Fresh Sound New talent 2009

Vincent Bourgeyx (p), Matt Penman (cb), Ari Hoenig (dm)

 Le petit dernier du pianiste Vincent Bourgeyx, bien nommé «  Again » est, on peut le dire une petite merveille dans le genre trio jazz acoustique piano-basse-batterie. Il y a là tout ce que l’on aime dans l’exercice : un pianiste ouvert et pas nombriliste pour un sou qui semble survoler son clavier avec autant de légèreté que de swing et qui s’entoure d’une section rythmique exceptionnelle. On ne peut manquer d’être séduit par l’art de l’improvisation de Vincent Bourgeyx qui ne prend jamais la tournure de l’exercice de style mais plutôt d’une belle (ré)incarnation de la musique. Variant les plaisirs le pianiste passe avec la même aisance des standards à ses propres compositions ou encore à des thèmes classiques. Qu’il s’agisse du vivifiant Giant Steps, ou de ces trois versions sublimes de Come Sunday, Cry me a river et enfin The Good Life, Vincent Bourgey donne chaque fois le sentiment qu’il est bien, à l’aise dans sa musique au point de la faire vivre en studio comme en club. Totale aisance harmonique et rythmique, aucune pesanteur dans le jeu, aucune urgence non plus. De manière un peu moins convaincante Bourgeyx s’attaque à Chopin ou Fauré jazzifiés à merveille, mais qui semblent un peu relever de l’exercice de style, prétexte à un espace d’improvisation. Suivent ensuite 4 déclinaisons d’un même thème composé par le pianiste, Alice où pour le coup l’exercice très intéressant est loin d’être répétitif ou scolaire et éclaire de 4 facettes différentes une même structure réalisant ainsi une suite cohérente et polymorphe à la fois. Il est vrai aussi que le pianiste peut, comme on l’a dit s’appuyer sur une rythmique exceptionnelle qui donne à chaque thème un relief différent. Matt Penman associé à Ari Hoenig représente en effet l’une des meilleures sections rythmiques qui soit. Association qui joue beaucoup sur l’inventivité exceptionnelle du batteur, certes envahissant mais dont les coups de génie, les phrases rythmiques inventées toujours à bon escient, les contre-temps et la fébrilité sensuelle illuminent tout.  Avec audace Hoenig joue ainsi les chants en contrepoint dans des moments audacieux de pure folie, décalée mais toujours brillante. Quand au contrebassiste ultra solide dans son placement, il affiche une rondeur en totale empathie avec le trio contribuant de manière essentielle à créer ce son de groupe si séduisant qui nous embarque une heure durant dans un swing élégant et brillant. Jean-Marc Gelin

Eagle Vision

Rand Breker,  Wynton Marsalis,  Lew Soloff, Jack Walrath, Joe Wilder, Snooky Young (tp), Eddie Bert, Sam Burtis, Paul Faulise,  Urbie Green, David taylor, Britt Woodman (tb), Don Butterfield (tuba), John Handy, jerome Richardson, Bobby Watson (as), Georges Adams, Phil Bodner (ts), Gery mulyan, Roger Rosenberg (bs), Dale Kleps (clb), Michael Rabinowitz (htb), Sir Roland Hanna, Jon Hicks (p), Reggie Johnson, Edwin Schuller (cb), Karl Gerger (vb), Victor Lewis (dm), Daniel Druckman (perc), Gunter Schuller (dir)

En 1989 fut donné un concert au Lincoln Center de New -York à l’occasion des 10 ans de la disparition de Charles Mingus. Concert prestigieux s'il en est dans les boiseries de cette salle majestueuse où, sous la baguette de Gunter Schuller, la fine fleur des « vétérans » du jazz se retrouvaient réunis pour interpréter pour la première fois dans son intégralité, l’œuvre magistrale de Mingus. Une œuvre à la dimension de son génie regroupant d'une traite 18 morceaux, près de 500 pages de partitions pour plus de 2h20 d’un concert stupéfiant retransmis dans son intégralité par une production TV anglaise (Channel Four). Certains des thèmes d’Epitaph, étaient déjà connus, déjà entendus et joués par Mingus lui-même. Mais aucun support phonographique n’avait encore donné cette œuvre dans sa globalité. Et c’est d’un moment fondamental dont il s’agit. Car (excusez les superlatifs) l'œuvre à laquelle s'est consacré Mingus pendant plusieurs décennies est assurément une des œuvres majeures de l'histoire du jazz. Un chef d’œuvre devrait-on dire, qui atteint à la dimension Ellingtonienne, foisonnante, complexe, plongeant dans toute l’histoire du jazz. Celle où l’on retrouve toute la musique de Mingus dans une lecture aussi moderne que résolument ancrée dans cette histoire du jazz qui va du gospel au blues, jouant des dissonances, remettant à l’antique les chœurs de trombones et de cuivre sur le devant, maniant les ostinatos comme pour faire émerger ces moments où les voix se mêlent dans des moments de paroxysme très forts et denses. Comme dans tous les chefs d’œuvre Ellingtoniens  Mingus laisse une place essentielle aux solistes, ici magnifiés et qui ce soir-là , tous extraordinaires atteignaient là leur part d’héroïsme gravé dans le marbre ( disons plutôt sur la pellicule). On pense notamment aux envolées spectaculaires de George Adams qui dans cet orchestre "Mingus Epitaph" de Gunter Schuller semblait trouver, trois ans avant sa disparition une dimension hors du commun. Mais il serait juste de citer aussi John Handy ou Bobby Watson et tous les autres qui, à l’assaut  de cette sorte de monumentale vallée du jazz ressemblaient un peu à cette cavalerie fordienne, valeureux vétérans héroïques d’une époque du jazz dont ils transmettaient la flamme et les valeurs fondamentales.

