1 CD Act/Harmonia Mundi – 2009

Quoi de plus passionnant, excitant et stimulant que de découvrir un disque qui propose une musique nouvelle, une musique qui n’a jamais existée, impossible à identifier, classer ou étiqueter. La « chambre merveilleuse » du pianiste et compositeur allemand Michael Wollny définit en fait son propre univers, intime, mental et artistique. Un univers original et profond, qui provient de recherches personnelles extrêmement poussées, qui font se côtoyer la musique écrite, classique et contemporaine et les musiques improvisées européennes, marquées par le jazz et quelques cousinages avec les expérimentations répétitives de Steve Reich, Terry Riley ou Philip Glass. Il utilise à cet effet une palette où les couleurs du piano, du célesta, du clavecin, de l’harmonium et du Rhodes, sont souvent entremêlées dans une savante orchestration, qui n’oublie jamais d’être lisible et raffinée. Homme orchestre à lui tout seul (de l’ambiance douce et feutrée de « Studenglas » à la folle fantasmagorie de « Kabinett III »), il est quelquefois seul au piano pour une introspection méditative (« Palimpsest » et « Amethyst »). Wollny sait aussi s’entourer de personnalités fortes qui vont s’immiscer dans son univers, comme l’israélienne Tamar Halperin (spécialiste de musique baroque), qui va jouer un rôle fondamental dans le processus orchestral avec sa pratique savante, sophistiquée et expressive du clavecin. N’oublions pas aussi de nommer Guy Sternberg, directeur artistique attentif et génial, qui réalise par un innovant mixage, un univers sonore tout à fait unique, allant même jusqu’à proposer trois arrangements tout à fait pertinents (comme le magnifique « Kabinet VI »). Je sens bien qu’il y aura toujours quelque grincheux pour dire que ça ne swingue pas et que ce n’est pas du jazz, tant pis pour eux, ils passeront à côté d’une œuvre unique, onirique et étrange, à la fois sombre et lumineuse. Un monde imaginaire, merveilleux, fantastique et inconnu, que Wollny explore avec  encore plus de certitude et de sensibilité que lors de son précédent opus solo (« Hexentanz »).

Lionel Eskenazi

Les chroniqueurs de jazz, qui adorent – et c’est normal – se procurer les secrets de fabrique (et de coulisses) de leur musique préférée n’expliquent quasiment jamais comment ils écrivent leurs textes (est-ce d’ailleurs l’une de leurs préoccupations majeures ?). Même si ce n’est pas sa visée première, le présent article tente de rompre avec cette habitude : outre le lien très clair qu’il établit entre son sujet et une période de la propre vie de l’auteur, ses convictions personnelles aussi, 

précisons qu’il a été écrit le dimanche 1^er novembre 2009 en un quart d’heure environ, après le deuxième visionnage du volume de la collection « Jazz Icons » consacré à Anita O’Day (chroniqué à part dans les DNJ), à la brasserie « Le Carrefour », à l’angle de l’avenue Secrétan (19^ème), sur une nappe en papier juste après déjeuner vers 15H30…Le texte a été rédigé d’un jet et dans le désordre, ce pourquoi il est truffé jusque dans son titre de quelques chiffres qui dévoilent la succession des paragraphes et des thèmes qui ont scandé sa graphie.

« Jazz Icons ». Naxos 2009.

Anita O’Day (voc) + en 1963 : Goran Engdahl (p), Roman Dylag (cb), John Poole (dr) ; en 1970 : Georges Arvanitas (p), Jacky Samson (1970), Charles Saudrais (dr).

La France a loupé Anita O’Day (et l’accueil qui lui fut fait sur le tard au Franc Pinot, alors qu’elle n’avait plus tous ses moyens, ne change rien à l’affaire). Après le splendide DVD Live in Tokyo ‘63 diffusé par « Kayo Stereophonic », ce volume de la collection « Jazz Icons » permet de mesurer idéalement l’originalité foncière et la présence scénique incomparable d’une des plus grandes chanteuses de jazz de tous les temps. L’intérêt majeur de ce DVD est de présenter Anita O’Day à deux moments-clés de sa carrière et de sa vie. En Norvège, en 1963, elle est au zénith après avoir gravé pour Verve une impressionnante série de chefs d’œuvre. Sa prestation est alors représentative de ses passages en clubs : une rythmique locale (Anita joue au chat et à la souris avec le pianiste, qu’elle pousse à sa limite de tempo sur un « Tea for Two » endiablé), son batteur attitré (et ami), le remarquable John Poole, un répertoire fait de standards et qui change peu mais qu’elle habite et revisite chaque soir comme un acrobate se jouant des lois de l’espace et de la pesanteur, un charisme et une sensualité qui conquièrent d’emblée le public. Car sur scène, Anita fait tout (chanter, danser, mimer le rythme, arranger et distribuer les choruses, apprécier la musique au quart de tour et avec l’espièglerie qui convient), sait tout, voit tout (la manière dont « elle sert » les caméras), maîtrise tout (y compris le temps qui passe en scrutant sa montre, à l’instar d’un Stan Getz affichant sa distance et son désabusement). Son swing, (écoutez-là impériale sur « Sweet Georgia Brown »), son scat (« On Green Dolphin Street »), sa manière absolument unique de phraser, de réarticuler les songs les plus éculés, la liberté de son placement rythmique font merveille. En 1970, en Suède, devant un auditoire plus large, le contexte a profondément changé : après une over-dose qui faillit bien la terrasser en 1968, Anita repart de plus belle pour une tournée européenne, formidablement accompagnée par le trio Arvanitas (dont elle note dans son autobiographie « High Times, Hard Times », p. 290, que si ses membres « ne parlaient pas l’anglais, ils savaient à coup sûr comment communiquer avec leurs instruments »,) et qui donnera lieu à un enregistrement (Live In Berlin). Le répertoire est peu différent de celui chanté en 1963 mais les qualités de la chanteuse ne se sont nullement estompées : sens de l’interprétation (l’enchaînement sensible, intime, Beatles / J. Kern autour de « Yesterday(s) »), infinie élasticité de la voix, finesse harmonique, drive et virtuosité vocale (« Four Brothers », « Tea For Two »). Avec pudeur et intelligence, la camera continue de la filmer une fois le concert terminé, repartant seule en coulisses, ses partitions précieusement serrées contre sa poitrine. Telle était effectivement Anita O’Day, seule pour mieux être libre en musique, amoureuse de la seule musique.

