l'engin dans les bois… et il attaque en douceur avec ce moelleux qu’il sait imprimer à un phrasé voluptueux. Recomposer à partir de motifs déjà joués, retravailler des anciennes compos comme Yes, Igor, donner une nouvelle couleur à ses propres fragments, les réécrire en fonction de l’autre, ils savent faire tous les deux. Voilà l’essence même de la musique qui se joue à l’instant, qui advient là devant nous. Ducret comme Monniot commentent leurs compositions respectives alternées dans ce programme humoristique et joyeux, bon enfant dans la présentation, sérieux, tenu et dense dans le rendu musical. Les indications sont bienvenues, voire attendues pour entrer dans cette musique mouvante, composée d’ éléments plus stables à reconnaître avec une longue pratique.  A la manière de Perec qui disait lire et relire toujours les mêmes livres, se nourrissant des enrichissements successifs, une intertextualité en quelque sorte, une histoire métaromanesque …

Ils savent à merveille relancer, redistribuer le jeu, s’emparant de la formidable énergie que le partenaire renvoie. Ducret a une profonde admiration pour Monniot et ça se voit. Il renoue  avec un «vrai» jeu de guitare, nous donnant l’occasion de l’entendre dérouler de plus longues phrases. Prenant à contre pied la tendance actuelle au minimalisme qui peut transformer les musiciens en scieurs de long, il est sciemment à rebours ( il a lu Huysmans pour sûr). Dès le deuxième morceau, le climat change, ça joue “velu”, Monniot déclenchant une série de déflagrations, secousses, salves d’artillerie lourde auxquelles répond une guitare “métal”. Ce qui n’exclut pas des changements de rythme au sein de la même composition, des accès de douceur brute, des ralentissements ouatés. C’est en fin de compte un concert rock and roll que ce dernier tango… dont le titre provient d’une commande sur le thème les Films de ma vie, une variation sur la musique du saxophoniste Gato Barbieri pour le film de Bertolucci. Qui a donné au guitariste à l’époque un sacré sentiment de “frustration” dit-il en mimiquant le thème ( pas si gnan gnan au passage) que Monniot au sopranino reprend à son tour, bruitant de son côté, se déhanchant et se déboîtant presque le col à force de nous la jouer charmeur. Pourtant il n'est pas vraiment reptilien, plutôt dans le brame ou le mugissement.

Pour une composition qui se voulait chanson plus ou moins pop, en fin de compte la chanson est devenue Chant Son (!) à l’alto pour Monniot qui montre l’étendue de sa palette de jeu sur quasi tous les sax, chatoyant dans les timbres.Tous deux  jouent de concert, cascadant les notes.

Marc Ducret qui a vraiment tout écouté et longuement écouté, ne suit pas le phrasé des guitaristes, surtout des guitar heroes ( il en est un pourtant), il phrase sec et percussif, batteur sur sa caisse de résonance. Il est toujours impérial à peu de frais et d’effets, il lui suffit de “triturer" son jack ( grand gimmick de son répertoire que j’attends toujours) pour sonner original, ponctuer le discours du complice qui se tord de son côté ou fait mine de valser, tout alangui. Il peut attendre un peu, se balance au bord du vide avant de s’y jeter avec son alto.

Une écriture plus difficile à saisir d’ordinaire, avec intrigue et suspens qui, en ce jour et à cette heure est immédiate. Mais quand on aime...

Dominique Pifarély Trio

Théâtre, 18h.30

Le violoniste Dominique Pifarély poursuit son travail d’écriture dans un trio européen avec le contrebassiste zürichois Heiri Känzig (remarqué dans le réjouissant Helvéticus avec Humair et Blaser) et le batteur Portugais Mario Costa qui a beaucoup tourné avec Emile Parisien. Ce trio bouscule sans la bouleverser la forme traditionnelle piano-basse-batterie. Configuration troublante mais pas inédite car le violoniste a joué en trio par le passé avec Martial Solal et Patrice Caratini (sans trace discographique hélas) et un peu plus récemment avec Sclavis et Courtois qui sont des compagnons de route.

Ce musicien beaucoup trop rare, il faut dire que je l’ai découvert au mitan des années quatre vingt dix avec son Acoustic Quartet au Théâtre Jean le Bleu de Manosque avec Ducret, Chevillon, Sclavis. Et ce fut une révélation, une porte d’entrée dans les musiques libres alors que le violoniste venait tout de même du jazz et du swing.

Un musicien assurément passionné qui fait friser ce soir la corde de l’archet dans des récurrences particulièrement stridentes. Abstrait dans son écriture travaillée au cordeau, il sait retrouver une certaine histoire du violon et il me semble apercevoir tout un réseau graphique de traits plus ou moins ajustés dans un tracé provisoire, un rien frénétique, voire bruitiste.

Comment suivre sa pensée, les idées surgies dans le brasier de l’improvisation? L’écriture est là, précise, on la sent qui affleure, le batteur  sait la suivre et tout en martelant continu et dru, il retrouve le violoniste régulièrement aux points de rendez-vous attendus.

Travail d’un ascète- pas sûr qu'il aimerait le terme, mais j’aimerais que sa musique fasse plus sens ce soir après l’éblouissement ressenti dans les Dédales de sa Time Geography. “Cette musique ardente dans ses commencements, souvent nerveuse, entraîne au delà de la sensibilité et du lyrisme, sans produire une excitation violente, tant on la sent contrôlée, presque mesurée dans ses dérèglements” avais je écrit. C’est encore vrai aujourd’hui mais son jeu fiévreux, emporté, sous tension peut ébouriffer par sa radicalité et le son acide du violon.

