TZADIK 2012

Guillaume Perret (sax), Philippe Bussonet (b), Yoann Serra (dm), Jim Grandcamp (g), Mederic Collignon (cnt, vc), Sir Alice (vc)

 Voilà bien un OVNI qui surgit sur la scène du jazz hexagonal ! Enfin pas si hexagonal que cela puisque, pour son premier album, ce jeune saxophoniste de 32 ans à peine est pris sous son aile par le label Tzadik, rien moins que le label de John Zorn. Excusez du peu ! Et lorsque l'on sait le niveau d'exigence du génial New-yorkais, on ne s'étonne pas de ce qui va suivre. Car, n’y allons pas par quatre chemin cet album est un véritable choc au plexus !

Guillaume Perret a a déjà eu, malgré son jeune âge l’occasion de multiplier les collaborations en tous genre ( Le Bocal, Miles Okasaki et Damion Reid, Sangoma Everett, Linley Marthe, Falvio Boltro etc...) ainsi que les expériences transfrontalières à travers le monde. Et son premier album est le fruit d’un travail de près de deux ans qu’il a eu l’occasion de peaufiner au cours de multiples résidences.

L'esthétique relève ici bien sûr de l'univers zornien, notamment celui de Painkiller ou de Nirvana, dont Guillaume Perret se garde bien pour autant de n'en livrer qu'une caricature. Le saxophoniste nous bouscule, nous convoque au choc esthétique sur le registre fantasmatique des fables antiques. On est dans une mythologie imaginaire, un voyage d'Ulysse revisité. Emotions terrifiantes sorties dont on ne sait quel enfer. Guillaume Perret n'hésite pas et taille dans les chairs. Et si les avant-propos peuvent sembler légers (voire l'intro de Kakoum) c'est oublier qu'une forme de démence est prête a surgir et à disparaitre aussitôt, laissant l'auditeur totalement désarçonné.

Des arrangements à couper le souffle mettent en évidence la force de ce groupe concentré avec intelligence sur l'expressivité de la musique, sur sa théâtralité. Chacun porte une part de la dramaturgie. Et l'on serait bien en peine de parler de chacun des musiciens isolement tant l'oeuvre est collective.

A la différence de Zorn, Guillaume Perret ajoute au jazz et à l'heavy metal, un composante techno (Lego) qui apporte aussi une autre forme de modernité hallucinée. On peut être un peu agacés par Ethiopic Vertigo,sorte de référence acculturèe aux ethiopiques devenant une sorte de tarte à la crème dans le jazz actuel. Mais lorsque Guillaume Perret revient à ses fondamentaux (Circé, Thème pour le rivage des morts, Massacra),  on reste scotchés par l'assimilation des codes zorniens et par cette capacité du groupe "Electric Epic" à créer un imaginaire et à construire une scène presque sensorielle.

7 titres seulement pour un album d'une densité exceptionnelle. Rentrer dans cet expérience unique est en soit une aventure aux émotions palpables. Un choc absolu garanti.

Jean-Marc Gelin 

Jean Marc Padovani Philippe Léogé musiques

Enzo Cormann textes

Comme le cinéma et le jazz ont un long compagnonnage, le film noir était tout indiqué pour inspirer les musiciens de jazz. Son époque, pourtant révolue, n’en finit pas d’exercer sa fascination. C’est un poème jazz qui est mis en musique par le saxophoniste Jean Marc Padovani et le pianiste Philippe Léogé sur les textes dits par leur auteur Enzo Cormann. Un scénario de jazz en images parlantes et sonnantes pour quartet instrumental (Maxime Delpierre à la contrebasse et Pierre Pollet à la batterie). Projet intéressant qui trahit un amour intense pour les romans policiers de la série noire et les films de gangsters des années trente. Les metteurs en scène Fritz Lang, John Houston, Billy Wilder, Howard Hawkes, et les « script doctors » de l’époque dans « les mines de sel » hollywoodiennes de Faulkner sont évidemment convoqués ( Raymond Chandler, David Goodis, William Irish (la sirène du Mississipi), Horace Mc Coy...) Le cinéma, le roman noir et le jazz s’enrichissent de leurs techniques respectives : atmosphère sombre, oppressante, érotisme, voix off, dialogues rythmés, syncopés...

