Soirée du Vendredi 22 Mai

STEPHANE KERECKI Quartet « Nouvelle Vague »

www.stephanekerecki.com

John Taylor (piano), Antonin Tri Hoang( saxophones), Stéphane Kerecki (contrebasse), Fabrice Moreau (batterie), Adrian Smith (réalisation image).

De retour à Arles dans la chapelle du Méjan, jouxtant la librairie Actes Sud, par un fort mistral qui nous fait pencher dangereusement sur la promenade des bords du Rhône, nous attendons avec impatience d’écouter-voir le quartet du contrebassiste Stéphane Kerecki dans son programme NOUVELLE VAGUE. Nous avions chroniqué aux Dnj, il y a juste un an, l’album sorti sur le label Outhere/Outnote. http://www.lesdnj.com/article-stephane-kerecki-quartet-nouvelle-vague-123762661.html

Plus encore qu’une révélation, ce concert s’est avéré une vérification, une consécration. Il est toujours troublant de voir en live la musique que l’on a aimée chroniquer. Voilà un quartet élégant, à la juste dimension, qui «illustre» ce festival troublant de scènes et séquences mythiques que l’on a en tête, de Pierrot le Fou (Jean Luc Godard/ Georges Delerue) aux Quatre cents coups (François Truffaut/ Jean Constantin), d’A bout de souffle (JLG/ Martial Solal) aux Demoiselles de Rochefort (Jacques Demy/ Michel Legrand). Des films qui déplacèrent les règles du cinéma tout en saisissant parfaitement l’époque et ses aspirations.

Le contrebassiste leader s’est nourri ainsi que ses camarades de jeu, des images et musiques de ces films pour en recréer sa propre version, avec très peu d’arrangements, partant du matériau brut pour laisser place à l’improvisation. Le résultat est saisissant car la musique que l’on entend renvoie aux films en même temps que se développe sur scène autre chose, un échange fluide, où la musique respire dans l’espace du Méjan. Un certain goût de la liberté sans faire pour autant table rase de l’histoire du jazz. Pour ce concert, le saxophoniste «remplaçant» est le prodigieux Antonin Tri Hoang qui remplace Emile Parisien que l’on entend sur le disque. Le lendemain, c’est Jean-Charles Richard qui se produira à Vitrolles à Charlie free. Ces remplacements existent continuellement, en fonction des tournées et divers engagements de chacun ; ce qui n’est pas un souci car ces diverses configurations apportent nécessairement un parfum nouveau. Le saxophoniste joue à sa façon lyrique et jaillissante, swinguant sans avoir besoin de la gestuelle du danseur Parisien, par exemple. J’en aurai la confirmation dès le lendemain, en discutant avec le pianiste Bruno Ruder : Antonin Tri Hoangl a pratiqué et connaît tous les styles de musiques, est venu au jazz en découvrant Fletcher Henderson et les orchestres des années trente .