On entre ou pas dans la musique de Dominique Pifarély qui nous entraîne dans sa langue, son univers, sa manière de construire les événements. On embarque à bord de son train fou qui ne réduira jamais l’allure, une ligne à très grande vitesse qui se moque des obstacles, les percuterait presque, plus dans l’énergie des grooves et des séquences d’improvisation libre que dans une approche chambriste avec ce trio. Et ce. en dépit de dialogues avec la contrebasse et la batterie car Mario Costa peut favoriser l’échange par son timbre et son placement rythmique. Pifarély laisse d’ailleurs la paire rythmique improviser et chacun se fait soliste à un moment donné, puisqu’ il leur a laissé généreusement la main.

S'impose un moment fort avec la composition du Peuple effacé ( la seule annoncée) qui me redirige vers la lumière avec une délicatesse sensible au plus fort des éclats. Puis survient le final au tempo soudain ralenti qui procure apaisement et plaisir dans une certaine puissance de la douceur. Le son même du violon est charnu, rond. Ce n’est pas un standard (je n’y songe pas un instant) mais mon voisin qui est allé se livrer à son travail de journaliste sérieux rapportera la réponse. C’est une version très personnelle de The first time ever I saw your face, chanson du poète britannique et chanteur engagé à la grande époque, Ewan MacColl ( auteur de la rengaine folk Dirty Old Town tant de fois reprise, que je chantonne quand j’ai une envie de celtitude). C’est Roberta Flack qui rendit la chanson célèbre et le finaud Clint Eastwood l’utilisa dans son premier film en 1971 même si on en retient surtout la ballade d’Errol Garner Misty qui inspira le titre original Play misty for me.

(A suivre)

Sophie Chambon

Djazz Nevers 38  (Suite)

Didier et Elodie, Paul et Géraldine...l'art du duo
 

Mercredi 13 novembre

Quel plaisir de se retrouver au théâtre à 12h15 pour le premier concert du jour, l’heure et le lieu m’enchantent, l’une des meilleures mises en appétit. Le duo programmé  nous réserve de l’inattendu, voire de l’inouï.

Didier Irthusarry aime les duos et s’y adonne avec plaisir dans les différents Hymnes à l’amour avec le saxophoniste Christophe Monniot, le vibrant Lua avec le pianiste Jean Marie Machado dont il est un compagnon de route, fidèle à cet orchestre à déclinaison multiple Danzas. C’est d’ailleurs là qu’il rencontra la clarinettiste Elodie Pasquier et que leur vint l’idée d’un duo croisant leurs deux instruments aux timbres et registres proches. Souffle et soufflet dans une vibration commune comme le présente le texte du livret. L’association ne laisse pas indifférent assurément. Rien de tiède, de doux, de gentiment sensuel. Et pourtant…

La première fois que j’ai entendue la jeune Elodie, c’était à Cluny, Bourgogne sud, le festival familial de Didier Levallet que je fréquente depuis longtemps. Découverte à Jazz Campus, cette enfant du pays (de Tournus précisément) après des études classiques s’est orientée vers le jazz et les musiques improvisées. Dans la grange dimière, elle avait choisi des petites pièces, jamais faciles mais accessibles pour nous public, pour chacune de ses quatre clarinettes dont elle tirait des sons étonnants, voire bizarres, en jouant sur le métal. J’avais gardé le souvenir de murmures les plus doux, charmée comme nous tous par la musicienne féline et sensuelle. Pas de slap, très peu de respiration continue mais une façon irrésistible de vous envelopper dans ses rêts, ses volutes jamais stridentes ni agressives.

Parrainée par Djazz Nevers (encore une histoire de famille, géographique cette fois), je l’entendis encore à Cluny, dans la Tour du Farinier (toujours une question de lieu) dans La Litanie des Cimes ( tome 1 ) du violoniste Clément Janinet en 2019, dans le cadre de Jazz Migration …sur des rythmiques traditionnelles mandingues, peul aussi bien que bourguignonnes. Une certaine transcendance volontiers subversive mais un concert spirituel “aux tempos lents, aux contemplations harmoniques” avais-je trouvé.

Cette longue digression pour faire comprendre que soudain, dans ce merveilleux petit théâtre rouge à l’italienne, j’ai eu quelque difficulté à entrer dans une musique  sauvage, rugueuse, complètement improvisée mais avec  vivacité. Etaient-ils fatigués, devant assurer tous les jours un service pédagogique et ludique, la tournée “Bout d’choux” avec diverses écoles de Nevers agglomération? Ils vont jouer avec une intensité et une virtuosité peu communes. Elodie Pasquier a pris de l’aisance et de l’assurance suivant les traces du jeune Portal à la clarinette basse surtout. Elle sort avec cette fougue peu ordinaire un solo tranchant, sur le fil de la lame avec des aigus âcres de sa clare vrillant les tympans, un exercice de style en somme dévoilant une palette de jeu des plus étendues jusqu’aux “doubles notes”. L'accordéoniste sait s'adapter, canaliser parfois certaines envolées de sa comparse. Ces deux là se cherchent et s'harmonisent avec élégance.

