Troisième volume de la collection
Double  DVD : 2h 40 de concert filmé en public et 40 mn de bonus
www.antoineherve.com
RV Productions/harmonia mundi

ATTENTION/ ANTOINE HERVE est à l’affiche du Festival « OFF » d’Avignon : du 8 au 28 juillet, il donne tous les soirs une leçon de jazz à LA MANUTENTION (AJMI) 

Antoine Hervé, entouré des inséparables frères Moutin,  a choisi comme thème de sa troisième leçon de jazz, d’évoquer le génial Oscar Peterson . Massif, le pianiste dont les épaules faisaient quatre octaves de largeur, et dont les larges mains lui permettaient une digitalité extraordinaire,  n’en est pas moins un mélodiste accompli . Cette leçon est d’autant plus difficile que peu de musiciens ont relevé le défi technique d’un tel projet, mais Antoine Hervé fête chaque artiste de son panthéon, en jouant comme il sait le faire, les passeurs. Le principe est simple, nous faire voir en direct comment « se joue » la musique, en proposant un concert commenté, qui éclaire certaines approches stylistiques, décompose quelques points, tout en rappelant la biographie de l’artiste. Un exercice éminemment pédagogique qu’ Antoine Hervé réussit à merveille, quand il explique le principe de la « blues note », souligne la différence essentielle entre polyrythmie et rythmes balkaniques, révèle, marche à l’appui, ce qu’est la « walking bass » ou le « shuffle » ; il montre enfin comment moduler, c’est changer provisoirement de tonalité. On revit ainsi « à la française » les leçons prodiguées en public à un tout jeune public, dans les années soixante, par le compositeur chef d’orchestre Leonard Bernstein.  Les chapitres se décomposent ainsi le maître de l’harmonie, l’influence du blues et du gospel, le piano instrument polyphonique, la walking bass. Le trio passe aussi en revue les différents angles d’attaque de cette leçon : « A la manière de » dans le premier exemple « Blues for Oscar », une composition d’Antoine Hervé ; en harmonisant des compositions de l’artiste, dans la méconnue  « Suite canadienne » en quatre parties ; en jouant fidèlement des transcriptions (comme Lizst) dans l’exemple choisi de « When lights are low » de Benny Carter.
Classé quatre ans de suite « meilleur pianiste » dans Downbeat, le pianiste canadien d’Halifax (1925-2007), est un des grands maîtres du rythme et aussi de l’harmonie. Il faisait régulièrement démonstration spectaculaire de son savoir-faire : « Touch, time, tone, technique, taste » étaient les cinq points fondamentaux de son credo musical. Il travaillait les larges accords de Debussy, quinte diminuée, accords de treizième. De Chopin, il aimait  les grands écarts  qu’il pouvait réussir avec ses larges mains, de Bach, il retenait  le contrepoint et les voicings, était familier des doigtés de Scarlatti , mais il aimait particulièrement en jazz, ses idoles, à savoir Art Tatum, James P Johnson, Teddy Wilson, Nat King Cole. Si vous n’aviez pas été noir, auriez-vous été tenté par une carrière classique ?  Non,  aurait-il  répondu,  voulant conserver  la créativité.
 Oscar Peterson est devenu très vite une attraction pour les musiciens Américains voisins, il se produit au Carnegie Hall en 1949, tourne avec Norman Granz et sa tournée Jazz at The Philharmonic, rencontre Ray Brown qui sera son contrebassiste pendant les trente années à venir, monte des trios (p, b, g ) avec Herb Ellis . Directeur artistique, il enregistre beaucoup de disques chez Verve, multiplie les concerts tout en refusant de se laisser enfermer dans une esthétique. Rebelle aussi,  il refuse de se laisser influencer par Charlie Parker. Il a traversé le siècle jazzistique du ragtime à l’électro accoustique, a couvert  l’aventure musicale en s’emparant de toute la littérature de piano, cherchant à apporter quelque chose de nouveau dans son jeu, en changeant de plans. Ses arrangements sont de véritables chrorégraphies, avec ce sens du rythme lié au déplacement. Pour révéler son talent de compositeur, moins connu, Antoine Hervé nous fait entendre la Suite canadienne qui ressemble à un voyage en train, fil conducteur du DVD1 : « Ballad to the east »  (4 jours pour traverser le pays en train), « Laurentide Waltz » non sans rappeler « Waltz for Debby » de Bill Evans,  « Place Saint Henri » avec des appuis décalés/ donnée rythmique constante et des blues notes,  « Hogtown blues »,  « Blues of the prairies », « Wheatland », « March past »,  « Land of the misty giants ». 
Le trio, conçu comme un seul homme, se dévoile encore dans  « Travellin on »  (très be bop)  avec de brusques arrêts, ruptures, block chords, tremolos d’accords (spécialité de Peterson) tutti,  deux mains à l’unisson  et il faut écouter  «  Sax no end » de Francy Bolland  pour comprendre comment transposer un big band sur un piano.
Oscar Peterson a-t-il été utile au jazz ? Il en a fait une forme d’expression musicale aboutie, en associant exigence et jubilation, tendresse et vigueur. Son amour du classique lui a fait appliquer la leçon des romantiques au jazz,  il a travaillé le piano orchestral des concertos romantiques, le piano des concertos russes mais en a donné sa  version jazz.
Les bonus, pédagogiques, commencent par l’interview d’Antoine Hervé qui explique sa passion pour Oscar Peterson, son « père musical » découvert à 12 ans, mais qui a commencé à se l’approprier à 14. Antoine Hervé est un guide inspiré pour nous faire visiter les terres du jazz, ce pays réinventé avec une puissance instrumentale digne des plus grands jazzmen. Le « When  Lights are low » commenté est un régal, une agréable et studieuse façon de déjouer, de voir la « fabrique ». Tout un jeu de question réponse, trompette trombone, commentaire très dépouillé, ou lyrique en accords dissonants, triolets de noires, autres variations sur le thème de deux notes, « trumpet style » pour imiter le vibrato, gimmick de fin. Si la musique peut se passer de commentaire, qu’il est jubilatoire de rentrer dans la technique et de ne pas privilégier l’émotion seule, à côté de laquelle on peut passer, quand on ne sait pas comment cela est joué. Après ces 2h 50 de musique intelligente, on ne pourra plus faire le reproche, souvent entendu, d’un jeu froid et trop brillant, technique et presque mécanique.  Car Antoine Hervé, bon prince, nous donne une dernière clé, en nous suggérant d’écouter les ballades d’Oscar Peterson …
Merci du conseil, Monsieur Hervé !

