Petit label  031

Le batteur Bruno Tocanne et le multi-instrumentiste Henri Roger créent un duo inédit dans ce Remedios la Belle, au titre mystérieux et peu jazz assurément, qui fait référence aux personnages du roman fleuve Cent ans de Solitude du sud américain Gabriel García Márquez. Ces deux musiciens combattifs et combattants, tendres et joyeux, mais libres avant toute chose, ont imaginé une succession de quatorze petites pièces, pas faciles, pour illustrer sur le Petit label  normand leur nouvelle entreprise. Soixante minutes pour cent ans, la tâche est ardue…
Batteur exemplaire que l’on suit depuis son trio Résistance, Tocanne ne pouvait que se réjouir de faire une autre belle rencontre, de tenter un nouvel échange, sans soufflants cette fois. Un dialogue intime, attentif, jamais conflictuel, un appariement généreux allait s’établir avec Henri Roger, pianiste-guitariste,  improvisateur, jamais en mal d’avant-garde, qui compose sous la fascination du chant et de l’expression libre. La palette des sons et des timbres s’enrichit des combinaisons guitare-batterie, plus aériennes et ciselées que celles du piano et de la batterie, volontiers rugueuses, exacerbées. Sans relâche, l’un accompagne l’autre, et l’autre l’un, le guitariste poursuit l’échange avec une énergie frémissante, sans que la batterie ne le couvre. Au piano, il martèle plus allègrement, s’imposant en égal. Car tous deux, rythmiciens sans pareil, intègrent avec souplesse les imprévus de cette musique qui pourrait être dérangeante, qu’on écoute pourtant d’un trait, sensibles aux frôlements, effleurements, aux brusques éclats de free. Comme des voix irréelles, des rêves non moins étranges se répondent tout au long de l’album, ces pièces-paysages ou plutôt personnages, totalement ouvertes, laissent le temps s’y dilater.
On se laisse porter par la fluidité de ces lignes mélodiques faites de surprises, de couleurs exaltantes, appliquées en fines touches. Cette improvisation qu’ils maîtrisent pour en libérer tout le chant, jaillit sous nos yeux, déployant une fresque bigarrée qui traduit le mouvement et l’amplitude du bouquin culte dont les musiciens s’inspirent. Et pourtant, il n’y a pas de correspondance à rechercher, la musique du duo n’est pas une illustration mais une libre re-création, un voyage onirique dans l’arrrière-pays de la création, une promenade sans facilité qui conduit aux limites du son, du chant et du rêve. Le timing est rempli, la mission accomplie.

Sophie Chambon

Naim Jazz – 2011

Neil Cowley (Pno, key), Rex Horan (Bass), Evan Jenkins (dms) 

Cet album est le quatrième opus du trio du pianiste et génial compositeur anglais Neil Cowley. Faite de sonorités diverses, la Musique de ce power trio est d’un éclectisme sans équivalent, teintée à la fois d’humour noir « so british » et d’onirisme décalé. Outre ses influences premières qui furent Chostakovitch et Debussy entre autres, Neil Cowley se révèle être depuis de nombreuses années comme étant l’un des principaux acteurs de la scène britannique par le biais d’un Jazz résolument moderne, à la fois ancré dans la Pop, le Rock, et d’autres influences aussi diverses qu’actuelles. On pourrait y entrevoir une certaine filiation avec E.S.T ou bien encore The Bad Plus tant la manière est audacieuse. C’est dans un certain sens de la même façon que Neil Cowley eut imaginé son propre trio, composé aujourd’hui du contrebassiste Rex Horan et du batteur Evan Jenkins. Lorsque ces compositions défilent les unes après les autres, on ressent aussi chez ce trio un certain goût pour la Musique écrite, en témoigne la présence presque perpétuelle d’un ensemble de cordes (non cité sur la pochette du disque ?). N’étant jamais au bout de nos surprises à l’écoute du disque d’un tel créateur, il fallait aussi souligner l’utilisation progressive d’éléments samplés, par exemple dans Mini Ha Ha où le thème est construit sur les intonations du rire répétitif d’un enfant. Ce qui rappellera sans doute les expériences passés d’un certain Jason Moran. Cet album nous offre de jolies ballades interprétées comme de majestueux folk songs, de lentes méditations autour de résonnances noyées dans une immensité acoustique. Ces poétiques effluves sonores de l’outre-manche résonnent en nous comme un romantisme incommensurable. Même si cette œuvre est définitivement hors de tous sentiers battus, dommage que l’absence flagrante d’improvisation reflète en quelque sorte un certain manque de prise de risque, malgré un sens aigu du détail sonore. Quoi de plus normal que de vérifier cela en allant assister à un concert du trio de Neil Cowley ! Tristan Loriaut