Pour les titres des morceaux, jetés sans doute au hasard sur la feuille de route, rien de très marquant sauf cet amusant Didier Girafe, sans doute portrait de l’accordéoniste. Mais ce serait plutôt elle qui se dépeint, se poussant du col dans une gestuelle gracieusement drôle. Car rivé à son piano à bretelles, si lourd et difficile à manier, Didier donne parfaitement la réplique, lançant des ostinatos troublants sur lesquel elle improvise. Une musique qui claque, on parlait autrefois de jazz vif . Soudain peu avant la fin, notre accordéoniste de coeur  intervient dans une fugue annoncée, qui n’en est pas vraiment une, avec un solo possédé, déjanté, en proie à une intensité de jeu peu commune et proprement inouïe. Elodie juge pertinent de ne pas reprendre... le morceau s’achève ainsi dans la sidération pour moi. Si certains accordéonistes donnent le sentiment de cracher lesboutons nacrés, j’ai cru qu’ils allaient être arrachés dans l’emportement de cette improvisation effrénée. Ce n’est pas du chiqué, du free qui fait le show comme certains musiciens, saxophonistes souvent, qui simulent la “colère”. D’ailleurs, pour le rappel Didier Ithursarry décide de ressortir une vieille partition le Desiludo d’un certain Tico Tico, un tube brésilien qui calme les esprits et répond exactement à l'imaginaire collectif : l'accordéon, instrument très complet, véritable orchestre à lui seul, est associé à la musique populaire, au folklore et à la chanson.L’improvisation était  pourtant au rendez vous de ce duo sensible et insolite que vous n’oublierez pas dès que vous aurez entendu cette Bourguignonne et ce Basque, une vraie rencontre entre le son volontiers mélancolique de l’accordéon, vite contrebalancé par les pirouettes vertigineuses et ludiques des clarinettes. Un équilibre irrésistible entre les deux musiciens qui se complètent avec générosité.

Paul Lay & Géraldine Laurent     We love Jobim

La Maison, grande salle 20h 30

Avec un pianiste de la trempe de Paul Lay, tous les choix de programmation sont possibles. Son catalogue est proprement mozartien. Mais le mesurer avec une saxophoniste de la classe de Géraldine Laurent paraît idéal dans ce programme qu’ils déclament en coeur We love Jobim.

Et d’abord, que connaît-on vraiment d’ Antonio Carlos Jobim, pianiste, guitariste, flûtiste, chanteur, arrangeur et surtout compositeur, auteur de centaines de chansons dont plusieurs sont devenues des standards de jazz interprétés par Dizzy Gillespie, Ella Fitzgerald, Oscar Peterson, ou encore Frank Sinatra? Considéré comme le père de la bossa nova, il a réussi l’accord parfait avec les paroles « le mot devient son, le poème devient musique» au cœur de Rio dans les années cinquante. Cet acte créateur se fit en compagnie du chanteur Joao Gilberto, venu de Bahia et Vinicius de Moraes qui composa le magnifique «Chega de saudade». La bossa allait faire le lien avec la samba des rues où domine le «surdo» (gros tambour de samba) et le jazz moderne.

J’ai eu la chance de découvrir le duo il y a juste deux mois au festival de St Rémy dans les Alpilles : si je me réjouis de les entendre dans le même programme- c’est très rare aujourd’hui, je repense à mon introduction d’alors : “Ces deux là se connaissent depuis 2007, le pianiste a participé à deux des groupes de la saxophoniste At Work en 2014 et le quartet Cooking sorti sur le label Gazebo en octobre 2019. Ils sont même doublement liés puisque Cooking fut reconnu comme le meilleur album de l’année et Paul Lay, le meilleur instrumentiste. Victoires méritées consacrant un groupe, une saxophoniste que je suis depuis longtemps. Ce qui plonge toujours quelque peu dans un rembobinage mémoriel...”

Je ne serai pas au bout de mes surprises ce soir car il est rare d’assister à deux concerts aussi différents, nouvelle preuve de l’infinie variété du jazz, musique vivante d’interprétation et de création. Dès le premier titre, on est dans Jobim avec ce Piano na mangueira qu’annonce, confuse Géraldine, ne sachant pas comment prononcer le portugais brésilien. Je n’avais pas reconnu à St Rémy, faut dire que Jobim je ne connais pas bien, à part les banalités ressassées, la récupération ensorcelante de Stan Getz The sound accompagné de la chanteuse Astrud Gilberto. D’ailleurs j’attends avec impatience la sortie du prochain livre d’Alain Gerber chez Frémeaux pour avoir un approfondissement sur la bossa. Géraldine Laurent et Paul Lay sortent des sentiers battus pour explorer un répertoire foisonnant de plus de quatre cents titres. Ils poursuivent par une valse enivrante et mélancolique Valsa de porto das Caixas. Si vous ne vous remuez pas à son écoute, consultez…

Ce soir le duo va au-delà des sempiternels Girl from Ipanema, Desafinado et autres One Note Samba, préférant choisir des thèmes moins connus de nous Européens. Ils ne pourront pas reculer devant un ou deux standards incontournables que le public doit attendre, comme Chega de Saudade dont on reconnaît le fredon assez compliqué, un passage subtil entre mineur et majeur qui fait l’intérêt et le trouble de la composition. Mais voilà que nos acrobates duettistes se perdent dans les bifurcations subtilement intriquées de leurs développements respectifs ou à l’unisson. Quand enfin le thème survient, le public est soulagé, moi aussi, on s’ y retrouve et c’est bien. La saxophoniste a de l’expressivité à revendre, elle se distingue par le rythme qu’elle imprime à son discours, la façon d’articuler son propos. Intemporelle, sa musique avance sans nostalgie aucune. Un timbre et un phrasé uniques servis par un son exceptionnel ce soir dans la grande salle de la Maison. Géraldine semble ne jamais s’arrêter, son souffle continu dispense de longues volutes enrubannées comme les paperolles des cahiers proustiens

Si je retrouvais les effluves, les fragments de certaines mélodies à St Rémy dans un univers étranger et familier, le duo jouant sa musique, ce soir, sans hésitation, on est dans un Jobim jazzifié, un peu débrasiliénisé ( me souffle malicieusement Didier Levallet osant le néologisme. Après tout ses compositions raffinées ont ouvert la voie au jazz. Loin des clichés d’une saudade alanguie, le Jobim du duo est emporté, vibrant, exacerbé sous les doigts de Paul Lay qui se tord et se soulève du clavier, privilégiant une approche physique de l’instrument, décontracté et disponible à ce qui advient dans l’instant, à ce qui surgit sous ses doigts dans un style emporté et percussif.