Sophie Chambon

Outnote records/ Outhere

Avec Ichiro Onoe, Mauro Gargano et Chris Cheek

On commence à connaître dans le petit monde du jazz ce pianiste secret, introverti et impliqué  (c’est le sens du titre  « Involved ») qui n’a réalisé  en cette période de production pléthorique et frénétique, que trois albums. Mais quels albums, Echoes from my Room  chez Owl , (devenu introuvable),  Invisible Wound sur le label Ajmiseries –c’est là que je l’ai découvert et chroniqué pour les DNJ- et enfin ce passionnnant   Involved  sur le label de Jean Jacques  Pussiau,  Outnote records.

Philippe Le Baraillec  est d’abord enseignant à la Bill Evans Academy aux côtés de Bruno Angelini, ce qui souligne certains  liens entre musiciens, une véritable fraternité dans la musique.  Il garde l’extraordinaire paire rythmique  de son trio d’Invisible Wound.  Comment se séparerait-on d’Ichiro Onoe et Mauro Gargano,  un duo ardemment présent et qui n’en fait jamais trop cependant ? Ces trois-là semblent toujours avoir le même plaisir à se retrouver, à partager une complicité originale et exigeante. Chaque nouvel échange complète le tableau de leurs variations en série.  Un groove subtil, éminemment jazz. Qu’il est bon de ne pas jouer la confusion dans cette période trouble : dans leur musique, on entend, sans équivoque, du jazz. Sensible à cet idiome qu’il aime et sert avec ferveur, Philippe Le Baraillec a constitué un quartet original et très sensuel, pour ne pas dire romantique : l’arrivée du saxophoniste  ténor Chris Cheek renforce pertinemment  la formation, faisant résonner l’ensemble avec encore plus de fluidité et de cohérence : chanteurs  à leur manière, ses complices suivent la finesse de son jeu lyrique et retenu à la fois, comme dans ce délicat « Iceberg » ou l’autre ballade inaugurale « 10th of september ». Citons Christian Béthune qui souligne que l’imagination de l’auditeur devient alors indispensable pour assumer la part du rêve embusquée derrière chaque note par quelque somnambule (« Nightwalkers »). On ne saurait mieux dire. C’est une musique de l’intime qu’il nous faut apprivoiser, car cette apparente clarté, cette lisibilité ne se révèlent  qu’au prix d’un réel effort d’appropriation.

