Verve 2011

Stephane Belmondo (tp, fchn), Kirk Lightsey (p, fl), Sylvain Romano (cb), Billy Hart (dm), + Laurent Finckelson (p)

Rien de moins pour le nouvel album de Stéphane Belmondo que les honneurs du prestigieux label Verve. Il faut admettre que rares (voire rarissimes) sont les frenchies qui sont allé signer sur le label de Norman Granz. Et pour ce tout nouvel album notre trompettiste toulonnais reste sur le terrain qu’il affectionne, celui des rencontres avec quelques pointures du jazz qui en ont écrit les plus belles histoires. On sait le travail fait avec son frère Lionel avec Yusef Lateef. On sait aussi le beau projet qu’ils développèrent ensemble avec Milton Nascimento. Ici c’est en quartet que Stéphane Belmondo accueille deux vraies légendes du jazz, le pianiste Kirk Lightsey et le batteur Billy Hart. L’un, le pianiste de Détroit ( la patrie de Hank Jones) a 74 ans et a traversé la scène du jazz américain avec tous les plus grands (Chet Baker, Dexter Gordon, Kenny Burrell, Anita O’day, Chico Freeman, Lester Bowie etc…). L’autre, Billy Hart de trois ans son benjamin n’est pas en reste, lui qui a joué avec Miles, Gil Evans, Lee Konitz et tant d’autres. Tous deux trouvent aux côtés de Stéphane Belmondo un terrain d’entente sur une musique post hard bop sur lequel tous les trois excellent. Qui plus est, Stephane qui a bien souvent joué avec Lightsey entretient une réelle complicité avec le pianiste. Restait à ajouter un super copain, Sylvain Romano à la pulse d’une précision métronomique et diabolique pour en faire un super combo.

Adepte des rencontres, Stéphane Belmondo,est à l’aise dans ce jardin-là dans une ambiance qui ressemble fort à celle d’un concert de club tant il y a de l’instantané là-dedans, du pas calculé, du plaisir de jouer et de se lâcher comme les affectionne Belmondo. On imagine bien que cet album pourrait se décliner en 30 titres et aller jusqu’au bout du petit matin.

Et pourtant on retrouve ici le trompettiste dans un registre bien plus apaisé qu’à l’accoutumée, un peu moins démonstratif mais dans la totale plénitude du chant de l’instrument. Traversé un peu corps et âme par le bugle à l’image de la pochette de l’album. Et c'est ici un Stéphane Belmondo tout nouveau, rayonnant presque printanier qui émerge ici. Un musicien bien dans ses baskets dont on se dit que la récente venue de la petite Rita (à qui Belmondo dédie un beau titre, light upon Rita) ne doit pas y être pour rien.

5 compositions de Belmondo, une de Stevie Wonder  (qui ne figurait pas dans « Wonderland » son hommage superbe à Stevie), une de Lightsey, un standard ( Eveything happens to mequi est aussi le titre éponyme d’un album du pianiste), un thème de Wayne Shorter ( aussi repris dans un album que le pianiste a dédié au saxophoniste) constituent l’essentiel du matériau. Et il ne s’agit rien de moins et rien de plus que de jouer cette musique qui ne révolutionne pas l’histoire du jazz mais qui en maintient les couleurs vives. S’il flirte toujours avec des horizons coltraniens, Belmondo touche aussi en plein cœur lorsqu’il s’en démarque parfois comme lorsqu’il entreprend en duo avec le pianiste un Everything Happens to me extrêmement touchant. Au point que l’on regrette presque que Belmondo n’ait pas choisi la formule du duo dont on perçoit là l’amorce d’un beau projet. Lightsey que l’on entend rire sur une prise fantôme (*) est visiblement heureux de se retrouver là. Entre jeu en block chords et chaloupements à la Wynton Kelly, l’homme dégage une énergie et une vigueur qui fait plaisir à entendre.

Si l’on est (cela est parfaitement subjectif et assumé comme tel) pas du tout convaincu par cette nouvelle affreuse manie de jouer des conques ( à laquelle depuis Steve Turre se rallient Llado ou Belmondo), on est pour le reste plutôt séduit par cet album de passage, cette courte parenthèse dans la carrière du trompettiste qui s’offre un double plaisir, celui de la paternité et celui de sa propre rencontre avec ses propres pères. Ceux dont il porte l’héritage musical. De flamboyante façon.