1 Cd Derry Dol / Soca Disc 2012

Chaque album est une balise, certaines sont là pour marquer le temps, d’autres pour engager de nouvelles orientations. Wared, qui est le nom du groupe du pianiste Edouard Bineau (anagramme d’Edouard) correspond, non pas à un changement de groupe -on ne change pas une aussi belle équipe qui marche- mais à l’inscritpion de la musique du pianiste dans d’autres formes, un quintet de jazz décomplexé et libre, un label qui s’affirme Derry Dol, à qui l’on souhaite le meilleur dans une conjoncture aussi peu favorable.

A partir du trio existant depuis 2004, composé de Gildas Boclé et Arnaud Lechantre ( réécoutez L’obsessionniste, dédié au Facteur Cheval, personnage extravagant qu’aime le chanteur Hubert-Félix Thiéfaine. Ce personnage hors du commun a mis toute sa vie dans son Palais, « Bringing it all back home » comme le dit si bien Dylan, une autre idole du chanteur jurassien. Pourquoi évoquer Thiéfaine ? Parce que Wared reprend un des tubes de ce chanteur si singulier « Lorelei » …Ah les affinités électives…On remarquera aussi une autre reprise, de Brassens, «Mourir pour des idées» où Edouard Bineau se lance à l’harmonica, ce qui  confère une couleur bluesy à la rengaine libertaire de l’ami George. Une fois de plus c’est la preuve que Brassens se prête aux variations du jazz (Les étrangers familiers), qu’il avait du swing dans les veines et un sacré rythme dans le poignet.

Une couleur particulière, un son de groupe pour ce Sextoy, qui devrait donner de bonnes vibrations, à n’en pas douter quand on connaît les musiciens.

Justement, dans le disque précédent c’est le talentueux saxophoniste ténor et soprano allemand Daniel Erdmann qui faisait son entrée, avec une énergie communicative ; le clarinettiste et saxophoniste altiste Sébastien Texier, était invité. Il en est à présent membre à part entière, et ainsi la formation s’étoffe avec des unissons et des contrepoints délicats, une instrumentation plus complexe qui autorise des compositions ouvertes, plus développées. Chacun continue à se donner le temps de construire dans l’échange, à parité, s’appuyant sur le groove persistant de la paire rythmique Cette musique impose sa fluidité dans une succession de titres curieux, aux climats changeants, qui ne contrarie en rien la persistante continuité de l’ensemble. Quelle est la ligne conductrice ? Le goût de la mélodie qui chante, dont la ligne claire se retient, avec autant de variantes que les frémissement passionnés d’une douce violence des soufflants.Un jazz qui ne perd pas ses repères, marqué de la touche « Bineau » qui dose toujours ses interventions, s’intégrant dans le son plein et riche du quintet.  Quand il avance, non masqué, dans toute la poésie du jazz, sensuel et mélancolique, résonne ce « No way back »  émouvant, rauque. Avec son complice Texier, ça chante vraiment comme dans la soyeuse et prenante musique au groove hypnotique de ce « Carousel » de cirque.        

On continue à suivre avec plaisir ce groupe qui se rôde en concerts et festivals. Avec le souhait de les voir passer près de chez nous….    

Sophie Chambon

Au Smalls dans Greenwich pour voir le saxophoniste Jd Allen 

Dans l'obscurité du Stone, Sylvie Courvoisier, une zornienne habituée des lieux

Plus tard au Lincoln Center, un concert de Matt Wilson avec l'incroyable Terrell Stafford ( Tp) et le nom moins génial Gary Versace (p)

(où au bar nous avons rencontré Scott Robinson qui nous a appris qu'il venait de délaisser très provisoirement Maria Schneider ppour sortir un album sous son propre label

Et puis pour ne pas repartir bredouille un saut chez Downtown Music gallery, la caverne d'ali baba où j'ai trouvé :

Thomas Chapin : "Menagerie dreams"

Ellery Eskelin / Sylvie Courvoisier : "Every so often"

Masada : "Live at Middelheim 1999"

Peter Brotzmann sextet : " Nipples"  1969

Taylor Ho Binum / John Herbet / gerald Cleaver : " Book of three"

Hamid Drake & BIndu : " Blissful"

Olivier Hutman (p), Ya n Martin (tp), Matthias Malher (tb), Michael Nick (vl), Thomas Savy (cl), Pierre Wekstein (sax), Claude Brisset (cb), Philippe Dammais (dm)

Attention, évènement de ce début d’année !

