Stéphane Koechlin. 320 pages. Le Castor Astral. 20 euros.
Jean-Louis Lemarchand

Elle avait hérité du sobriquet de « l’impératrice du blues » trouvaille d’un attaché de presse au sens aigu du markéting. Elle le méritait bien à l’époque et encore (plus) aujourd’hui, Bessie Smith (1894-1937). « Une voix pleine de hurlements, de gémissements, de prières et de souffrances, sauvage, âpre, stridente, volcanique », décrivait l’un de ses admirateurs, l’écrivain Carl Van Vechten.
Chroniqueur musical spécialisé, auteur de « Le blues, les musiciens du diable « (Ed Le Castor Astral), Stéphane Koechlin retrace la vie trépidante de Bessie Smith, de la pauvreté du Tennessee à la gloire de Harlem (surnommée alors « la vallée heureuse »). Sa voix d’une puissance rare lui permit de conquérir les spectateurs à une époque où la sonorisation n’avait pas encore droit de cité. Mise au service de textes forts évoquant les drames de la vie quotidienne, la condition des noirs, elle lui ouvrit le chemin du succès dans les bacs des disquaires : enregistré en 1923 aux studios Columbia de New York, Down Hearted Blues, composition d’Alberta Hunter, s’écoulera à 800.000 exemplaires en six mois. Quelque 160 titres seront gravés dans les quinze années suivantes au premier desquels les classiques Saint Louis Blues et Careless Love et deux chansons spécialement poignantes, Back Water Blues (consacré aux inondations géantes de 1927) et Empty Bed Blues. Au-delà du parcours de l’artiste, Stéphane Koechlin traite largement de la personnalité de Bessie Smith, une femme de caractère (aimant les alcools forts et l’amour, masculin et féminin, n’hésitant à faire le coup de poing). « Elle avait toujours envie de se bagarrer avec moi et avec la musique aussi », témoigna Sidney Bechet, amant passager. Fortement documenté, l’ouvrage de Stéphane Koechlin présente également l’avantage de replacer la vie de la chanteuse dans son contexte historique, une époque marquée par la Prohibition, la pègre, et la ségrégation. Enfin, et ce n’est pas le moindre sujet d’intérêt, Koechlin démolit la légende bâtie autour de la mort de Bessie Smith. Les premiers récits indiquaient que la chanteuse, victime d’un accident de la route dans le Mississippi le 26 septembre 1937, avait été refusée à l’hôpital en raison de sa couleur de peau. La légende de l’artiste noire assassinée par le Sud raciste a longtemps persisté, véhiculée notamment par Mezz Mezzrow dans La rage de vivre. La vérité plus prosaïque, et pas plus réjouissante, est tout autre : le temps perdu à transporter en pleine nuit Bessie Smith  dans un hôpital lui aura été fatal. L’amputation d’un bras par un chirurgien n’aura pas permis de sauver l’ »impératrice du blues «  qui rend son dernier souffle à 22 h30 dans une petite chambre de Clarksdale.
Jean-Louis Lemarchand

Au sommet de son art vocal, Kurt Elling se pose des questions sur l’état du monde, la pauvreté extrême côtoyant la richesse énorme, la montée des extrémismes. Le lauréat de l’Académie du Jazz et des Grammy Awards reste influencé par le diplôme de philosophie de la religion obtenu dans sa ville natale de Chicago. Le baryton admirateur de Jon Hendricks et …Jean Sablon apporte sa réponse au climat général anxiogène avec un répertoire allant de Leonard Bernstein à Bob Dylan. A la veille d’une tournée en France pour présenter « The questions » (Okeh-Sony)-dont Jean-Marc Gélin vous a fait un compte-rendu enchanteur- Kurt Elling se confie aux DNJ.
 