Dans la poursuite engagée par le quartet pour rendre une bande-son cohérente de la Nouvelle Vague, quand on s’attache à suivre l’un des quatre musiciens, l’on est invariablement happé par les trois autres, emporté par la dynamique que gère avec finesse le contrebassiste : impossible de se détacher de l’ensemble, et l’on reste arrimé au mât, aussi sûrement qu’Ulysse et ses compagnons, sous l’emprise de Circé la magicienne. Car une véritable fascination se dégage de cette suite de mélodies qui s’enchaînent inéluctablement jusqu’aux rappels (il y en aura 2, pour notre plus grande joie). Une musique grave, exaltée, sensible que servent à merveille les roulements de caisse drus, la frappe sèche et précise de Fabrice Moreau, le toucher lent et pénétrant de John Taylor, évidemment troublant dans «la Chanson de Maxence» des Demoiselles, en écho attentif à la mémoire evansienne. Une musique d’atmosphère avec de longues compositions ouvertes, propices au travail d’équipe. Quant à l’histoire, chacun peut bien se raconter la sienne. D’autant que le concert s’accompagne d’une création vidéo, à partir d’archives et de nouvelles séquences, une «bande-image» du concert : plans fixes récurrents des beaux visages d’Anouk Aimée (la Lola de Demy), Anna Karina, Jean Seberg et Jeanne Moreau. Comme la ritournelle du « tourbillon de la vie » de Jules et Jim. Le cinquième homme, Adrien Smith me confie toute la difficulté à organiser son travail, tant les droits à régler à la Gaumont et autres compagnies sont exhorbitants. Alors il aura fallu bricoler avec les plans fixes, faire se réfléchir le visage de B.B dans Le Mépris avec celui, non moins beau d’Anna Karina, derrière un objectif dans Pierrot le Fou. Des bouts de pellicules rayées forment en arrière plan, comme un rideau de pluie alors que résonnent des bribes de dialogues, pour finir par un discours militant tiré d’Alphaville-Une étrange aventure de Lemmy Caution de JLG (sur les HLM dans lesquels on parque les individus, ces «hôpitaux pour longues maladies»). On se souvient alors du travelling en noir et blanc et de ces portes qui s’ouvrent dans le générique de l’émission produite par Michel Boujut et Anne Andreu, «Cinéma, Cinémas».

Un concert que l’on n’oubliera pas de si tôt, une création libre à plus d’un titre. Aucune règle ne détermine ce qui se produit là, si ce n’est la complicité alliée au travail le plus exigeant. Rien n’est imposé si ce n’est le plaisir de s’abandonner au travail de l’ensemble...

Sophie Chambon

Les photos sont de Camille GIBILY

NB : Stéphane Kerecki a aussi glissé dans son programme, la musique de Philippe Sarde dans Les choses de la vie, «La chanson d’Hélène » interprétée par Romy Schneider. Claude Sautet ne fait pas du tout partie du groupe de la Nouvelle Vague, assassine pour la génération précédente. Les jeunes contestataires remettaient en question, l’époque le voulait, le «cinéma de papa», d’Autant-Lara ou de René Clair. Mais aujourd’hui que la nostalgie n’est plus ce qu’elle était, on peut réintégrer, dans une liste de musiques inoubliables, celles des films de Sautet des années soixante- dix qui dessinent un portrait sans faute de la France de la toute fin des Trente Glorieuses.

Vingtième édition (13 au 23 mai 2015)

Soirée du jeudi 21 mai

Misja Fitzgerald Michel (guitare solo)

www.misjafitzgeraldmichel.com

Dans un rond de lumière apparaît un grand escogriffe à la chemise à carreaux bleus. Misja Fitzgerald Michel[i] commence à jouer un solo de guitare qui nous fera parcourir le plus doux des trajets, du sensible «Ornettish» à une ballade «Heat», de « Don’t explain » de Billie Holiday à « Lonely Woman » (retour à Ornette Coleman), de « Pink Moon» du folk songwriter Nick Drake à «Nardis» en rappel (composition du guitariste Chuck Wayne qu’a su s’approprier Bill Evans). Tout est surprise, changements de ton, d’accords, avec des phrases complexifiées à souhait. Ce qui n’enlève rien à la finesse, à l’imprévisibilité attachante que le guitariste insuffle à l’ensemble. C’est dans un contexte aussi particulier, strictement libre, tout simplement étonnant que l’on peut apprécier la beauté insensée d’une mélodie et sa capacité à durer. Misja célèbre la guitare plurielle, l’essaie à toutes les pluralités. Il connaît les chansons, les reprend puisqu’il les aime et nous les fait découvrir autrement. Ce sont bien elles et pourtant, en se glissant dans le répertoire, il se fait une place avec sa guitare qui sonne et donne tout leur espace à ces « petits » morceaux qu’il éclaire, autrement, à sa manière, simplement et avec talent. Voilà ce que c’est que d’être doué, inspiré. Libre. On reparlera, au cours de la soirée, de ses sources d’inspiration, de Nick Drake, ce troubadour disparu trop tôt, en 1974 auquel il a consacré son dernier album Time of No Reply, en 2012. Tout comme de la malédiction qui a frappé les Buckley. Car le succès foudroyant du fils, Jeff avec l’album Grace, sorti en 1994, a quelque peu éclipsé le travail du père, Tim, plus orienté folk, mais profondément éclectique dans ses goûts et orientations musicales.