S‘est on installé dans ce climat serein, intemporel mais vibrant (« War Photographer »)?   L’album se referme sur une version élaborée de  « Saint Thomas », le thème archi connu de Sonny Rollins, transformé en un arrangement plus doux, calmement joyeux, qui suspend provisoirement l’histoire, un répit très maîtrisé par la paire rythmique qui fait merveille . Le pianiste, passeur de cette histoire aborde le terme de ce voyage sur ce rythme  léger et subtil. Accessible, émouvant, passionné, il sait convaincre, sans intellectualisme forcé, mais avec une singulière acuité, et un sens poétique évident, et s’inscrit ainsi, assurément, dans  la lignée des très grands.

NB : Dans ses excellents commentaires, Christian Béthune, philosophe de formation, revient à juste titre sur la polysémie du mot «Involved» et les trois dimensions entrelacées dans la musique du pianiste, auteur de toutes les compositions hormis la dernière. Philippe Le Baraillec est en effet engagé dans son travail de musicien, avec une ferme adhésion à une philosophie de vie à laquelle il tient et croit. On peut aussi lire à ce sujet ce que le pianiste écrit de son seul solo, «La toupie», fable hassidique. La musique nous parle sans rien dire. Mais sommes nous  toujours à même de saisir cet implicite ?

Pierre de Choqueuse, l’autre contributeur des « liner notes », évoque deux disques qui se trouvent être également (est-ce un hasard ? ) des souvenirs  tendres et des références familières . Le Baraillec a aimé et découvert Bill  Evans pour ce disque Verve de 1967 « California here I come » plutôt oublié dans les discographies du pianiste, avec Philly Joe Jones et Eddie Gomez. Quant à Chris Cheek qui partage admirablement ce rêve de musique, il cite l’album Blues cruise  ( Fresh Sound New Talent avec le trio de Brad Mehldau), dont j’aime tout particulièrement la version de « Song of India », un grand hit du big band de Tommy Dorsey.  Elle est peut être là, la filiation, dans cet enracinement dans l’histoire et les générations de jazzmen qui ont précédé. Le pouvoir de la « transmission » pour se servir d’un mot que beaucoup utilisent aujourd’hui.

Sophie Chambon

Concord Jazz 2012

Christian Scott AA (tp), Matthew Stevens (g), Jamire Williams (dm), Kris Funn (b), Mawrence Fields (p) + Kenneth Whalum (ts), Louis Fouche (as), Corey King (tb)

L’ouvrage est impressionnant, monumental, à l’image de Christian aTunde Adjuah dont c’est le nouveau nom un peu mégalomaniaque.

Visant large, le trompettiste redéfinit sa carte du jazz en embrassant la tradition avec sa propre vision de la modernité où l’acoustique se marie à l’électro dans une sorte d’opéra grandiose (voire même grandiloquent). Impressionnant, le trompettiste l’est par son jeu. Mais à la manière d’un Christiano Ronaldo dans l’équipe du Portugal, la nouvelle star de la nouvelle Orleans semble jouer seul devant et aux autres de la suivre. Il n’empêche, le trompettiste fait étalage d’une spectaculaire technique. Certainement l’un des meilleur trompettiste du monde. Ainsi cette ouverture tonitruante, bluffante, à la limite du démonstratif ( Fatima Aisha Rokero 400) ou encore sur Pyrrhic Victory of aTunde Adjuah, témoignage mégalo puisqu’il relate les réactions négatives de son entourage à la découverte de son nouveau nom.

Gros travail d’arrangements pour une musique qui explore des univers d’une incroyable richesse. Puisque ce nouveau nom est censé retracer l’univers large de cette identité que le trompettiste revendique entre l’Afrique, les Etats-Unis, la culture indienne, et même européenne sans toutefois tomber jamais dans une world music aux idiomes faciles. En émerge de multiples sons, de multiples ambiances, mouvantes et parfois indéfinissables.

Christian Scott signe un manifeste identitaire, celui d’un indien noir de la Nouvelle Orléans, mais avant tout le manifeste de la modernité de l’après Katrina qui renvoie loin les très vieux clichés de la cité du Croissant. Car il  y a ici de la profondeur et foin d’esprit festif. Une certaine spiritualité qui peut (ou pas) émouvoir mais qui fascine de bout en bout pour celui qui donne le temps à l’écoute de ce double album fleuve.