Jean-Marc Gelin

(*) Ne pas hésiter à visionner la video du makin off de l’album :

ACT 2011

Nguyên Lê: guitars, computer, fretless electric guitar (3), prepared Vietnamese Cai Luong acoustic guitar (8), baby 12-string acoustic guitar (14); Illya Amar: vibraphone (1, 2, 4, 5, 7, 9, 10-13, 15), marimba (1, 2, 4, 5, 7, 9, 10, 12, 13, 15), electronics (1, 2, 4, 5, 7, 9, 10, 13, 15); Linley Marthe: electric bass (1, 2, 4, 5, 7, 9, 10, 12, 13, 15), vocals (12); Stéphane Galland: drums (1, 2, 4, 5, 7, 9, 10, 13, 15); Youn Sun Nah: lead vocal (1, 10); Ousman Danedjo: vocals (1, 2, 7, 15), lead vocals (5); Gou Gan: erhu (1); Stéphane Edouard: percussion (1, 4, 9, 12, 15); David Linx: lead vocal (2, 9), vocals (7, 15); Himiko Paganotti: vocals (2, 5, 15), lead vocal (7, 12); Prabhu Edouard: vocals (2), percussion (2), tablas (10), Indian vocals (10); Dhafer Youssef: vocals (3, 4); Karim Ziad: percussion (5), karkabus (10, 12), drums (12); Hamid El Kasri: gumbri (5); Keyvan Chemirani: zarb (7); David Binney: alto saxophone (9); Julia Sarr: vocals (7, 15), lead vocals (11).

Au départ c’est presque une vieille histoire d’adolescent. Des souvenirs de jeune ado qui écoutait jusqu’à plus soif les tubes de l’époque et faisait tourner sur sa platine (vynile !) ses standards à lui. Et sur cette platine tournait du Stevie Wonder, du Led Zep, du Janis Joplin, du Bob Marley. Des tubes « gros comme ça », des chansons que tout le monde a dans la tête. Des trucs qui sentent un peu le shit dans la piaule d'étudiant et des « délires graves » et ça a le relent de tout ce qui nous a fait préférer le rock aux cours de maths et je me rappelle et je m'en souviens. Au départ donc, ça part comme ça.

À l’arrivée, cela donne un disque absolument énorme où le guitariste réinvente absolument tout. Se réapproprie sans trahir. Transforme sans travestir. Redonne une nouvelle vie à ces tubes interplanétaires que Nguyen Lê refaçonne avec génie. Tout prend une couleur nouvelle. Le I wish de Stevie Wonderpar exemple, est totalement réinventé par David Linx qui déjante et en porte quelque chose de profondément tripal. Tripal, c’est exactement le mot de cet album qui va chercher dans cette sauvagerie du rock et de la pop quelque chose de RADICAL.  Whole Lotta Love de Led Zep ( les paroles raffinèes en gros c’est « je vais te la mettre profond ») transcendé par Youn Sun Nah dans une totale acculturation de la chanson.. Et que dire de ce beau Mercedes Benz de Janis Joplin porté par la voix sublime de Himiko Paganotti ! 

