PUJ

On suit toujours avec plaisir aux DNJ le devenir des membres talentueux et fort sympathiques du collectif PJU (deux saxophonistes, deux guitaristes, un contrebassiste, un batteur).  Leur dernier opus, éponyme du nom du groupe, commence par un titre merveilleux, comme on les aime, ce « Moon Woman »  construit sur un crescendo vrillant à souhait, déstabilisant, composition du guitariste Romain Pilon qui met particulièrement en valeur les saxophones d’Olivier Zanot et David Prez, sur la batterie exacerbée de Karl Jannuska. Suivent deux compositions plus « calmes » de l’autre guitariste du groupe, Sandro Zerafa, qui prolongent cet effet d’ « inquiétante étrangeté » que l’on ressentait dès l’ouverture. La marque distinctive du PJU, ne réside-t-elle pas dans ce son toujours très pur, élégant, cette chaleur de son de timbres patinés, la complicité réelle qui s’entend du début à la fin de l’album ? Le tandem rythmiquede  Karl Jannuska et Yoni Zelnik, particulièrement créatif, propulse les souffleurs qui marient leurs impressions, belles effusions fécondantes, « drippings de son » sur un « Pollock » énergique (on n’en attendait pas moins pour un hommage au grand peintre de l’ « action painting » ). Un album qui sait être offensif dans ses contrastes dynamiques, ses foucades rythmiques comme dans ce « Stealth » enthousiasmant ; ou à l’envi, élégiaque, à moins que ce ne soit rêveur, dans l’entrelacs d’autres thèmes  comme « For F. Mompou », « PJU Blues », longuement fouillés, joués avec fluidité et délicatesse. Il y a du rêve, des couleurs souvent grisantes et aussi cette touche de mélancolie qui vous atteint très directement au coeur. Voilà pourquoi l’on aime ce collectif attachant aux voix aussi singulières qu’affirmées. Une certaine idée du jazz qui n’est pas pour nous déplaire… N’hésitez pas à  aller les écouter s’ils passent près de chez vous.

Sophie Chambon    

Seventh tension records 2012

Elie Dalibert (as), Manuel Adnot (g), Arthur Narcy (dm)

Nous nous étions extasié il y a plus d’un an sur ce jeune groupe qui était alors sélectionné par Jazz Migration ( 2011) et venait de remporter un tremplin à Jazz à Vienne (link)

Pour son troisième album, ce jeune groupe se présente dans la même formation de trio sax, guitare, batterie. Mais alors qu’hier nous étions séduits par cette façon de fabriquer la musique ensemble et par son expressivité, allez savoir pourquoi, ici le charme n’opère plus comme avant.

Bien sûr il y a la performance orchestrale qui impressionne toujours autant. Comment ces jeunes garçons dans une formule aussi simple que le trio peuvent-ils donner autant d’intensité à leur musique, autant d’épaisseur orchestrale et de puissance à leur jeu, là où derrière la mélodie, (ici très anecdotique) une autre forme de musique s’exprime, symbiotique entre jazz-rock et pop. Chacun des trois musiciens est ici totalement impliqué dans un rôle bien défini. Elie Dalibert s’y montre, au sax, un improvisateur exceptionnel alors que Manuel Adnot ancre la musique vers une texture électrique et très rock parfois (trop) saturée et que de son côté Arthur Narcy déploie un énorme volume de jeu et de mise en reliefs sombres.

Cet album joue à la fois sur les ostinatos rythmiques qui créent la dramaturgie ( Girafe) à la limite même du heavy métal parfois (Dark Wizard) ou au contraire sur des moments très espacés, très étirés  jusqu’à l’extrême limite du minimalisme ( Nocturnum ou ce très beau Ambre qui clôture l’album ). Un peu comme ils le faisaient dans le précédent album.

Mais le problème c’est qu’entre ces deux procédés musicaux, le matériau compositionnel semble bien plus faible qu’il ne l’était dans « Pink Paradise ». L’alternative entre en mettre trop ou n’en mettre pas assez peine à émerger. Et ce n’est pas d’ailleurs le très pop Electric Lovequi parvient totalement à réconcilier ces extrêmes. Balaçant sur deux pieds, l'ossature de l'album se révèle à la longue sans grande surprise.