Il faut décidément louer l’esprit avisé du directeur artistique Jean Paul Ricard qui sait programmer des talents rares, trop peu entendus. C’est toute la grâce de ce festival arlésien, unique, de faire découvrir chaque année des choses rares, de programmer des concerts que l’on n’entendra plus dans les grosses machines estivales, ou même dans le réseau plus pointu de l’AJC, ex Afijma.

80 years BARRE PHILLIPS « Listening »

Urs Leimgruber, saxophones/Jacques Demierre, piano / Barre Phillips, contrebasse

www.barrephillips.com-emir.org

Changement de ton après l’entracte avec LDP: on attend le contrebassiste Barre Philips en trio avec Urs Leimgruber au saxophone et Jacques Demierre au piano, un alliage qui a déjà une quinzaine d’années, se produisant sur le label allemand, de qualité, Jazzwerkstatt. Contre toute attente, il y a un point commun avec le concert précédent : si l’on ne peut, cette fois, fredonner la mélodie, on retiendra cette recherche exigeante du son, dans sa qualité la plus pure. Barre Phillips est un artiste véritable qui suit son propre fil. Et ce, depuis longtemps, depuis Music from Two Basses avec Dave Holland ou son solo, Journal Violone en musique improvisée. Avec ce trio, c’est la surprise et la découverte dans l’instant, un entrelacs de figures dans l’espace, une chorégraphie gestuelle et un abandon à l’instant-ané. On se laisse conduire par ce mixage de fragments sonores reliés à une écoute intime, des stridences et vrilles exacerbées du saxophoniste et autres grincements du piano plus ou moins préparé ; parfois c’est un ostinato de basse, un bourdonnement continu qui s’harmoniserait presque avec la soufflerie aléatoire de la tireuse de bière ou de la machine à café. Au fond, derrière le plateau technique, les conditions d’écoute sont parfaites. Le trio est de plus, visuellement intéressant, au sens pictural, un tableau de groupe flamand. Il faudrait un peintre, plus encore qu’un photographe, pour saisir ce qui se joue là, entre les trois : des emportements incontrôlés d’Urs aux gestes menus de Barre, délicat quand il enlace, retourne, frotte, tapote la basse.

Cette capacité de création immédiate résulte t- elle de la seule virtuosité ? Quand il s’agit de rentrer en soi même, à l’écoute de soi et des autres, de faire remonter des réminiscences. Une création « live », dans l’instant, d’après des choix imposés de l’extérieur, comme de jouer entre les notes. Une expérience à trois, partagée, où « l’écoute comme matériau », selon les mots même de Jacques Demierre[i] est « à chaque nouveau concert plus présente... Une réactivation continuelle de la totalité des possibles...quand tous ces sons produits et échangés ne semblent résulter d’aucun travail et naître spontanément de leur propagation dans l’espace ».

C‘est la marque d’un beau concert quand le souvenir que l‘on en garde s’accompagne de sérénité. Quelques personnes sont malgré tout un peu surprises, mais la majeure partie du public, constituée de fidèles, connaît le parcours sensationnel et transdisciplinaire de cet octogénaire toujours vaillant, qui a accompagné la chorégraphe Carolyn Carlson, composé des musiques de films, de Jacques Rivette et du documentariste Robert Kramer.

Avec cet aparté avec le chroniqueur du Monde, Francis Marmande, dont le chapeau, ce soir là, m’évoque irrésistiblement « le Doulos » de Melville, un film qu’il connaît bien, la transition avec la soirée suivante est toute trouvée, puisqu’ il s’agira de Cinéma et de musiques de films, ceux de La Nouvelle Vague. J’aime ces moments en immersion, où l’on est là, captif et libre. De méditer et rêver. De penser à tout et à rien. Prêt à lire et à écrire.

