PI Recordings 2010

Rudresh Mahantappa (as), Bunky Green (as), Jason Moran (p), François Moutin (cb), Damion Reid (dm), Jack De Johnette (dm on 1,2,9,10)

C’est un véritable alto saxophone summit dont il s’agit. Et qui plus est, la rencontre de deux générations. L’un,  Bunky Green a 75 ans et fait depuis quelques années un remarquable come back qui semble le plonger dans un véritable bain de jouvence. L’autre, Rudresh Mahantappa dont on ne cesse de vous parler ici, incarne à près de 40 ans l’illustration de cette nouvelle école du saxophone, multiraciale, inventeur d’un nouveau langage syncrétique entre ses racines indiennes et ses racines new-yorkaise.

Bunky Green a toujours été une sorte de modèle pour Rudresh qui, comme beaucoup d’autres a toujours affirmé son influence. L’élève et le maître n’avaient pourtant jamais eu l’occasion de jouer ensemble avant cette jam-session de 2008 (voir la vidéo). Et par chance, j’y étais et je me souviens de cette rencontre des deux saxophonistes lors du festival Jazz Baltica en 2008. Le courant passait entre les deux. C’était évident. Et les voir aujourd’hui réunis sur un même album en est la suite logique. Car tous les deux se fondent dans cette histoire du saxophone alto qui part de Parker et englobe Greg Osby et Steve Coleman, maîtres et élèves confondus.

Deux générations disions-nous et pourtant la même passion de cet instrument. Car si 35 ans les séparent, chez les deux, la même fougue, la même urgence à dire. Tous les deux emportés par le même flot torrentiel. La même élasticité, le même lyrisme et le sens des harmonies complexes. Mais chacun cependant avec un son parfaitement identifiable. On est loin ici des duets comme le faisaient de jeunes ténors comme Wardell Gray et Dexter Gordon. Ici cela ne peut pas être ainsi. D’abord parce que les deux n’ont pas le même âge. Mais surtout parce qu’il ne s’agit pas d’un duel mais d’une démarche aboutie et respectueuse où chacun des saxophonistes a apporté la moitié des compositions, certaines anciennes et d’autres créées pour l’occasion.

Où la rencontre vise surtout à provoquer la fusion de deux styles. L’un vient sur le terrain de l’autre et réciproquement, illustrant cette capacité du jazz américain à mêler, à mélanger, à réunir. Parfois la tentation est grande pour Bunky Green de se laisser embarquer sur le terrain de Rudresh Mahantappa. Sur ce terreau sur lequel le saxophoniste indien a bâti un vrai langage. C’est le flot carnatique qui emporte tout. Et puis il y a dans la deuxième moitié de l’album, les compositions plus apaisées de Bunky Green. Des compositions juste sublimes (Lamenting ou Little girl I miss you thème déjà entendu sur l’album « Place we never been ») où l’espace musical se desserre, se relâche. Et la c’est Mahantappa qui vient le rejoindre.

Derrière la rythmique force le respect. En premier lieu un Jason Moran toujours stupéfiant dont chacune des interventions jette une lumière irradiante, décisive avec un à propos d’une remarquable intelligence jetant des harmonies qui viennent créer un contraste en toute douceur (écouter comment il prolonge le discours des saxophonistes sur Eastern Echoes). Aux baguettes alternent respectivement Damion Reid et jack de Johnette, tous les deux associés à la puissance toute en discrétion de François Moutin. C’est dire si le niveau est particulièrement élevé dans cette session qui s’affirme véritablement comme un sommet de jazz.

Comme on dit, «  ca joue terrible ». La danse sinueuse des deux serpents charmeurs emporte tout. Les courbes fluides se croisent et s’entrelacent.

Cette rencontre des deux saxophonistes alto mérite véritablement d’être qualifiée de sommet.

Jean-Marc Gelin

Après un premier album très remarqué dédié à la photographe italienne Tina Modotti (Suite for Tina Modotti, 2008), le Tinissima Quartet de Francesco Bearzatti dédie son nouvel opus à une autre figure révolutionnaire controversée, Malcolm X. Pour les DNJ, le saxophoniste italien a accepté de revenir sur la genèse de ce projet et de commenter le disque plage par plage.

Francesco Bearzatti:

J’ai découvert Malcolm X quand j’étais gamin. En lisant son autobiographie, j’ai été bouleversé, car j’ai alors réalisé que mes idoles, les grands jazzmen afro-américains, avaient été traitées comme des citoyens de seconde zone, voire comme des animaux. Ç’ a été une découverte fondamentale pour moi.