Une musique généreuse, volubile au sein d’une création continue, effervescente, qui coule sans effort en dépit d’une structure rigoureuse. Jobim leur a offert un terrain de jeu mélodique et rythmique sans pareil. Si j'ai reconnu Inutil paysagem, je suis incapable de savoir s’ils ont joué Meditation. Difficile de vérifier sur CD , il n’y en aura pas de ce We love Jobim et il ne restera donc qu’un souvenir ému….

S​​​ophie Chambon

Djazz Nevers : un final  contrasté très féminin

Astral, Leïla Olivesi et son octet

Grande salle de la Maison, 20h 30

Astral est le sixième album de la pianiste Leïla Olivesi sorti en novembre 2022 ( Attention Fragile/ L'Autre Distribution), Prix Django Reinhardt de l'Académie du jazz en 2022. La pianiste chef d’orchestre, musicologue, pédagogue fut nommée l’artiste féminine de l’année par cette même institution, la sixième femme repérée en soixante dix ans! Ce soir pour un final très suivi du D'Jazz Nevers Festival, elle présente une suite brillante qui nous propulse dans le cosmos dans la grande salle de la Maison de la Culture de Nevers (près de 800 places).

Comme Duke Ellington, l’un de ses modèles, elle a plusieurs cordes à son arc, exerçant diverses fonctions parmi les plus importantes du jazz : pianiste, compositrice, cheffe d’orchestre et de cette petite entreprise que constitue chaque projet. Elle applique d’ailleurs dans ses créations le plan de sa thèse (consacrée au maître) qui étudie cette triple fonction dans ses aspects les plus complets, en s’employant à “diriger à partir du piano” qu’elle considère comme un laboratoire de création. La musique évolue sur la scène à chaque concert, une performance qui se vit avec le public. Quand elle a écrit les partitions, elle savait précisément qui allait jouer, ayant réservé à chacun de ses “all stars”, merveilleux solistes de la scène jazz actuelle, des rôles adaptés à leur timbre respectif et à leur caractère singulier. Sans se dispenser des surprises des improvisations où elle laisse filer, ravie, attendant en observatrice éclairée, prête à des ajustements si nécessaire. Sa “dream team” est composée ce soir de Baptiste Herbin (alto sax, flute) Adrien Sanchez (ténor sax) Jean Charles Richard (sax baryton et soprano) Quentin Ghomari (trompette) Yoni Zelnik (contrebasse)Donald Kontomanou (batterie) Manu Codja (guitare). En invitée, la chanteuse Chloé Cailleton intervient sur les dernières compositions, des poèmes de la féministe Lucie Taïeb (“Soustraire à la Lumière” et si je me souviens bien “Au Fil des Rêves”).

Le concert s’ouvre avec la composition qui a donné son nom à l’album avec un solo tout en douceur d’Adrien Sanchez au ténor auquel se joint la guitare reconnaissable de Manu Codjia. Puis bousculant l’ordre de la set list -c’est l’un des moments les plus forts, l’hommage au grand homme de radio, producteur, créateur du Jazz Club, expert s'il en est de Duke Ellington, mon "papa de jazz" qui me fit entrer de plain-pied dans l’univers ellingtonien en 1977 dans ce formidable feuilleton radiophonique sur France Musique, la série de "Tout Duke".

La Missing CC Suite  tendre et émouvante est en deux parties “Missing CC” et “Portrait" commencées deux jours seulement après  la disparition de son ami et guide. Elle attaque au piano dans le plus bel exemple de fidélité à l’esprit de Duke Ellington, un hommage que n’aurait pas renié Claude Carrière. Et c’est Baptiste Herbin qui s’improvise en place du moelleux Johnny Hodges qu’il bouscule ensuite dans un jeu convulsif aux accélérations effrénées. Ce qui aurait intéressé l’alto d’Ellington qui savait aussi jouer velu dans certaines circonstances. Quentin Ghomari à la trompette sait aussi intervenir dans cette frénésie. Dans le Portrait de CC, Jean Charles Richard au baryton où il excelle se substitue à Harry Carney en plus tendu.  Les solistes ne sont ils pas les nouveaux acteurs d'une Cosmic suite façon Olivesi, écho réussi de The Cosmic Scene with his Space men, un octet du Duke en 1958 ?

Leïla Olivesi s’attaque aussi à une autre grande figure de la musique jazz américaine, la pianiste Mary Lou Williams, l’une de ces instrumentistes pionnières à avoir ouvert la voie pour les musiciennes d’aujourd’hui.  Leïla a composé un portrait sensible de cette femme exceptionnelle qui a traversé l’histoire du jazz, évoluant avec cette musique sur près de cinq décennies. Comme Pierre Antoine Badaroux qui vient de reconstituer la Zodiac Suite de Mary Lou avec son Umlaut Chamber Orchestra, Leïla Olivesi est allée travailler sur les archives  léguées à l’Institute of Jazz Studies de Newark (New Jersey). Elle propose ce soir le mouvement dédié au "Scorpio", qu’elle aménage à sa façon avec la flûte d’Herbin et le baryton de JC Richard en liberté. Un bon choix ( thème repris aussi par la regrettée Geri Allen, autre figure d' admiration de Leïla Olivesi) qui modifie la version initiale au Town Hall en 1945 resserrée en un trio dépouillé de toute orchestration. D’autres compositions suivent comme cette “Constellatio Draconis” très cuivrée où les musiciens suivent les signes et autres indications pour intervenir. On continue ainsi le parcours entre étoiles et lumineuses constellations  dans un alignement cohérent et raffiné.

Ana Carla Maza, Caribe.

Final latino-américain 

La soirée continue avec un spectacle vraiment “caliente”, un show à l’américaine d’un orchestre latino qui suit une meneuse de revue survoltée, violoncelliste, chanteuse, danseuse. C’est la jeune Ana Carla Maza (au français parfait), fille de musiciens qui débuta très jeune sur scène et fait le bonheur du public dans son “Caribe” enflammé et provocant…

C’était le final de cette édition réussie et contrastée qui continue à proposer l’aventure de tous les jazz(s) et musiques affines.

