One Heure Onze 2011

Antonin Hoang (as), Ben Wendel (ts), Laurent Coq (p), Tigran Hamsyan (p), Michel Valeanu (g), Matteo Bortone (cb), Simon Tailleu (cb), Guilhem Flouzat (dm)

 Dans ce premier album signé par le jeune batteur exilé depuis 2009 à New-York on sent immédiatement la marque de ces batteurs-compositeurs dont Guilhem Flouzat revendique d'ailleurs les influences : celles notamment de Brian Blade et de John Hollenbeck.C'est avec l'appui du "grand frère", autre ex-exilè, Laurent Coq, ici maître dans la direction artistique du projet que Guilhem Flouzat, pour son premier album livre ses propres compositions. Et l'on est frappé par la très grande qualité de l'écriture à laquelle le jeune batteur a visiblement porté un soin extrême. 2 saxs ici pour jouer des  tramages subtils (comme Laurent Coq les affectionne) avec un superbe Ben Wendel au ténor et le jeune et remarquable Antonin Hoang, tout jeune alto et déjà pilier notable de l'ONJ de Daniel Yninek. L'entente entre ces deux saxophonistes est frappante dans la complémentarité de deux styles, dans deux sons assumés de manière radicalement différente mais aussi dans une science exacte de partage de l'espace. Et l'on entend distinctement ici un jazz très trendy d'Outre Atlantique, où il est avant tout question d'élégances harmoniques. On pense à d'autres écoles des clubs New-yorkais ou Berlinois (même combat) : celle de Rosenwinkell ou encore celle de Fly. C'est léger et très fin (ça pète aussi dans la soie un petit peu). Tigran Hamasyan vient rajouter sur 2 titres toute la percussivitè de son jeu et ses  propres tropismes un peu plus éloignés de Manhattan.

Au final, sur ces superbes compositions, l'osmose opère dans un esprit très peaceful, dans une sorte de communion des musiciens. Très zen en somme. Et l'on retiendra l'émergence d'un jeune musicien dont il va falloir retenir le nom. Son coup d'essai est en effet un coup de maître.

Jean-marc Gelin

Dixiefrog Records / Harmonia Mundi – 2011

Pura Fe’ (vc/slide gt), Cary Morin (gt / vc), Pete Knudson (perc / vc), Justin Robinson (vc), The Dear Clan Singers (choeurs)

Voici le quatrième album sous le nom de la chanteuse amérindienne Pura Fe’. « A Blues Night in North Carolina » nous offre le plaisir d’entendre cette formidable artiste en concert sur la terre de ses ancêtres, en Caroline du Nord. Née d’une mère indienne Tuscarora, Pura Fe’ est non seulement auteur, compositeur et interprète, mais également une active militante prêtant sa voix à diverses causes importantes. Nous pouvons retrouver de fortes influences du côté du Blues de Taj Mahal ou bien d’Eric Bibb. Le public français a d’ailleurs depuis quelques années un grand faible pour cette artiste devenue incontournable dans le monde des Folk Songs. Accompagnée par Cary Morin à la guitare et Pete Knudson aux percussions, également rejointe par quelques-uns de ses amis, Pura Fe’ use de sa guitare hawaïenne et nous fais rêver le temps d’une fabuleuse nuit du Blues. Dès les premiers morceaux, l’osmose musicale de ce groupe se construit sur un parfait mélange entre sonorités pentatoniques amérindiennes et esthétique Blues sous forme de Folk-songs. Telle la Musique de Ben Harper ou de Ry Cooder, celle de Pura Fe’ s’en retrouve elle-aussi ornée de guitare « slide », et de fort belle manière. Par ailleurs, comment résister à cette surprenante agilité de la voix lui conférant alors l’usage d’une vaste palette d’émotions. L’utilisation presque systématique de « riffs » se révèle efficace tant la qualité de ces passages nous séduit au fil des compositions, comme par exemple dans If I Was Your Guitar. La simplicité de l’instrumentation, avec deux guitares dont une « slide » et quelques percussions, donne un résultat sonore épuré, offrant un son de groupe léger et encore plus apte à provoquer l’émotion de l’auditeur. Les thèmes abordés par les paroles de ces Folk-songs tournent autour d’amour, de paix et de danses indiennes. Chacune des notes de Musique de ce disque respire le Blues et fait transparaitre une passion immodérée de la part de ses acteurs pour ce style de Musique, réconciliant alors les puristes avec les néophytes. A noter aussi la présence non négligeable sur trois titres du groupe vocal « The Dear Clan Singers » où Pura Fe’ évolue depuis plusieurs années en tant que sideman. L’artiste à la voix ambrée se révèle encore une fois imprévisible, insaisissable et surtout charmeuse. Elle sera en concert au Sunset (Paris) le 30 Mai prochain, et en tournée dans toute la France de Mars à Juin 2011.

Tristan Loriaut

Just Looking 2011

Frank Woeste - piano , fender rhodes, Jerome Regard - bass, Matthieu Chazarenc - batterie, avec la participation de Malik Mezzadri (Magic Malik), Sylvain Rifflet & de François Bonhomme.

