La tradition a du bon. Le lundi à New-York, les amateurs de jazz peuvent depuis 1966 retrouver au Village Vanguard, l’orchestre maison, aujourd’hui le Vanguard Jazz Orchestra, qui a succédé en 1990 au Mel Lewis-Thad Jones orchestra (Resonance vient de publier un double cd d’inédits de 1966, All my yesterdays) et célébré son demi-siècle exactement le 8 février dernier. Un peu plus haut dans Manhattan, et un peu plus récent, le Mingus Big Band se produit aussi ce premier jour de la semaine avec une régularité de métronome sur la scène, en sous-sol, au Jazz Standard depuis 2008, après avoir fait, chaque jeudi, les belles soirées du Fez (aujourd’hui fermé) dès 1979, année du décès de Charles Mingus.
Sue Graham Mingus, la veuve du contrebassiste-compositeur, veille sur les prestations des formations portant son nom (Mingus Dynasty, Charles Mingus Orchestra, Mingus Big Band) maintenant la flamme de son bouillonnant époux, dès les premiers jours suivant son décès début 1979. Ce 11 avril, la gardienne du temple, est présente. Elle n’a guère changé depuis que nous l’avions rencontrée à Paris voici plus de dix ans pour la présentation de son livre, témoignage passionné (« Tonight at noon, a love story », Pantheon Books.2002 ; « Pour l’amour de Mingus ». Ed du Layeur.2013). Quand elle discute avec les musiciens de son orchestre et nous présente après le concert le trompettiste russe, Alex Sipiagin, on sent bien que c’est la boss.
Sur la scène, on a retrouvé la fougue de Mingus dans le morceau introductif, un des classiques de son répertoire, Boogie Stop Shuffle. Dirigée par le saxophoniste Alex Foster, le Mingus Big Band propose ce soir-là au concert de 19 h 30 (un deuxième a lieu à 21 h 30) un répertoire d’œuvres signées du bassiste ou composées en son honneur notamment par Joni Mitchell (album intitulé simplement Mingus publié en 1979). La voix est souvent à l’honneur avec le tromboniste Ku-Umba Frank Lacy, pilier du big band, qui a consacré l’an passé un disque en hommage à Mingus (Mingus sings. Sunnyside). C’est le cœur battant de la grande formation dirigée par le saxophoniste Alex Foster. Tandis que le contrebassiste (Ben Wolfe) fait le métier –mais qui pourrait aujourd’hui arriver même à l’épaule de Charles Mingus- se distinguent particulièrement Abraham Burton (saxophone ténor), Alex Sipiagin (trompette) et Jason Marshall (saxophone baryton).
Le personnel de la formation évolue naturellement au fil du temps mais Lacy et Burton figurent dans l’album qui recueillit un Grammy Award en 2011 dans la catégorie des grandes formations, Mingus Big Band Live at Jazz Standard (Jazz Workshop). Et vous pouvez faire confiance à Sue Mingus pour s’assurer que la musique proposée est fidèle à l’esprit de son créatif époux. Le public ne s’y est pas trompé ce lundi 11 avril en réservant un accueil respectueux –nous sommes dans un club-restaurant chic du Midtown-au Mingus Big Band.
Jean-Louis Lemarchand

Jazz Standard. 116 E 27 th Street, NY, Ny.11 avril. Mingus Big Band : Greg Gisbert,Tatum Greenblatt Alex Sipiagin (trompette), Alex Foster, Abraham Burton, Alex Terrier, Brandon Wright, Jason Marshall ( saxophone), Frank Lacy, Coleman Hughes, Dave Taylor (trombone), Donald Edwards (batterie), Ben Wolfe (basse), Theo Hill (piano).