Mais il n’en reste pas moins qu’avec un groupe comme Sidony Box, les jeunes explorateurs du jazz visitent de nouvelles contrées avec un sens du son et de la musique qui peur surprendre et étonner ceux qui ne les connaissaient pas avant. Ceux-là se laisserons à tous les coups embarquer dans l'affaire.

Ce qui est en soi très remarquable.

Jean-Marc Gelin

Nous n’avons malheureusement pas reçu le DVD qui est censé accompagner le disque. Gageons qu’un lecteur avisé nous en fera amples commentaires.

Gaya Music Production 2013

Samy Thiébault ( ts), Julien Alour (tp,fgh), Méta (vc ,perc),  Sylvain Romano (cb), Philippe Soirat (dm), Adrien Chicot (p), Alexandre Freiman (g)

Attention les oreilles ! Le disque que l'on pressentait, la galette que l'on attendait du jeune saxophoniste prodige Samy Thiebault arrive enfin dans vos bacs. Et n'allez pas dire que l'on ne vous aura pas prévenu !

Disons le tout net : cet album est une vraie tuerie et va faire grand bruit. Pour tous ceux en tous cas qui goûtent au mythe coltranien et qui ne se sont jamais remis de l'un des plus grand quartet de l'histoire du jazz ( Coltrane, Mc Coy Tyner, JimmyGarrisson, Elvin Jones). Car c'est bien sur cette veine que le saxophoniste s'inscrit, après "Gaya Scienza" en 2007 et "Unpanishad Experiences" en 2010 dans une esthétique coltranienne évidente qu'il parvient à détourner tout en lui restant fidèle.

Au titre du judicieux détournement d'abord :  cette idée géniale de faire intervenir un chanteur, Méta,  assez exceptionnel pour faire ressortir au delà d'un ancrage modal fort, des inspirations world ( brésiliennes ou orientales) qui se conjuguent merveilleusement avec cette approche, chantant dans les quarts de tons ou flirtant avec des mélismes poétiques. Mais dans l'amour que le saxophoniste porte à Coltrane il y a aussi le versant plus hard (bop) auquel il se réfère volontiers en s'appuyant alors sur un Julien Alour particulièrement flamboyant et sur une rythmique qui n'a rien à envier aux belles mécaniques du label Blue Note façon 60's ( Some other song) propulsée par un grand Philippe Soirat à la batterie toujours prompt à relever tous les propos. Quelques moments de grâce émergent comme ce " les yeux de N " totalement envoûtant dans une atmosphère flottante déambulée par la voix gracieuse de Méta comme une danse lascive aux arabesques découpées par Samy Thiebault. Et puis il y a la force de l'expression toujours présente, cette force du dire et cette urgence de la poésie brute, terrienne, épicurienne, dionysiaque ( pour reprendre le titre d'un des morceaux). Qu'il y ait là une sorte d'hommage à Baudelaire n'est donc pas surprenant. Cet album est charnel.

Mais à tout seigneur tout honneur, le maître de cérémonie c'est bien le saxophoniste lui même qui prend avec cet album-là une tout autre dimension. Une incroyable épaisseur. Car ce que l'on pressentait sur « Gaya Scienza », ce que l'on guettait comme potentiel chez lui explose ici au point de le hisser au niveau des grands  ténors. De ceux qui affichent dans leur jeu autant de virilité que de sensualité. Avec puissance et velours du timbre. Et sortir un album de cet acabit, avec ce qu'il a de remarquable au niveau de la direction artistique, de la composition, des arrangements et de la conception globale tout en parvenant à hisser son jeu à un tel niveau est quelque chose de rare, qui n'est donné qu'aux plus grands.

Jean-Marc Gelin

Bonsaï Janvier 2012

Paolo Fresu (tp,flgh,multi effects), Bebo Ferra (g), Paolino Dalla Porta (cb), Stefano Bagnoli (dms) 

Avec “Desertico”, Paolo Fresu propose une musique d’une grande beauté qui s’inscrit dans la continuité de son oeuvre. Disposant d’une sonorité feutrée à la trompette ou au bugle évoquant plus la clarté lumineuse de la Méditerranée que la noirceur sombre des ténèbres, Paolo Fresu développe, loin de toute esbroufe et avec le naturel que lui permet une technique accomplie, un discours d’une grande musicalité qui concourt au charme placide distillé par la majorité des morceaux de cet album (Ambre). Toutefois, cette succession de climats uniformes engendre à la longue une impression de monotonie que vient fort heureusement rompre le groove solide de (I Can’t Get No) Satisfaction. Étroitement associés à la réussite de l’entreprise, Bebo Ferra (g), Paolino Dalla Porta (b) et Stefano Bagnoli (dms) du Devil Quartet - un clin d’oeil ironique à l’Angel Quartet, le groupe précédent du trompettiste - font preuve d’un savoir-faire accompli et d’une grande cohésion. Une musique de bonne facture et sans accrocs, dans laquelle il serait vain de chercher le cri qui fait le jazz.