Si l'ensemble de la captation donne un peu une couleur sépia légèrement « ringarde », l'équipe de tournage a réalisé cependant l'exploit de restituer au mieux le son en évitant les effets d'échos et en promenant sa caméra sur des plans rapprochés toujours très efficaces et particulièrement sobres.

Ces images témoignent assurément d'une des plus belles plages de l'histoire du jazz qui atteignent sans conteste la dimension de Black Brown and Beige : un monument !

Jean-Marc Gelin

Plus loin music - mai 2009

Olivier Temime (saxophone) ; Jérôme Barde (guitare/bardophone) ; Emmanuel Duprey (piano) ; Julien Charlet (batterie) ; Akim Bournane (basse) ; Arnold Moueza (percussions)

C’est un délicieux « Breakfast in Babylone » que servent dans une pochette aux influences Motown les Volunteered Slaves (esclaves volontaires), sextet vitaminé mené par le saxophoniste Olivier Temime (voir photos).

Comme l’explique Jérôme Barde (guitariste des Volunteered Slaves), quand le groupe a été fondé en 2002, l’un des morceaux emblématiques du répertoire était un blues de Rashan Roland Kirk dont la « personnalité de feu, le jazz cru et habité ont marqué le jazz de son époque (60/70)». L’album est fidèle à l’esprit de ce musicien original qui « était imprégné de la tradition du jazz, du R&B, du funk et de la pop de l’époque »[1].

Les quatre reprises promettent de satisfaire le public avec de belles envolées « funk ». Les corps ne devraient pas manquer de se laisser embarquer sur « Controversy » de Prince qui ouvre la marche ou sur « I want you back » des Jackson Five. Difficile de résister à l’appel de ce dernier titre, les forces de l’équipage d’Akim Bournane (basse) et de Julien Charlet (batterie) sont trop vives ! Difficile encore de ne pas se laisser séduire par le langoureux « I heard it thru the grapevine » de Norman Whitfield et Franck Wilson pour Marvin Gaye ou de ne pas planer dans le spatial « Butterfly » de Herbie Hancock porté par un son cosmique au fender.

C’est de cette énergétique musique que se sont nourris Arnold Moueza, Jérôme Barde et Emmanuel Duprey pour composer les huit titres originaux qui s’y mêlent. Autant d’occasions d’explorer des univers personnels variés. Le sextet se fait chœur afro pour « Oyayao », sage pour « Swimming Head » et « Herbert ». De quoi marquer une pause après « Breakfast in Babylone » ou « Zabriskie Point » dont l’emprunt au titre du film d’Antonioni évoque une fois encore cette Amérique sulfureuse des années 70 qu’avaient musicalement illustrée les Pink Floyd. Si Babylone s’est perdue dans le brouhaha de la Tour de Babel, les Volunteered Slaves se jouent du destin tragique de la ville mythique pour mieux prouver que le langage de la musique dépasse celui des mots par son universalité !

Et pour ceux qui voudraient goûter à d’autres savoureux délires des joyeux drilles, il y a toujours des tables libres sur leur site self-service ouvert 24h/24[2]. Anne-Marie Allouet