Les DNJ: Diplômé à l’Université en philosophie de la religion, êtes vous influencé par vos connaissances dans votre expression artistique ?
Kurt Elling. La philosophie de la religion n’a jamais été aussi présente dans mon univers que maintenant. Ce disque, The Questions, traite de la confrontation à laquelle nous devons faire face dans cette époque effrayante et perplexe. C’est un défi politique, idéologique, financier à relever. Depuis la création du monde, nous n’avons jamais eu autant de pouvoir pour détruire et pour créer, ni jamais autant d’incroyable richesse et en même temps une telle pauvreté. En tant que citoyen, j’ai besoin de comprendre ce que je suis supposé faire. Je ne peux être un homme politique, je ne peux être un roi. Je peux à peine me contrôler moi-même, je peux voir et ressentir la souffrance. Et cela, c’est là une question idéologique.

Les DNJ: Ces questions vous ont motivés dans le choix des titres pour cet album ?
 

KE : Tout ce que je savais, c’est que je voulais faire quelque chose qui vaille la peine en cette époque où se posent les questions de la valeur, du sens, de la moralité dans la relation que nous avons avec nous-mêmes et les autres. Nous devons faire face à cet aspect autodestructeur qui se trouve en chacun de nous et qui se manifeste dans tous les extrémismes et fanatismes ainsi qu’on le constate avec l’émergence du fascisme en Autriche ou encore avec les risques de frappes nucléaires, d’un désastre écologique ou même de guerre civile aux Etats-Unis.

Les DNJ : C’est un album que vous n’auriez peut-être pas fait il y a 20 ans ..
 

KE :  Peut-être ! Je ne sais pas. Cet album a été réalisé avec Branford Marsalis, une deuxième collaboration après Upward Spirals (Okeh-Sony)en 2016, et qui reflète une relation forte entre nous. Le fait est que je ne peux ignorer ce qui se passe dans le monde, comme par exemple (et il montre la « une » d’un quotidien) ces massacres d’enfants en Syrie ou en Floride. Quand vous atteignez la cinquantaine (ndlr : il est né en 1967) et que le monde est horrible et dangereux comme il se trouve maintenant, est ce que je dois en prendre conscience ou passer mon chemin et faire comme si de rien n’était ? Je ne suis pas un bon chanteur engagé (“a good protest singer”), c’est donc un véritable combat pour moi de faire référence à ces questions. C’est un gros défi personnel. Je ne chante pas un Requiem mais je dois chanter ce que je ressens.

Les DNJ: Mais vous restez un chanteur de charme, un crooner …
 

KE : La période actuelle est aussi favorable au romanesque. Une des questions idéologiques les plus graves n’est elle pas, qu’est ce que l’amour ? comment nous trouvons l’amour, comment nous manifestons l’amour ? Je veux également divertir le public. Je veux que les spectateurs prennent du plaisir, qu’ils sortent du concert le plus heureux possible, qu’ils gardent un bon souvenir. Je suis très reconnaissant au public qui vient m’écouter, à Paris ou  Copenhague. Je me sens responsable auprès du public. Je pense que le public attend que je poursuive dans cette voie. Je continue à apprendre autant que je peux, à présenter des chansons qui aient du sens et à progresser. C’est mon job. Je sais que je ne peux changer le monde… j’aimerais bien (rires)

Les DNJ: Avez-vous l’intention d’inscrire d’autres chansons françaises à votre répertoire, après des titres de Claude Nougaro et Jean Sablon ?
 

KE: J’aime beaucoup « Je tire ma révérence » de Jean Sablon, c’est agréable, un peu piquant, c’est ok. Mais avec les chansons en Français, il est difficile de rendre les nuances. Je ne connais pas assez bien le répertoire pour être assez précis dans l’expression. J’aimerais bien connaître toutes les langues. Quand je serai au ciel, je serai polyglotte ! (rires)

Propos recueillis par Jean-Louis Lemarchand

Kurt Elling. The Questions. Kurt Elling (voix, producteur), John McLean (guitares), Stuart Mindeman (claviers), Joey Calderazzo (piano), Clark Sommers (basse), Jeff « Tain » Watts (batterie), Branford Marsalis (producteur, saxophones), Marquis Hill (trompette, bugle). 5-12 octobre 2017. New York. Okeh-Sony.