Cet album n’est pas une énième variation  sur les musiques de films de Miklos Rozsa, Dimitri Tiomkin et leur arrangement jazz, ni la recréation inspirée de Stephan Oliva  « Film Noir », ou son hommage très personnel « After Noir » avec des portraits de Robert Ryan, Ida Lupino. Sur le même thème, c’est un spectacle complet de théâtre musical, la littérature mise en musique... Le livret, parfait, donne à suivre tout le travail du poète Enzo Cormann : ses références nombreuses se croisent dans le labyrinthe des mots et des souvenirs, des évocations de films, de livres aussi, d’auteurs allant de Shakespeare à Pavese. Il insère citations, dialogues de films, où The Big Heatrevient souvent, tant ce règlement de comptes est l’un des films de la période américaine de Fritz Lang parmi les plus saisissants. Les prisons regorgent d’idiots qui se demandent pourquoi ils y sont. Tous ces titres nous parlent, ils arrivent même dans la dernière pièce à tricoter un texte qui tient la route. Les références sont précises, Truffaut et Godard sont convoqués pour leur fascination envers l’univers de Goodis ou Irish : «Je rencontre François Truffaut au détour d’un rêve, lui demande s’il connaît  l’adresse d’Alfred Hitchcock : Demande là donc au plus con des suisses pro chinois».

Si le spectacle est fait pour être vu, à l’écoute du seul disque, on y est déjà, tant la musique, véritable B.O du film, s’adapte aux changements de décors, à chaque nouvelle composition. La pièce est mise en scène par Cormann qui se démène comme un beau diable, fait plusieurs voix, avec un indéniable sens du rythme : diction précise, voix posée, phrasé très jazz assurément. Il est l’un des musiciens du groupe, à part entière. C’est là le plus bluffant car il ne chante pas, fredonne juste une fois vers la fin, entre Salvador, Vian, Nougaro. Étonnant histrion qui anime son poème, juste ce qu’il faut pour que ses vers libres sonnent et raisonnent. Son texte doit être lu, ce n’est pas une logorrhée novarinienne, mais une transcription dans notre langue de l’atmosphère propre au genre. La musique est parfaite, assez discrète pour ne pas couvrir et détourner du sens : il faut que l‘on suive et comprenne le français, les mots. Elle est là, agissant dans l’ombre, se collant parfaitement à la peau du texte. Ainsi surgissent les élans saisissants, déchirants du saxophone d’un Jean Marc Padovani très coltranien en somme  dans « Death will come ».

Pour nostalgiques évidemment, dingues de cinoche, fondus au noir du jazz, la seule musique véritable de cette époque. Les autres regarderont, écouteront en se disant que ça leur rappelle quelque chose,  tant ces images sont imprimées dans l’inconscient collectif. Le film noir et la musique qui s’y rattache est le reflet le plus fidèle d’une réalité sulfureuse et marginale qui nous fascinera toujours.

Sophie Chambon

Le jazz manouche était à l’honneur mardi 10 avril avec la remise par Frédéric Mitterrand, ministre de la Culture, des insignes de chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres à Boulou et Elios Ferré, Biréli Lagrène, et Thomas Dutronc.

Guitaristes vouant une grande admiration à Django Reinhardt, les frères Ferré et Bireli Lagrène perpétuent avec talent la grande tradition du jazz manouche. Chanteur à succès, le fils de Jacques Dutronc fit ses classes auprès de Biréli Lagrène avant de conquérir le public avec l’album « comme un manouche sans guitare ».

Les quatre musiciens décorés se retrouveront au 33 ème festival  Django Reinhardt à Samois (Seine-et-Marne) du 27 juin au 1^er juillet prochain. Le génial gitan (1910-1953) fera de nouveau l’actualité avec une exposition organisée cet automne à la Cité de la Musique qui donnera lieu également à des nombreux concerts du 3 au 9 octobre, dont Django Drom spectacle porté par Tony Gatlif et Didier Lockwood.

Jean-Louis Lemarchand

Enregistré au Centre Culturel René Char à Digne (04)

Label Durance / Orkhêstra

www.atelier-de-musiques-improvisées.com

www.studio-esc.com

Les notes de pochette de Jean Buzelin sont précieuses pour présenter la musique de ce trio, qui a enregistré au centre René Char à Digne ; ce n’est donc pas nécessairement un hommage au poète né dans le Vaucluse, plus au sud à l’Isle sur Sorgues. Aimait- il le jazz, cet être fier, farouche, résistant, libre enfin ? Il nous plaît de le croire.