Sophie Chambon

Essor et Chute de notre civilisation

Café Charbon 12h15  Romain Baret Quintet

Il faut anticiper avec la pluie menaçante qui finit par tomber au moment où je me mets en route en direction du Café Charbon, ancien dépôt de locomotives d’une ligne SNCF locale. Transformé en scène de jazz actuelle à l’année, il accueille ce jour le concert de midi au titre quelque peu grandiloquent Essor et Chute (de notre civilisation) qui fait souvenir des considérations de Diderot sur la Grandeur et décadence de l’Empire romain, évoquant sans appel la Rome antique, ses forces politiques et ses inévitables abus d’où l’inexorable chute.

Le parallèle a quelque chose de vrai entre la situation actuelle de notre planète et le discours philosophique du grand penseur dixhuitiémiste. C’est en effet un projet éminemment politique que nous présente le leader de ce quintet jazz rock, le guitariste et chanteur Romain Baret  qui occupe le centre de la scène et qui est le narrateur de cette fresque épique : il a composé une suite en deux actes  avec prologue instrumental et épilogue,  si j'ai bien suivi, sur plus d’une heure dénonçant l’emballement vertigineux du capitalisme depuis les débuts de l’exode rural et de la première révolution industrielle jusqu’à notre course précipitée vers la catastrophe écologique, le réchauffement climatique, une plongée dans un inconnu terrifiant… La musique illustrerait un film imaginaire en un accéléré saisissant qui nous ferait revivre, même les yeux fermés, les étapes d’un désastre prévisible, la chronique de notre destruction annoncée.

Le véhicule emprunté, un quintet jazz rock prog ardent avec deux soufflants incandescents, la flûtiste Sophie Rodriguez qui se taille la part du lion avec une partition quasi ininterrompue, soutenue par le saxophoniste ténor mâconnais Eric Prost desservi par la sonorisation.

La rythmique puissante est la force de ce groupe avec une batteuse implacable Elvire Jouve qui avance avec détermination soutenue par un contrebassiste non moins solide Michel Molines qui passera sur le dernier morceau “The Rise of Hope” à la basse électrique, rappel peut être superflu après le relatif déluge de feu qui s’est abattu sur nous. Car la batteuse est un bâton de dynamite allumé quelques secondes avant explosion : quelque peu sauvage, elle allume la mèche, précise et mécanique . Ils sont cinq mais ça déménage comme un grand format et on est vite emporté dans ce flot qui nous charrie vers le vide!

Car dès le début qui acte le départ des champs, il m’a semblé entendre avec le grondement de la rythmique, l'envol des soufflants et le chant du guitariste comme un tableau précipité de notre fin. L'erreur pour le chroniqueur est de chercher dans la musique la traduction (un peu trop) littérale de cette présentation en deux parties qui suit la montée  en puissance dans l'allégresse du progrès avec le machinisme, l’exploitation intensive des travailleurs et d'attendre après un climax les guerres et crises diverses...

Le groupe qui sort un très bel objet CD numéroté avec le collectif Perce-oreilles chez Inouïe Distribution reçoit le soutien du  CRJ nouvelle mouture de 2016 (Centre Régional de Bourgogne Franche Comté). Cet outil de structuration du jazz, initialement créé  en 2000 pour la seule région Bourgogne accompagne le développement du jazz et des musiques improvisées par la mise en réseau des acteurs sur le terrain. Favoriser la création “au pays”, aurait-on dit avant, aider au développement “durable” du territoire. Ce qui va à merveille avec le sens de la marche du groupe qui croit à son projet. 

Cette bande soudée à six  car il faut compter avec les lumières stroboscopiques, les feux et fumées de Romain Bouez qui prédit l’apocalypse, en met plein les yeux dès le départ. Le titre du programme  peut se comprendre dans le désir de laisser affleurer les différents champs possibles, de réunir les contraires, de se déplacer, superposer les strates de sens, dérégler quand cela sonne trop juste, détourner, faire exploser les idées reçues.

Il ne laisse pas sa machine infernale assez respirer, certains thèmes semblent revenir, à moins que le traitement de chaque partie ne soit pas assez différencié mais ces musiciens vivent leur concert avec un engagement impressionnant qui plaît au public. C’est peut être cela l’essentiel après tout...

Emmanuel Borghi Trio

Théâtre 18h 30.

Changement radical avec le trio d’Emmanuel Borghi. Retour au théâtre municipal pour une  conversation triangulaire subtile sans le moindre cliché, avec cette élégance dans la persistance même de l’échange, toujours rebattu. Chacun donne la pleine mesure de son talent, dans une clarté d’articulation, de phrasé. Avec une confondante aisance, le trio navigue d’atmosphères feutrées à d’autres plus éclatantes parfois au sein de la même composition.

Tous trois n’ont cessé de jouer collectif tout en s’aménageant un parcours individuel original. C’est un trio tout neuf dont les personnalités semblent fonctionner pour essayer ensemble  autre chose. Leur univers a priori semblait éloigné, la rythmique étant composée de musiciens plus jeunes et prometteurs choisis par le sorcier des machines de Magma, Emmanuel Borghi  dont  le Watering The Good Seeds annonce un changement de cap dans la carrière. On entend une succession de thèmes prétextes à une expérimentation sur scène en constante évolution. Se remettre en question est la clé de la démarche du leader, il est vrai qu’on le voit chercher, presque hésiter avant de poser ses doigts sur le clavier, se laissant aller avec son expérience acquise au sein de multiples formations à jouer sans repères, sortir des passages balisés, refuser la facilité. Se mettre en danger avec des partenaires que l’on ne connaît pas. Ce goût du risque s’avère payant, le concert est une découverte formidablement excitante d’autant que ni le titre des morceaux ni le titre du Cd n’est annoncé par le leader  qui n'a pas la même aisance pour communiquer. Rien de grave, jouer suffit : ses compositions entêtantes font monter la tension avec une rythmique diabolique, d’une précision stupéfiante, les morceaux s’arrêtant brutalement dans un accord parfait.

