JOACHIM KÜHN & ALEXEY KRUGLOV : «  Moscow »

Act 2014

Joachim Kühn (p), Alexey Kruglov (ts,ss)

JOACHIM KÜHN : “ Voodoo sense”

Joachim Kühn (p), Majid Bekkas (cb), Ramon Lopez (dms) + Archie Shepp (ts);

A juste titre l’année 2014 sera entre autres marquée par un bel anniversaire, celui des 70 ans du pianiste de Liepzig. Musicien essentiel dans le paysage du jazz et ce depuis les années 70, le pianiste allemand qui fut l’un des compagnons du trio mythique qui l’associait à Daniel Humair et JF Jenny Clark (dont on réédite plusieurs albums aujourd’hui), Joachim Kühn est un sexagénaire étourdissant. Véritable force de la nature le pianiste apparaît dans une forme plus qu’éblouissante.

Le label ACT de Siggi Loch  qui l’abrite depuis quelques temps, ne manque donc pas de lui rendre un hommage appuyé avec la sortie rapprochée de rééditions mais aussi et surtout de plusieurs albums récents qui témoignent si besoin est de l’incroyable vitalité de Joachim Kühn. Et surtout de son absolue actualité.

Toujours à l’affût de nouvelles expériences musicales Joachim Kühn ne cesse en effet de multiplier les rencontres. Ouvert à toute remise en question de ses propres certitudes et de son propre champ d’expression Kühn donne l’image d’un jazzman jamais blasé, jamais à court d’envie ni d’idées. Toujours à l’affût de belles confrontations. On se souvient par exemple de la magnifique rencontre à 4 mains avec le jeune pianiste prodige et compatriote Michael Wollny qui fut éditée sur le même label, témoignage d’un concert assez inoubliable.

Dans le bien nommé «Moscow», Joachim Kûhn à l’occasion d’un déplacement en Russie a accepté la proposition de  l’institut Goethe de Moscou d’enregistrer avec talent de la scène moscovite, en l’occurrence le saxophoniste Alexey Kruglov.  Et c’est avec un sens du dialogue, de l’échange et du partage que le pianiste allemand dialogue avec ce musicien particulièrement expressif et engagé.

Car le saxophoniste qui affiche ici un sens un peu théâtral ne manque pas le rendez vous dans un moment d’une extrême intensité où la posture post aylerienne de Kruglov crie autre chose que la seule musique et insuffle un supplément d'âme parfois déchirant ( Because of mouloud) et presque exténuant. La musique évolue alors entre moments écrits très mélodiques et des libres improvisations free comme les aime le maître de Liepzig où ce dernier accompagne cette sorte de combat avec lui-même que semble se livrer le saxophoniste qui s’emballe parfois dans l'émotionnel. Tellement engagé qu'il en devient parfois théâtral ou à tout le moins mélo. La volonté d'en faire une expression tire-larme agace alors parfois par son côté limite mielleux ( Poet).

Mais au final si la rencontre ne porte pas tout à fait ses fruits, le pianiste y étant quand même très en retrait, elle porte à tout le moins la marque de l’extrême générosité de Joachim Kühn et son ouverture vers des horizons plus ou moins connus.

Avec Ramon Lopez et Majid Bekkas, l’affaire est d’un tout autre niveau. Le trio se connaît depuis de nombreuses années et a déjà à son actif trois albums avant celui-ci. Trio fusionnel s’il en est. Pas de round d’observation, mais plutôt une façon d’emblée de poser la musique sur des sommets exceptionnels. Il faut entendre cette lutte quasiment fratricide avec Ramon Lopez où tout deux parviennent à densifier de manière incroyable la musique, à lui donner vie, à l'animer en pulsation et en vibrations. Avec Majid Bekkas et son jeu très puissant et parfois très orientalisé ils forment là un trio powerful. Un supplément d’âme. Inspiré entre autres par l’album de Coltrane ( « Kulu Sé Mama » enregistré en 1965) dont il est repris le titre éponyme, « Voodoo sense » associe plusieurs invités à l’enregistrement et notamment Archie Shepp.