Grand disque du pianiste Franck Woeste ! De ces disques rares dont on se dit, à force de suivre le parcours du pianiste allemand qu'il allait arriver.

Si l'on vous dit que cet album dégage une très grande force intérieure, c'est  forcément que l’évoque son supplément d'âme.Et ce disque croyez-- moi en a plus d’une.Des âmes qui passent, qui rôdent autour, des flottaisons d’âmes, des âmes inspirées et émouvantes, passionnées et exaltées, des âmes qui errent et des âmes qui cognent. Disque fascinant, pénétrant, intense que celui du pianiste  Franck Woeste dont on connaît le talent depuis qu'il côtoie Mederic Collignon dans Jus de Bocse.  Celui dont on avait apprécié les précédentes productions sous son nom ( " Mind at play" ou "untold stories" disques plus personnels et intimes) semble ici se débarrasser de l’image du pianiste brillant mais un peu policé de classicisme.

Ici, une étape où Woeste embrasse large. Il y a du jazz, de la pop (très moderne), du jazz à la Mc Coy Tyner ou à la Dollar Brand, du rock et un très gros travail de post-prod. Les références actuelles très présentes dans le jazz moderne ( King Crimson, Radiohead, Bjork) s’entendent ici. Mais il ne s’agit pas de la tarte à la crème du moment. Aucune reprise dans cet album mais juste parfois des évocations, des inspirations que l’auteur de ces lignes croit deviner sans en être tout à fait sûr. Mais surtout et avant tout, il y a des idées de musique. Un fourmillement d'idées rythmiques et harmoniques qui en fait presque une sorte de symphonie dans laquelle on déambule comme sur le chemin d'un texte à la Edgar Poe. On en perd  l’équilibre parfois et les repères nous lâchent. Tournoiements des harmonies et des polyrythmies, magie de la voix de Magic Malik dans quelques vestales envolées.  Warmer Regen ouvre ainsi cet album comme un long prélude qui nous plonge dans l'univers du pianiste sous la forme d'un choc au plexus. Entrée frontale. Puis, Franck Woeste intègre tout, tous les sons, les plus acoustiques et les plus électroniques, parvient  à les distordre avec maestria ( God put a smile upon your face). Et dans le même temps où il s'engouffre dans une musique jazz du XXIeme siècle, confluente de tout, il parvient dans le même temps à rester aussi dans l'épure traditionnelle, fondamentalement amoureux de Bach et de l'école classique (Timeless). Parfois dans le rock noisy (liquor notes), Franck Woeste que certains assimilaient à un pianiste dans la lignée des gentils sait se transformer en bad boy, se plonger parfois dans la fange de la musique des mauvais quartiers, mais sans jamais se départir de cette élégance de dandy raffiné. Où l'on entend aussi chez lui le suiveur d’un Bud Powell sur des thèmes comme Hysteria Junkie sur lesquels la dynamique insufflée par la formidable paire rythmique permet de voir clairement un power trio de grande qualité. Les formats s’ouvrent parfois avec l’ajout délicat Sylvain Rifflet, de Malik Mazzadri ( Magic Malik) ou de François Bonhomme tous orchestrés avec une grande science de l’arrangement.

Lorsque l'on entend distinctement la part d'eux-mêmes que les artistes laissent dans leur oeuvre, lorsqu'elle devient consubstantielle à eux-mêmes, on sait alors que cette musique cesse d'être de la musique pour devenir de l'art avant tout. Cette faculté de créer et de sortir du néant ce qui n'existait pas avant. C’est exactement ce que l’on retrouve ici.

Jean-marc Gelin 

ECM – 2011

Julia Hülsmann (p), Marc Muellbauer (cb), Heinrich Köbberling (dr)

La pianiste d’origine allemande Julia Hülsmann revient une nouvelle fois avec son trio sous les couleurs du label ECM pour un disque empli de sagesse et de poésie. Ce trio effectue une seconde sortie après un premier disque très remarqué en 2008, « The End of a Summer », où déjà respirait cette audacieuse approche harmonique, toute en finesse. Marc Muellbauer à la contrebasse et Heinrich Köbberling à la batterie donnent une nouvelle fois la réplique pour ce nouvel opus intitulé « Imprint ». L’homogénéité sonore, représentative de ce type de formation, nous laisse entrevoir dès les premières secondes de l’écoute un passage vers le monde de l’irréel, de l’onirique. D’élégants effluves mélodiques transparaissent dans chaque morceau, faisant parfois apparaitre une certaine monotonie. Mais notre attention reste sollicitée par l’ingéniosité des thèmes, pour la plupart composés par la pianiste elle-même, par exemple dans Grand Canyon ou (Go And Open) The Door. Il réside aussi une intéraction remarquable entre ces trois musiciens, ce qui dénote une intelligence de jeu considérable. La fluidité de chaque improvisation est d’ailleurs accentuée par cette intéraction. Il est possible aussi d’être déçu de ne pas trouver de surprenantes envolées lyriques au détour de plusieurs mélodies. Le spectre sonore s’en retrouve peut être amoindri, malgré quelques tentatives d’endiabler les débats improvisés (Solo de Ritual). A ce stade de l’écoute, il est devenu évident que l’intérêt d’un projet musical comme celui-ci réside dans l’élaboration de climax divers et variés, parfois maniérés mais sincères. A cela ajouté quelques divisions rythmiques dérangeantes, comme dans Lulu’s Paradise, ce disque se révèle être construit sur une énorme base créatrice, en témoigne la logique de la succession des thèmes sonores abordés. L’esthétique du silence, si chère à Manfred Eicher, ne saurait être absente dans le déroulement de ce projet musical. Et comme s’il fallait relier l’intégrité de ce disque au monde réel, celui du Jazz, l’écoute se clôture avec l’hommage à un célèbre compositeur, Who’s Next, réunissant à la fois calme et swing, agrémenté de la dissonance légendaire propre à la Musique de Thelonious Monk. Mais ne cherchez pas ici une quelconque virtuosité dénudée de sens. Il s’agit bien d’un disque rempli d’émotion intérieure, noblement envahi par une certaine beauté méditative. ECM a toujours le goût et la sagesse de nous faire partager de tels moments.