Le remarquable batteur Ariel Tessier que j’entends trop rarement, même s’il est passé dans deux groupes différents à l’Ajmi me stupéfie à chaque fois par sa mécanique d’horlogerie jurassienne. 

Un trio sans recherche d’effets d’amplification, de machine qui produit un jazz vibrant, qui vit tout simplement. “Penser jazz en trio en oubliant la tonalité” dit fort justement Xavier Prévost dans sa chronique du disque sur ce site même. Du bruitisme parfois sur les traces du dodécaphonisme... un programme qui passe très bien. L’adhésion du public est immédiate, aucun risque avec ce trio que la formule reine en jazz, piano-basse-batterie tourne à l'académisme. Audacieuse est leur musique et pourtant accessible, du grand art. Une heure ne suffirait pas mais l’important est d’avoir découvert  ce groupe qui doit absolument persister dans sa démarche.

Duo Giovanni Guidi et Luca Aquino

Grande salle de la Maison, 20h 30

Sans avoir vu le titre du programme Amore bello, chez Musica Jazz en 2021, on pouvait presque s’en douter à l’écoute de ce duo italien. Un jazz transalpin que l’on a peu d’occasion d’entendre en France alors que nous sommes si proches.

Installée confortablement en hauteur dans la grande salle de la Maison de la Culture, si bien que je ne vois pas grand chose du couple sur la scène immense, j’essaie de deviner sans y arriver d’ailleurs quel est le leader et lequel est le  plus jeune. Je suis tout de suite attirée par les variations de jeu du trompetttiste qui capte toute mon attention. Il commence par siffler dans le micro . Connaîtrait-il la technique du "silbo" canarien de la Gomora pour communiquer en sifflant d’un village ou d’une île à l’autre? A moins tout simplement qu’il ne s’inspire de Morricone dans les films de Leone…Il fait encore bruiter sa sourdine dans le pavillon puis il se mettra à chanter, pratique aussi la respiration continue -c’est un autodidacte élève du Sarde Paolo Fresu. Une théâtralité dans la posture et les gestes, une technique et un son des plus captivants pour ce musicien adoubé par le maître Enrico Rava, et qui se dit amoureux de Chet Baker… La filiation est assumée. Sans connaître le titre de leur premier CD, je commence à me dire que le duo part en roue libre sans direction vers "l'art mineur" selon Gainsbourg, pourtant passé maître en la matière, du cantabile, de la canzonetta que les Italiens privilégient, puisqu' inscrite dans la forme même de leur langue.

Et quand il prend la parole pour présenter ce duo, le pianiste Giovanni Guidi confirme que leur unique objectif est de faire chanter leur instrument, qu’ils ne cherchent qu’à faire jazzer des chansons pop de leur patrimoine, méconnu ici. Selon le principe jazz de reprendre des thèmes “fossilisés” quelque peu dans leur version princeps et de les renouveller. “Amore bello” est par exemple un titre de Claudio Baglione. “Un giorno dopo l’altro” du grand Luigi Tenco . Mais ils reprennent aussi les standards de l’American Songbook gardant la ligne mélodique comme dans l’inoxydable “Over the Rainbow” d’Harold Arlen et E.Y. Harburg. Ils se saisissent aussi de “What a Wonderful World” ce qui constitue un défi pour un trompettiste, car les solos et les aigus d’Armstrong ont une force insurpassable. La fatigue me gagne car je n’ai pas reconnu le thème “I fall in love too easily”( Styne/ Cahn) qui serait logique dans la thématique de leur programme.

African Jazz Roots Seetu

Grande Salle 21h 30.

Si les Italiens ont charmé le public toujours aussi nombreux dans cette "cathédrale" des temps modernes qu'est une maison de la culture, il y aura du spirituel dans l'art avec le groupe suivant. Que dire aussi de la connivence immédiate du public avec cette formation mixte due à la rencontre de Simon Goubert avec le joueur de kora Ablaye Sissoko? Le jazz à la rencontre de l’Afrique occidentale. Un long compagnonnage de trois albums qui remonte à 2009, scellé lors du festival de St Louis du Sénégal d’ailleurs évoqué dans une composition “De Dakar à St Louis”.

Une complicité absolue, un plaisir de jouer ensemble, de vivre au Sénégal une aventure en terre africaine tout en remontant aux racines du jazz, entre des rythmiques issues du jazz américain et d’autres plus traditionnelles emmenées par les sabars (qui peuvent être percussions, style de musique et danse).

“Seetu” en wolof est le reflet, miroir de l’autre dans lequel on se mire et se réfléchit? Mélodique, rythmée, percussive cette musique a toutes les qualités et révère la tradition. Le joueur de kora, cette harpe à 21 cordes et très long manche explique posément avec toute la sagesse des griots mandingues le sens de la vie, le respect de la famille et des ancêtres. Savoir reconnaître et accepter d’où l’on vient est une notion essentielle, souvent rejetée ici. Il prend le temps de décrire la leçon révélée dans les  traditionnels comme “Manssani Cisse” qu’il jouera avec Ibrahim Ibou Ndir, virtuose des calebasses qu'il manipule avec un doigté exceptionnel. On croirait parfois entendre  un cliquetis de claquettes sur ces gros bols au plat.

La complicité entre le piano de Sophia Domancich et la kora d' Ablaye Sissoko est manifeste : proches sur scène et dans la vie, le son du piano se confond même avec celui de la harpe.