Le pianiste et le saxophoniste se connaissent bien et avaient l’an dernier scellé leurs retrouvailles en enregistrant un bel album et surtout en multipliant des concerts exceptionnels dans plusieurs festivals. Avec Archie Shepp on est là encore dans une forme d'expression tripale. Sauf que celle-là colle au blues du saxophoniste, colle à une expression qui est à fleur de peau et à fleur de mélodie. Avec la foi d’un enragé Shepp joue comme il chante à moins que ce ne soit le contraire. Avec toujours cet engagement total qui est le point commun à ces deux artistes sans concession.

Tout au long de l’album on frôle et même on atteint des sommets de densité, de groove et parfois même de transe. L’esprit de Coltrane plane dans cette séance ensorcelante. On plonge avec eux dans la moiteur de l’afrique et des racines du jazz.

Ces racines que le pianiste et le saxophoniste n’ont jamais cessé d’explorer.

Jean-Marc Gelin

Plus Loin Music 2014

Omer Avital (cb), Avishai Cohen (tp), Joël Frahm (ts), Daniel Freedman (dms), Yonathan Avishai (p)

Le contrebassiste israélien Omer Avital a longtemps été le ciment de ce qui se faisait de mieux sur cette scène des musiciens exilés à New-York. Le contrebassiste arrivé là-bas il y a près de 20 ans sur cette terre promise du jazz, en même temps que le contrebassiste Avishai Cohen fut longtemps l’un des piliers du Smalls, célèbre club de jazz de big apple où il venait fédérer les énergies et les rencontres entre les musiciens des deux continents. Et pour autant Omer Avital n’a jamais renié la musique de son pays natal. D'ailleurs tout se mélange allègrement chez lui qui revendique enpmius des racines marocaines et Yéménites. Il en a fait au contraire au fil de sa discographie le point central d’un métissage épatant et heureux qu’il marie avec les codes bien assimilés du bebop dans une sorte de noce festive où la musique est affaire de joie.

Car la musique d’Omer Avital, entre temps revenu en Israël a des fourmis dans les pieds et le groove chaleureux. Il le démontre ici avec ce quintet flamboyant qui nous offre sur un plateau luxuriant une musique gorgée de soleil et de fruits mûrs. Les paysages se mélangent et le taxi jaune de New-York semble nous déposer en au pied du lac de Tibériade. Ecoutez Le blue de Yemen Suite ou encore ce Tsfadina où la musique traditionnelle se mêle au bop et même à la salsa.

Et pour arriver à ce que cette recette savoureuse exhale tout son fumet, il faut une formation de haite volée. Et croyez moi, ça joue et ça joue même grave ! L’association d’Omer Avital avec le batteur Daniel Freedman y est irrésistible et la pulse qu’ils installent emporte tout jusqu’aux plus grincheux des insensibles du dodelinement. Cette musique amène immanquablement à la danse, à battre le rythme des pieds, des mains et de la tête.  Sur le devant de la scène ça étincelle avec deux soufflants de haute volée. Le saxophoniste Joël Frahm met le feu dans la lignée des grands du bop et l’exceptionnel trompettiste Avishai Cohen que nous tenons ici comme l’un des absolus géants de l’instrument explose à chacune de ses interventions.

Voilà bien un album à dévorer tout cru. A mettre sur sa platine ou dans sa voiture le lundi matin avant de partir travailler. Le jazz d’Omer Avital porte en lui la fraîcheur de la musique qui parle aux tripes et donne envie de mordre la vie à pleine dents.

A dévorer absolument !

Jean-Marc Gelin

Ps : vous faites quoi le 28 avril ? Le fort bien nommé Café de la Danse ?

Film de Per Fly- sortie le 19 mars 2014.

Cette suédoise eut son heure de gloire en 1964 quand Bill Evans la convia à chanter sur "Waltz for Debby" (Universal).  Un demi-siècle après, Monica Zetterlund  (1938-2005) se rappelle au bon souvenir des jazzophiles à la faveur d'une biographie romancée filmée, ou biopic selon l'expression (malheureusement) consacrée.