Ecoutons à présent la musique,  qui commence avec ce standard  de  Carmichael « Skylark » qui rend avec finesse tout son sens à la mélodie . Suivent ensuite les propres compositions de Sébastien Lalisse au piano, Alain Soler à la batterie et d’Olivier Chabasse  à la contrebasse. Triangle équilatéral donc équilibré, où chacun écoute, répond, respecte la parité de l’échange. Survient enfin une belle improvisation commune avec la participation de Raphael Imbert au sax et clarinette basse, délicat et vibrant  hommage à René Char, en effleurant quelques notes de « All the things you are », gouttes d’un parfum léger et nostalgique. « Brother can you spare a dime ? » est enfin une chanson du répertoire qui date de 1931, reprise dans la plus belle tradition, « vieux style modernisé à la Roland Kirk » écrit encore Buzelin, « à la Bechet » aussi, pourrait-on rajouter. C’est de la musique tout simplement et de la bonne.  Ça swingue, le pianiste nous joue le répertoire des formes d’un style à l’autre, sans avoir l’air de trop y toucher. Du grand art et surtout du jazz qui quatre vingt ans après, nous touche en cette  autre période de crise, de dépression. On est dans la nostalgie, à savoir au cœur de l’émotion, du sentiment et de ce qui nous constitue. Essentiel donc.

Sophie Chambon

Naïve 2012

Déjà on sait que la réunion de ces deux chanteurs d’exception est le gage d’avoir à faire à une machine à créer des énergies positives (ils n’en sont  d’ailleurs pas, ces deux-là, à leur coup d’essai). Deux qui se répondent dans leur foi commune et leur passion pour la musique et pour le chant. Mais surtout deux artistes sans la moindre concession. Deux artistes qui chacun au gré de leur parcours  affichent un farouche désir de liberté. Avec toujours cet amour du chant au bord des lèvres, capables de galvaniser tous les auditoires quels qu’ils puissent être. Une passion du chant mais aussi du texte à chanter les réunit ici autour de ce jeu de rôle qu’ils abordent chacun avec leur énorme personnalité.

Si vous y ajoutez le Brussels Jazz Orchestra (on dit le BJO), assurément l’un des plus fantastique big band Européen (surtout depuis la disparition du Vienna Art Orchestra), vous avez forcément là tous les ingrédients pour en faire un grand disque.

C’est avec le respect de la tradition de tous les big bands qui se sont succédé pour interpréter l’œuvre de Gershwin mais avec une grande modernité dans les arrangements que ces trois-là (deux chanteurs et un orchestre) se jettent à corps perdu dans ce Porgy and Bess dont ils livrent une version remaniée et séduisante.

Les arrangements sont ultra-brillants d’un bout à l’autre, nous amenant à une autre écoute. Nous conduisant à oublier les grands originaux pour redécouvrir l’œuvre de Gershwin. Les voix sont alors des cuivres et les cuivre deviennent des voix. Les solistes se surpassent tous et Franck Vaganée n’oublie pas de moderniser aussi ces arrangements en introduisant parfois une dose d’électricité. La masse orchestrale fait corps avec les chanteurs et les solistes prenant le relais de ces derniers. David Linx affirme là une ampleur et surtout une amplitude dans l’expression qui transcende l’orchestre alors que la voix si typée de Maria Joao laisse exploser une Bess sauvage et insaisissable (sauf pour Porgy bien sûr) indépendante et farouche.

Les thèmes archi connus (Summertime ou I love you Porgy) sont bien là mais les protagonistes s’attardent aussi sur des thèmes un peu moins entendus. On notera ce A woman is a sometime thing au swing terrible porté par une guitare piquée remarquable de groove, ce Buzzard Song aux harmoniques riches sur lesquelles se ballade David Linx avec une déconcertante aisance ou un Bess you are my woman nowboostée par une belle ligne de basse.

La revisitation du texte de Porgy and Bess se fait ici plus sauvage, plus wild. Porgy et Bess deviennent alors deux êtres épris de liberté et leur expression y est avec David Linx et Maria Joao, presque charnelle. La formidable machine qu’est le BJO leur sert sur un plateau un festin de roi et de reine.

Jean-Marc Gelin