Après s’être attaqué au répertoire de Jimi Hendrix ( « Purple »), Nguyen Lê ( en home studio, excusez !!) retrouve la bande de ses fidèles comparses (Stephane Galland à la batterie, Linley Marthe à la basse et Illya Amar au vibraphone et stephane Edoaurd aux percus) et remet tout dans un ordre ( ou plutôt un désordre) qui lui tient à cœur. Il y a bien sûr ces racines vietnamiennes que Nguyen Lê ne renie pas et que, au contraire il utilise avec une pointe de génie en recourant parfois à la guitare vietnamienne ( sur quelques petites heureuses incises en guise d’introductions). Mais, nous le disions, ces tubes sont interplanétaires et donc quelque part universels. Il y a donc aussi de l’Afrique dans cet album ( Pastime Paradisepar exemple avec Ousman Danedjo) et du blues qui se moque des frontières. Il y a parfois quelques sucreries sauf qu'après tout, il n'y a pas de mal à se faire du bien. Et surtout Il y a tout au long de l’album la guitare de Nguyen Lê, parfois guitare héro parfois au contraire nuançant les couleurs. On entend chez lui Hendrix (référence suprême) mais aussi Steve Vai ou parfois même Clapton. Nguyen Lê a cette capacité de transformer son instrument avec une science de l’improvisation exceptionnelle capable d’imprimer la marque de tous les thèmes entre Europe, Afrique, Orient et occident. Ecouter par exemple comment avec subtilité il s’empare de Mercedes Benz de Janis Joplin pour l’amener petit à petit à un rock qui racle, qui graille, qui transcende le tout. Sur Black Dogil ne cherche pas à dénaturer et reste au contraire au plus près du sujet d’origine en l’explosant littéralement en vol avec son complice de longue date Dhafer Youssef qui sort le thème d’une transe magique et là encore tripale. Deux saxophonistes américains s’invitent sur cet album et non des moindres : David Binney sur More Over et Chris Speed à la clarinette turque.

Et il y a au final ce prodigieux travail d'arrangement. Entendez par là cette écriture - réécriture dont Nguyen Lê fait montre tour au long de l'album avec en toile de fond une direction artistique de haute volée. Avec ces thèmes connus , reconnus et redécouvert, le résultat est purement et simplement jubilatoire.

Jean-marc Gelin

Cabu Jazz Masters
Une collection de 32 titres
Sortie le 28 mars

BDMusic / Harmonia mundi

Woody Herman une anthologie  1949/1959

Décidément, on aime  beaucoup la dernière livraison des Cabu jazz consacrée à Woody HERMAN et à Quincy JONES, chefs d’orchestre.
Le dessinateur de Charlie Hebdo et du Canard Enchaîné continue à croquer des portraits des grands du jazz, alors que Wozniak en assure la mise en couleur sur un fond jaune éclatant. Le label affectionne la BD et le Jazz,  on le sait  et on attend à présent comme pour un épisode de la nouvelle saison de la série l’ anthologie maison concoctée par Christian Bonnet.
Si l’objectif de cette collection est de faire découvrir ces perles rares, ces joyaux d’une époque bien révolue, voilà encore quatre beaux numéros.
On commence par les leaders.   

Woody Herman est une des personnalités attachantes de l’histoire du jazz, puisqu’il n’aura eu de cesse, sa vie durant, de faire vivre son propre big band .
De 1936 jusqu’à son dernier souffle en 1987, le clarinettiste-saxophoniste altiste aura lutté pour que sa belle machine, particulièrement rutilante exprime cet amour irrépressible du jazz.
Son véritable mode d’expression était son orchestre qu’il arriva à maintenir tout en changeant souvent de personnel et même de dimension.  On a tout de même l’occasion de l’entendre à la clarinette dans « Rhapsody in wood » (qui fut aussi un film en 1947) et chanter de belle manière dans le célèbre « I’ll be glad when you’re dead, you rascal you ».
Ainsi Woody Herman et ses « troupeaux » successifs ( « Herd » en anglais) virent défiler la fine fleur du jazz de ces années bénies, les trompettistes Shorty Rogers, Conte Candoli, les trombonistes Bill Harris, Carl Fontana, Urbie Green.. et évidemment Jimmy Giuffre qui à cette époque ne jouait pas encore « free » mais enchantait avec les « Four brothers », lançant une nouvelle sonorité.
Si on ne trouve pas dans la sélection le fameux solo de Stan Getz débutant, « Early Autumn » en 1947, citons quelques pépites comme
ce « Spain » en 1950 qui permet d’entendre Milt Jackson au vibraphone, un fondant « East of the Sun » de septembre 1952  ou encore « Nice work if you can get it » avec the «Third Herd».
Il y en aura pour tous les goûts avec cette curiosité de 1958  « New cha cha » avec Tito Puente très « caliente », très tendance actuellement.