Sophie Chambon

NB : les photos qui illustrent l’article sont de l’ami Philippe Méziat dont vous pouvez lire le compte rendu sur le blog de jazzmagazine.

[1] Misja Fitzgerald Michel tourne dans des contextes différents, des formations différentes : proche de Jim Hall, il a joué avec Ravi Coltrane, Chris Potter, Drew Gress, pratiquant avec aisance une gymnastique totalement acrobatique, un grand écart des formes

[i] J’irai voir après le concert, sur les conseils de Luc Bouquet, le carnet de route du trio proposé par l’initiateur du son du Grisli, Guillaume Belhomme. www.grisli.canalblog.com

Jazz in Arles : une soirée en duos

Andy Emler (piano), Claude Tchamitchian (contrebasse)

Anja Lechner (violoncelle), François Couturier (piano)

Festival Jazz in Arles au Méjan, chapelle du Méjan, Arles, 20 mai 2015.

Dix neuf ans révolus et vingt éditions pour ce festival hors du commun, accueilli dans l'espace culturel des éditions Actes Sud au Méjan : une ancienne chapelle, vendue à la Révolution comme bien national, et devenue ensuite le dépôt de laine de la Coopérative du syndicat des éleveurs du Mérinos d'Arles (la raison sociale est gravée dans la pierre du fronton !). Ici pas de moutons à tondre (c'est le rejeton d'une famille d'éleveurs de la race Texel qui vous le dit....), seulement des oreilles et des consciences à combler de beautés sonores. Le piano a toujours eu en ces lieux la part belle : il faut dire que l'instrument de l'endroit, Steinway modèle D, est incontestablement l'un des plus remarquables que l'on puisse trouver dans ce pays, Ile de France et toutes régions confondues. Il est de surcroît préparé, réglé, harmonisé et accordé par l'irremplaçable Alain Massonneau (studio de la Buissonne, concerts de jazz du festival de Radio France et Montpellier....) ; les pianistes de jazz l'adorent, et lui rendent souvent sur scène, ici et ailleurs, l'hommage qu'il mérite.

Deux duos donc ce soir là, très contrastés. La paire qui associe Andy Emler et Claude Tchamitchian s'appuie sur quinze années d'incessantes collaborations, du medium band (le MegaOctet) au trio. Mais leur duo est tout neuf : un seul concert avant celui-ci, à l'Uppercut de Marseille, en octobre 2014. Dopés par le confort acoustique (une sono en simple renfort, d'un naturel confondant) et la puissance hors-norme du piano, les deux compères se sont promenés de plaisir en surprise, glissant d'une improvisation sans filet à quelques uns des thèmes du répertoire du trio qui les associe au batteur Éric Échampard. Andy Emler, que la dynamique exceptionnelle de l'instrument pourrait griser au point de le circonscrire au quadruple forte, n'oublie jamais qu'à l'autre extrémité de l'échelle des décibels, ce piano offre un pianissimo presque diaphane ; et il en joue avec délices. Claude Tchamitchian est porté par la qualité du son qui le sert : à l'issue du concert, il remerciera Bruno Levée, le sonorisateur, pour lui avoir offert une écoute idéale ; et manifestement le contrebassiste est porté, et inspiré, par l'excellence du rendu sonore qui lui est offert. A l'archet comme en pizzicato, les idées fusent, et l'expression s'en donne à cœur joie, et quand il le faut jusqu'au paroxysme. La connivence des musiciens est absolue, et absolument confondante. Le temps, pourtant mesure et maître de toute musique, semble s'être dissipé, comme en un rêve éveillé : après une heure de concert, à l'issue du rappel, le chroniqueur épaté aurait juré que cela avait duré à peine une demi-heure !