Bien plus tard, j’ai fondé le Tinissima Quartet pour raconter l’histoire de mes héros révolutionnaires, en commençant par Tina Modotti. Beaucoup de gens ont découverte cette dernière à travers notre premier disque, ce qui est très important pour moi. Bien sûr, Malcolm X est plus célèbre, plus populaire, mais beaucoup de gens ne le connaissent pas vraiment. C’était donc naturel de lui consacrer le prochain album.

Dans un premier temps, j’ai beaucoup étudié son autobiographie, que j’ai lue trois fois, je suis allé chercher ses discours sur Internet, j’ai acheté des tas de bouquins… Un travail de recherche qui a duré près d’un an. À partir de là, j’ai conçu un projet en dix mouvements, en pensant à X comme chiffre romain. J’ai d’abord écrit les titres de ces différents chapitres, et ensuite, j’ai composé la musique correspondante en trois mois. En parallèle, le peintre Francesco Chiacchio a réalisé les superbes illustrations du livret, toutes en noir et blanc. Je lui donnais les titres au téléphone, en jouant quelques notes de piano pour camper l’ambiance de chaque morceau. Il s’est alors mis à dessiner, et il a finalement terminé avant moi ! Je n’ai pas ressenti le besoin d’accompagner le disque par un texte explicatif. Je ne suis ni écrivain, ni poète, et je crois que la musique et les dessins expriment déjà beaucoup.

J’espère que ce travail incitera les auditeurs à acheter des ouvrages sur Malcolm, à lire son autobiographie… Je ne sais pas encore qui sera le prochain révolutionnaire à qui je dédierai une suite pour le quartette. Entre Tina Modotti et Malcolm X, il s’est tout de même écoulé trois ans…

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Francesco Bearzatti
Jazz sous les Pommiers 2009, Théâtre Municipal, Coutances, France, 19/05/2009

© Patrick Audoux

Cristal Records/ Harmonia mundi

Sophia Domancich continue à nous charmer, et avec ce nouvel opus Snakes and Ladders, à nous surprendre. Elle trace résolument sa route, enrichit son parcours de nouveaux paysages, essences, cultures et civilisations. Les photos de pochette et le titre, sur lequel nous reviendrons, suggèrent qu’elle fait route vers l’Est, via un détour
par l’Espagne avec le bouillant Andalou, Ramon Lopez, le complice du «Flower trio» qui s’invite de ses paumes et de sa voix, sur la guitare de Louis Winsberg, dans un titre de sa composition, le dépaysant « Mis manos te acarician ».
Mais la grande surprise (encore que Sophia Domancich soit une fidèle de l’univers de Robert Wyatt et une amie de longue date de John Greaves) est d’avoir réservé une aussi grande place aux voix et à leur pouvoir d’évocation. On plonge immédiatement dans une étrange familiarité, une inquiétante étrangeté à l’écoute de ces timbres irréels, de voix maléfiques  de contes de fée : ainsi Himiko Paganotti (Magma) dans cette ritournelle
« In the box », évoque l’atmosphère genesienne de « The musical box » dans Nursery Cryme (1972), « théâtre d’un conte fantastique et tragique… où une boîte à musique devient la porte ouverte sur un imaginaire fascinant ».
Il y a aussi plein de petits bruits déconcertants, de grésillements, d’eaux qui ruissellent, de nappes de son pour le moins effrayants, comme dans un film fantastique du grand Tim Burton avec la troublante Helena Bonham-Carter. Et encore tous ces bruissements perpétuels de la vie auxquels Jocelyn Moze et Jef Morin ne sont pas étrangers.
On pense enfin à d’autres BO avec la voix aimée, rauque et sauvage, râpeuse de John Greaves, dans « High tide on the ebb» ou «Est-ce l’heure du thé?», celle plus grave et chaude du slammeur américain Napoleon Maddox, qui égrène ce refrain entêtant, cette ritournelle d’«Isabella Sand » dans «The Island ». Puis surgit la voix « ancestrale » de Robert Wyatt sur un titre « Wilderness » que Sophia reprend seule.
Ce n’est pas du jazz, Sophia Domancich le reconnaît bien volontiers, même si elle ajoute qu’elle a « l’esprit jazz.» Question aussi de génération, d’époque, de cycles, de cercles pas « vicieux » qui renvoient à une révolution permanente : les quinquas ont naturellement écouté du rock et de la pop anglaise teintée ou non de
blues.
Si cet album de Sophia Domancich diffère de ses précédents, en duo avec Simon Goubert, en trio avec JJ Avenel, ou même en formation plus développée comme dans le quintet Pentacle, l’équipe dont elle sait s’entourer, est celle de la famille de coeur et d’esprit, les frères et sœur de son. Autour d’elle et de Simon Goubert, le complémentaire, discrètement efficace, des proches entourent la pianiste dans cet ensemble très anglo-saxon, autour des poèmes de Jacqueline Cahen, traduits par l’ami de toujours, John Greaves.
On continue d’avancer sur cet échiquier, ces combinaisons de mantras, avec le piano envoûtant, dans une répétition qui débouche inéluctablement sur une forme et un sens. Le fond intimiste et mélancolique de la musique de Sophia est toujours là avec ces brisures, ces motifs entrecoupés de silences, alors que Simon Goubert joue des peaux et des cymbales, colore subtilement, en contrepoint des figures rythmiques, répétitives elles aussi.
Pourquoi cet album maintenant ? Au lieu de s’aventurer sur des «terra incognita», Sophia Domancich fait retour, reformule, synthétise, opère un bilan (horrible mot, trop connoté comptable ou médical) ; elle regarde dans le rétroviseur pour continuer à avancer, depuis le Funerals de 1991. Pour avancer, il faut oublier, dit-on. Pas si sûr .Car, on ne fait jamais table rase mais on peut continuer à créer, transformer, vivre, en explorant les relations entre mots et musiques, sens et sons.
Si cet album soigné, sophistiqué même, qui fait la part belle au re recording et au travail de post enregistrement, a pris du temps, il est singulièrement abouti.
Eclairons enfin le sens du titre Snakes and ladders, qui renvoie à un jeu de société, d’origine indienne (avec vertus et démons), prisé des enfants anglais, qui se joue avec un plateau et des dés. Ainsi l’aléatoire est de la partie, car « jamais un coup de dés n’abolira le hasard »…