Stéphane Carini

1 CD Ames/ Harmonia Mundi – 2009

Didier Lockwood (violon), Francis Lockwood (piano).

On ressent d’emblée de la fraîcheur, de la bonne humeur et de la jubilation dès les premiers titres de ce disque. Les deux frangins (qui n’avaient encore jamais enregistrés ensemble) s’en donnent à cœur joie, ils se font plaisir et ce plaisir est largement partagé par l’auditeur qui apprécie le bon goût, la beauté du jeu et l’esprit fraternel qui découlent de ce duo. Une interaction presque télépathique, comme en témoigne deux beaux exercices improvisés (dont l’impressionnant « Impro Opus 2 »). Une musique pure et dépouillée, où l’absence de support rythmique donne la priorité au chant et à la mélodie, un registre où Didier Lockwood excelle, nous proposant de belles envolées lyriques (« October Waltz »). Son frère Francis n’est pas en reste, signant de très belles compositions (« Day in London ») et pratiquant des chorus incisifs et inspirés où quelque fois Didier va assurer une ligne de basse (en jouant en pizzicato sur la corde la plus grave du violon). Malheureusement l’intérêt musical s’atténue nettement au milieu du disque pendant trois morceaux plombants, comme l’interminable (9’51) et inutile reprise du « In a Sentimental Mood » d’Ellington ou une « Bay D’Along » à l’exotisme bien décevant. Puis le disque repart sous de bons auspices avec deux très belles compositions signées de Francis (« Caraïbes » et « Above the Clouds »), pour se terminer sur deux bonus tracks insipides où l’on se demande si celui qui a inspiré le morceau « Mr Bling Bling » est bien celui dont tous les français se désespèrent.

Lionel Eskenazi

Zig Zag territories 2009

Thomas Grimmonprez, Christophe Hache, Jérémie Ternoy

 « Du spirituel dans l’art », quelque chose de l’essence et de l’essentiel pour la musique précise et métallique, électrisante  de ce bel ensemble nordiste conduit par le batteur Thomas Grimmonprez. Si celui-ci a jusqu’à présent joué le rôle déterminant mais souvent considéré  « annexe » d’accompagnateur de beaucoup de grands formats (orchestres de Laurent Cugny, Martial Solal, Patrice Caratini, le PJBB…), il désirait se réaliser en tant que « batteur leader » comme il l’écrit dans les notes de pochette. Acceptant que les projecteurs soient braqués sur lui et sa  musique, il a confié ce projet « Bleu » au sérieux label de toutes les musiques Zig Zag.

Il retrouve deux comparses fidèles, le contrebassiste  Christophe Hache (intervention superbe sur « Planeur ») que nous avions repéré au sein du collectif lillois Circum, et grandement apprécié dans Impressions et aussi au sein du Stephan Orins Trio, et  Jérémy Ternoy au Fender Rhodes. La coloration si particulière du piano électrique donne un aspect énigmatique,  mystérieux à cette musique cristalline, nocturne, lunaire même ; et nous renvoie à des sonorités déjà anciennes,  aimées, auxquelles notre oreille actuelle s’est réhabituée.

8 titres et une durée des plus raisonnables (39’) ajoutés à un sens inné du groove  entretiennent la tension («Presque énervant»).Une musique urbaine créant des textures sophistiquées, une création  prenante, poétique (« Sans nom »), sans violence comme dans « Issue de secours » malgré le rythme continu et soutenu de la batterie sèche et assurée.

Une triangulaire presque classique, une belle cohérence mélodique, un sens affirmé de l’interaction, voilà  qui a de quoi séduire même les plus blasés. Car si rien n’est véritablement nouveau, en guise de signature se ressent  le désir manifeste  de jouer ensemble, de raconter  une histoire. Tout simplement. 

Sophie Chambon