Voilà une époque heureuse où le jazz s’écoutait en club, à la radio, se dégustait au cinéma : une esthétique aujourd’hui révolue mais les sonorités de ces collectifs, à géométrie et personnel variables, demeurent uniques . Avec de très grands arrangeurs comme Nat Pierce (une version superbe de « Blue Lou »), Ralph Burns, Gene Roland . Plus de soixante après, le frisson demeure…
 
 

Quincy JONES

On connaît ce maître de la musique noire, ce virtuose de l’éclectisme, arrangeur, producteur génial de stars planétaires Ray Charles, Michael Jackson, auteur de musiques de films, déclencheur d’événements comme « We are the World ». Mais sait-on que ce musicien exceptionnel né en 1933, était un bopper dans l’âme et qu’il eut toujours le chic de savoir ce qui allait être au goût du jour, donc à l’époque, du jazz.
Un des mérites de ce numéro de Cabu Jazz est de mettre en lumière dans un premier Cd, son rôle de leader, à la tête de son big band, de 1955 à 1959. Et là défilent absolument tout ce que le jazz comportait de pointures, instrumentistes exceptionnels Zoot Sims, Al Cohn, Phil Woods, Lucky Thompson pour les saxophonistes, le pianiste Hank Jones, Clark Terry, Harry Edison à la trompette,  Frank Wess à la flûte, Charlie Mingus apparaît sur un « Lullaby of birdland » de 1956.
Quand  Quincy Jones ne compose pas pour son orchestre, il arrange (déjà) les merveilleuses compositions de Benny Golson  (« I remember Clifford » ) avec un solo de bugle de Clark Terry, et sur «Whisper not», un solo de Zoot Sims. On passe d‘émouvantes et tendres ballades à un blues « Everybody’s blues », ou à des compositions  résolument swing comme « Tickle toe » ou « A Change of Pace ». On se rend compte que les années cinquante étaient particulièrement excitantes avec un large éventail de styles et des musiciens formidablement talentueux.
Le second Cd montre la « versatilité » remarquable de Quincy Jones qui travailla autant pour le jazz vocal avec Dinah Washington, Helen Merrill, Ray Charles dont il fut aussi producteur que pour certains leaders comme Lionel Hampton « Kingfish », Art Farmer Septet (un « Work of Art » qui porte si bien son nom ), Gigy Gryce à Paris toujours avec le trompettiste Art Farmer mais avec Henri Renaud et Pierre Michelot, Sonny Stitt…
En tournée mondiale avec Dizzy Gillespie en 1956, Quincy Jones, infatigable activiste de la scène jazz, fut aussi le directeur artistique d’Eddy Barclay la même année : «Tout doucement » avec un solo de Don Byas au ténor. Pour nous Français, une curiosité, notre Henri Salvador dans une traduction de Vian chante une version un peu différente de « O When the saints » en 1958. On terminera par une autre « madeleine », ce « For Lena and Lennie » du Count Basie orchestra, qui fut  repris avec brio par Nougaro et qui fut aussi l’indicatif d’une émission suivie de Pierre Bouteiller sur France Inter.        
Quincy Jones façonna en partie le paysage musical du jazz pendant plusieurs décennies.  Il est bon que l’on s’en souvienne !

Sophie Chambon

NB : On souligne la praticité de l’objet digipack,  avec des enregistrements restaurés avec le plus grand soin, les précieuses informations discographiques se lisant directement à l’intérieur.Et le prix modique de cette série très didactique.

Act 2011

Vijay Iyer (p), Prasanna (g, vc), Nitin Mitta (tablas)

  Comme il le dit lui même dans ses notes, le pianiste Vijay Iyer, en s'entourant de musiciens indiens vivant aux Etas-Unis n'a surtout pas voulu faire une musique "fusion" qui sonnerait " indienne". Une musique qu'il aurait été facile d'étiqueter " world musique". La tentation est pourtant bien grande, mais le propos est bien au-delà et il s'agit avant tout ici d'une rencontre inspirée entre trois musiciens qui ont composé leur propre matériau et qui trouvent là matière à l'expression de leur propre culture musicale et à leurs propres racines qu'il n'est bien sûr pas question de gommer. A trois ils inventent un langage syncrétique autour de ce thème titre : Tirtha qui " signifie passage ou gué et désigne un lieu de pèlerinage à proximité des eaux sacrées, suggère un espace liminal entre fluide et solide, un seuil entre deux mondes" (*).