L'autre duo du jour associe Anja Lechner à François Couturier. La disposition a légèrement changé : le piano est cette fois parallèle au bord de la scène et le pianiste, de profil, dialogue avec la violoncelliste qui se trouve derrière lui, légèrement à sa droite, et plus près de l'avant-scène, face au public. Une disposition chambriste, donc. Mais ne nous y trompons pas : si la musique, en bonne partie écrite, est empruntée à Federico Mompou, Georges Gurdjieff, Komitas, et aux compositions de François Couturier (le répertoire de leur disque « Moderato Cantabile », paru à l'automne 2014 chez ECM), l'expression est forte, parfois exacerbée, et l'espace de l'improvisation s'immisce en clandestin dans l'écriture. La violoncelliste offre une sonorité tout à la fois ronde et rugueuse, façon gambiste, comme si son instrument gardait la mémoire de la viole de gambe qui l'a précédé dans l'histoire. Plus que sur disque, on la sent oser, dans les espaces de liberté que peut offrir le texte, l'improvisation, et l'expressivité intense. Le dialogue est constant avec le pianiste qui, impassible et regardant la partition devant lui (qu'il la suive ou s'offre des libertés....), semble en permanence, tel un sphinx, méditer sur l'inatteignable beauté ; beauté qu'il tutoie cependant constamment, en compagnie de sa partenaire. Et plus question ici de se demander si c'est encore du jazz, ou déjà du jazz, ou seulement peut-être : qu'importe. Dans ce lieu unique qu'est le Méjan, idéal pour de tels formats instrumentaux, la musique et la beauté sont les seules mesures possibles. Écoles, styles, genres, idiomes et chapelles, allez au diable : la chapelle du Méjan vous offrira l'absolution !

Xavier Prévost

Le samedi 23 mai dans le cadre du superbe Festival Jazz à Sant Germain ,

le pianiste américain Vijay Iyer donnera un concert en trio à la Maison des Océans, 195 rue Saint Jacques à Paris.

L'occasion de revenir sur l'album de la nouvelle star d'ECM, Certainement l'un des pianistes les plus prometeurs de sa génération. Foisonnant d'idées neuves et modernes.

L'étoffe d'un très grand.

A ne pas louper

L'occasion aussi de retrouver la nouvelle édition de ce magnifique festival porté haut par Fred Charbaut et Donatienne Hantin qui cette année encore nous réservent du 21 au 29 mai quelques pépites et quelques recettes magiques dont ils ont le secret : Shai Maestro, Kyle Eastwood, Eric Bibb et Ablaye Cissoko, Lars Danielsson et j'en passe et non des moindres vont nous faire vivre des heures de jazz durant cette semaine qui s'annonce magique. Une fois encore.

ELIANE ELIAS : « Made in Brazil »

Concord records 2015-0

Eliane Elias(vc, p), Mark Kibble ,Amanda Brecker,Ed Motta, Roberto Menescal (vc), Marcus Teixeira (g), Marcelo Mariano ( bass), Marc Johnson (cb), Edu Riberio (dms), Rafael Barata (dms), Mauro Refosco, Marivaldo dos Santos ( perc), Rob Mathes ( orchestral arrangements)

Eliane Ellias reste sur son terrain, essentiellement celui de la musique brésilienne qui lui va comme un gant sur la peau d’une star hollywodienne.

Elle aligne ainsi quelques saucissons brésiliens ( Vocé, Brasil, aguas de Marços) et quelques thèmes aux arrangements plus pops, le tout avec une réjouissante fraîcheur.

Eliane Ellias c'est l'été ! c'est la pina colada sur la plage ! C’est la farniente et l’amour à l’ombre des persiennes ! Bref c’est glamour à souhait (à l’image de ce sexy cover) ! Eliane Elias chante avec cette voix chaleurese et suave. Placement impeccable, aucun effet superflus. Hyper pro, rien qui dépasse !

Mais Eliane Elias nous ravit aussi par toutes ces petites pépites, ses propres incises lumineuses au piano. Car Eliane Ellias, outre ses talents de compsitrice, de parolières et de chanteuse est aussi une pianiste qui semble s'ignorer tant elle s'y fait trop discrète à notre goût. Il serait peut-être temps que son bassiste de mari, Marc Johnson l’amène à jouer plus. Enfin nous, c’qu’on en dit ….