En concert en avril en France, le 10 à Schiltigheim (Cheval Blanc) le 11 à Cholet (Théâtre Saint-Louis), le 13 à Caen (Théâtre), le 14 à Saint Nazaire (Théâtre), le 16 à Nice (Opéra Nice Côte d’Azur)et le 17 à Boulogne-Billancourt (La Seine Musicale) avec Stuart Mindeman, Clark Sommers, Jeff "Tain" Watts, John McLean et en invité à La Seine Musicale Rick Margitza (saxophones).

ANA KAP

La gazette de Libor

Petit label www.petitlabel.com

Ana Kap, c'est le nom de ce trio étonnant, créé voici neuf ans, qui sort sur le  Petit L abel caennais, un deuxième album pour 2018, joliment intitulé La Gazette de Libor. http://www.petitlabel.com/pl/disque.php?ref=Pl kraft 056.

Instrumentation qui nous entraîne loin, jouant de divers rythmes et de l'alliage réussi des timbres (accordéon, cornet long, violon), sans oublier les interventions bienvenues, bidouillages un rien loufoques, voix de platine vinyle et effets de Juno 60. Une fois calé, on se laisserait bien aller à suivre la musique imaginée par le talentueux trio composé de Pierre Millet (compositions, cornet long), de Jean Michel Trotoux (accordéon), de Manuel Decocq (violon) ("Prude") : bal musette avec ce "Papa Tango" où dominent les flonflons de la fête foraine, sur un manège emporté par l'accordéon valseur ("La gazette de Libor ).

On pénètre dans l'univers étrange et étranger des compositions du corniste, dans une musique généreuse qui se donne dès le premier thème, orchestral. Audacieux de brûler tous ses vaisseaux, de tirer toutes ses cartouches dès l'ouverture, puisqu'au trio se joint un quatuor à cordes sur ce seul titre "Chien de paille" qui compte aussi sur les claviers de Djizan Emin, qui intervient, par contre sur quatre autres titres. Etonnant voyage très cinématographique-et c'est un compliment, illustration d'une balade virtuelle projetée dans la tête. Ces sonorités travaillées installent un climat surréel parfois, cadence suggestive plutôt que rythmique forcenée, comme un "Teketodo" lancinant, un "Seize torses" qui s'imprime dans la mémoire, un "Mambo" qui fait du bien.

On arrive à la fin de l'album, tourneboulé par ces pièces si différentes, ces changements de rythme incessants. Rien n'est laissé au hasard et le final, loin d'exploser, chante la plainte d'un violon mélancolique. Qu'importe les bricolages, l'album conserve en dépit de tout, son unité, avec une dimension originale et poétique. Epatant!

Sophie Chambon

Gildas Boclé (contrebasse), Nelson Veras & Jérôme Barde (guitares), Marcello Pellitteri(batterie)

Vannes, date non précisée

Absilone / Socadisc

L'intitulé exacte est en fait : Gildas Boclé plays Cole Porter & Tom Jobim « So in Love ». Autant dire que la revendication est explicite : jouer les standards de ces deux grands compositeurs, frères en mélancolie chantante, et en développements mélodico-harmoniques d'une grande richesse. Pour ce faire, le contrebassiste breton est allé chercher deux de ses anciens condisciples du Berklee College de Boston : le guitariste Jérôme Barde, et le batteur Marcello Pellitteri. Et en renfort un autre forcené mélodiste, d'une génération postérieure, le guitariste Nelson Veras. Cela tombe à pic, car ce jeune brésilien devenu parisien est en osmose idiomatique avec le langage de Tom Jobim, ce qui ne l'empêche nullement de jouer Cole Porter. Et Jérôme Barde, qui a comme Gildas Boclé longtemps séjourné et travaillé aux USA, est aussi à l'aise dans le répertoire du Maître de Broadway que dans celui du Chantre de la beauté Carioca, adopté et adoubé par New York. Les plages alternent quartettes, duos et trios. Tantôt l'on est dans une pure session de jazz (le quartette sur Chega de Saudade, en ouverture du CD, parmi d'autres), et tantôt en quête du graal mélodique, notamment quand le contrebassiste, à l'archet, expose So In Love, I Love Paris, Night And Day, ou encore l'arrangement de Tom Jobim sur I Concentrate On You. Une quête mélodique qui ne révoque évidemment pas le jazz car les guitariste sont choisis précisément pour ce talent de faire chanter les improvisations de leurs instruments. On retiendra au fil des plages que Nelson Veras possède, au degré le plus élevé, la faculté de sortir harmoniquement des clous sans briser le moule, tandis que Jérôme Barde, même sur le fil, semble toujours garder un pied dans la maison-mère, celle qui abrite la mémoire des standards. La délicatesse de How Insensitive, duo de Gildas et Nelson, et le pur plaisir du quartette, sur Night And Day, auront sans doute ma préférence, mais je dois avouer que j'ai passé, à l'écoute de ce disque tout en nuances, un très bon moment.