Le cinéaste Per Fly a centré son travail sur une courte période-quelques années- de la vie de Monica Z (le titre original du film). Celle où la chanteuse ambitieuse rêve de percer dans le jazz. Remarquée par Leonard Feather à Stockholm, invitée à New-York pour se produire avec le trio de Tommy Flanagan, elle ne passe pas la première soirée (trop blanche dans un milieu de jazzmen noirs, selon l'explication avancée par le scénario). Le déclic viendra quand  Monica décide de chanter le jazz dans sa langue natale. L'enregistrement avec Bill Evans marquera l'apogée de sa carrière internationale jazzistique. Monica Zetterlund participera à de nombreuses comédies musicales et fera des apparitions dans quelques films avant de disparaître tragiquement dans l'incendie de son appartement.

Valse pour Monica ne déroge pas aux règles d'or du biopic en développant largement (longuement) les aspects personnels de la vie de l'héroïne, ses addictions à l'alcool et aux médicaments, ses relations difficiles avec son père, ses amants…. Amateurs de mélos et d’atmosphère rétro (mention au cinéaste intello proche de Bergman), vous serez aux anges. On passera sur les raccourcis simplificateurs et sur cette attitude désagréable prêtée à Ella Fitzgerald (réputée pourtant pour sa gentillesse) pour retenir la performance de la chanteuse Edda Magnason (déjà deux albums à son actif) qui fait ses débuts au cinéma dans le rôle-titre. Edda fait (re)vivre avec son ambition, sa fraîcheur, son caractère Monica, icône suédoise au destin en dents de scie. Le film-bien accueilli en Suède avec 500.000 entrées en trois mois- lui donne l'occasion de reprendre quelques standards américains (Paul Desmond, Bill Evans, Ray Charles) dont plusieurs adaptations en suédois signées Beppe Wolgers, l'homme qui contribua largement au succès de Monica Zetterlund.

Jean-Louis Lemarchand

Guitar electric only

Simon HENOCQ : enregistrement, mixage, mastering
Coproduction : Cartons Records & Coax Records | Distribution : Muséa | Graphisme : Heureux les Cailloux |

 www.facebook.com/ACAPULCOJulienDesprez 

 http://juliendesprez.blogspot.fr/ 

 www.cartoncartoncarton.com/acapulco.html 

 www.collectifcoax.com/acapulco

Acapulco ! Avec un tel titre, on pense s’envoler vers un petit paradis à l’exotisme plus ou moins frelaté mais aux rythmes assurément  tropicaux. Un coup d’œil sur la pochette kraft  du label Carton des Coax records vous en dissuade vite. On penche ensuite  pour Haïti avec ses figures crayonnées, colorées à la « Basquiat », qui, au passage, aimait infiniment le jazz et Charlie Parker...

Fausse piste encore quand on lit le nom du guitariste solo qui nous offre ce petit bibelot sonique, cet objet sonore sans cesse en évolution, cet happening  détonant de 18’, en trois titres,  c’est Julien Desprez du collectif Coax, pilier de « Q » que nos oreilles (pourtant rodées) n’avaient pas franchement adoré en live (terribles infrabasses), membre de l’étonnant  Radiation 10,  bien plus « aimable » dans la mutation, ne serait-ce qu’au seul niveau de l’émission sonore. On se retrouve dans les terres foulées par certains collectifs nordistes comme Muzzix, le label Circum, Olivier Benoît, une scène musicale actuelle, complexe et très active que l’on pourrait, s’il faut absolument la définir, apparenter à une recherche protéiforme « industrialo-bruitiste »,  noisy mais pas seulement... Un drôle de magma sonore,  une matière en mouvement qui vous emporte avec un développement  organique, une construction certaine même si elle nous échappe ; pas vraiment de repères  en effet mais en même temps, c’est trop court pour se perdre.