Christophe Monniot (saxophones alto & sopranino), Emil Spányi (piano), Mátyás Szandai (contrebasse), Joe Quitzke (batterie)

Budapest, BMC's Opus Jazz Club, 29 novembre 2014

BMC CD 229 / UVM Distribution

À l'origine du groupe, un duo qui asscocie Christophe Monniot et Emil Spányi depuis la fin des années 90, où ils avaient été primés au Concours National de Jazz de la Défense. Plus tard un CD, « Ozone » (Ames / Harmonia Mundi), fut récompensé d'un Coup de cœur de l'Académie Charles Cros en 2006, et le duo devint ensuite quartette. La présence de deux musiciens hongrois devenus parisiens (le pianiste et le contrebassiste, deux maîtres sur leur instrument respectif) explique que, grâce aux concours du Fonds national culturel hongrois et de l'Institut français de Budapest, le groupe est venu jouer à l'Opus, le club de jazz du Budapest Music Center, structure hyper- active dans la diffusion du jazz en Hongrie (et ailleurs, car elle développe beaucoup de projets internationaux). Et c'est dans ce lieu que fut enregistré, sur le vif, ce CD qui illustre magnifiquement la conjugaison de la maîtrise instrumentale et musicale, et le goût du jeu comme du risque, qui pousse à aller toujours plus loin sur le fil instable de l'improvisation. Le disque restitue l'ordre du concert, tel qu'il fut aussi donné plus récemment, en février 2016, à la Maison de la Radio, pour la série « Jazz sur le vif » produite par Arnaud Merlin. Tout commence par Grace, une composition du saxophoniste (qui signe l'essentiel du répertoire) ; elle est inspiré par Amazing Grace, hymne religieux très prégnant dans la culture afro-américaine, et popularisé par Mahalia Jackson qui l'a rendu universel. Le thème est cité en fin de plage après de multiples digressions musicales. Vient ensuite une variation très très libre sur la structure dite de l'Anatole (celle de I Got Rhythm), plaisamment intitulée Anatology. Les membres du groupe y donnent libre cours à leur formidable aisance, laquelle crée des espaces d'interactivités qui paraissent sans limite. Les plages suivantes sont consacrées à une suite en quatre parties, intitulée Du Vent Dans Les Voiles, et qui procède de contrastes violents, tempêtes et accalmies, jusqu'à son terme : grand lyrisme, densité harmonique, profond sens de la forme (même si le formalisme n'est pas affiché). Se dévoile aussi une composition du pianiste, intitulée The First Seal, en référence probable à l'Apocalypse de Saint Jean, évoquée dans le Septième Sceau d'Ingmar Bergman : très belle pièce en solo, presque lisztienne (le Liszt tardif des années 1880), qui va déboucher comme par enchantement sur une relecture en quartette, toujours très libre, du traditionnel britannique Greensleeves. Au bout du compte, c'est un formidable mélange de rigueur et de liberté, comme seuls en sont capables les musiciens au sommet de leur Art ; et ces quatre-là s'y trouvent, assurément.

Xavier Prévost

Christophe Monniot jouera avec Rhoda Scott et Jeff Boudreaux au Triton, près de la Mairie des Lilas, les 22 & 23 avril ; et le 26 avril il sera l'invité du groupe « Kimono » du pianiste Roberto Negro

En écoute sur le site de BMC :

http://bmcrecords.hu/pages/tartalom/right_content_en.php?kod=229

ZENITH Marc Copland
Ralph Alessi Drew Gress Joey Baron
Label InnerVoiceJazz
www.marccopland.com
www.innervoicejazz.com