Xavier Prévost

Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?2&v=dyCYXtGUt3E

Le groupe est en concert à Paris, au Sunset, le 6 avril 2018

Bernard Lubat (piano, batterie, percussions, sons échantillonnés, voix), Louis Sclavis (clarinette basse, voix)

Uzeste, dates non précisées

Cristal Records CR 270/ Sony Music

Après la rencontre avec Sylvain Luc, et en attendant celle avec Michel Portal, un nouvel exercice dialogique du poly-instrumentiste et vocaliste-créateur de langages Bernard Lubat. Ici le partenaire est Louis Sclavis, compagnon de route de la Compagnie Lubat depuis plus de trente ans, et musicien issu d'une dynastie reconnue du folklore imaginaire. Le texte de Louis Sclavis sur la pochette du CD dit ceci : «Pendant trois jours à Uzeste, presque en vase clos, on a joué parlé attendu en silence que les mots ou les sons viennent». Dialogue intime conclu par une longue improvisation en public (Net d'impro). Les autres dialogues, plus concis, portent des titres qui sont autant d'invitations à l'escapade verbale ; ces jeux sur le bout de la langue se jouent pour l'essentiel en territoire rugbystique. Ces mots pour le dire encerclent à grand peine une musique qui s'évade par tous les chemins de la liberté. Cheminement mélodique sur des sentiers où la tonalité se perd, et lyrisme d'entre deux guerres – ou d'entre deux mondes musicaux (Essai y est) ; répons en territoire du vingtième siècle (Trois en quatre à deux) ; joute amoureuse entre la clarinette basse et le piano (En tendre l'autre).... Chaque pièce, chaque plage ouvre une porte vers l'inconnu, terrain de jeu favori de l'improvisation. Deux funambules de la musique sont à l'action, et l'on ne perd pas une miette de ce qui se joue là, entre désir d'expression et refus de redire. Sclavis et Lubat sont deux jongleurs de l'éphémère, mais leur musique est faite pour durer, par le truchement du CD, et au-delà. L'échange (tennistique?) de Balle neuve projette jusqu'à l'extrême les vertus du principe action-réaction. Dans Traçage, Sclavis dessine une ligne solitaire où l'on devine l'écoute du partenaire. Voix sans soif est un exercice de poésie sonore et pianistique du seul Lubat, et le dialogue reprend dans Essaie si tu l'oses. Quant au titre conclusif, Net d'impro, il transforme en public les essais concoctés avec, comme l'explique Lubat au public en début de plage «la musique de composition instantanée multimmédiate où on improvise 100% sans papier(s) [....] Une lutte éperdue d'avance....». C'est une sorte de musique de chambre (chambre chaude, pas chambre froide), qui s'égare avec délices dans les méandres de ce que Bernard Lubat appelle «le dépensement de soi», dépense improductive, mais artistiquement féconde. Il ne vous reste plus qu'à vous immerger dans cette aventure humaine autant que musicale.

Xavier Prévost