Sophie Chambon

PS:

A l’occasion de la sortie de l’album de Sophia Domancich «Snakes & ladders » , retrouvez Sophia Domancich et ses invités sur l’unique  concert du jeudi 09 décembre 2010 à 21h00 au Triton , 11 bis rue du Coq Français 93260 Les Lilas

Avec Sophia Domancich : piano, claviers

           John Greaves: voix

           Himiko Paganotti: voix

           Jef Morin : guitare

Thierry Di Filippo guitare/oud,  Mickael Sourd guitare, Laurent Marc vibraphone/xylophone, Steeve Denoy contrebasse.

2010 - Autoproduit

Le Site  

Entre deux tours est le troisième album du groupe toulousain Swing39 qui sévit depuis une dizaine d’années. Avec ce nom de groupe qui rappelle inévitablement un titre de Django, on sait qu’on à faire à un quartet manouche. Mais, pour le coup, ce n’est pas n’importe quel groupe manouche. En effet, Swing 39 revendique une approche World music et le fait clairement apparaitre sur la couverture du cd: « World Gipsy Jazz ».

On pourrait l’interpréter comme une simple accroche commerciale. Mais le dernier né de ce quartet recèle un vrai travail dans la mixité des styles avec le genre manouche en trame principale. La constitution du quartet est d’abord inattendue avec l’utilisation du vibraphone et du xylophone de Laurent Marc, puis dotée d’une structure manouche classique (deux guitares et une contrebasse). Ensuite, le groupe se lance dans deux titres aux trames manouche Afrique du Nord (« Entre deux tours », « Marrakech la Folle ») à la guitare remplacée par le oud, et un troisième adaptent l’idiome musical chinois au xylophone et deux guitares à une valse !  Le vibraphone trouve sa meilleure place sur « Blues for Toons » qui navigue de la comptine au blues manouche endiablé avec un accompagnement à la pompe manouche et de larges variations de rythmes; le standard « Night and Day » est dense et rapide pour un accompagnement léger du vibraphone qui joue le jeu des répons aux guitaristes ; « Recuerdos de Lucia » est un morceau hispanisant, "Mojito Bossa" est une ...; « Charlie » est une ballade rapide aux allures pop balancée par une guitare électrique à la Wes dans les accompagnements. Quand on vous parlait de diversité … Les mélodies sonnent toutes bien dans un sillon manouche bien maitrisé.