Les arrangements ne sont pas absolument révolutionnaires loin s’en faut mais suffisamment efficaces pour ratisser un public large. On a aimé par exemple ce ravissant Some enhanted place frais comme tout ou encore ce très funky Driving Ambition !

Et si les arrangements ne renversent pas la table, les accompagnements sont eux impeccablement réalisés qu'il s'agisse de l'ajout de cordes ou de voicing à la façon Real group. 7 des 12 titres s’appuient ainsi sur les arrangements orchestraux de Rob Mathes, arrangeur doué qui a travaillé avec le ghotta du jazz et de la pop américaine et qui en la matière sait y faire dans le genre effficace et qui rapporte gros.

Assurément du bon boulot.

A Déguster en pleine période estivale, le soir après dîner sur la terrasse en fumant un havane la tête perdue dans les étoiles ou en dansant langoureusement avec la femme de ses rêves.

Jean-Marc Gelin

LAURENCE ALISON : « Claro »

La Baleine 2015

Laurence Allison (vc), Benôit Charlier (p, fdr), Jean-Michel Charbonnel (cb, b) + Carl Schlosser (fl), Eric Zorgnotti (cello), Johan Renard (vl), Jean-Marie Ecay (g), Alain Debiossat (sax), Pauline Chagne (harpe), Laurent Coq (p), Philippe Chagne (sax, cl)

Avec Laurence Allison, qui n'est pas née au pays du pain du pain de sucre mais qui semble s'immerger dans sa culture comme si c'était la sienne, on a affaire à un autre univers, un peu moins connu et moins mielleux en tous cas.

Ici la chanteuse et compositrice entreprend de rendre un magnifique hommage au superbe compositeur brésilien Edu Lobo, contemporain de Jobim, de Buarque et de Vinicius de Moraes mais qui n’a toutefois pas eu la même reconnaissance du grand public. Il faut dire que le répertoire de Lobo est sublime et exigeant à la fois tant sa musique est subtile et riche dharmonie qui se juxtaposent. Il faut ainsi entendre Laurence Allison reprendre cette chanson poignante, Canto Triste ou au contraire cette samba joyeuse Corrida de Jangada pour comprendre la richesse musicale d’Edu Lobo.

Laurence Allison côtoyait au domicile familial ,lorsqu’elle était enfant les disques d’Edu Lobo dont les mélodies lui étaient devenues, à force familières. Il lui a fallu attendre de grandir et de parcourir son propre chemin musical pour redécouvrir ce compositeur qui ne l’a jamais quitté en fait et se sentir prête à lui rendre un hommage très personnel.

Chantant dans un portugais impeccable ( qu’elle a appris à l’université, déjà amoureuse de la langue de Pessoa), Laurence Allison rend hommage à Lobo aussi bien en chantant ses chansons qu’ en composant ( ou lui dédiant ?) quelques titres magnifiques comme celui qui ouvre l’album, Na Minha Cancao ( « c’est ma chanson ») que l’on aurait pu croire composé par le maître lui-même/

Laurence Allison chante dans son registre qui, on l’a dit n’est pas un registre sucré et tout miel mais au contraire avec cette voix au caractère bien plus affirmé, hors format, restituant la mélodie mais aussi les textes avec une élégante précision.

Les arrangements sont à géométrie variable allant quand il le faut jusqu’à l’ajout de cordres discrètes. ET comme toujours, avec Charlier (piano, fender) et Sourisse (dms,percus) on donne dans l’orfèvrerie en matière accompagnement.

On sort ainsi de cet album émerveillés par la beauté exceptionnelle du répertoire d’Edu Lobo, pas l’osmose entre son propre univers et celui de la chanteuse. Avec l’envie irrésistible aussi de se ruer chez notre disquaire préféré pour faire razzia sur les albums du brésilien.

Quel plus bel hommage ?

Jean-Marc Gelin