Jean-Philippe Viret vieux complice du batteur est le pilier du quintet, le mât auquel ils se raccrochent tous et l’écriture de Simon Goubert met en valeur chacun de ses amis dans des duos basse-percussions, piano-harpe sans oublier de driver l'ensemble avec sa frappe toujours exceptionnelle .

Il me fait penser à un page, un gentil troubadour quand il présente avec humour et allégresse cette nouvelle aventure leur aventure dans des ballades émouvantes («La Langue de Barbarie», «Réflexions du jour»). Il n’oublie pas enfin de rappeler qu’African Jazz Roots (Cristal Records – 2022) fut enregistré à l’Institut Français de Dakar en compagnie de l’ami de toujours le contrebassiste Jean-Jacques Avenel et des musiciens sénégalais Ousmane Bâ - flûtiste peuhl - et Babou Ngom – percussionniste - tous trois disparus aujourd’hui…

A suivre….. le final du festival demain.

NB : Les photos des artistes sont de Maxime François.

Sophie Chambon

Suite et fin des Emouvantes édition 2023

Samedi 23 Septembre

Retour au Conservatoire de Marseille pour la dernière soirée de cette onzième édition des Emouvantes. En première partie, un duo inédit de deux musiciens qui se connaissent bien pourtant ...

Duo Sclavis/Chemirani

Salle Audoli, 19h00.

Louis Sclavis, clarinette, clarinette basse, Keyvan Chemirani zarb, daf, santour.

L’alchimie du rythme : une conversation musicale

Ce concert à la croisée de l’orient et de l’occident rassemble ces mondes si différents qui s’attirent néanmoins avec la rencontre en duo du zarbiste Keyvan Chemirani et du clarinettiste Louis Sclavis. Tous deux se connaissent et se pratiquent depuis longtemps, eux qui n’aiment rien tant que de participer à de tels voyages à travers le temps et les diverses géographies musicales. Aux confins du rythme et de la percussion ou du “rythme et de la parole” qui fut le thème, par ailleurs d’une des éditions passées des Emouvantes.

Keyvan Chemirani s’est souvent ouvert à d’autres cultures avec des joueurs de tablas indiens, des violoncellistes jazz, des chanteurs du bassin méditerranéen … Il ne joue pas que du zarb, mais aussi de l’udu, du bendir méditerranéen et sur un morceau magnifique, composition écrite avec son benjamin Bijan, intitulé judicieusement “Brotherhood” du santour, sorte de cithare sur table frappées de petites baguettes recourbées ou marteaux. Le santour au grand nombre de cordes difficiles à accorder offre une grande richesse d’harmoniques et de résonances : un “sustain” très long sans accord plaqué mais ouvert. très efficace pour la musique modale. On a l’impression d’entendre plusieurs notes en même temps, effet polyphonique assuré. Jeu virtuose assurément que l’on ne peut s’empêcher de suivre, la clarinette semblant presque simple dans son fonctionnement en comparaison. Même si le maître Sclavis sait en jouer de tous les effets possibles.

Dans ce duo, être au premier rang, place que j’occupe rarement, est un bonheur. Voir comment ça joue, la fabrique du son et la beauté des gestes. Et les deux photographes accrédités, les seuls autorisés à prendre des photos pendant les concerts, assurent un ballet élégant et gracieux qui ne gêne en rien les musiciens tout proches. 

Même sans connaître les nuances techniques, on est fasciné par les sons et les rythmes produits. Celui qui attire tous les regards est ce maître des percussions digitales (pas seulement persanes donc), intimement lié à la mystique des poètes soufi. Le zarb est ce petit tambour en forme de calice composé d’une seule pièce de bois creuse cylindrique dont l’ouverture est fermé par une peau tendue. La main gauche est posée sur le sommet de l’instrument, les doigts en frappent le bord de la pulpe, la main droite alternativement vient frapper le centre ou le bord de la peau préalablement mouillée et essuyée soigneusement. Keyvan s’enduit les mains régulièrement de talc. Souvent associé au daf de différente taille (tambourin sur cadre), le zarb ou tombak produit par cette excitation digitale diverses frappes tom ( grave) et bak (aigu), sur des mesures en 6/4 ou 6/8. Son rôle est l’accompagnement des instruments mélodiques ( il suit le rythme ou joue sur le placement des accents) mais il transforme aussi le musicien en soliste.

Des motifs qui circulent et se combinent vont se déployer lors de ce concert-récital à deux voix dans un exercice de style et d’admiration communes : voix croisées, résonances sensibles où l’on l'on répète jusqu’à la transe quelques structures rythmiques. Les deux complices avec infiniment de respect s’attendent, échangent, confrontent leur territoire pour en trouver un commun, intégrant parfaitement les apports de l’autre. D’où cette sensation de fluidité extrême qu'ils communiquent à un public très attentif.

Quant à Louis Sclavis, quel plaisir de le retrouver avec ce compagnon de route qu'il invita souvent, lui qui a formé tellement de groupes divers. Sclavis a su dans sa maintenant longue carrière réconcilier diverses tendances, mêler folklore, musique de films (Tavernier), classique ( “Les violences de Rameau”), inspirations Jungle d’Ellington, tribales d’Afrique de l’Ouest...Sa conception rigoureuse de l’improvisation associe un travail de composition extrêmement physique et intellectuel.

Comment ne pas être admiratif devant son jeu d’apparence simple avec ses deux clarinettes sans effets électroniques, juste le souffle et diverses techniques de respiration?