On ne saurait mieux exprimer cette atmosphère mystérieuse et envoûtante, cette nébuleuse entre raga et jazz, cet espace mouvant d'improvisation qui donne cette tonalité fascinante. L'entame de l'album (Duality) c'est justement cela : l'entrée dans un "entre-deux mondes". Le guitariste, Prasana réinvente devant nous la guitare avec un jeu qui à lui seul incarne ce syncrétisme et qui transforme tous les sons de son instrument en ceux d'un Sitar. On entend clairement dans son jeu autant de Paco de Lucia que de Ravi Shankar. Un slide aux modulations envoûtantes nous plonge dans cet univers flottant que les harmoniques de Vijay Iyer ancrent dans un jazz plus occidental. Nitin Mitta l'un des plus prometteurs joueurs de tabla, fraîchement auréolé de plusieurs récompenses obtenues dans les meilleures écoles de Calcutta, fait vibrer cette musique en faisant circuler le fil d'une énergie jamais rompu. C'est la palpitation accélérée d'un corps en mouvement. Tout évoque dans cet album ce croisement des mondes comme dans Polytheism au titre bien choisi, où Vijay Iyer évoque plutôt un Andrew Hill et où Prasanna se débarrasse de ses idiomes traditionnels pour s'ancrer dans une modernité plus prche de nous ( écouter sur ce titre le jeu époustouflant de Nitin Mitta....)

Dans cette sorte de danse à trois, dans cette façon qu'ils ont aussi de discourir sur des terrains qui portent la trace d'une histoire partagée, on entre avec un mélange de fascination et d'élan presque mystique. Un peu à la manière parfois de ce que l'on ressent à l'écoute de la transe gnawa.

Une superbe réussite.

Jean-Marc Gelin

(*) tiré des liner notes de Vijay Iyer

Retrouvez l’intervie réalisée par Linel Eskenazi pour les DNJ sur

IYER par Ailleurs… Une rencontre avec Vijay Iyer

Le projet de Vijay Iyer sera présenté le 5 avril dans le cadre du festival de banlieues Bleues.

2011 - Cristal Records / Harmonia Mundi

Eric Plandé (s, ss), Bob Degen (p)

Solide ténor, soprano subtil, Eric Plandé nous revient avec Human Nature, son huitième album. On se souvient de lui avec Abyss et de Between the lines, accompagné du formidable et devenu rare Jacques Mahieux à la batterie, tous deux animés par les forces du jazz.
Plandé joue ici en duo avec le pianiste américain Bob Degen, qui, comme lui, vit en Allemagne, depuis les années 80, et qui partagea la scène avec Heinz Sauer auparavant. Le saxophoniste signe le plus grand nombre des compositions, partage l’écriture avec Bob Degen qui signe aussi quatre plages. Le duo interprète aussi des compositions de Jean Paul Celea, de Joachim Kühn et Dave Liebman.
Fidèle à lui-même, le saxophoniste ténor et soprano ne soudoie pas et ne (se) fourvoie pas. L'énergie du souffleur, qui a hérité de la belle tradition free, est ponctuée par les délicates dissonances légèrement disloquées de l'instrumentiste et par sa profonde sensibilité. Plandé garde son authenticité alors que son discours court à l'essentiel.
En effet, Human Nature est un album différent: concis et substantiel. Si Bob Degen dessine le chemin à suivre, Plandé en est la lumière. Plus exactement, Plandé met en exergue les qualités des belles compositions et les interprète avec une grande émotion alors que le jeu neutralisé de Degen les apaise.

Caractérisé par un son qui lui est propre voire unique, Plandé gratifie ici son jeu d'une intense fragilité et avive son côté émotionnel: un saxophone qui vous fait trembler, comme un équilibriste dont on craint à tout moment la chute. Écoutez sa belle composition "Aphrodite's heart", déjà interprétée sur Abyss qui prend ici une dramaturgie compacte et dont la mélodie évidente nous touche immédiatement.
Plandé et Degen forme une paire hors norme et antinomique qui "fonctionne" bien et avec profondeur. Human Nature pourrait être un tournant musical pour Plandé, sans aucun doute l'une de ses meilleures réussites.

Jérôme Gransac