Christian Scott sait créer des instants dramatiques, intenses (Danziger), grâce à une technique époustouflante dans l’aigu sans que Christian Scott n’hésite aussi à aller vers une sorte de Nu-jazz que ne rejetterait pas son fondateur norvégien. Et voilà pour les clichés continentaux explosés au passage et les musiciens américains ne sont définitivement plus cantonnés dans l’après bop

Il y a alors quelque chose de magique dans cet album-là. Qui relève un peu d’une sorte de magie  indienne.

Et Christian Scott pour peu que l’on oublie ses effets de manches et son égo démesuré, signe ici une œuvre. Personnelle et riche.

Jean-Marc Gelin

Cidi 1101

Sortie JUIN 2012

www.muzzix.info

www.lacabine.org

www.circum-disc.com

Toc !  Faut-il aller voir du côté de ce mal étrange appelé « trouble obsessionnel compulsif »? Quand on écoute cette musique déferlante d’un trait, on est hypnotisé par le pouvoir de ces vagues de son qui secouent sacrément. Et on aime ça… les tympans sont (mal)traités avec une saine vigueur.

Toc, ce sont surtout les initiales des trois musiciens qui composent ce groupe dont c’est le deuxième album, à savoir Jérémie TERNOY au Fender Rhodes, Peter ORINS à la batterie, Ivann CRUZ à la guitare. Pas de danger, nous sommes plongés dans l’univers fascinant de la scène lilloise, unique en France, et de ce collectif épatant de musiciens qui signent sous le label CIRCUM que l’on suit depuis ses débuts (Muzzix, Zoone libre, La Pieuvre, Circum Grand Orchestra, Peter Orins trio, le quintet Impression…) .

On se situe  dans le domaine de la musique libre, aux marges de l’espérimentation radicale, du free punk pop complètement barré, du post rock, du jazz core. On pourrait ainsi multiplier les appellations et tentatives de rangement, à la Pérec,  c’est à dire tenter un classement méthodique de styles et d’influences ... Mais c’est impossible avec cette musique délirante, improbable et pourtant réelle, autour de l’accord parfait (ou non), surtout libre des trois instrumentistes. Toujours cette volonté de travailler sur le son, de sculpter la matière sonore, d’en accomoder toutes les textures organiques et synthétiques, d’oublier un temps la mélodie qui …finit par ressurgir en boucles ou selon les artefacts de l’improvisation. Une énérgie sèche et musclée, des temps forts où ça vibre et respire, circule entre les trois compères qui s’écoutent et se complètent. Pas de filtre encrassé ou brouillé et de surenchère sonique, et pourtant rien n’est vraiment lisse en dépit de quelques douces boucles : le piano s’affole, la guitare cisaille ou groove délicatement, la batterie exécute et martèle comme dans le final (12’ quand même) où tout grince et arrache dans un crescendo fou…intitulé « That’s what she said ». Ah oui, vous pouvez ne regarder ( comme je l’ai fait)  les titres (pleins d’humour)  qu’après avoir écouté le disque en entier, comme une suite qui raconte alors une histoire, qui prend sens.

Un album vibrant, serein, qui ne lâche rien. Il reste encore tout un territoire à explorer à ces musiciens. Faisons confiance à nos amis nordistes… et suivons-les dans leur aventure.

Sophie Chambon

NB : La photo de couverture, souvent réalisée par Peter Orins, contribue à ancrer l’image du label dans son territoire, urbain, post moderne et industriel…

C'etait lors de son passage à Paris, avant l'émission "Le rendez vous" que la chanteuse de Rochester nous avait accordé quelques instants pour revenir sur son dernier album, "Soul flower", critiqué assez largement parmi les journalistes de jazz qui y voyait un tournant un peu trop marketé de la chanteuse.

De quoi challenger l'artiste au groove irrestistible.

Car qu'on le veuille ou non, Robin Mc Kelle a le feu sacré et un tempérament du même calibre.

Votre dernier album est résolument soul. C’est un tournant dans votre carrière ?

Absolument. C’est l’album que j’ai toujours rêvé de faire. C’est un vrai changement par rapport à mes albums précédents qui avait commencé avec "Mess Around". Mais cet album a été une expérience vraiment fun pour moi. C’est l’album que je voulais faire depuis très longtemps.

Il y avait donc longtemps que vous aviez ce projet en tête ?