Tristan Loriaut

 Verve 2011

Laika Fatien (vc), Meshell Ndegeocello (b, arrgts), Joshua Roseman (tb), Oliver Lake (saxes), Kleefus Cancia (cl), Mark Kelley (b), Deantoni Parks (dm), Kendrick Scott (dm), Gilmar Gomes(perc)

Les chroniqueurs qui tous ont été subjugués par cet album, ont aussi largement insisté sur sa genèse née de la rencontre de la chanteuse avec la bassiste Meshell Ndegeocello qui en assure la production. Rencontre fructueuse s'il en est et surtout si l'on en juge par le vent de fraîcheur qu’elles font ici souffler sur le jazz vocal. Pas de révolution car l'essentiel du matériau est tiré du répertoire. Mais surtout une façon de revisiter ces grands thèmes et d'en faire un tout nouvel objet musical qui nous plonge avec douceur dans une sorte d’entre deux au charme indéfinissable.

Avec un « chanté » au naturel absolument déconcertant Laika s'aventure sur des terrains divers et variés : un jazz Monkien sur Matrix - think of oneou un Brésilien, Caico de Villa Lobos déchirant et venu du plus profond du Nordeste entamé a capela pour revenir ensuite à la noirceur d'un Brésil grave. Une belle version de Appointment in Ghana de Jackie Mc Lean sublimement arrangée par Meshell ouvre sur une modernité proche de l'univers de la bassiste, modernité par ailleurs passionnante dans cette électrification du son fusionnée à la voix de la chanteuse.

Tout chez Laika porte l'empreinte d'une voix à nulle autre pareille. Dans sa gravité sans patos et dans le timbre naturellement mezzo, dans la profondeur de son chant, il se passe quelque chose d'unique. Les morceaux sont signés Monk, Jackie Mc Lean, Tina brooks, Joe Henderson, Wayne Shorter. De petites incises simples d’à peine 2mn parfois parcourent l’album sans aucune fioritures, sans vouloir trop en faire. Juste désarmant.

Il y a là une question d’empreinte. Cette empreinte qu'elle laisse et qui s’imprègne. Cette atmosphère entre chiens et loups qui s'installe bien après que le disque ne se soit arrêté. Déjà dans son précèdent album consacré à Billie Holiday, la chanteuse prenait son temps.  Elle n’est pas lascive. Elle est juste dans la douceur du temps pris au temps. Dans l’art de chanter hors du temps. Pour preuve Visions de Stevie Wonder.

Meschell Ndegeocello, avec le concours de Oliver Lake définit artistiquement le contour de cet album avec une maestria qui ferait pâlir d'envie un producteur vedette comme Larry Klein. Car la bassiste-productrice n'est pas pour rien dans le dessin du "son " prodigieux de cet album dont les accents de basse ne contribuent pas qu’un peu à lui donner toute sa rondeur. De quoi pardonner aussi quelques concessions easy listening absolument charmantes ( Imaginationde Heusen & Burke p. exemple) peut être parfois un peu trop markétè. Mais comment ne pas succomber tout simplement au charme de Jogaqui, sansn nous faire vraiment oublier la version de Bjork ( « Homogenic » 1997) s'échappe ici du jazz pour aller bien naturellement sur le terrain d'une pop doucereuse.

Si Laika crée ce sentiment d’intimité et de murmure avec nous c’est qu’elle ne joue pas. Elle « existe » tout simplement. Il faut lire l'interview qu’elle donne à  Thierry Quenum dans le dernier numéro de Jazzmagazine : “ Je suis Laika et je me présente comme je suis. Toute ma présence s’incarne dans la voix. Je donne accès au profond de moi et ne peux pas donner plus, sinon je me donnerais en pâture, d’où la retenue. Je donne mon essence”. En l’écoutant, on comprend que cette part de vérité passe non seulement par son chant, mais aussi par sa voix et par son souffle, par le battement presque audible de son coeur. Et cela suffit à lui seul, par sa sincérité, à nous anéantir.  

Jean-Marc Gelin