Alain Tomas

Jazz impressions

Ce livre vient de recevoir le prix de l’ Académie du Jazz dans sa catégorie !

« La gloire est le soleil des morts » peut on lire dans Illusions perdues.

Après la période de fête où les livres, albums, CDs, DVDs se sont vendus dans une extrême urgence selon des thématiques porteuses, peu de chance de revendre sur ebay, ce petit bijou concocté une fois encore par le romancier du jazz, le feuilletoniste de cette musique dont nous pouvions suivre les émissions sur France Musique.

Alain Gerber est  un expert de cette musique  qu’il connaît intimement depuis des décennies. Il s’enest fait plus encore que l’historien et la mémoire vivante, le romancier, et on ne sait jamais quelle est la part exacte de fiction dans ses livres.
Cette fois, il explore une thématique passionnante sur les oubliés du jazz, ces mal aimés,  les « seconds couteaux » qui s’illustrèrent comme les acteurs du cinéma américain des séries B, voire Z ( je pense à l’impeccable Robert Ryan, le « good bad boy » qui n’eut jamais  la notoriété des stars les plus révérées, les Cooper, Stewart, Gable, Grant ).

L’approche chronologique étant trop académique, Alain Gerber s’intéresse à ces malheureux, ces méconnus qu’il classe ingénieusement  par instrument, sans oublier la voix ( 4 seulement  dont Eddie Jefferson, Jelly Roll Morton, Frank  Rosolino et la seule femme de la liste Lorez  Alexandria ). Il propose en quelque sorte une autre histoire, alternative du jazz. Comment ces musiciens faisaient-ils pour ne pas (trop) attirer l’attention sur eux ? Pour arriver à exprimer ce qu’ils voulaient dire en gardant dans l’esthétique des majors, une position marginale, en faisant figure d’ indépendant. Comment est on passé à côté de ceux qui se sont laissés détruire par leur passion et leur rage, impuissants à affronter leur démons intérieurs et la part neuve de leur musique ? Ainsi sont évoqués Jimmy Rowles, Connie Kay, Israel Crosby, Michel Warlop, Sonny Stitt, Lucky Thompson, Charlie Ventura, Teddy Edwards, Illinois Jacquet. Plus curieusement, mais le choix est pertinent, le pianiste Martial Solal  fait partie de la liste, « cas d’école ... immense artiste... un créateur dont l’apport inestimable reste trop largement méconnu. »

Ce dictionnaire suit l’itinéraire personnel d’Alain Gerber qui réécrit l’histoire du jazz en portraits délicats et souvent mélancoliques, retrace la chronique amère de ces années jazz,  décrit ces parcours sinon flamboyants, du moins terriblement difficiles de ces musiciens, soulignant et vengeant leur solitude : il a rêvé la parole singulière de tous ceux qui pouvaient déclarer ne rien avoir à dire, « je préfère ne pas ».

Un lyrisme fiévreux, une éloquence parfois emphatique mais avec ce goût réel des mots et des phrases qui sonnent, avec ce sens imparable du tempo. N’oublions pas que ces papiers ne paraissaient pas dans les feuilles de choux, même spécialisées, mais étaient lus à la radio par leur auteur lui même, de sa voix calme, un peu blanche –rien à voir avec les commentaires studieux de Patrick Brion au Cinéma de minuit. En poursuivant l’analogie  entre jazz et cinéma,  on peut  trouver des points communs : l’époque, la suprématie américaine des majors (ici des studios), la domination des Américains dans des formes artistiques qui leur sont propres avec quelques artistes « contrebandiers » qui usent du système insidieusement plutôt que d’essayer de le combattre, qui en seraient ouvertement  les iconoclastes[1]. Mais la plupart ont payé le prix fort de leur indépendance et de leur talent. Ils n’arrivaient pas toujours “in the right time and in the right place”. Too bad!  

Sophie Chambon