Oui, clairement. Mon premier album, "Introducing" était un album avec un  big band. Cela tournait autour des standards des années 40 et curieusement il a eu beaucoup de succès. Mais il est arrivé un peu comme un heureux accident. A l’époque je travaillais avec un groupe comme celui d’aujourd’hui mais d’un autre côté j’essayais aussi de percer et de gagner de l’argent en tant que chanteuse. "Introducing" était un bon moyen de mettre un pied dans cette musique populaire aux Etats-Unis en reprenant des standards. C’était un peu ma carte de visite. Cela a eu beaucoup de succès. Cela m’a rendu heureuse mais j’avais d’autres choses en tête et j’ai commencé à craindre d’être cataloguée comme jazz singer.

Vous avez surpris beaucoup de monde avec ce nouvel album . Beaucoup ont eu du mal à vous y reconnaître.

Pourtant c’est tout ce que je suis maintenant. C’est vraiment moi dans cet album. Je comprends que les gens qui aiment le jazz soient désappointés et pourtant j’aime chanter de vrais standards de jazz. Mais ce que je suis réellement, c’est ce que vous entendez aujourd’hui. Mais vous savez il y a beaucoup de gens qui m’ont influencé et qui font que j’aime aujourd’hui chanter autant du jazz que de la soul.

Mais quand vous dites, « maintenant c’est la vraie Robin Mc Kelle », comme vous avez pu le dire dans plusieurs journaux, cela veut il dire que vous trichiez avant ?

J’essaie d’être authentique. Si les gens disent cela, tant pis. Ce que je suis réellement, c’est surtout une artiste qui ne veut pas se fixer des limites ou se laisser enfermer dans un style. Ce que je revendique donc c’est cette liberté que je crois avoir retrouvé. Après le succès de "Introducing", je crois que j’ai été très limitée dans des albums comme "Mess Around". J’ai réussi à casser ce carcan. Mais c’est une continuation. Beaucoup ont dit que je faisait du Motown revival. Je comprends mais il faut aussi que vous compreniez que c’est aussi un moyen pour moi d’aller lentement dans cette direction sans tout révolutionner d’emblée. Mais ce qui importe c’est qu’en tant qu’artiste, en tant que compositrice autant que chanteuse, je me sente libre d’aller dans la direction que j’ai choisie et surtout d’avoir le son que je veux avoir.

Mais quand même vous entrez aussi dans ce piège marketing. Votre look a changé par exemple.

C’est ce que vous entendez auprès des journalistes de jazz. Vous m’auriez vu dans la rue avant, j’étais habillée comme ça. C’est drôle que vous me disiez cela parce que j’i mon propre label, je me produis moi-même, personne me dit ce que je dois faire. Je suis mon propre manager.

Mais dès que c’est un peu populaire on est suspicieux. Regardez Norah Jones. Dès qu’elle a commencé à devenir très populaire, elle a commencé à être critiqué pour cela même. Idem pour Melody Gardot.

Et vous l’avez trouvé ce « son » ?

Oui c’est le son que j’essayais d’attraper. Mais il faut une équipe pour cela. Il faut autour de vous des gens qui comprennent où vous voulez les emmener. Et qui comprennent le but. C’est mon travail , c’est celui des musiciens et c’est celui de l’ingénieur du son. Et c’était très difficile parce que je ne voulais pas sonner « vintage » et que je ne voulais pas non plus sonner trop moderne. Je voulais sonner « organique »

Je comprends que vous ne vouliez pas donner dans le côté retro, mais pourquoi avoir peur de sonner « new » ?

Je me suis mal exprimée. Ce que je veux dire c’est que je ne voulais pas faire quelque chose qui soit trop marketé, trop ciblé sur un public jeune. Quelque chose de trop « produit ». Et au niveau u son, je ne voulais pas une musique trop compressée. Je voulais qu’elle reste un peu plus naturelle. Je n’ai pas voulu que cela soit parfait. Je veux que l’on sente la « human touch ». Sur l’album «  Introducing » j’adore ce que l’on a fait mais cela me semble trop parfait avec le recul.

Vous voulez dire que vous cherchez quelque chose de plus «  sauvage »

Absolument. Plus sauvage et plus libre.

Vous avez dit récemment à propos des jeunes chanteuse de soul ou de R’B comme Amy Whinehouse ou Adele, « elles sont trop jeunes pour penser «  la soul »

Non, je n’ai jamais dit cela. Je vois bien ce que vous voulez dire, et je ne visais ni Amy ni Adele. Je pensais aux toutes jeunes chanteuses qui n’ont pas ce vécu des chanteuses de jazz . Je suis un peu agacée par ces gamines de 16 ans à peine qui sonnent comme Ella Fitzgerald. Cela n’a pas de sens. C’est bullsheet, cela n’a pas de sens. Une gamine de 16 ans ne peut pas comprendre ce que c’est d être amoureuse ou d’avoir perdu son amour. Alors comment pourraient elles elles chanter Lush Life ?