Sortie 15 avril
Le pianiste Marc Copland a attendu longtemps avant de créer son propre label : il profite de ses relations privilégiées avec le contrebassiste Drew Gress et le batteur Joey Baron (ils sont tous trois la section rythmique du quartet de John Abercrombie, et Baron & Copland accompagnaient le trio de Gary Peacock). Depuis l’an 2000, le pianiste a sorti près de 30 albums en leader. Il est donc légitimé dans ce désir de parfaire son évolution en donnant naissance au bien nommé InnerVoiceJazz...Il est vrai que ces musiciens n’ont plus grand-chose à prouver ; ils continuent néanmoins à travailler, explorer les limites de cette musique, faire entendre ce chant intérieur qui les anime. Sur ce premier album intitulé Zénith, se déroulent six longues et savoureuses compositions dont 4 du pianiste, une suite qui est peut être le morceau de bravoure de l’album, « Air we’ve never breathed », un travail collectif d’improvisation qui traduit, à moins que ce ne soit l’inverse, un poème de Bill Zavatsky, poète-ami de longue date, qui connut Bill Evans. Et la version revisitée de « Mystery Song », un thème peu connu de Duke Ellington qui, si je devais tenter d’expliquer ce qu’est le jazz, me servirait d’exemple. Je ferai écouter le fox-trot initial de 1931, joué par l’orchestre du Duke (3’19) puis la version en quartet de Steve Lacy de 1962, déjà plus longue avec en plus du soprano, la trompette de Don Cherry et la batterie de Billy Higgins. Enfin, on en viendrait à la version du quartet de Marc Copland (9’16) qui brode une subtile variation, prend son temps pour nous conduire à partir de l’exposé souple et fidèle du thème, loin, très loin. Vers l’esprit même de cette musique, à travers autant de signes qui ne répondent à aucune nostalgie, malgré l’apparence du souvenir, mais forment de délicats échos éclairés, « enluminés» par la trompette de Ralph Alessi, le quatrième homme de la bande que j’avais oublié de présenter. « Shame on me », d’autant que ses interventions continues, superbes dans les aigus soulignent le travail du pianiste. Comme dans un album déjà ancien Poetic Motion, du regretté label Sketch, le pianiste s’attache à traduire la circulation du sens poétique, sans les éclats de certaines violences free ou rock. Mais avec la finesse des touches impressionnistes d’un jazz qui se réserve, non par pudeur, mais par une retenue qui rejoint un art consommé de l’implicite. Cependant les ombres cachées se dévoilent peu à peu, révélant une intense beauté. Rien de mieux qu’une ballade pour apprécier le travail de ces virtuoses, finesse de jeu, justes couleurs et groove aérien. On vous le dit, voilà un album qui se savoure....
Sophie Chambon

Larry Young (orgue, et piano sur une plage), Nathan Davis (saxophone ténor), Woody Shaw (trompette), Billy Brooks (batterie), et aussi Jean-Claude Fohrenbach (saxophone ténor), Sonny Grey (trompette), Jack Diéval (piano), Jacques B. Hess (contrebasse), Franco Manzecchi (batterie), Jacky Bamboo (conga)

Paris, Maison de l'ORTF, entre novembre 1964 et janvier 1965, et pour deux plages Paris, La Locomotive, 9 février 1965

Resonance Records-Ina HCD-2022 / Socadisc

Un double CD (avec également une version en coffret de deux vinyles) qui exhume les sessions réalisées par l'organiste lors d'un séjour prolongé à Paris, à l'invitation de son ami et compatriote de Newark Woody Shaw. L'organiste venait d'enregistrer à l'automne 1964, dans le New Jersey, son album « Into Somethin' », avec Sam Rivers, Grant Green & Elvin Jones ; et après le 9 février 1965 , et sa prestation à la remise des Prix de l'Académie du Jazz au Club La Locomotive, il repart pour les USA. Un mois plus tard il sera de retour au Studio Van Gelder pour une séance aux côtés de Hank Mobley, Grant Green & Elvin Jones. Les plages les plus homogènes sont celles enregistrées par le groupe régulier de Nathan Davis (quartette avec Woody Shaw, Larry Young & Billy Brooks), en résidence au Chat qui Pêche, et qui fera aussi une escapade en Allemagne, en janvier, notamment pour enregistrer un disque dans lequel on entend l'organiste... au piano ! Dans la chaude ambiance de l'Académie du jazz, le groupe va donner son meilleur sur Zoltan, une composition de Woody Shaw que l'on retrouvera en novembre 1965 sur le disque « Unity » de Larry Young, avec le trompettiste, ainsi que Joe Henderson et Elvin Jones ; et aussi sur Black Nile, de Wayne Shorter, gravé en 1964 par son compositeur pour Blue Note. Dans Zoltan, après de vibrantes improvisations des souffleurs, l'organiste va donner libre cours à ce style audacieux qu'il est en train d'imprimer, et pour longtemps, comme le devenir de l'orgue Hammond. Les autres plages de ce double CD ont été enregistrées en studio pour des sessions de radio, soit par le quartette régulier de Nathan Davis, soit dans le cadre de l'émission « Jazz aux Champs-Élysées » du pianiste Jacques Diéval, avec le renfort de quelques autres musiciens, dont Jean-Claude Fohrenbach, que l'on retrouve toujours avec plaisir. Il y a aussi un morceau en trio (orgue, batterie -Franco Manzecchi- et conga -Jacky Bamboo-) : c'est Luny Tune, gravé quelques mois plus tôt par Larry Young dans le disque « Talkin' About » de Grant Green. Et enfin une curiosité : Larry Young au piano, en trio avec Jacques B. Hess et Franco Manzecchi, dans un blues anguleux « à la Monk » qui vaut le détour.