[1] Edito de Jérôme Barde posté sur le site le 17 mai 2009

2 Site Volunteered Slaves

Act 2009

Après cinq années de silence, la chanteuse coréenne Youn Sun Nah, que l’on connait bien en France, revient avec un disque mature et soigné sur le label ACT, qui devrait la propulser vers une carrière internationale à succès. Ce « Voyage » porte admirablement bien son nom, car le répertoire nous emmène de sa Corée natale à la France, en passant par le Brésil (Frevo), les Caraïbes (Calypso Blues), les Etats-Unis (Jockey Full of Bourbon et Shenandoah) et la Suède (The Linden). Le tout est chanté en anglais à l’exception de la sublime India Song (chanson française signée Marguerite Duras et Carlos D’Alessio). Une musique très épurée et assez minimaliste car ce projet est né d’une rencontre avec le guitariste suédois Ulf Wakenius, qui a abouti à une série de concerts en duo, avec un répertoire de chansons que You Sun Nah n’avait pas encore exploré (incluant des reprises et des nouvelles compositions originales, à part égales). L’idée d’un disque est venue assez vite et Ulf Wakenius a contacté son ami contrebassiste, compatriote, et confrère sur le label ACt : Lars Danielson. Celui-ci a accepté la direction artistique de l’album en conservant le caractère intime de cette musique, intervenant discrètement à la contrebasse et invitant sur quelques titres le génial percussionniste-coloriste Xavier Desandre-Navarre et la nouvelle star montante de la trompette « atmosphérique », le norvégien de chez ECM : Mathias Eck. Une musique qui nous fait littéralement « voyager » intérieurement et ressentir un profond sentiment de liberté, d’évasion et de planante flottaison. Nous sommes transportés sur un confortable nuage cotonneux, le ciel est bleu, l’horizon dégagé, prêts pour un voyage sensuel où les frontières sont abolies. Nos sens sont à l’affût et l’émotion maximale, troublés par une voix à la pureté cristalline, suave et angélique, portée par un sens inné de la mélodie, des nuances et de l’articulation. N’oublions pas de mentionner aussi ses subtiles inflexions vocales et sa parfaite maîtrise rythmique. Le disque curieusement ne démarre pas par les deux titres les plus marquants,  mais dès le troisième (Calypso Blues), nous sommes séduits par la folle sensualité (érotique ?)  de cette voix aux inflexions d’une grande suavité, proche d’une féline qui veut nous charmer et portée par une ligne de basse ondulante et solide, qui nous fait penser au concept de Musica Nuda (la version originale de cette chanson de Nat King Cole consistait en un subtil duo entre sa voix et des congas). Le pari de reprendre une chanson de Tom Waits semblait risqué, tant leurs univers (et leurs voix) sont différents, nous constatons pourtant que sa version de Jockey Full of Bourbon est magnifique et fidèle à l’esprit de l’original (avec Ulf Wakenius, impressionnant à la guitare dans le rôle de Marc Ribot). Avec Frevo d’Egberto Gismonti, You Sun Nah ne chante plus de paroles, mais vocalise comme une grande musicienne accomplie et s’avère totalement convaincante dans ce climat coloré où le brésil se mêle au flamenco avec une guitare toujours aussi effervescente. N’oublions pas de mentionner les propres compositions de notre chanteuse asiatique préférée : les très belles mélodies de Voyage et de My Bye, où l’on plane avec la trompette de Mathias Eck et le swing plein de charme coquin de Please, Don’t Be Sad. Sur cinq des douze titres, tous les musiciens sont présents et forment un subtil et impressionnant quintette. Ce groupe au complet n’accompagnera pas You Sun Nah sur scène car la tournée de promotion de l’album est centré sur le duo avec Ulf Wakenius, tel qu’on a pu le voir les 12 et 13 mai dernier au Sunside à Paris. Un concert magique où l’interprétation des titres de l’album était encore plus prenante par la présence et le charisme incroyable de la dame. Elle se « lâche » beaucoup plus facilement sur scène, permettant à son imagination et à son sens de l’improvisation de nous séduire davantage, n’hésitant pas par moment à chanter « a capella ». On aime beaucoup l’album, mais il faut reconnaître, que comme beaucoup de production Act, il n’échappe pas à un certain formatage, parfois un peu trop lisse. On rêve maintenant d’un DVD qui puisse perpétuer l’émotion scénique et inoubliable qu’elle nous a procurée, en la fixant à jamais. D’autant plus qu’elle se permet en concert de chanter avec beaucoup d’originalité des célèbres bossas-novas de Jobim ou le Ne Me Quitte Pas de Brel.

Lionel Eskenazi

Le saxophoniste américian Charlie Mariano est décédé hier, 16 juin 2009 à Cologne où il vivait, à l'age de 85 ans.
Il aura joué avec les plus grands comme Charles Mingus, Stan Kenton, avec de grands artistes européens comme Philip Catherine et Eberhard Weber ainsi que des musiciens liés à la musique traditionnelle comme Rabih Abou-Khalil et des musiciens indiens.
C'est dire l'ouverture d'esprit dont faisait preuve le musicien.
Ces dernières années, on l'entendait souvent avec le trio franco-suisse Cholet-Känzig-Papaux.

A l'annonce de la nouvelle, Lionel Eskenazi des dnj a réagi d'une manière qui résume bien ce qu'on aimait chez Mariano:
"C'est la perte d'un grand saxophoniste à la sonorité unique !
On avait tendance à le croire immortel, tant il avait l'air en forme.
Bad and sad day."