Les anciens de l'Orient Express Moving Shnorers se sont reformés il y a déjà quelque années en un nouveau groupe, une nouvelle forme, un nouvel esprit, un Klezmer Nova que certains (ils ont tort et ils sont de moins en moins nombreux) ne connaissent pas malgré les diverses apparitions du groupe sur la scène de l’Européen à Paris.

Klezmer Nova : on ne saurait mieux dire tant il s’agit d’un bien sérieux coup de neuf dans l'univers de la musique Klezmer trop souvent ancrée dans les archtétypes de la musique ashkenaze et des prodiges de Naftule Brandwein. Au point que bien que l'ancrage Klezmer soit très clairement affirmé et revendiqué comme le marqueur de sa musique, Pierre Wekstein a su néanmoins créer une musique iconoclaste, inventive, créative et hors tout champ stéréotypique puisant à de multiples sources.

Avec un superbe octet de jazzmen et un magnifique travail d'écriture, le groupe sonne autant comme un big band, que comme un combo Klezmer ou une fanfare balkanique. C'est que tout dans cet album relève d'une richesse musicale inouïe. Avec 28 titres regroupés autour de 3 thèmes ( Ladilafé, Takamaka Songe, Aedes Cosmopolites) Pierre Weikstein fait s'enchevêtrer l'humour, la poésie et la philosophie et autant d’influences musicales. Il y a du théâtre, de la danse, des rires et des larmes. Une dramaturgie magnifique comme l'aurait compris Albert Cohen. Et ça danse, parfois un peu genre Bar Mitzvah mais aussi et surtout comme une fanfare baroque où Solal et Mangeclous semblent emmener avec eux Emir Kusturica dans une folle sarabande où la vie s’exulte en jaillissements. Mais dire cela est pour autant réducteur à une configuration dont Pierre Wekstein ne cesse de s’échapper pour s’ouvrir à une écriture bien plus subtile comme Sysiphe 974 par exemple où il est plus question d’influence presque Debussiennes si toutefois l’on osait s’embarquer sur ce terrain. Et pourquoi pas Gorecki ? Oui d’ailleurs pourquoi pas ?

Il y a de l'intelligence dans cette musique là, dans son texte et son contexte. Mais aussi des moments d'émotion pure qui èmergent et nous renvoient à des textes sublimes issus de la culture Yiddish. Le violon, si étroitement lié à la tradition reprend aussi ses droits comme dans ce thème superbe (Le Songe) où il porte à son paroxysme une musique qui n’a dégale que la beauté des toiles de Chagall. Magnifique et déchirant Michael Nick. D’ailleurs c’est bien simple tous les solistes sont sublimes. Il faudrait parler de ce chorus incroyable de Yann Martin sur Bogalusa. Il faudrait parler aussi de Matthias Malher auteur d’un moment d’héroisme rugissant au trombone sur Ladi ou encore des envolées et des melismes sinueux de Thomas Savy. Il faudrait parler aussi de Claude Brisset et de Olivier Hutman qui portent les Déferlantes à un point quasi volcanique. Là encore l’écriture brillante de Pierre Wekstein et  ses arrangement non moins lumineux.

L’orchestre est en marche et fonctionne dans tous ses rouages. Capitivant il ne vous lâche pas et sait vous emmener irrésistiblement.

Que la culture Klezmer soit ou non la notre (moi jusqu’à présent les énervements Klezmero-zorniens avaient plutôt tendance à m’exaspérer), Pierre Wekstein parvient à en décloisonner son enracinement pour la rendre plus universelle. On jubile de bout en bout. On suit la troupe virevoltante et émouvante à la fois.

Cet album est assurément l'un des plus brillants de ce début d'année.

Jean-Marc Gelin