Vous voulez dire, qu’il faut porter un poids pour chanter ? Et vous vous portez quelque chose ?

Oui je porte des amours perdus, je porte des amis qui sont morts et tout ce avec quoi j’ai grandi

Mais n’est ce pas un stéréotype ?

Non, il faut pas rentrer dans ce genre de clichés. Vous n’avez pas forcément à être Etta James.

Et alors ! Ce n’est pas parce que je ne suis pas alcoolique et que je ne me drogue pas que je n’ai pas un vécu qui peut me permettre de donner du sens à ce que je chante. Chacun a sa propre histoire. Mais on attend autre chose de nous que d’être un simple produit commercial marketé. Nous sommes avant tout des chanteuses de jazz. Et moi je fais la musique que j’aime faire, la musique que j’aime écouter. Une musique groovy, pas forcément populaire. Et je ne suis pas seule, j’ai aussi un groupe formidable avec lequel j’aime faire de la musique.

Vous ne cherchez pas à être populaire mais vous surfez quand même sur la vague de la soul music

C’est vrai que chaque jour qui passe, on voit on nouveau clone de la Motown qui sort dans les charts. Amy et Adele ont ouvert la marche. Et il y a aussi Sharon Jones, Lee Fields. Ce sont des gens qui peuvent vraiment porter cette musique. Ils la ressentent. Ils ont ce feeling. Cela nous manque. Mais c’est tellement frustrant lorsque l’on est chanteur d’allumer la télé et de voir tous les faux chanteurs qui n’ont pas beaucoup de talents.

La grande différence, en ce qui vous concerne est que vous avez un réel background musical. Vous n’êtes pas seulement chanteuse mais aussi musicienne. Vous enseignez aussi.

Oui c’est vrai, j’ai beaucoup aimé l’enseignement. J’ai enseigné à Berklee le jazz vocal, les techniques de chant, la théorie musicale.

Il y a aussi le fait que vous écrivez vous-même votre propre musique 

Je ne veux pas que d’autres fassent ma propre musique. J’étais frustrée sur Introducing de ne pas pouvoir chanter ce que j’écrivais. Et j’entends, maintenant que je chante mes propres compositions, certains me dire " mais pourquoi vous ne revenez pas aux standards". C’est difficile d’avoir à changer. Cela suppose de prendre des risques, mais je n’imaginais juste pas faire tous les ans le même disque jusqu’à la fin de mes jours.

Je crois qu’une petite différence, si je peux me permettre, avec les chanteuses de soul actuelles, c’est que j’écris. Et c’est surtout la façon dont je compose la musique. J’ai une approche harmonique qui vient plus du jazz. Je pense à sam Cooke ou encore à Otis Redding.

J’aime le groove et j’aime des chanteuses comme Sharon Jones mais je trouve que c’est parfois un groove stéréotypé. On peut groover mais il faut que la musique soit aussi intéressante.

Quelles sont vos influences ?

Quand j’écris, j’essaie de ne pas me laisser influencer par des chansons que j’entends. Mais si vous me demandez ce que je mets dans mon Ipod, en ce moment ce que j’adore c’est Coldplay, j’adore ce groupe. Mais j’écoute plein de choses. Du rock aussi, comme Janis Joplin. C’est tellement puissant.

Quelle est l’audience de ce projet aux Etats-Unis ?

Vous savez les gens, partout dans le monde ressentent les mêmes choses. Ils veulent avoir e feeling, ce groove. Et l'accueil est plutot bon. Cela me permet d'ailleurs de faire pas mal de tournées.

Mais avec un projet comme celui-ci êtes vous approché par des grands labels ?

Définitivement non. J’aimerais bien qu’ils s’intéressent à moi. Qu’il s’agisse d’un gros label ou d’un petit label indépendant d'ailleurs. J’aimerais juste qu’ils aiment ma musique. Vous savez c’est de l’artisanat aujourd’hui. Je fais tout sur cet album. J’ai investi de l’argent.

Est ce qu’il y a un projet que vous rêvez d’accomplir dans votre carrière de chanteuse ?

Mais c’était celui-ci mon rêve. Aujourd’hui mon rêve c’est de continuer à avoir ce succès pour pouvoir continuer à faire de la musique et à créer.