Les onze titres de Entre les deux tours sont soignés et joués avec grande application. Avec Entre les deux tours, Swing 39 propose une musique bluffante et réjouissante, facile à écouter et de la meilleure facture que l’on nous ait donné d’écouter ces dernières années dans ce registre. Il est des œuvres dont on ne sort pas indemne. De celle-ci, on sort plus intact qu’on ne l’a jamais été.

Jérôme Gransac

Quelques vidéos réjouissantes:

Mojito Bossa

Entre deux tours

Coax Records - 2010

Benjamin Flament (vib), Joachim Florent (cb), Elie Duris (dr)

On les savait jeunes, curieux de tout, avides de connaissances, cherche-partout. Voilà le premier album de la paire Flament/Florent accompagné d’Elie Duris à la batterie.

MeTal-O-PHoNe. MeTal-O-PHoNe. MeTal-O-PHoNe … Ca sonne aride et éclatant comme le métal, ça en dit long sur le projet. Tout a été précautionneusement étudié pour ce projet : les directions et techniques musicales, le visuel, le choix des instruments et leur utilisation. C’est brillant. Comme le métal.

D’abord le visuel : la couverture nous montre un amas de métal ; le dos : une tour de métal raide et complexe, probablement rouillée par le temps, sur un fond rouge qui fait penser aux Hauts-fourneaux d’Usinor avec ces coulées de plomb à 1000 degrés qui, croyez moi car j’y étais, vous glacent le dos; l’intérieur : une clarté bleue aseptisée avec une présentation minimaliste du groupe et des intervenants dans le projet.

La richesse des sonorités. Benjamin Flament fait éclater son xylophone à travers de nombreuses expressions sonores : sèches ou longues, xylophone monté sur des effets sonores distordus durs ou malléables. La contrebasse grinçante et vibrante (avec un long et bon chorus à l’archet virevoltant sur « Karter »), souvent fulminante, de Joachim Florent est le lien le plus directe avec le métal industriel que nous évoque le visuel. La batterie, bondissante et ordonnée, est un joyau de sonorités métalliques aux cymbales et le jeu sûr et précis, léger et appuyé à la fois nous montre qu’Elie Duris est un travailleur acharné de l’instrument en passe de devenir un maître en la matière. Quelle maitrise rythmique que ces trois là !

La musique. C’est une musique sonnante et ferme, haletante, parfois rude mais travaillée, expressionniste. « Roms » et « Papouilles » font penser aux explosions magmaiennes de l’époque de Üdü Wüdü avec un xylophone trafiqué et une contrebasse heavy-metal. Le travail sur la rythmique est permanent, en témoigne « Steve Reich in Babylone » où le trio travaille un drumming reichien martelé au xylophone qui se délie, avec le soutien des cymbales éclatantes et nerveuses, dans une ambiance rock sur une rythmique tout en déphasage. On se souvient avoir entendu ce son de cymbales dans l’œuvre improvisée « Sons / Neheh » enregistrée dans une chambre d’hôtel réunissant Jannick Top et Christian Vander.

La musique encore. C’est une musique de transe, planante et envoutante ; une musique comme « Improvisation Zen » que l’on écoute allongé, le corps en suspension. Il ya beaucoup d’influences dans cette musique : des formules traditionnelles ancestrales (« Tahiti ») aux musiques contemporaines les plus recherchées en passant par des clins d’œil jazz comme « Bama » à la rythmique très fournie, des morceaux rock progressif très réussis, comme « Robotsticks », qui nous évoquent certains moments zappaien ou crimsonien. Sur les douze compositions du trio, quatre pièces courtes temporisent les élans brulants et les déserts éthérés ; ce sont des petits exercices de styles (« Vision 1 » et 2,  « Mutation 1 » et 2) qui tracent le sillon pour les autres morceaux plus longs et fouillés.

MeTal-O-PHoNe, ce n’est pas à proprement parler du jazz, du rock ou de la musique minimaliste, c’est la résultante de tout cela et de bien d’autres encore. C’est un travail essentiellement basé sur les Rythmes, avec un R majuscule, exécuté par trois jeunes musiciens doués, bûcheurs et très créatifs. Une grande bouffée d’air en cette fin d’année, une goulée métallique !

Jérôme Gransac