 Quelques bruits recherchés sans le bec, pas de démonstration faussement habile... jeux de clés ou autres bruits devenus passages obligés. Des compositions au titre poétique souvent “Salt and Dogs inspiré de Shakespeare dit-il avec humour (une autre ne s’intitulait-elle pas“Salt and Silk”?), “Dresseur de Nuages”  parcourent ce partage de musique et de poésie. Ce n’est pas seulement pour créer de nouvelles atmosphères en utilisant les couleurs et timbres de ses deux clarinettes et des instruments de percussion, mais pour construire et déconstruire, souffler et apaiser : musique ardente dans ses commencements, nerveuse, qui s’échappe au delà de la sensibilité et du lyrisme.

C’est le clarinettiste qui ponctuera la fin du concert avec humour, expliquant avec un petit sourire que si Dieu s’est beaucoup aidé de Bach, le jazz continue à remplir les églises quand les musiciens y  jouent, empêchant une certaine désertion des fidèles. L’église redevient en somme une M.J.C comme au temps du premier ministre de la culture, Malraux, il y a soixante ans. Cycle de l’éternel retour, se souvenant de sa jeunesse, lui qui a commencé à Lyon et alentours avec l’A.R.F.I (Association pour la recherche d’un folklore imaginaire).

Sclavis et Chemirani ont chacun témoigné de cette forte envie de rencontrer l’autre, de ne pas s’enfermer dans sa seule culture. Le résultat est toujours gagnant avec de tels musiciens.

Ensemble Nautilis

Brain Songs #3

Salle Audoli, 21h.00

ensemble-nautilis.org

Les musicien.ne.s de l'ensemble Nautilis

Claudia Solal, voix, Christophe Rocher, clarinette,Christian Pruvost, trompette, Stéphane Payen, saxophone, Céline Rivoal, accordéon, Marc Ducret, guitare, Nicolas Pointard, batterie?Fred B. Briet, contrebasse

Depuis plusieurs années, cet ensemble développe un terrain d’invention et d’investigations sur ces Brain Songs, entre écriture et improvisation. Ensemble à déclinaison variable, il se concentre cette fois sur l’activité cérébrale du public en concert dans cette troisième série, après avoir essayé de déterminer dans les versions antérieures ce qui se passait dans la tête des musiciens.

Le clarinettiste Christophe Rocher, auteur de compositions foisonnantes et composites, développeur de ce projet ambitieux en collaboration avec un chercheur neurologue, explique sa démarche avant de laisser libre cours à la musique. Ce Brain Songs #3 est un spectacle qui évoque en se voulant poétique ce qui relie le cerveau des musiciens à celui de leurs publics dans le contexte d’un concert.

Dans cet octet s’insère la chanteuse Claudia Solal qui a composé les six textes dans une forme d’écriture automatique en français et anglais, vocaliste certes et instrumentiste à part entière aux côtés de trompette, saxophone, contrebasse, batterie, accordéon, guitare. On retrouve avec plaisir la chanteuse dont on ne peut qu’apprécier la diction, l’énonciation parfaite dans les deux langues, sa voix claire remarquablement placée.

L'instrumentarium travaillé pour la recherche des timbres, les placements précis sur scène des musiciens concourent à donner à ces orchestrations du relief, en référence à des esthétiques plus ou moins évidentes pour le public, pop, soul, musique minimaliste ou free jazz.  Ces parties écrites alternent avec des improvisations selon les états supposés ressentis par les musiciens et ce qu’ils imaginent des réactions du public.

Tension constante, puissance de cette architecture structurée en fonction de chaque musicien impliqué dans cette formidable expérience, volontiers consentant. Tous jouent avec énergie et enthousiasme, souriant, semblant apprécier le moment. Et pourtant ce ne sera pas vraiment facile ni confortable ou même familier pour certains auditeurs-spectateurs. 

Quel est d'ailleurs l’effet de ces musiques sur notre cerveau d’auditeur ? C’est ce que je me demanderai en permanence, évoluant moi même d’un état de sidération quand le volume sonore et les tutti un rien cacophoniques vrombissent dans l'espace, un peu disloquée parfois lors de chaos parfaitement agencés à un réel plaisir qui se mesure par des "valences"  montrées au préalable  par Christophe Rocher. Pas vraiment d’état méditatif pour moi mais un regain d’intérêt et d’aise quand j’entends des solis lisibles. Comment ne pas apprécier certaines parties plus apaisées où le jeu des instrumentistes ressort avec plus d’acuité? En particulier celui inespéré de Marc Ducret (remplaçant Christelle Séry) qui a appris le répertoire pour ce seul concert, qui fait résonner ses cordes en vrai “guitar hero” qu’il est.

Il est passionnant d’observer l’effet de cette musique sur le public plutôt fidèle de ce festival, très ouvert aux innovations. La plupart resteront, manifestant un certain plaisir à les voir dodeliner de la tête, d’avant en arrière ou de droite à gauche. Mais dès les premiers morceaux qui attaquent dans le registre d’une improvisation débridée, certains quittent les rangs. Ce qui prouve qu’il y a aussi une partie des auditeurs qui se détermine au dernier moment pour choisir un concert, sans se renseigner au préalable. Attirés peut être aussi par la première partie de la soirée, certains ne supportent pas la surprise d’un format trop libre. Moment déceptif car ils entendent alors quelque chose qu’ils ne (re)connaissent pas.

Différences d’intensité, répétitions, textures, mélodies, couleurs changent sans cesse dans ce voyage sensoriel qui interroge la durée, le temps.

Un bain musical, une performance expérimentale  collective et interactive qui conclut cette édition 2023 ayant apporté son lot d’émotions et de découvertes, stimulante pour l’intellect autant que pour les sensations. Il est vrai comme le dit Nautilis que la musique peut électriser ou endormir, hypnotiser ou réveiller, provoquer l’envie de danser ou la mélancolie voire l’ennui...Acceptons en la règle et réjouissons-nous de vivre ces moments inattendus.

Et déjà  nous pensons à  la prochaine édition... quand l’aventure se poursuivra l’an prochain à la fin de l’été...

Sophie Chambon