Bref, cette poignée d'inédits mérite de trouver sa place dans la discothèque de ceux qui n'ont pas oublié Larry Young, et de ceux qui voudraient le découvrir en attendant d'explorer les nombreux titres enregistrés à l'époque pour Blue Note, et avant de se pencher sur le trio Lifetime, avec Tony Williams et John McLaughlin. Beaucoup de documents dans le copieux livret : témoignages (André Francis, Nathan Davis....), photos (Jean-Pierre Leloir, Francis Wolff....) et informations détaillées : en résumé un objet hautement recommandable à tous ceux -nombreux j'espère- pour qui l'orgue continue après Jimmy Smith !

Xavier Prévost

Un documentaire sur Youtube :

Duke Ellington. Préface Claude Carrière.
590 pages, 25 €. Editions Slatkine & Cie
Traduit par Clément Boqué, Françoise Jackson avec Christian Bonnet, président de la Maison du Duke

Elle était attendue par les lecteurs français depuis plus de 40 ans. La biographie de Duke Ellington, écrite par le maître lui-même, Music is my mistress, publié en 1973, un an avant le décès d’Edward Kennedy Ellington, sort ce printemps. La version française a connu des tribulations qui ont été surmontées par quelques gardiens de la flamme ellingtonienne dont la Maison du Duke. Le pavé de près de 600 pages offre l’avantage par rapport à l’original de disposer de notes de bas de page très documentées et d’un index favorisant la lecture.
L’aspect brut de décoffrage de ces mémoires a été conservé, ce qui est à saluer même si l’on peut passer sur certains passages tels que les remerciements du Duke à tous les hôtes des réceptions données dans les ambassades US tout au long de ses tournées. La structure du livre, ou plutôt l’absence de structure classique, déroutera les amateurs de biographies léchées et reconstituées par thèmes. Claude Carrière, « ellingtologue » respecté, l’explique dans sa préface : Duke notait ses idées sur tout papier blanc disponible et confiait ses courtes pièces à un ami journaliste Stanley Dance qui déchiffrait et retranscrivait.
Music is my mistress se présente donc sous la forme de réflexions générales sur la musique, de souvenirs familiaux, d’opinions sur ses musiciens, d’impressions de voyages…même si Duke avoue ne pas avoir l’âme d’un touriste. C’est savoureux, détaillé, sensible. Avec ce carnet écrit à la première personne, chacun peut faire plus ample connaissance avec cet infatigable compositeur et chef d’orchestre qui donna quelque vingt mille concerts tout au long de sa carrière et un homme passionné de la vie, admirant sa mère, Daisy (« la personne la plus sensible et gentille que j’ai connue »), et la musique (« ma maîtresse, je vis avec elle » ).
Jean-Louis Lemarchand