Alors Acapulco ? Un solo électrique plus qu’électrisant, avec des effets recherchés, travaillés, étranges, des trafics d’influence sonores, des fulgurances dans les accélérations, des dérives jamais brutales, des bruits saturés, grésillant doucement, sans véritable fureur ou rage qui font que l’oreille s’habitue vite à ces variations sonores très acceptables sur une chaîne (quid en live ?). Alors, il est un peu inquiétant cet univers dans lequel nous plonge le guitariste, loin des jolies mélodies suraigües où excellaient autrefois les hardeux, métalleux  avec ces envolées juvéniles de guitares électriques.  Times are changin’... Ici, une guitare bien préparée nous fait entrer de plein pied dans un univers personnel vibrant, insolite, post post-moderne, où les décharges électriques d’un arc tendu à l’extrême (bow)  vous accompagnent dans une errance créative, un ailleurs indécis. Des variations actuelles sur le son qui atteignent une dimension poétique, originale et intense. Sans véritable tsunami. Allez, ce n’est pas la fin du monde !  Juste « une sculpture sonore en jaillissement » comme l’écrit fort joliment le batteur  Edouard Perraud : «L’esprit, les mains, l’instrument, l’amplificateur, les traitements, les câbles et le corps ne sont qu’une seule et même chose dans ce solo fulgurant. Ici la musique est inventée/découverte, comme un mécanisme secret qui cache les lois d’un monde encore inconnu, une terra incognita qui surgit d’un coin de ciel en coruscation. »

NB : Fascinant de regarder le « teaser » du musicien en action, sec et précis. Les sons produits vous installent paradoxalement plutôt confortablement dans ce matelas sonore, chaud et douillet au final....

Act 2014

Michael Woolny (p), Tim Lefebvre (cb), , Eric Schaeffer (dms)

La France, avec un peu de retard à l’allumage commence à céder à la Wollnymania.

Il est vrai que depuis ces 10 dernières années le jeune pianiste allemand est ce qui nous est arrivé de mieux sur la scène du jazz ces dernières années. Il y a une décennie qu’on le découvrait notamment au travers un album enregistré en duo avec le saxophoniste Heinz Sauer ( « Melancholia » en 2004) puis avec son superbe trio Em composé de la contre-bassiste Eva Kruse et de Eric Schaefer.

A peine âgé aujourd’hui de 36 ans, Michael Wollny s’est donc totalement imposé dans le paysage jusqu’à devenir un des éléments incontournables du label ACT au sein duquel il a signé quelques collaboration notables avec entre autre Vincent Peirani ou Joachim Khun.

Dans l’album qu’il signe aujourd’hui, Eva Kruse a laissé la place au contrebassiste Tim Lefebvre. Ce qui n’empêche pas l’émergence d’un véritable trio soudé et homogène. Les afficionados de Em  seront peut-être un peu déconcertés par l’allure très sage de l’album que certains n’hésiterons pas à qualifier ( un peu stupidement je pense) de l’album de la maturité. Car il n’est pas question ici de bouleverser les codes du trio, ni même question de virtuosité pianistique, mais juste d’un trio bâti autour d’un album construit sur des chansons dont Wollny parvient à tisser une sorte de trame unique. Dans un même mouvement assez mélancolique, Wollny s’inspire de chansons allemandes, de Lieds ou encore de pop musique (en conviant notamment Pink sur un morceau chanté par Théo Bleckman et dont la théâtralité m’évoque les scénographies de  Joel Pommerat) pour livrer un album très inspiré par le thème de la nuit et du rêve. Se côtoient ainsi des thème d’Alban Berg, de Charlie Kaufman de David Lynch, d’Hindemith, de Varèse ou encore des inspirations Nietzchéeenes.

Tout en maîtrise, Wollny privilégie le son du trio, échappant largement aux inspirations rock ou pop qui avaient pu nourrir sa musique pour se raccrocher à une forme de tradition du jazz trio. Et dans cet exercice le pianiste met en avant la force du collectif avec une noirceur très douce. Il faut ainsi écouter When the sleeper wakes comme l’illustration parfaite de ce power trio. Tout en retenue, en non-dit, en exaltation discrète des mélodies autour desquels le pianiste tourne avec un art consommé de la digression, Michael Wollny dessine un climat sombre comme un ciel aux lourds nuages gris se déplaçant lentement dans un espace ténébreux. Une sorte de romantisme allemand qui trouverait son expression dans une forme jazzistique très européenne. A l'image de cette mélancolique déambulation sur Lasse, il livre ici un album aux couleurs automnales.

Du très grand art.

Jean-Marc Gelin